El rondó es una forma musical que contiene un tema principal (a veces llamado "estribillo") que se alterna con uno o más temas contrastantes, generalmente llamados "episodios", pero en ocasiones también denominados "digresiones" o "pareados". Algunos patrones posibles incluyen: ABACA, ABACAB, ABACBA o ABACABA . [1]
La forma rondó surgió en el período Barroco y se hizo cada vez más popular durante el período Clásico . [2] Los primeros ejemplos de composiciones que emplean la forma rondó se encuentran en las arias y coros de ópera italiana de los primeros años del siglo XVII. [2] Estos ejemplos utilizan un rondó de múltiples coplas o un rondó de cadena (ABACAD) conocido como rondó italiano . [2]
La forma rondó, también conocida en inglés por su ortografía francesa rondeau , no debe confundirse con la forma no relacionada y de nombre similar forme fixe rondeau ; una forma poética y chanson francesa de los siglos XIV y XV . Si bien los orígenes de la forma rondó provienen de la ópera italiana, el compositor francés Jean-Baptiste Lully , a quien a veces se hace referencia como el padre de la forma rondó o rondeau, y sus contemporáneos, Jacques Champion de Chambonnières y Louis Couperin, popularizaron la forma rondó en Francia en el siglo XVII. Estos compositores fueron sucedidos en el período barroco posterior por los compositores franceses Jean-Marie Leclair , François Couperin y, lo más importante, Jean-Philippe Rameau, quienes continuaron siendo importantes exponentes de las composiciones musicales que utilizaban la forma rondó. Lully fue el primer compositor en utilizar un diseño de dos coplas en su estructura de rondó, una técnica que no adoptó consistentemente pero que luego fue adoptada y estandarizada por Rameau, cuya construcción del rondó fue codificada por el teórico musical del siglo XVII Jean Du Breuil en lo que se conoció como el rondeau francés . [2]
Estos compositores franceses emplearon la forma del rondó en una amplia gama de medios, incluyendo ópera , ballet , música coral , canciones artísticas , música orquestal , música de cámara y obras para instrumento solista. [2] Los franceses extendieron la popularidad de la forma a nivel internacional, y el rondó pronto fue adoptado a finales del siglo XVII y principios del XVIII por compositores de otras naciones como Henry Purcell en Inglaterra y Johann Sebastian Bach en Alemania. [2] Si bien los rondos de JS Bach fueron escritos en la antigua tradición de construcción francesa y no eran particularmente progresistas, su hijo Carl Philipp Emanuel Bach fue un compositor muy imaginativo e inusualmente innovador en la forma de rondó; produciendo trece rondos sofisticados y muy personales que lo sitúan como figura central de esta forma a finales del Barroco y comienzos del Clásico. [2]
A principios del período clásico en 1750, la forma rondó ya estaba bien establecida en toda Europa y alcanzó la cima de su popularidad a finales del siglo XVIII. [2] Durante este período, los compositores emplearon con mayor frecuencia la forma rondó como un movimiento único dentro de una obra más grande; particularmente conciertos y serenatas pero también con menor frecuencia en sinfonías y música de cámara. [2] Sin embargo, todavía se escribían rondos independientes en este período, a menudo como piezas virtuosas. [2] Muchos compositores europeos de esta época utilizaron la forma rondó, incluidos los compositores Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven , quienes produjeron una importante cantidad de música empleando la forma rondó. [2] Estos tres compositores también fueron importantes exponentes de la forma sonata rondó ; una forma musical desarrollada en el período clásico que mezclaba las estructuras de la forma sonata con la forma del rondó. [2]
En el siglo XIX, los compositores del período romántico continuaron utilizando la forma con cierta regularidad. [2] Algunos compositores de la época romántica que produjeron música utilizando la forma rondó incluyen a Beethoven, Johannes Brahms , Antonín Dvořák , Felix Mendelssohn , Franz Schubert , Robert Schumann , Richard Strauss y Pyotr Ilyich Tchaikovsky . Algunos compositores de los siglos XX y XXI han seguido utilizando la forma rondó ; con mayor frecuencia por aquellos con una estética neoclásica o por aquellos compositores que hacen referencia a la composición de música clásica de alguna manera. Algunos compositores del siglo XX que utilizaron la forma rondó incluyen a Alban Berg , Béla Bartók , Duke Ellington , Alberto Ginastera , Paul Hindemith y Sergei Prokofiev . [2]
La palabra inglesa rondo proviene de la forma italiana del francés rondeau , que significa "un poco redondo ". [3] Hoy en día, la palabra rondó se usa ampliamente en el idioma inglés para referirse a cualquier obra musical, vocal o instrumental, que contiene un tema principal que se alterna con uno o más temas contrastantes. Sin embargo, algunos compositores de habla inglesa y alemana también han adoptado el término rondeau en lugar del término rondó para referirse a sus composiciones que utilizan esta forma; particularmente cuando se escribe en un estilo compositivo francés. [4]
En Francia, la palabra rondeau se utilizó por primera vez en los períodos medieval y renacentista para referirse a la 'forme fixe rondeau' ; un tipo de forma poética y chanson existente en Francia entre finales del siglo XIII y el XV. [5] Originalmente se desarrolló como música monofónica (en el siglo XIII) y luego como música polifónica (en el siglo XIV). Desapareció del repertorio a principios del siglo XVI. [6] [7] [8] Junto con las formas fijas balada y virelai , la forma fija rondeau se limitó únicamente a la música vocal debido a su uso dentro del contexto específico de la poesía en lengua francesa. [5]
La forma fixe rondeau no tiene ninguna relación con la forma musical posterior rondeau , que surgió principalmente a mediados del siglo XVII en Francia, pero que tuvo sus orígenes en la ópera italiana de finales del siglo XVI y principios del XVII. [2] Es esta forma musical posterior la que ahora se conoce como rondo en inglés. [2] En el siglo XVIII, el término Round O , una corrupción inglesa de la palabra francesa 'rondeau', también se usaba a veces en el idioma inglés para referirse a la forma musical rondeau. El término Ronda O se utilizó en varias publicaciones inglesas del siglo XVIII, incluidas Choice Lessons for the Harpsichord o Spinett de Jeremiah Clarke (Londres, 1711) y A Complete Dictionary of Music de John Hoyle (Londres, 1770). En A Musical Dictionary (1740) de James Grassineau, el término Round O se definió como una ortografía alternativa de rondeau. [9]
En forma de rondó, un tema principal (a veces llamado "estribillo") se alterna con uno o más temas contrastantes, generalmente llamados "episodios", pero en ocasiones también denominados "digresiones" o "pareados". Los patrones posibles incluyen: ABACA, ABACAB, ABACBA o ABACABA . [11] El "ABACA" a menudo se denomina "rondó de cinco partes", el "ABACAB" y el "ABACBA" a veces se denominan "rondó de seis partes", y el ABACABA se conoce comúnmente como "rondó de siete partes". El número de temas puede variar de una pieza a otra, y el elemento recurrente a veces se embellece y/o se acorta para permitir la variación . Quizás el ejemplo más conocido de forma de rondó sea " Für Elise " de Beethoven , un rondó ABACA.
Los escritores sobre el origen de la forma rondó han establecido conexiones con el uso y desarrollo del ritornello en la ópera italiana temprana de finales del siglo XVI y principios del XVII. [2] Si bien la forma rondó es similar a la forma ritornello, se diferencia en que la forma ritornello generalmente trae de vuelta el tema o tema principal en una paráfrasis de ese tema mediante el uso de fragmentos de pasajes musicales anteriores y en diferentes tonalidades ; mientras que el rondó recupera su tema completo y en la misma tonalidad. [2]
Ritornello, que significa "retorno" en italiano, tiene su origen en los madrigales del siglo XV en los que la repetición o el regreso a una estrofa particular es una característica de la estructura compositiva. [12] Con la llegada de la ópera a Italia en los últimos años del siglo XVI, la forma ritornello continuó desarrollándose específicamente dentro de la estructura del aria y el coro de ópera. [12] La forma Ritornello se utilizó en preludios, interludios o postludios instrumentales (o cualquier combinación de estos) dentro del aria y el coro de ópera; más frecuentemente en el contexto de arias de ópera, pero también en obras sagradas del siglo XVII, como arias vocales y coros dentro de oratorios y cantatas . [12] Sólo 100 años después, a principios del siglo XVIII, la técnica del ritornello se transfirió al concierto; [12] mucho después del auge del rondó en Francia en el siglo XVII. [2]
El uso y desarrollo del ritornello en el aria tuvo un propósito práctico; ya que la estructura se utilizó para separar claramente las secciones vocales del aria de los preludios, interludios o postludios instrumentales dentro de la composición. Repetir o parafrasear música instrumental en la estructura del aria proporcionó una estructura dramática feliz que podría facilitar las entradas y salidas de los personajes, enfatizar la intención dramática o podría proporcionar música utilizada con transformaciones de escena o incluso acompañamientos para bailes. [12] En última instancia, el uso del ritornello en la ópera italiana condujo a la creación de algunas de las primeras arias y coros de ópera italianos que siguen una forma de rondó tradicional en la que el tema principal se repite en su totalidad y en la misma tonalidad. El ejemplo más antiguo de esto se encuentra en Euridice (1600) de Jacopo Peri, en el que los coros "Al canto al ballo" y "Sospirate aure celesti" están organizados utilizando una estructura de rondó. [2] Estos primeros ejemplos utilizan un rondó de múltiples coplas o un rondó de cadena (ABACAD) ahora conocido como rondó italiano . [2]
La forma rondó, a la que generalmente se hace referencia en inglés utilizando la ortografía francesa rondeau cuando se aplica a la música francesa, fue una forma popular en Francia desde mediados hasta finales del siglo XVII y hasta el siglo XVIII. [2] Los compositores franceses del período barroco emplearon la forma rondeau en una amplia gama de medios, incluyendo ópera , ballet , música coral , canciones artísticas , música orquestal , música de cámara y obras para instrumento solista. [2] Al compositor Jean-Baptiste Lully se le atribuye en ocasiones el mérito de ser el "padre del rondeau", ya que supuestamente fue el primer compositor en utilizar un diseño de dos coplas en su estructura de rondeau; una técnica que no adoptó consistentemente pero que más tarde fue adoptada y estandarizada por Jean-Philippe Rameau cuya construcción del rondeau fue codificada por el teórico musical del siglo XVII Jean Du Breuil en lo que se conoció como el rondeau francés . [2] Algunos ejemplos del uso que hace Lully del rondeau francés incluyen el "Rondeau pour les basques" del ballet Intermède de Xerxes (1660), el "Rondeau pour la gloire" del prólogo de la ópera Alceste (1674) y el coro "Suivons Armide" de la ópera Armide (1686). [2]
Otros tres importantes compositores tempranos de rondeau del período barroco fueron Jacques Champion de Chambonnières y los hermanos Louis Couperin y François Couperin ; todos los cuales escribieron varios rondeau para teclado . [2] Chambonnières compuso un rondeau francés para teclado en fa mayor titulado simplemente Rondeau , y también compuso muchos chaconnes-rondeaux; algunos de los cuales siguen el diseño de dos pareados del rondeau francés, pero otros muestran hasta cinco pareados. [2] Louis Couperin también experimentó con el número de coplas que empleó en sus composiciones rondeau; normalmente utiliza tres o cuatro coplas en su construcción rondeau. El Passacaille de Louis para clavecín tiene una forma rondeau de nueve coplas. [2] François Couperin fue el principal y más prolífico compositor barroco francés de rondeau compuesto para clavecín . [2]
En la última parte del período barroco, el compositor Jean-Marie Leclair fue un compositor particularmente innovador dentro de la forma rondeau francesa; especialmente dentro de sus movimientos de aria para violín. Leclair fue uno de los primeros compositores en cambiar el compás y el tempo dentro de un pareado como en su op.1 no.9, Allegro ma non presto , y en contener un rondeau dentro de un rondeau en el pareado final como en su opus 1 número 1, Aria . [2]
La música de compositores barrocos franceses como Lully y Rameau se extendió por Europa e influyó en compositores de todo el continente a partir de finales del siglo XVII. Henry Purcell fue uno de los primeros compositores de Inglaterra en adoptar la forma; escribiendo un Rondeau como segundo movimiento de su música para la obra Abdelazer de Aphra Behn que se estrenó en el Dorset Garden Theatre el 3 de julio de 1676. En Alemania, los compositores Georg Muffat , Johann Caspar Ferdinand Fischer y Johann Sebastian Bach adoptaron el francés. formas y técnicas en algunas de sus composiciones; incluida la utilización de la forma rondeau. La utilización del rondeau por parte de JS Bach incluye el Passepied I de la Suite n.° 5 en mi menor (c. 1725) en sus Suites inglesas , el quinto movimiento 'Rondeaux' de la Partita para teclado n.° 2, BWV 826 (c. 1725-1727) , el tercer movimiento Partita para violín n.° 3 (1720) y el Rondeau de la Suite n.° 2 en si menor (c. 1738-1739). [2]
Una expansión común de la forma rondó es combinarla con la forma sonata , para crear la forma sonata rondó . Aquí, el segundo tema actúa de manera similar al segundo grupo de temas en forma de sonata al aparecer primero en una tonalidad distinta de la tónica y luego repetirse en la tonalidad tónica. A diferencia de la forma sonata, el desarrollo temático no necesita ocurrir excepto posiblemente en la coda .
Rondo como tipo de carácter (a diferencia de la forma) se refiere a música rápida y vivaz, normalmente Allegro . Muchos rondos clásicos presentan música de carácter popular o folclórico. La música que ha sido designada como "rondó" normalmente se adhiere tanto a la forma como al carácter. Por otro lado, hay muchos ejemplos de obras más lentas y reflexivas que tienen una forma rondó pero no un carácter; incluyen el Rondó en la menor de Mozart , K. 511 (marcado Andante ).
Un género vocal operístico muy conocido de finales del siglo XVIII, al que en aquella época se hace referencia con el mismo nombre, pero que hoy se distingue en las escrituras inglesa y alemana por el término " rondò ", con acentos diferentes, y se divide en dos partes, lenta y rápida. [13]
Fuentes
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