Arte del suroeste americano son las artes visuales del suroeste de Estados Unidos . Esta región abarca Arizona , Nuevo México y partes de California , Colorado , Nevada , Texas y Utah . [1] Estas artes incluyen la arquitectura , la cerámica , el dibujo , el cine , la pintura , la fotografía , la escultura , el grabado y otros medios, que van desde el pasado antiguo hasta las artes contemporáneas del presente.
Los pueblo ancestrales , o anasazi (hasta 1400 d.C.) son los antepasados de las tribus pueblo actuales . Su cultura se formó en el suroeste de Estados Unidos después de que el cultivo del maíz fuera introducido desde Mesoamérica hace unos 4.000 años. Los habitantes de esta región desarrollaron un estilo de vida agrario y vivían en pueblos sedentarios. [2]
La cerámica temprana común incluía cerámica gris corrugada y cerámica decorada en blanco y negro. [3] La cerámica corrugada se hacía a partir de bobinas de arcilla enrolladas en la forma deseada y la arcilla se pellizcaba, lo que creaba la textura corrugada. [4] [5] El blanco sobre negro evolucionó como cerámica decorativa y a menudo se usaba como bien comercial como alimento. [6] Sikyátki , una antigua aldea hopi en Arizona habitada desde el siglo XIV al XVI, es la fuente de cerámica policromada. [7] Alrededor del año 300 d.C., la cultura Hohokam se desarrolló en Arizona. [8] Son los antepasados de las tribus Tohono O'odham y Akimel O'odham o Pima. [9] Los Mimbres , un subgrupo de la cultura Mogollón , son especialmente notables por las pinturas narrativas en su cerámica. [8] [10]
La turquesa , el azabache y la concha de ostra espinosa han sido utilizados tradicionalmente por los Pueblo Ancestral para joyería, y desarrollaron sofisticadas técnicas de incrustación hace siglos. Se cree que los pueblo ancestrales (anasazi) del Cañón del Chaco y la región circundante prosperaron enormemente gracias a su producción y comercio de objetos de turquesa.
En el último milenio, los pueblos athabaskan emigraron desde el norte de Canadá hacia el suroeste. Estos incluyen a los navajos y apaches . La pintura con arena es un aspecto de las ceremonias curativas navajo que inspiró una forma de arte. Los navajos aprendieron a tejer en telares verticales de los Pueblos y tejieron mantas que fueron recolectadas con entusiasmo por las tribus de la Gran Cuenca y las Llanuras en los siglos XVIII y XIX. Después de la introducción del ferrocarril en la década de 1880, las mantas importadas se volvieron abundantes y económicas, por lo que los tejedores navajos pasaron a producir alfombras para el comercio.
Las tribus pueblo , navajo y apache apreciaban la turquesa por su uso como amuleto; la última tribu cree que la piedra proporciona al arquero la puntería perfecta. Entre estos pueblos la turquesa se utilizaba en incrustaciones de mosaicos , en obras escultóricas y se transformaba en cuentas toroidales y colgantes de forma libre. Las distintivas joyas de plata producidas por los navajos y otras tribus nativas americanas del sudoeste en la actualidad son un desarrollo bastante moderno, que se cree que data de c. 1880 como resultado de las influencias europeas.
Con la necesidad de ser autosuficientes, muchos hispanos trabajan la madera, el tejido, la hojalatería, la agricultura y el cuero para crear los muebles y el mobiliario de sus hogares. [11]
Las antiguas tradiciones artísticas se han manifestado en la artesanía nativa durante generaciones cuando los europeos comenzaron a establecerse en el suroeste de Estados Unidos; [12] un reconocimiento importante por comprender el atractivo estético inherente de esta área para los artistas angloamericanos . [13]
La platería fue adoptada por artistas nativos del suroeste a partir de la década de 1850, cuando los plateros mexicanos tuvieron que cambiar su platería por ganado navajo. Los Zuni admiraban las joyas de plata hechas por los navajos, [14] como Atsidi Sani (Old Smith), por lo que comenzaron a intercambiar ganado para recibir instrucción en cómo trabajar la plata. En 1890, los Zuni habían enseñado a los Hopi cómo hacer joyas de plata. [14]
Los nativos americanos también fueron influenciados por la introducción de pinturas realizadas con óleo y acuarela sobre lienzo, donde tradicionalmente pintaban objetos como pieles o el interior de edificios, como en las paredes de una kiva . Las pinturas de los nativos americanos proporcionaron obras de arte que eran realistas del estilo de vida de los nativos americanos en contraste con el trabajo de las representaciones románticas de los angloamericanos . Los elementos de diseño tradicionales se formalizaron en el estudio de la Escuela Indígena de Santa Fe , definiendo el arte nativo americano de estilo plano . [13] El Estudio fue desarrollado en 1932 por Dorothy Dunn , quien enseñó allí hasta 1932, y fue reemplazada por Geronima Cruz Montoya ( Ohkay Owingeh ), quien enseñó arte en el Estudio hasta su cierre en 1962, cuando se fundó el Instituto de Artes Indígenas Americanas. fue establecido. [15]
Después de la Primera Guerra Mundial , la finalización del ferrocarril de Santa Fe permitió a los colonos estadounidenses viajar a través del oeste, hasta la costa de California . Nuevas colonias de artistas comenzaron a crecer alrededor de Santa Fe y Taos , siendo el tema principal de los artistas los pueblos nativos y los paisajes del suroeste. Las imágenes del suroeste se convirtieron en una forma popular de publicidad, utilizada de manera más significativa por el Ferrocarril de Santa Fe para atraer a los colonos a venir al oeste y disfrutar de los “paisajes inmaculados”. Walter Ufer , Bert Geer Phillips , E. Irving Couse , William Henry Jackson y Georgia O'Keeffe son algunos de los artistas más prolíficos del suroeste.
Los nativos americanos, incluidos los del suroeste de Estados Unidos, tradicionalmente fabrican sus cestas con materiales disponibles localmente.
La cerámica de Acoma , que comenzó hace más de 1000 años, tiene diseños tradicionales que incluyen pájaros del trueno, patrones geométricos y arcoíris. [16] La cerámica está hecha de arcilla local fina que se encuentra en el pueblo para crear la cerámica distintivamente de paredes delgadas. La cerámica está realizada en colores blanco y negro y policromada. Los diseños se presionan en cerámica completamente blanca con una uña o una herramienta. [17] Los alfareros de Acoma Pueblo durante la década de 1950 incluyen a Marie Z. Chino y Lucy M. Lewis . Vera Chino Ely , hija de Marie Chino, también es una reconocida ceramista de la cerámica de Acoma.
En tiempos históricos, los Hopi crearon ollas , cuencos de masa y cuencos de comida de diferentes tamaños para uso diario, pero también fabricaron tazas ceremoniales, jarras, cucharones, tarros de semillas y aquellos recipientes para uso ritual más elaborados, y estos generalmente estaban terminados con pulido. superficies y decoradas con diseños pintados de negro. Crear cerámica es una actividad social para la tribu Hopi. Los alfareros que trabajan en estrecha colaboración comparten habilidades de producción y conocimientos de marketing. Se anima a los niños a jugar con arcilla, pero en la edad adulta la decisión de dedicarse a la alfarería es un signo de "fuerza, madurez y paciencia". [18] A principios del siglo XX, el alfarero hopi Nampeyo revivió la cerámica policromada de estilo Sikyatki de los siglos XIV al XVII. [5]
A finales del siglo XX, la alfarera Hopi-Tewa Paqua Naha de First Mesa, seguida por su hija Joy Navasie , Helen Naha "Mujer Pluma" y sus hijos lograron reconocimiento internacional por su cerámica Hopi elaborada tradicionalmente. [19]
La cerámica santaclareña se distingue por su policromía roja y su cerámica negra brillante. [20] También es conocido por tener diseños tallados en la arcilla cuando la pieza se ha secado hasta quedar "dura como el cuero".
La cerámica de San Ildefonso se destaca por la cerámica negra sobre negro traída al Pueblo de San Ildefonso a principios del siglo XX por María Martínez y su esposo Julián Martínez cuando redescubrieron cómo hacer la cerámica.
Juanita Suazo Dubray , residente de toda la vida de Taos Pueblo , es una alfarera nativa americana que elabora cerámica micácea , manteniendo la tradición de su madre y sus antepasados. Dubray añadió un elemento de relieve escultórico con iconos de maíz, tortugas, lagartos y escalones de kiva en relieve. [21] [22]
La cerámica Zuni está hecha de arcilla local que recibe un voto ritual de agradecimiento antes de ser recolectada. Está pintado con tintes orgánicos caseros, utilizando un pincel tradicional de yuca . La función prevista de la cerámica dicta su forma y las imágenes pintadas en su superficie. La cocción de la cerámica solía ser una empresa comunitaria, el silencio o la comunicación en voz baja se consideraba esencial para mantener la "voz" original del "ser" de la arcilla y el propósito del producto final. [23] [24] Las ventas de cerámica y artes tradicionales proporcionan una importante fuente de ingresos para muchos Zuni en la actualidad. Un artesano puede ser el único sustento financiero para su familia inmediata y para otros.
El Dr. Joe Ben Wheat examinó miles de textiles del siglo XIX, [25] con el objetivo de establecer "una clave para la identificación de los textiles del suroeste basada en los rasgos que distinguen las tradiciones de tejido de mantas pueblo , navajo e hispanoamericana y proporcionar una mejor manera de identificar y fechar piezas de origen desconocido”. Los años de investigación dieron como resultado la publicación "innovadora" de "Blanket Weavings in the Southwest" [26] .
Los textiles navajos , como las mantas y alfombras tejidas a mano , son muy apreciados, valorados desde hace más de 150 años y un elemento importante de la economía navajo. [27] Los textiles navajos eran originalmente mantas utilitarias para su uso como capas, vestidos, mantas para sillas de montar y propósitos similares. Hacia finales del siglo XIX, los tejedores comenzaron a fabricar alfombras para el turismo y la exportación. Los textiles típicos navajos tienen fuertes patrones geométricos . Son un tejido de tapiz plano producido de manera similar a los kilims de Europa del este y Asia occidental , pero la urdimbre es una longitud continua de hilo y no se extiende más allá del tejido como flecos.
Los bultos son figuras religiosas tridimensionales talladas a mano, a menudo de santos, introducidas por los hispanomexicanos. [28] [29]
Fetiches tallados a mano o formados de forma natural que se cree que contienen fuerzas espirituales específicas de ciertos animales y que se han utilizado comúnmente en la religión y las prácticas de los nativos americanos . El oso representaba al chamán , el búfalo era el proveedor, el puma era el guerrero y el lobo era el pionero. [29] [30] [31]
La publicación Zuni Fetishes de Frank Hamilton Cushing describe el mundo Zuni compuesto por seis regiones o direcciones. En el centro de cada región hay un gran pico montañoso que es un lugar muy sagrado. La montaña amarilla al norte, la montaña azul al oeste, la montaña roja al sur, la montaña blanca al este, la montaña multicolor arriba y la montaña negra abajo. Cada dirección está representada por un "Dios presa", o animal guardián, cada uno con poderes protectores o curativos, y Cushing los enumera de la siguiente manera: [ cita necesaria ] norte - el puma, sur - el tejón, este - el lobo, oeste – el oso negro, el cielo o arriba – el águila multicolor, y el subterráneo o abajo – el topo negro." [31]
Las imágenes de Kachina aparecieron en murales en kivas, pictografías y petroglifos del pueblo pueblo hacia el año 1300 d. C. La religión Kachina fue fundamental para los pueblos Zuni y Hopi modernos . [32] [33]
Las muñecas Zuni y Hopi Kachina son representaciones de seres espirituales. Las muñecas kachina talladas a mano se entregan a las jóvenes como obsequio de los bailarines de Kachina durante las ceremonias de Kachina. [34] Las muñecas del siglo XIX talladas con herramientas modernas mínimas fueron terminadas con piedras abrasivas y pulidas con arcilla de caolín y luego pintadas con tintes naturales. Se cree que los zuni kachinas viven en el remoto noreste de Arizona y dan vida al brindar lluvia y apoyo adicional, como promover el éxito de cazadores y agricultores, combatir el agotamiento de los animales con pieles durante los siglos XIX y XX, o influir en la prosperidad o el bienestar de los pueblos. -ser. [35] [36]
Hay más de 400 kachinas diferentes en la cultura Hopi y Pueblo . El panteón local de kachinas varía en cada comunidad de pueblo; Puede haber kachinas para el sol, las estrellas, las tormentas, el viento, el maíz, los insectos y muchos otros conceptos. [37]
Kokopelli es un flautista jorobado que representa el espíritu de la música y es una deidad nativa americana de la fertilidad , a veces representada con un falo , que preside el parto y la agricultura . Kokopelli es una de las figuras más fácilmente reconocibles que se encuentran en los petroglifos y pictografías del suroeste ; el petroglifo más antiguo conocido data del año 1000 d. C. A menudo aparece en rituales relacionados con el matrimonio, y el propio Kokopelli a veces se representa con una mujer llamada Kokopel. Maná por los Hopi. Kokopelli ahuyenta el invierno y provoca el calor y las lluvias de la primavera con su flauta. Entre los Hopi , Kokopelli lleva a sus espaldas a los niños no nacidos y los reparte entre las mujeres. Su imagen se ha utilizado en arte rupestre , cerámica , [38] [39] muñecas kachina y más.
Las muñecas navajo fueron hechas por mujeres navajo basándose en vestidos completos usados por las mujeres estadounidenses de la costa este en la década de 1860. Se sustituyó el satén por terciopelo y los botones se hicieron con monedas de cinco y diez centavos. [40]
La muñeca Storyteller es una figura de arcilla rodeada de figuras de niños escuchando hechas por el pueblo Pueblo de Nuevo México. La primera muñeca narradora fue hecha por Helen Cordero del Pueblo Cochiti en honor a su abuelo, un narrador tribal. [41]
La turquesa, la ostra espinosa roja y el azabache se han utilizado en joyería en el suroeste durante siglos. La platería se introdujo a través del comercio en el siglo XIX y Atsidi Sani se convirtió en el platero navajo alrededor de 1853. Las tecnologías de la platería se extendieron rápidamente a otras tribus. La platería del suroeste incluye diseños de incrustaciones de canales, racimos, mosaicos y puntas pequeñas y materiales de conchas, piedras preciosas y cuentas. Si bien los navajos preferían el collar de flores de calabaza, a menudo también combinaban turquesa, coral y otras piedras preciosas semipreciosas . Las piedras estaban engarzadas en volutas de plata, patrones de hojas y ensartadas en cuerdas para hacer collares.
Los hopi son famosos por su trabajo en plata superpuesta, desarrollado en la década de 1940. Los artistas zuñi son admirados por sus joyas en racimo, que muestran diseños de turquesa, así como por sus elaboradas incrustaciones pictóricas de piedras en plata.
La hojalata , probablemente introducida desde México y España, se usaba para adornos religiosos y objetos domésticos, como candelabros y espejos, y se hizo cada vez más popular a mediados del siglo XIX. [42]
Los santos , desarrollados a finales del siglo XVII, son iconos religiosos pintados sobre una tabla plana (retablos) o tallados en madera (bultos). [43]
Muchos eventos artísticos anuales muestran el arte del suroeste. La Asociación del Suroeste para las Artes Indias organiza el Mercado Indio cada mes de agosto en Santa Fe, Nuevo México , que comenzó en 1922. [44] También comenzó en 1922 el Ceremonial Indio Intertribal de Gallup, que presenta una exposición de arte con jurado y un mercado de arte, así como muchos otros eventos, en Gallup, Nuevo México . [45] El Heard Museum Guild ha celebrado su Feria de Arte Indio desde 1958 en Phoenix, Arizona . El Museo Estatal de Arizona en la Universidad de Arizona en Tucson alberga la Feria de Arte Indígena del Suroeste anual, [46] y el Museo del Norte de Arizona en Flagstaff y alberga importantes festivales de arte para los pueblos indígenas e hispanos del suroeste. [47] El Mercado Español de Santa Fe alberga dos eventos anuales, un Mercado de Invierno de artes hispanas experimentales en diciembre y un Mercado Español de julio, que exhibe artes hispanas clásicas, como santos , retablos , apliques de paja ( popotillo ), bordados de colcha , hojalatería , ramilletes, y otros medios. [48]
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