La guitarra de jazz puede referirse a un tipo de guitarra eléctrica o a un estilo de interpretación de guitarra en el jazz , que utiliza amplificación eléctrica para aumentar el volumen de las guitarras acústicas.
A principios de la década de 1930, los músicos de jazz buscaron amplificar su sonido para que se escuchara por encima de las fuertes big bands . Cuando los guitarristas de las big bands cambiaron de la guitarra acústica a la semiacústica y comenzaron a usar amplificadores , les permitió tocar solos . La guitarra de jazz tuvo una importante influencia en el jazz a principios del siglo XX. Aunque las primeras guitarras utilizadas en el jazz fueron acústicas y las guitarras acústicas todavía se utilizan a veces en el jazz, la mayoría de los guitarristas de jazz desde la década de 1940 han tocado con una guitarra amplificada eléctricamente o una guitarra eléctrica .
Tradicionalmente, los guitarristas de jazz utilizan una guitarra archtop con una caja de resonancia hueca relativamente ancha, orificios en forma de f al estilo de los violines , un " puente flotante " y una pastilla magnética . También se utilizan guitarras de cuerpo sólido , fabricadas en serie desde principios de los años 50.
Los estilos de interpretación de guitarra de jazz incluyen acompañar con voces de acordes de jazz (y en algunos casos, líneas de bajo ) y soplar ( improvisar ) sobre progresiones de acordes de jazz con fraseo y adornos de estilo jazzístico . Acompañar se refiere a tocar acordes debajo de la melodía de una canción o de las improvisaciones solistas de otro músico.
El ritmo de cuerdas y acordes se puede escuchar en grupos que incluían instrumentos de estilo militar, como instrumentos de viento metal, saxofones, clarinetes y tambores, como los primeros grupos de jazz. A medida que la guitarra acústica se convirtió en un instrumento más popular a principios del siglo XX, los fabricantes de guitarras comenzaron a construir guitarras más potentes que serían útiles en una gama más amplia de entornos.
La Gibson L5, una guitarra acústica archtop que se fabricó por primera vez en 1923, fue una de las primeras guitarras de estilo "jazz" que utilizaron los primeros guitarristas de jazz, como Eddie Lang . En la década de 1930, la guitarra comenzó a desplazar al banjo como el principal instrumento de ritmo acorde en la música jazz, porque la guitarra podía usarse para dar voz a acordes de mayor complejidad armónica y tenía un tono algo más apagado que combinaba bien con el contrabajo , que, en ese momento, había reemplazado casi por completo a la tuba como el instrumento de bajo dominante en la música jazz.
A finales de la década de 1930 y durante la de 1940 (el apogeo del jazz de big band y la música swing ), la guitarra fue un instrumento importante de la sección rítmica . Algunos guitarristas, como Freddie Green de la banda de Count Basie , desarrollaron un estilo de acompañamiento específico para la guitarra. Sin embargo, pocas de las big bands presentaban solos de guitarra amplificados, que se hacían en el contexto de pequeños combos. Los solistas de guitarra de jazz más importantes de este período incluyeron al virtuoso manouche Django Reinhardt , Oscar Moore, que participó en el trío de Nat "King" Cole , y Charlie Christian de la banda y sexteto de Benny Goodman , que fue una gran influencia a pesar de su temprana muerte a los 25 años. También es digno de mención Mike Danzi , que actuó con la Orquesta Alex Hyde en los Estados Unidos, así como con varias orquestas de jazz en toda Alemania durante la década de 1930. [1]
No fue hasta la aparición a gran escala del jazz en pequeños combos en el período posterior a la Segunda Guerra Mundial que la guitarra despegó como un instrumento versátil, que se utilizó tanto en la sección rítmica como en un instrumento melódico destacado e improvisador solista. En manos de George Barnes , Kenny Burrell , Herb Ellis , Barney Kessel , Jimmy Raney y Tal Farlow , que habían absorbido el lenguaje del bebop , la guitarra comenzó a ser vista como un instrumento de jazz "serio". Las guitarras eléctricas mejoradas, como la ES-175 de Gibson (lanzada en 1949), brindaron a los músicos una mayor variedad de opciones tonales. Entre los años 1940 y 1960, músicos como Wes Montgomery , Joe Pass , Al Caiola [2] [3] [4] Tony Mottola [5] [6] [7] y Jim Hall sentaron las bases de lo que ahora se conoce como tocar la "guitarra de jazz".
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A principios de la década de 1980, los experimentos radicales de la fusión de principios de la década de 1970 dieron paso a sonidos más radiofónicos de smooth jazz . El guitarrista Pat Metheny mezcló los sonidos del rock, el blues, el country y la música "mundial", manteniendo al mismo tiempo una base sólida en el bebop y el cool jazz, tocando tanto una guitarra acústica de tapa plana como una guitarra eléctrica con un tono más suave y dulce que se endulzaba con un efecto brillante conocido como " chorusing ". Durante la década de 1980, una escuela neotradicional de jazz buscó reconectarse con el pasado. En consonancia con esa estética, los jóvenes guitarristas de esta época buscaban un tono limpio y redondo, y a menudo tocaban guitarras tradicionales de tapa arqueada de cuerpo hueco sin efectos electrónicos, frecuentemente a través de amplificadores de válvulas .
A medida que músicos como Bobby Broom , Peter Bernstein , Howard Alden , Russell Malone y Mark Whitfield revivieron los sonidos de la guitarra de jazz tradicional, también hubo un resurgimiento de la lutería de tapa arqueada (fabricación de guitarras). A principios de la década de 1990, muchos pequeños luthiers independientes comenzaron a fabricar guitarras de tapa arqueada. En la década de 2000, la forma de tocar la guitarra de jazz sigue cambiando. Algunos guitarristas incorporan una influencia del jazz latino, la música de club de baile de estilo acid jazz utiliza muestras de Wes Montgomery y guitarristas como Bill Frisell continúan desafiando la categorización.
Hoy en día, la guitarra de jazz continúa evolucionando, influenciada por los avances tecnológicos y la visión creativa de los músicos contemporáneos. Al mirar atrás, desde sus humildes comienzos en las primeras bandas de jazz hasta su electrizante presente, hay algo que queda claro: la guitarra de jazz sigue siendo un testimonio del perdurable espíritu de innovación y exploración artística en la música.
Aunque el jazz se puede tocar con cualquier tipo de guitarra, desde un instrumento acústico hasta una guitarra eléctrica de cuerpo sólido como una Fender Stratocaster, la guitarra archtop de profundidad completa se ha convertido en la "guitarra de jazz" prototípica. Las guitarras archtop son guitarras acústicas de cuerdas de acero con una gran caja de resonancia, tapa arqueada, orificios en forma de f al estilo de un violín , un " puente flotante " y pastillas magnéticas o piezoeléctricas . Los primeros fabricantes de guitarras de jazz incluyeron a Gibson , Epiphone , D'Angelico y Stromberg. La guitarra eléctrica se conecta a un amplificador de guitarra para que suene lo suficientemente fuerte para la interpretación. Los amplificadores de guitarra tienen controles de ecualización que permiten al guitarrista cambiar el tono del instrumento, enfatizando o desenfatizando ciertas bandas de frecuencia. El uso de efectos de reverberación , a menudo incluidos en los amplificadores de guitarra, ha sido parte del sonido de la guitarra de jazz durante mucho tiempo. Particularmente desde la era del jazz fusión de los años 1970 , algunos guitarristas de jazz también han utilizado pedales de efectos como pedales de overdrive , pedales de chorus y pedales wah .
Las primeras guitarras utilizadas en el jazz fueron acústicas, posteriormente sustituidas por una configuración eléctrica típica de dos pastillas humbucking . En la década de 1990, hubo un resurgimiento del interés entre los guitarristas de jazz por las guitarras acústicas archtop con pastillas flotantes. Las guitarras acústicas archtop originales fueron diseñadas para mejorar el volumen: por esa razón se construyeron para su uso con cuerdas de guitarra relativamente pesadas . Incluso después de que la electrificación se convirtiera en la norma, los guitarristas de jazz continuaron colocando cuerdas de calibre 0,012" o más pesadas por razones de tono, y también prefieren cuerdas flatwound . La característica tapa arqueada puede estar hecha de una pieza sólida de madera que se talla en la forma arqueada, o una pieza de madera laminada (esencialmente un tipo de madera contrachapada) que se presiona para darle forma. El abeto se usa a menudo para las tapas y el arce para los fondos. Las guitarras archtop pueden producirse en masa, como la serie Ibanez Artcore , o fabricarse a mano por luthiers como Robert Benedetto .
La guitarra rítmica de jazz suele consistir en una interpretación con mucha textura y con un compás extraño que incluye un uso generoso de acordes exóticos y difíciles de tocar. En el compás 4/4, es habitual tocar intervalos de 2,5 pulsos, como en el 2 y luego el medio pulso o "y" después del 4. Los guitarristas de jazz pueden tocar acordes "por delante" del pulso, tocando el acorde una corchea con swing antes del cambio de acorde real. Los acordes no suelen tocarse de forma rítmica repetitiva, como lo haría un guitarrista rítmico de rock.
Los guitarristas de jazz utilizan su conocimiento de la armonía y la teoría del jazz para crear "voicings" de acordes de jazz, que enfatizan las notas 3.ª y 7.ª del acorde. Algunos voicings de acordes más sofisticados también incluyen las notas 9.ª, 11.ª y 13.ª del acorde. En algunos estilos de jazz modernos, los acordes de séptima dominante de una melodía pueden contener novenas alteradas (ya sea bemoladas por un semitono, lo que se denomina "novena bemol", o agudizadas por un semitono, lo que se denomina "novena sostenida"); undécimas (agudizadas por un semitono, lo que se denomina "11.ª sostenida"); treceavas (normalmente bemoladas por un semitono, lo que se denomina "trece bemol").
Los guitarristas de jazz necesitan aprender sobre una variedad de acordes diferentes, incluyendo acordes de séptima mayor , sexta mayor , séptima menor , séptima menor/mayor , séptima dominante , acordes disminuidos , semidisminuidos y aumentados . Además, necesitan aprender sobre transformaciones de acordes (por ejemplo, acordes alterados, como los "acordes dominantes alternativos" descritos anteriormente), sustituciones de acordes y técnicas de re-armonización. Algunos guitarristas de jazz usan su conocimiento de las escalas y acordes de jazz para proporcionar un acompañamiento al estilo de un bajo móvil .
Los guitarristas de jazz aprenden a tocar estos acordes en el rango de diferentes progresiones de acordes utilizadas en el jazz, como la omnipresente progresión ii-VI, la progresión de blues estilo jazz (que, en contraste con una progresión de 12 compases estilo blues, puede tener dos o más cambios de acordes por compás), la forma menor de blues estilo jazz, la progresión de " cambios de ritmo " basada en I-vi-ii-V y la variedad de progresiones de acordes ricas en modulación utilizadas en baladas de jazz y estándares de jazz . Los guitarristas también pueden aprender a usar los tipos de acordes, estilos de rasgueo y pedales de efectos (por ejemplo, efecto de coro o fuzzbox ) utilizados en la música de fusión jazz-latino, jazz-funk y jazz-rock de la década de 1970.
Los guitarristas de jazz integran los elementos básicos de las escalas y los patrones de arpegio en frases melódicas y rítmicas equilibradas que forman un solo coherente. Los guitarristas de jazz a menudo intentan imbuir su fraseo melódico con el sentido de la respiración natural y el fraseo legato que utilizan los trompetistas, como los saxofonistas. Asimismo, las improvisaciones solistas de un guitarrista de jazz deben tener un impulso rítmico y una "sensación de tiempo" que generen una sensación de " swing " y "groove". Los guitarristas de jazz más experimentados aprenden a tocar con diferentes "sensaciones de tiempo", como tocar "por delante del ritmo" o "por detrás del ritmo", para crear o liberar tensión.
Otro aspecto del estilo de la guitarra de jazz es el uso de adornos estilísticamente apropiados, como notas de adorno, slides y notas apagadas. Cada subgénero o era del jazz tiene diferentes adornos que son parte del estilo de ese subgénero o era. Los guitarristas de jazz suelen aprender los estilos de ornamentación adecuados escuchando grabaciones destacadas de un estilo o era de jazz determinado. Algunos guitarristas de jazz también toman prestadas técnicas de ornamentación de otros instrumentos de jazz, como el préstamo de Wes Montgomery de tocar melodías en octavas paralelas, que es una técnica de piano de jazz. Los guitarristas de jazz también tienen que aprender a añadir tonos de paso, utilizar "tonos guía" y tonos de acordes de la progresión de acordes para estructurar sus improvisaciones.
En los años 1970 y 1980, con la interpretación de guitarra de fusión jazz-rock, los guitarristas de jazz incorporaron enfoques de solos de guitarra de rock , como solos basados en riffs y el uso de patrones de escala pentatónica y blues . Algunos guitarristas utilizaron distorsión influenciada por Jimi Hendrix y efectos wah-wah para obtener un tono sostenido y pesado, o incluso utilizaron técnicas rápidas de shredding de guitarra , como tapping y tremolo bar bending. El guitarrista Al Di Meola , que comenzó su carrera con Return to Forever en 1974, fue uno de los primeros guitarristas en tocar en un estilo " shred ", una técnica que luego se utilizó en el rock y el heavy metal. Di Meola usó el punteo alternativo para tocar secuencias muy rápidas de notas en sus solos.
Cuando los guitarristas de jazz improvisan , utilizan las escalas, modos y arpegios asociados con los acordes en la progresión de acordes de una melodía. El enfoque de la improvisación ha cambiado desde las primeras eras de la guitarra de jazz. Durante la era del swing, muchos solistas improvisaban "de oído" embelleciendo la melodía con adornos y notas de paso. Sin embargo, durante la era del bebop, el tempo rápido y las progresiones de acordes complicadas hicieron que fuera cada vez más difícil tocar "de oído". Junto con otros improvisadores, como saxofonistas y pianistas, los guitarristas de jazz de la era del bebop comenzaron a improvisar sobre los cambios de acordes utilizando escalas (escala de tonos enteros, escala cromática, etc.) y arpegios. [9] Los guitarristas de jazz tienden a improvisar en torno a las relaciones acorde/escala, en lugar de reelaborar la melodía, posiblemente debido a su familiaridad con los acordes resultantes de su papel de acompañamiento. Una fuente de ideas melódicas para la improvisación es la transcripción de solos improvisados de grabaciones. Esto proporciona a los guitarristas de jazz una fuente de "licks", frases melódicas e ideas que incorporan intactas o en variaciones, y es una forma establecida de aprender de las generaciones anteriores de músicos.
En las big bands de jazz , populares durante los años 1930 y 1940, el guitarrista se considera parte integral de la sección rítmica (guitarra, batería y bajo ). Por lo general, tocaban cuatro rasgueos regulares por compás, aunque es posible cierta improvisación armónica. Freddie Green , guitarrista de la orquesta de Count Basie , fue un destacado exponente de este estilo. Las armonías suelen ser mínimas; por ejemplo, la nota fundamental a menudo se omite asumiendo que la proporcionará el bajista.
Cuando los guitarristas de jazz tocan acordes debajo de la melodía de una canción o de las improvisaciones solistas de otro músico, se denomina " comping ", abreviatura de "accompanying" (acompañamiento). El estilo de acompañamiento en la mayoría de los estilos de jazz difiere de la forma en que los instrumentos de acordes acompañan en muchos estilos populares de música. En muchos estilos populares de música, como el rock y el pop, el guitarrista rítmico suele tocar los acordes de manera rítmica, lo que marca el ritmo o el ritmo de una melodía. Por el contrario, en muchos estilos de jazz moderno dentro de grupos más pequeños, el guitarrista toca mucho más escasamente, entremezclando acordes periódicos y voces delicadas en pausas en la melodía o el solo, y utilizando períodos de silencio. Los guitarristas de jazz suelen utilizar una amplia variedad de inversiones al acompañar, en lugar de utilizar únicamente voces estándar. [10]
En este estilo, el guitarrista intenta reproducir una canción completa (armonía, melodía y bajo) de una manera similar a como lo puede hacer un guitarrista o pianista clásico . Las raíces de los acordes no se pueden dejar al bajista en este estilo. Los acordes en sí pueden usarse de manera dispersa o más densa, dependiendo tanto del ejecutante individual como de su arreglo de una pieza en particular. En el estilo disperso, un acorde completo a menudo se toca solo al comienzo de una frase melódica. [11] Las texturas de acordes más densas, en contraste, se acercan al solo de acordes (ver más abajo). Un tercer enfoque es mantener una línea de bajo constante y ocupada, como un pianista de Nueva Orleans. Aquí, no se tocan más de dos o tres notas a la vez, y la armonía completa se indica mediante arpegios. Los exponentes de este estilo a menudo provienen de un trasfondo de country , folk o ragtime , como Chet Atkins , aunque a veces también lo emplean los practicantes de jazz directo , por ejemplo Martin Taylor . La melodía de acordes a menudo se toca con púa (ver Tal Farlow , George Benson y otros); mientras que el fingerstyle , como lo practican Joe Pass, George van Eps , Ted Greene , Robert Conti , Lenny Breau o el punteo híbrido como lo practican Ed Bickert , Laszlo Sirsom y otros, permite un enfoque más complejo y polifónico para los solos sin acompañamiento.
Eddie Lang y Lonnie Johnson fueron dos de los primeros practicantes de solos improvisados con una sola nota. Ambos tocaron con Louis Armstrong y otros músicos destacados de jazz y blues de las décadas de 1920 y 1930. En años posteriores, Charlie Christian y Django Reinhardt , el primero con guitarra eléctrica y el segundo tocando con fuerza con una guitarra acústica, son reconocidos como los primeros solistas en poner la improvisación de la guitarra de jazz en pie de igualdad con la de otros instrumentos. A lo largo de los años, los guitarristas de jazz han podido hacer solos en los modismos estándar del jazz, como el bebop , el cool jazz , etc., al tiempo que absorben influencias de los guitarristas de rock, como el uso de efectos electrónicos.
Los guitarristas de jazz no se limitan a la improvisación de notas individuales. Cuando trabajan con acompañamiento, los solos de acordes se crean improvisando acordes (armonía) y melodía simultáneamente, generalmente en el registro superior en las cuerdas 1, 2, 3 y 4. Wes Montgomery era conocido por tocar coros sucesivos en notas individuales, luego octavas y finalmente un solo de acordes; esto se puede escuchar en su improvisación en el estándar Lover Man (Oh, Where Can You Be?) . Cuando tocan sin acompañamiento, los guitarristas de jazz pueden crear solos de acordes tocando el bajo, la melodía y los acordes, individualmente o simultáneamente, en cualquiera o todas las cuerdas, como en el trabajo de Lenny Breau , Joe Pass, Martin Taylor y otros. Esta técnica también se puede incorporar a los solos sin acompañamiento: por ejemplo, las "improvisaciones" de Django Reinhardt , como llamaba a sus piezas solistas.
