Paul Bilhaud, Combate de negros durante la noche , 1882
La pintura monocromática se inició en la primera exposición Incoherents en París en 1882, con una pintura negra del poeta Paul Bilhaud titulada Combat de Nègres pendant la nuit ("Batalla de negros durante la noche"), que había estado desaparecida desde 1882 cuando fue redescubierta en una colección privada en 2017-2018. [2] Ha sido clasificada como Tesoro Nacional por el estado francés. [3] Aunque Bilhaud no fue el primero en crear una obra de arte completamente negra: por ejemplo, Robert Fludd publicó una imagen de la Oscuridad en su libro de 1617 sobre el origen y la estructura del cosmos; En 1843 , Bertall publicó su Vue de La Hogue (effet de nuit) en negro. En las exposiciones posteriores de las artes incoherentes (también en la década de 1880), el escritor Alphonse Allais propuso otras pinturas monocromas, como Première communion de jeunes filles chlorotiques par un temps de neige (Primera comunión de muchachas anémicas en la nieve, en blanco) o Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge (Recolección de tomates por cardenales apopléjicos en la orilla del Mar Rojo, en rojo). Allais publicó su Album primo-avrilesque en 1897, una monografía con siete obras monocromas. Sin embargo, este tipo de actividad guarda más similitud con el dadaísmo del siglo XX , o neodadaísmo , y particularmente con las obras del grupo Fluxus de la década de 1960, que con la pintura monocroma del siglo XX desde Malevich.
Nosotros, los cubistas, no hemos hecho más que cumplir con nuestro deber de crear un nuevo ritmo en beneficio de la humanidad. Otros vendrán después de nosotros y harán lo mismo. ¿Qué encontrarán? Ése es el tremendo secreto del futuro. Quién sabe si algún día, un gran pintor, mirando con desprecio el juego a menudo brutal de los supuestos coloristas y devolviendo los siete colores a la unidad blanca primordial que los engloba a todos, no expondrá lienzos completamente blancos, sin nada, absolutamente nada sobre ellos. (Jean Metzinger, 29 de mayo de 1911) [4] [5]
La (entonces) audaz predicción de Metzinger de que los artistas llevarían la abstracción hasta su conclusión lógica al desocupar por completo el tema representativo y regresar a lo que Metzinger llama la "unidad blanca primordial", un "lienzo completamente blanco", se haría realidad dos años más tarde. El autor de un manifiesto satírico titulado Manifeste de l'école amorphiste , publicado en Les Hommes du Jour (3 de mayo de 1913), puede haber tenido la visión de Metzinger en mente cuando el autor justificó los lienzos en blanco del amorfismo afirmando que "la luz es suficiente para nosotros". [5] [6] [7] Con perspectiva, escribe el historiador de arte Jeffery S. Weiss, " Vers Amorphisme puede ser un galimatías, pero también fue un lenguaje lo suficientemente fundacional como para anticipar las implicaciones reduccionistas extremas de la no objetividad". [8]
Se podría decir que la amplia gama de posibilidades (incluida la imposibilidad) de interpretación de las pinturas monocromas es la razón por la que el monocromo resulta tan atractivo para tantos artistas, críticos y escritores. Aunque el monocromo nunca ha llegado a ser dominante y pocos artistas se han dedicado exclusivamente a él, nunca ha desaparecido. Reaparece como un espectro que acecha al alto modernismo , o como un símbolo del mismo, que aparece en épocas de convulsiones estéticas y sociopolíticas. [12]
En 1921, el artista constructivista Alexander Rodchenko expuso Color rojo puro, Color azul puro y Color amarillo puro : tres pinturas juntas, cada una monocromática de uno de los tres colores primarios . Su intención era que esta obra representara la "muerte de la pintura". [15] Mientras que Rodchenko pretendía que su monocromía fuera un desmantelamiento de los supuestos típicos de la pintura, Malevich veía su obra como una concentración en ellos, una especie de meditación sobre la esencia del arte ("sensación pura").
Estos dos enfoques articularon muy temprano en su historia la dinámica casi paradójica de este tipo de trabajo: que uno puede leer un monocromo como una superficie plana (entidad material o "pintura como objeto") que no representa nada más que a sí misma, y por lo tanto representa un final en la evolución del ilusionismo en la pintura (es decir, Rodchenko); o como una representación del espacio multidimensional (infinito), un cumplimiento de la pintura ilusionista , que representa una nueva evolución -un nuevo comienzo- en la historia de la pintura occidental (Malevich). Además, muchos han señalado que puede ser difícil deducir las intenciones del artista de la pintura en sí, sin referirse al comentario del artista.
Artistas
Nueva York
Expresionistas abstractos
Milton Resnick tuvo una larga carrera como pintor expresionista abstracto . Inicialmente, durante la década de 1940, exploró el estilo entonces vigente de la pintura de acción . Su obra posterior, desde la década de 1950 hasta la de 1970, a menudo se caracteriza como impresionista abstracto , en gran medida porque construyó sus composiciones integrales con pinceladas múltiples, repetitivas y de valores cercanos, a la manera de Claude Monet en la famosa serie Nenúfares . Durante las últimas dos décadas y media de su carrera como pintor, las pinturas de Resnick se volvieron monocromáticas, [16] aunque con superficies con pinceladas gruesas y en capas.
Ad Reinhardt fue un artista expresionista abstracto conocido por pintar monocromos casi "puros" durante un período considerable de tiempo (aproximadamente desde 1952 hasta su muerte en 1967), en rojo o azul y, por último y más (in)famoso, en negro. Al igual que las obras de Johns mencionadas a continuación, las pinturas negras de Reinhardt [17] contenían débiles indicios de formas geométricas, pero las delineaciones reales no son fácilmente visibles hasta que el espectador pasa tiempo con la obra. Esto tiende a fomentar un estado de meditación contemplativa en el espectador y a crear incertidumbre sobre la percepción; en términos de la famosa cita de Frank Stella, uno puede preguntarse si "lo que ves" es realmente lo que estás viendo. [18]
Richard Pousette-Dart creó varias series distintas de pinturas durante su larga carrera como pintor expresionista abstracto; su serie monocromática llamada Presencias [19], que abarca desde finales de la década de 1950 hasta principios de la década de 1990, fue una de sus más poderosas.
Una de las pinturas casi monocromas de Barnett Newman generó indignación y burla generalizada (y discusión) en Canadá cuando la National Gallery compró su pintura de 1967 Voice of Fire por $ 1.8 millones en la década de 1980. Otra de las abstracciones geométricas muy escasas (aunque técnicamente no monocromas) de Barnett Newman fue cortada con un cuchillo por un espectador enfurecido en la década de 1980 en el Museo Stedelijk de Ámsterdam .
Desde la década de 1960, artistas tan diversos como Frank Stella , Ellsworth Kelly , Ronald Davis , David Novros , Paul Mogensen, Patricia Johanson y otros realizaron pinturas monocromas sobre lienzos de formas diversas. Si bien algunas de sus obras monocromáticas estaban relacionadas con el minimalismo, ninguna de las mencionadas anteriormente era minimalista.
Neo-Dada
Robert Rauschenberg : "Un lienzo nunca está vacío" . [20] A principios de la década de 1950, se hizo conocido por sus lienzos monocromos blancos, luego negros y, finalmente, rojos. En la serie White Paintings [21] (1951), Rauschenberg aplicó pintura doméstica común con rodillos para lograr superficies lisas "en blanco". Los paneles blancos se exhibieron solos o en agrupaciones modulares. Las Black Paintings (1951-1953) incorporaron textura debajo de la superficie pintada a modo de periódico pegado que a veces indica una estructura similar a una cuadrícula. Las Red Paintings (1953-54) incorporan aún más materiales como madera y tela debajo de la superficie pintada profusamente trabajada, y parecen presagiar el desarrollo del ensamblaje de Rauschenberg en sus "Combine Paintings" así como su intención declarada de actuar en "la brecha" entre "Arte" y "Vida".
Los lienzos blancos se asociaron con la obra 4'33" del compositor John Cage , que constaba de tres movimientos de silencio y estaba inspirada, al menos en parte, por el estudio de Cage sobre el budismo zen. En ambas obras se llama la atención sobre elementos de escucha/visión que quedan fuera del control del artista: por ejemplo, los sonidos del entorno del concierto o el juego de sombras y partículas de polvo que se acumulan en las superficies "en blanco" del lienzo ("pistas de aterrizaje" - Cage).
En una obra relacionada, Erased de Kooning Drawing de 1953, Rauschenberg borró un dibujo del artista expresionista abstracto Willem de Kooning . Tal vez sea sorprendente que De Kooning simpatizara con los objetivos de Rauschenberg y apoyara implícitamente este experimento al proporcionarle al artista más joven uno de sus propios dibujos que estaba muy trabajado, lo que le llevó dos meses y muchas gomas de borrar (a Rauschenberg) borrar (de forma incompleta).
Jasper Johns era amigo de Rauschenberg, y ambos fueron a menudo catalogados como neodadaístas, lo que señala su rechazo a la estética expresionista abstracta que era dominante en la década de 1950. Johns pintó una serie de obras como Bandera blanca , Blanco verde , [22] y Tango, en las que solo hay una ligera indicación de una imagen, parecida al Cuadrado blanco sobre un campo blanco de Malevich en técnica.
Estas obras suelen mostrar más evidencia de pinceladas de las que se asocian típicamente con la pintura monocroma. Muchas otras obras también se acercan al monocromo, como las melancólicas obras "grises" de principios de los años 1960, pero con objetos reales ("ensamblaje") o texto agregado.
Minimalistas
Ellsworth Kelly pasó mucho tiempo en París y Nueva York. No es estrictamente un minimalista, pero ha realizado una serie de pinturas monocromas sobre lienzos con formas y paneles rectangulares de un solo color. Sus abstracciones [23] eran "abstracción" de la naturaleza. Su interés por la naturaleza se extiende hasta tal punto que ha realizado una serie de litografías de plantas [24] en un estilo impresionante y sinceramente realista.
Las pinturas monocromáticas de Mino Argento , blanco sobre blanco, eran variaciones de los temas cuadriculados y rectángulo sobre rectángulo, pero estaban animadas con diferencias en el ritmo y la concepción. Una composición incluía cuadrículas grises y rectángulos verticales en varios blancos más opacos, agrupados en el centro. [25]
Agnes Martin, cuyas obras de los años 1950 y 1960 son meditaciones serenas sobre la "perfección", y por ende, la "belleza", son lienzos típicamente blancos, blanquecinos o gris pálido con una leve evidencia de lápiz arrastrado en líneas o cuadrículas a lo largo de la superficie pintada. [26]
Robert Ryman, en obras como Ledger (1982) [27], llama deliberadamente la atención sobre los soportes, el marco y la firma del artista como elementos importantes de obras que suelen ser blancas o blanquecinas y de formato cuadrado. La pincelada expresionista abstracta se utiliza como material formal en estas construcciones minimalistas. Ryman exhibe un tour de force de variación sobre un tema deliberadamente limitado.
Brice Marden, en sus primeras obras maduras, exploró una estrategia reduccionista que parecía similar a la de las obras contemporáneas de Jasper Johns y Ellsworth Kelly, aunque más formalista: pinturas como Return 1 [28] consisten en campos sutilmente grises pintados con encáustica (medio de cera) con una franja estrecha a lo largo de la parte inferior del lienzo donde Marden dejó evidencia desnuda del proceso (es decir, gotas y salpicaduras de pintura). A fines de la década de 1980, Brice Marden, que tenía una visión espiritual/emocional de la abstracción, comenzó una forma más multicolor y caligráfica de pintura abstracta.
Frank Stella se hizo eco de la famosa afirmación del compositor Igor Stravinsky de que "la música es incapaz de expresar nada más que a sí misma" cuando dijo "Lo que ves es lo que ves", una observación que más tarde matizó diciendo que sus primeras pinturas estaban influenciadas en cierta medida por los escritos de Samuel Beckett (véase más arriba). En su obra intentaba minimizar cualquier inferencia de respuesta "espiritual" o incluso "emocional" por parte del espectador, y esto es quizás más llamativo en su pintura a rayas [29] que comienza a fines de la década de 1950, donde las rayas se articulan sobre lienzo sin pintar. Más tarde, Stella abandonó no solo la pintura monocroma, sino también la pintura geométrica.
John McCracken es típicamente minimalista en el sentido de que sus "objetos" no se pueden clasificar adecuadamente como "pintura" o "escultura". Famoso desde 1965 por sus "losas, columnas, tablones... Formas neutras", sus objetos monocromos pulidos y meticulosamente acabados [30] suelen estar simplemente apoyados contra las paredes de las galerías, en lo que algunos críticos describen como un estilo informal "de Costa Oeste". Aunque se nutre de técnicas características de la fabricación de tablas de surf, sus obras están hechas a mano de forma personal y meticulosa, a diferencia de las de John M. Miller y otros artistas más recientes, que suelen estar hechas en fábrica según las especificaciones del artista.
Allan McCollum, Colección de cien sustitutos de yeso , 1982/1990, Esmalte sobre Hydrostone fundido. Colección: Museum van Hedendaagse Kunst Amberes , Bélgica
Allan McCollum determinó a mediados de la década de 1970 que las fuerzas sociales que dan significado a las pinturas podrían entenderse mejor si la "pintura" en sí misma pudiera reducirse a una forma genérica: una pintura que pudiera leerse como un "signo" para una pintura, que pudiera funcionar como un "marcador de posición", o una especie de " accesorio ". En la década de 1970 y principios de la de 1980 pintó lo que llamó Pinturas sustitutas y , finalmente, comenzó a vaciarlas en yeso, con marco y todo. Estos cientos de objetos que parecían campos enmarcados y enmarañados de negrura pintada funcionaban como "signos genéricos" neutrales que podían inspirar al espectador a pensar en las expectativas sociales que construían la "idea" de una pintura, más que en la pintura en sí misma. Al reducir las pinturas a meros signos de sí mismas, McCollum convirtió la galería y el entorno del museo en una especie de teatro, resaltando el drama de presentar, exhibir, comprar y vender, intercambiar, fotografiar, evaluar, criticar, elegir y escribir sobre las obras; las pinturas-objeto en el centro de la Los objetos neutrales se volvieron deliberadamente irrelevantes para centrar la atención en los dispositivos complementarios y las prácticas sociales que, en última instancia, otorgan valor a la obra. Paradójicamente, con el paso del tiempo, estos objetos neutrales adquirieron valor en sí mismos, como símbolos de una manera antropológica de mirar el arte.
Anne Truitt fue una artista estadounidense de mediados del siglo XX, asociada tanto al minimalismo como a artistas del campo de color como Morris Louis y Kenneth Noland . Considerada principalmente como una escultora minimalista y como una colorista que pintó sus esculturas, a lo largo de su carrera, Truitt produjo varias series de pinturas monocromáticas.
A principios de los años 60, realizó su obra más importante, anticipándose en muchos aspectos a la obra de minimalistas como Donald Judd y Ellsworth Kelly . Se diferenciaba de los minimalistas en algunos aspectos importantes. Por ejemplo, nombró muchas de sus obras con nombres de lugares y acontecimientos que eran importantes para ella, una práctica que sugería una narrativa más allá de la escultura y, sin embargo, de alguna manera contenida en ella.
Las esculturas que la hicieron significativa para el desarrollo del minimalismo eran estructuras agresivamente simples y pintadas, a menudo de gran tamaño. La plataforma retraída debajo de su escultura las elevaba lo suficiente del suelo para que parecieran flotar sobre una delgada línea de sombra. El límite entre la escultura y el suelo, entre la gravedad y la verticalidad, se volvía ilusorio. Esta ambivalencia formal se refleja en su insistencia en que el color en sí mismo contenía una vibración psicológica que, cuando se purifica, como ocurre en una obra de arte, aísla el evento al que se refiere como una cosa en lugar de un sentimiento. El evento se convierte en una obra de arte, una sensación visual transmitida por el color.
Europa
Lucio Fontana inició a partir de 1949 la serie llamada Concepto Espacial o de los cortes, consistente en agujeros o cortes sobre la superficie de pinturas monocromas , dibujando un signo de lo que él llamó "un arte para la Era Espacial" (Concetto spaziale (50-B.1), 1950, MNAM , París).
Yves Klein : aunque Klein había pintado monocromos desde 1949, y realizó la primera exposición privada de esta obra en 1950, su primera exposición pública fue la publicación del libro de artista Yves: Peintures en noviembre de 1954. Parodiando un catálogo tradicional, el libro presentaba una serie de monocromos intensos vinculados a varias ciudades en las que había vivido durante los años anteriores. Yves: Peintures anticipó sus dos primeras exposiciones de pinturas al óleo, en el Club des Solitaires, París, en octubre de 1955 e Yves: Proposition monochromes en la Galería Colette Allendy, febrero de 1956. Estas exposiciones, que mostraban monocromos de color naranja, amarillo, rojo, rosa y azul, decepcionaron profundamente a Klein, ya que la gente pasaba de un cuadro a otro, uniéndolos como una especie de mosaico.
A partir de las reacciones del público, Klein se dio cuenta de que... los espectadores pensaban que sus lienzos de colores uniformes y variados representaban un nuevo tipo de decoración de interiores abstracta y brillante. Sorprendido por este malentendido, Klein supo que debía dar un paso más y decisivo en la dirección del arte monocromo... A partir de ese momento se concentraría en un solo color primario: el azul.
— Hannah Weitemeier [31]
La siguiente exposición, Proposte Monochrome, Epoca Blu (Propuesta monocromática, época azul), en la Galería Apollinaire de Milán (enero de 1957), presentó 11 lienzos idénticos de color azul, en los que se utilizó pigmento ultramar suspendido en una resina sintética , Rhodopas . Descubierto con la ayuda de Edouard Adam, un comerciante de pinturas parisino, el efecto era conservar el brillo del pigmento, que tendía a opacarse cuando se suspendía en aceite de linaza. Klein patentó más tarde esta receta para mantener la "autenticidad de la idea pura". [32] Este color, que recordaba al lapislázuli utilizado para pintar los mantos de la Virgen en las pinturas medievales, se haría famoso como " Azul Klein Internacional " (IKB). Las pinturas se sujetaban a postes colocados a 20 cm de las paredes para aumentar sus ambigüedades espaciales.
La muestra fue un éxito de crítica y comercial, y viajó a París, Düsseldorf y Londres. La exposición parisina, en la galería Iris Clert en mayo de 1957, se convirtió en un acontecimiento seminal; [33] Además de lanzar 1001 globos azules para marcar la inauguración, se enviaron postales azules utilizando sellos IKB que Klein había sobornado al servicio postal para que aceptaran como legítimos. [34] Al mismo tiempo, se celebró una exposición de tarrinas de pigmento azul y pinturas al fuego en la galería Collette Allendy.
Gerhard Richter es un artista que probablemente sea más conocido por sus pinturas fotorrealistas técnicamente impresionantes, que eclipsan sus obras abstractas y monocromáticas. Tanto sus obras abstractas como sus obras figurativas parecen cubrir un terreno emocional similar, una especie de pesimismo irónico que hizo que su trabajo se pusiera muy de moda a fines de la década de 1980. Sus pinturas grises están hechas dibujando gestos "expresivos" con pintura húmeda.
Olivier Mosset también pasó un tiempo considerable en Nueva York y París. En París, en la década de 1960, fue miembro del grupo BMPT, junto con Daniel Buren , Michel Parmentier y Niele Toroni. El grupo planteó cuestiones sobre las nociones de autoría y originalidad, dando a entender que a menudo hacían las obras de los demás y que el objeto artístico era más importante que su autoría. Más tarde, en Nueva York, a finales de la década de 1970, Mosset emprendió una larga serie de pinturas monocromas, durante el apogeo del neoexpresionismo . Se convirtió en miembro fundador del grupo New York Radical Painting, radical que se refiere tanto a una postura social radical implícita como a un retorno a la "raíz" radical de la pintura. Esta reafirmación de la relevancia social de la abstracción, e incluso del monocromo, no se había enfatizado a tal grado desde Malevich y Rodchenko. Los artistas neogeo de la década de 1980, como Peter Halley, que afirman que la abstracción geométrica tiene un papel crítico y socialmente relevante , citan a Mosset como influencia. [35]
Sally Hazelet Drummond (n. 1924, EE. UU.) expuso sus pinturas monocromáticas a fines de la década de 1950 en la ciudad de Nueva York en la Galería Tanager, una de las primeras galerías cooperativas de Tenth Street . A partir de 2007, continúa pintando cuadros monocromáticos. [37]
Alan Ebnother es un pintor estadounidense que explora la herencia de la pintura momocromática, limitándose al color único verde . [38]
Florence Miller Pierce fue miembro del TAOS Transcendental Painting Group en la década de 1930 y actualmente reside en Albuquerque, Nuevo México. Sus cuadros monocromos [39] , realizados con resina translúcida vertida sobre plexiglás espejado, parecen brillar por sí solos.
Blažej Baláž con su "doble monocromo". Color versus limaduras de monedas, chatarra, tierra o semillas de amapola. Cuadro Campo de semillas de amapolas / Makové pole 2001/02. [40]
Marcia Hafif ha expuesto sus pinturas monocromáticas durante más de 50 años en Nueva York, Los Ángeles y Europa. Ha creado obras monocromáticas con óleo, esmalte, témpera al huevo, acuarela, esmalte, acrílico y tinta. Su obra se incluyó en la Bienal de 2014 en el Museo Hammer , donde la artista exhibió 24 pinturas monocromáticas, cada una teñida de negro. [41] [42] [43]
La pintura monocromática en la cultura popular
La obra de Broadway 'Art', ganadora del premio Tony en 1998 , utilizó una pintura monocromática blanca como apoyo para generar un argumento sobre la estética que constituía la mayor parte de la obra.
Monocromos: desde Malevich hasta la actualidad, de Barbara Rose
En la era del monocromo - Arte en América - Enero de 2005 por Terry Berne - Buscar artículos
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Enlaces externos
Medios relacionados con Pinturas monocromas en Wikimedia Commons
En exposición en el MoMA: Kazimir Malevich. Composición suprematista: blanco sobre blanco. 1918
Henri Matisse. Vista de Notre Dame. 1914. Óleo sobre lienzo. The Museum of Modern Arts, Nueva York, NY, EE. UU.
Enrique Matisse. Ventana francesa en Collioure. 1914. Óleo sobre lienzo. Musée National d'Art Moderne, Centro Georges Pompidou, París, Francia.
Formas singulares (a veces repetidas): Robert Rauschenberg
Colección Guggenheim - Arte pop - Rauschenberg - Sin título (Cuadro rojo)
Sitio dedicado a la obra de Gerhard Richter
Johannes Meinhardt: La pintura como espacio vacío: la subversión de la última pintura por parte de Allan McCollum. AURA. Wiener Secession. Viena, Austria, 1994
La galería Charlotte Jackson
Olivier Mosset en la galería Spencer Brownstone
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