Las artes escénicas son artes como la música , la danza y el teatro que se representan para un público. [1] Se diferencian de las artes visuales , que implican el uso de pintura, lienzo o diversos materiales para crear objetos de arte físicos o estáticos . Las artes escénicas incluyen una variedad de disciplinas que se realizan frente a una audiencia en vivo, incluido el teatro, la música y la danza.
El teatro , la música, la danza, la manipulación de objetos y otro tipo de actuaciones están presentes en todas las culturas humanas. La historia de la música y la danza se remonta a tiempos prehistóricos , mientras que las habilidades circenses se remontan al menos al Antiguo Egipto . Muchas artes escénicas se realizan profesionalmente. Las actuaciones pueden realizarse en edificios especialmente construidos, como teatros y casas de ópera, en escenarios al aire libre en festivales, en escenarios en tiendas de campaña como circos o en la calle.
Las presentaciones en vivo ante una audiencia son una forma de entretenimiento. El desarrollo de la grabación de audio y vídeo ha permitido el consumo privado de las artes escénicas. Las artes escénicas a menudo tienen como objetivo expresar las emociones y sentimientos. [2]
Los artistas que participan en artes escénicas frente a una audiencia se denominan intérpretes. Ejemplos de estos incluyen actores , comediantes , bailarines , magos , artistas de circo , músicos y cantantes . Las artes escénicas también cuentan con el apoyo de trabajadores en campos relacionados, como la composición de canciones , la coreografía y la puesta en escena . Los artistas suelen adaptar su apariencia , por ejemplo con el vestuario y el maquillaje escénico , la iluminación del escenario y el sonido.
Las artes escénicas pueden incluir danza, música, ópera, teatro y teatro musical, magia , ilusión , mimo , palabra hablada , títeres , artes circenses , monólogos , improvisación , lucha libre profesional y artes escénicas .
También existe una forma especializada de bellas artes, en la que los artistas realizan su trabajo en vivo ante una audiencia. Esto se llama arte escénico . La mayoría de las artes escénicas también implican alguna forma de arte plástico , tal vez en la creación de accesorios . A menudo se hacía referencia a la danza como un arte plástico durante la era de la danza moderna . [3]
El teatro es la rama de las artes escénicas que se ocupa de representar historias frente a una audiencia, utilizando una combinación de habla, gestos, música, danza, sonido y espectáculo. Cualquiera o más de estos elementos se consideran artes escénicas. Además del estilo de diálogo narrativo estándar de las obras, el teatro adopta formas como obras de teatro, musicales, ópera, ballet, ilusión , mimo , danza clásica india , kabuki , obras de mimos , teatro de improvisación , comedia, pantomima y teatro no convencional o formas contemporáneas como el teatro posmoderno , el teatro posdramático o el arte escénico.
En el contexto de las artes escénicas, la danza generalmente se refiere al movimiento humano , típicamente rítmico y a la música, utilizada como forma de entretenimiento para el público en un entorno escénico. Las definiciones de lo que constituye la danza dependen de limitaciones sociales , culturales , estéticas , artísticas y morales y van desde movimientos funcionales (como la danza folclórica ) hasta técnicas codificadas y virtuosas como el ballet . [4]
Existe otra forma moderna de danza que surgió en los siglos XIX y XX con el nombre de estilo de danza libre . Esta forma de danza estaba estructurada para crear una personalidad armoniosa que incluía características como la libertad física y espiritual. Isadora Duncan fue la primera bailarina que habló sobre la "mujer del futuro" y desarrolló un nuevo vector de coreografía utilizando la idea de Nietzsche de "mente suprema en mente libre". [5]
La danza es un impulso poderoso, pero el arte de la danza es ese impulso canalizado por artistas hábiles hacia algo que se vuelve intensamente expresivo y que puede deleitar a los espectadores que no sienten ningún deseo de bailar. Estos dos conceptos del arte de la danza (la danza como un impulso poderoso y la danza como un arte hábilmente coreografiado practicado en gran medida por unos pocos profesionales) son las dos ideas conectoras más importantes que atraviesan cualquier consideración del tema. En la danza, la conexión entre los dos conceptos es más fuerte que en otras artes, y ninguno puede existir sin el otro. [4]
La coreografía es el arte de realizar danzas, y la persona que practica este arte se llama coreógrafo.
La música es una forma de arte que combina tono , ritmo y dinámica para crear sonido. Se puede interpretar utilizando una variedad de instrumentos y estilos y se divide en géneros como folk , jazz , hip hop , pop y rock, etc. Como forma de arte, la música puede presentarse en formatos en vivo o grabada, y puede planificarse. o improvisado.
Como la música es un arte proteico , se coordina fácilmente con las palabras de las canciones, como lo hacen los movimientos físicos en la danza. Además, tiene la capacidad de moldear los comportamientos humanos a medida que impacta nuestras emociones. [6]
A partir del siglo VI a.C. se inició en Grecia el período clásico del arte escénico , iniciado por los poetas trágicos como Sófocles . Estos poetas escribieron obras de teatro que, en algunos casos, incorporaban danza (véase Eurípides ). El período helenístico inició el uso generalizado de la comedia.
Sin embargo, en el siglo VI d.C., las artes escénicas occidentales habían desaparecido en gran medida cuando comenzó la Edad Media . Entre el siglo IX y el siglo XIV, el arte escénico en Occidente se limitó a representaciones históricas religiosas y obras de moralidad , organizadas por la Iglesia en celebración de días santos y otros eventos importantes.
En el siglo XV, las artes escénicas, junto con las artes en general, experimentaron un resurgimiento cuando el Renacimiento comenzó en Italia y se extendió por toda Europa. Obras, algunas de las cuales incorporaban danza, que se representaron y a Domenico da Piacenza se le atribuye el primer uso del término. ballo (en De Arte Saltandi et Choreas Ducendi ) en lugar de danza (danza) para sus baletti o balli . El término finalmente se convirtió en Ballet . Se cree que el primer ballet per se fue el Ballet Comique de la Reine de Balthasar de Beaujoyeulx (1581).
A mediados del siglo XVI la Commedia Dell'arte se hizo popular en Europa, introduciendo el uso de la improvisación . Este período también introdujo la máscara isabelina, que presentaba música, danza y trajes elaborados, así como compañías teatrales profesionales en Inglaterra. Las obras de William Shakespeare de finales del siglo XVI se desarrollaron a partir de esta nueva clase de interpretación profesional.
En 1597 se representó la primera ópera, Dafne , y a lo largo del siglo XVII, la ópera se convertiría rápidamente en el entretenimiento preferido de la aristocracia en la mayor parte de Europa y, finalmente, de un gran número de personas que vivían en ciudades y pueblos de toda Europa.
La introducción del arco del proscenio en Italia durante el siglo XVII estableció la forma de teatro tradicional que persiste hasta el día de hoy. Mientras tanto, en Inglaterra, los puritanos prohibieron la actuación, lo que provocó una interrupción de las artes escénicas que duró hasta 1660. Después de eso, las mujeres comenzaron a aparecer en obras de teatro francesas e inglesas. Los franceses introdujeron una instrucción formal de danza a finales del siglo XVII.
También es durante esta época cuando se representaron las primeras obras de teatro en las colonias americanas .
Durante el siglo XVIII, la introducción de la popular ópera buffa llevó la ópera a las masas como una forma accesible de interpretación. Las bodas de Fígaro y Don Giovanni de Mozart son hitos de la ópera de finales del siglo XVIII.
A principios del siglo XIX, Beethoven y el movimiento romántico marcaron el comienzo de una nueva era que condujo primero a los espectáculos de la gran ópera y luego a los dramas musicales de Giuseppe Verdi y la Gesamtkunstwerk (obra de arte total) de las óperas de Richard Wagner nos lleva directamente a la música del siglo XX.
El siglo XIX fue un período de crecimiento de las artes escénicas para todas las clases sociales, avances técnicos como la introducción de la luz de gas en los teatros, el burlesque , el baile de juglares y el teatro de variedades. En el ballet, las mujeres logran grandes avances en un arte que antes estaba dominado por los hombres.
La danza moderna comenzó a finales del siglo XIX y principios del XX como respuesta a las restricciones del ballet tradicional. La llegada de los Ballets Rusos (1909-1929) de Sergei Diaghilev revolucionó el ballet y las artes escénicas en general en todo el mundo occidental, sobre todo gracias al énfasis de Diaghilev en la colaboración, que reunió a coreógrafos, bailarines, escenógrafos/artistas, compositores y músicos para revitalizar y revolucionar el ballet. Es extremadamente complejo.
"System" de Konstantin Stanislavski revolucionó la actuación a principios del siglo XX y sigue teniendo una gran influencia en los actores del teatro y el cine hasta el día de hoy. Durante este período se introdujeron en escena tanto el impresionismo como el realismo moderno.
Con la invención de la película a finales del siglo XIX por Thomas Edison y el crecimiento de la industria cinematográfica en Hollywood a principios del siglo XX, el cine se convirtió en un medio de interpretación dominante a lo largo de los siglos XX y XXI.
El ritmo y el blues , un fenómeno cultural de la América negra, saltó a la fama a principios del siglo XX, influyendo en una variedad de estilos musicales populares posteriores a nivel internacional.
En la década de 1930, Jean Rosenthal introdujo lo que se convertiría en la iluminación escénica moderna , cambiando la naturaleza del escenario a medida que el musical de Broadway se convertía en un fenómeno en los Estados Unidos.
Las artes escénicas posteriores a la Segunda Guerra Mundial se destacaron por el resurgimiento del ballet y la ópera en el mundo occidental.
El posmodernismo dominó las artes escénicas durante los años 1970 y 1980. [7]
Las tradiciones escénicas indígenas africanas tienen sus raíces en los rituales , la narración de historias, el movimiento y la música . [8] Las actuaciones fueron comunitarias con los narradores y la audiencia interactuando y participando en llamada y respuesta , que se caracteriza por un vocalista que firma una frase que luego los otros artistas y/o la audiencia repiten o responden con una nueva frase. Esta antigua tradición tiene sus raíces en muchas culturas africanas. [9]
El evento teatral más antiguo registrado se remonta al año 2000 a. C. con las obras ceremoniales del Antiguo Egipto . La historia del dios Osiris se representaba anualmente en festivales de toda la civilización, lo que marcaba el comienzo de una larga relación entre el teatro y la religión. El Papiro Dramático Ramesseum , el papiro ilustrado más antiguo que se conserva, detalla la representación durante el Festival Sed y se ha utilizado como evidencia del nacimiento de la tradición teatral, que los eruditos occidentales a menudo atribuyen a la antigua Grecia. [10]
Un Griot es un historiador oral de África occidental que utiliza la narración, la poesía y la música para expresar las genealogías y narrativas históricas de las tribus que representan, a menudo tocando instrumentos como la kora . [11] Esta antigua profesión se mantiene en una posición de liderazgo comunitario.
Las formas de teatro más populares en el mundo islámico medieval eran el teatro de marionetas (que incluía títeres de mano, juegos de sombras y producciones de marionetas ) y obras de pasión en vivo conocidas como ta'ziya , donde los actores recrean episodios de la historia musulmana . En particular, las obras islámicas chiítas giraban en torno al shaheed (martirio) de los hijos de Ali , Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali . Comúnmente se refiere a obras de teatro apasionadas sobre la batalla de Karbala y sus eventos anteriores y posteriores. Sir Lewis Pelly comienza el prefacio de su libro sobre Ta'zieh sosteniendo que "Si el éxito de un drama debe medirse por los efectos que produce en las personas para quienes está compuesto, o en las audiencias ante quienes se representa, "Ninguna obra ha superado jamás la tragedia conocida en el mundo musulmán como la de Hasan y Husain ". [12] Años más tarde, Peter Chelkowski, profesor de estudios iraníes e islámicos en la Universidad de Nueva York , elige las mismas palabras para el comienzo de su libro 'Ta`ziyeh, ritual y drama en Irán'. [13] Las obras seculares en vivo se conocían como akhraja , registradas en la literatura adab medieval , aunque eran menos comunes que los títeres y el teatro ta'ziya . [14]
En Irán existen otras formas de eventos teatrales como Naghali o Naqqāli (narración de historias), Ta'zieh , ٰRu-Howzi , Siah-Bazi , Parde-Khani y Mareke giri . Antes del siglo XX, contar historias era la forma de entretenimiento más reconocida, aunque hoy en día aún persisten algunas formas. Una forma, Naghali, se representaba tradicionalmente en cafés donde los narradores, o Naghals (Naqqāls), sólo recitaban secciones de una historia a la vez, manteniendo así una clientela habitual. Estas historias se basaron en eventos de importancia histórica o religiosa y muchas poesías referenciadas del Shahnameh . A menudo, estas historias se modificaban para vincularlas con la atmósfera o el estado de ánimo de la audiencia. [15]
El teatro y la dramaturgia folclóricos se remontan al ritualismo religioso de los pueblos védicos en el segundo milenio antes de Cristo . Este teatro folclórico del pasado brumoso se mezclaba con danza, comida, ritualismo y una representación de acontecimientos de la vida cotidiana. Este último elemento lo convirtió en el origen del teatro clásico de épocas posteriores. Muchos historiadores, en particular DD Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, etc., se han referido a la prevalencia del ritualismo entre las tribus indo-arias en el que algunos miembros de la tribu actuaban como si fueran animales salvajes y otros eran cazadores. Los que actuaban como mamíferos como cabras, búfalos, renos, monos, etc. eran perseguidos por quienes desempeñaban el papel de cazadores. [ cita necesaria ]
Bharata Muni (fl. Siglo V-II a. C.) fue un antiguo escritor indio mejor conocido por escribir el Natya Shastra de Bharata , un tratado teórico sobre las artes escénicas indias, que incluye teatro, danza, actuación y música, que ha sido comparado con Aristóteles. La poética de . Bharata es a menudo conocido como el padre de las artes teatrales indias. Su Natya Shastra parece ser el primer intento de desarrollar la técnica o más bien el arte del drama de manera sistemática. El Natya Shastra nos dice no sólo qué se debe retratar en un drama, sino también cómo se debe hacer la representación. El drama, como dice Bharata Muni, es la imitación de los hombres y sus acciones ( loka-vritti ). Así como los hombres y sus acciones deben ser respetados en el escenario, el drama en sánscrito también se conoce con el término roopaka , que significa representación. [ cita necesaria ]
El Ramayana y el Mahabharata pueden considerarse las primeras obras reconocidas que se originaron en la India. Estas epopeyas sirvieron de inspiración a los primeros dramaturgos indios y lo siguen siendo incluso hoy en día. Dramaturgos indios como Bhāsa en el siglo II a. C. escribieron obras que estaban fuertemente inspiradas en el Ramayana y el Mahabharata . [ cita necesaria ]
Podría decirse que Kālidāsa en el siglo I a. C. es el mayor dramaturgo de la antigua India . Tres obras románticas famosas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram ( Mālavikā y Agnimitra ), Vikramōrvaśīyam ( Perteneciente a Vikrama y Urvashi ) y Abhijñānaśākuntala ( El reconocimiento de Shakuntala ). Este último se inspiró en una historia del Mahabharata y es el más famoso. Fue el primero en ser traducido al inglés y al alemán. En comparación con Bhāsa, que se basó en gran medida en las epopeyas, Kālidāsa puede considerarse un dramaturgo original. [ cita necesaria ]
El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti (c. siglo VII). Se dice que escribió las tres obras siguientes: Malati-Madhava , Mahaviracharita y Uttar Ramacharita . Entre estos tres, los dos últimos abarcan entre ellos, toda la epopeya del Ramayana . Al poderoso emperador indio Harsha (606-648) se le atribuye haber escrito tres obras de teatro: la comedia Ratnavali , Priyadarsika y el drama budista Nagananda . Muchos otros dramaturgos le siguieron durante la Edad Media . [ cita necesaria ]
Había muchas formas de arte escénico en la parte sur de la India, Kerala es un estado con diferentes formas de arte como Koodiyattam , Nangyarkoothu, Kathakali , Chakyar koothu , Thirayattam y había muchos artistas destacados como Painkulam Raman Chakyar y otros. [ cita necesaria ]
Hay referencias a espectáculos teatrales en China ya en el año 1500 a. C. durante la dinastía Shang ; a menudo incluían música, payasadas y exhibiciones acrobáticas. [dieciséis]
La dinastía Tang a veces se conoce como "La era de los 1000 entretenimientos". Durante esta época, el emperador Xuanzong formó una escuela de actuación conocida como Children of the Pear Garden para producir una forma de drama que fuera principalmente musical. [dieciséis]
Durante la dinastía Han, los títeres de sombras surgieron por primera vez como una forma reconocida de teatro en China. Había dos formas distintas de títeres de sombras, el cantonés del sur y el pequinés del norte. Los dos estilos se diferenciaban por el método de confección de los títeres y la colocación de las varillas sobre los títeres, a diferencia del tipo de juego realizado por los títeres. Ambos estilos representaban generalmente obras que representaban grandes aventuras y fantasía; rara vez se utilizaba esta forma tan estilizada de teatro para propaganda política. Las marionetas de sombras cantonesas eran las más grandes de las dos. Fueron construidos con cuero grueso que creaba sombras más sustanciales. El color simbólico también prevaleció mucho; un rostro negro representaba honestidad, uno rojo valentía. Las varillas utilizadas para controlar los títeres cantoneses estaban unidas perpendicularmente a las cabezas de los títeres. Por lo tanto, el público no los vio cuando se creó la sombra. Los títeres pekineses eran más delicados y más pequeños. Fueron creados a partir de cuero fino y translúcido, generalmente extraído del vientre de un burro. Fueron pintados con pinturas vibrantes, por lo que proyectan una sombra muy colorida. Las finas varillas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello del títere. Las varillas corrían paralelas a los cuerpos del títere y luego giraban en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas varillas eran visibles cuando se proyectaba la sombra, se encontraban fuera de la sombra del títere; por tanto, no interfirieron con la apariencia de la figura. Las varillas unidas a los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando las cabezas no se utilizaban, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se quitaban por la noche. Esto estaba en consonancia con la vieja superstición de que, si se dejaban intactas, las marionetas cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron incluso a guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar los títeres. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno. [ cita necesaria ]
En la dinastía Song , hubo muchas obras de teatro populares que incluían acrobacias y música. Estos evolucionaron en la dinastía Yuan hacia una forma más sofisticada con una estructura de cuatro o cinco actos. El drama Yuan se extendió por China y se diversificó en numerosas formas regionales, la más conocida de las cuales es la Ópera de Beijing, que sigue siendo popular en la actualidad. [ cita necesaria ]
En Tailandia , ha sido una tradición desde la Edad Media representar obras basadas en tramas extraídas de epopeyas indias. En particular, la versión teatral de la epopeya nacional tailandesa Ramakien , una versión del Ramayana indio , sigue siendo popular en Tailandia incluso hoy en día.
En Camboya , inscripciones que datan del siglo VI d.C. indican evidencia de bailarines en un templo local y del uso de títeres para obras religiosas. En la antigua capital , Angkor Wat , se han grabado historias de las epopeyas indias Ramayana y Mahabharata en las paredes de templos y palacios. Se encuentran relieves similares en Borobudur , Indonesia.
En Filipinas , se publicó el famoso poema épico Ibong Adarna , originalmente titulado "Korido at Buhay na Pinagdaanan ng Tatlong Prinsipeng Magkakapatid na anak nina Haring Fernando at Reyna Valeriana sa Kahariang Berbania" (inglés: " Corrido y vida vivida por los tres príncipes, hijos de El rey Fernando y la reina Valeriana en el Reino de Berbania") del siglo XVI fue escrito por José de la Cruz durante la época española . Además de las representaciones teatrales, diferentes estudios cinematográficos y producciones televisivas produjeron diferentes películas. La primera película producida "Ang Ibong Adarna" fue producida por LVN Pictures , el estudio cinematográfico más grande de la historia de Filipinas.
Florante at Laura es un " awit " o un poema que consta de cuartetas de 12 sílabas con el título completo "Pinagdaanang Buhay ni Florante at ni Laura sa Kahariang Albanya" (inglés: "La historia de Florante y Laura en el Reino de Albania ") fue escrito por Francisco Balagtas en 1838 durante su encarcelamiento dedicado a su novia María Asunción Rivera (apodada "MAR", referida como "Selya"). El poema tiene una parte especial titulada " Kay Selya " (inglés: "For Celia") especialmente dedicada a Rivera.
El héroe nacional filipino , José Rizal , que también es novelista, creó los dos poemas famosos en Filipinas, Noli Me Tángere ( en latín "No me toques", con un acento agudo añadido en la última palabra de acuerdo con la ortografía española). ) (1887) que describe las desigualdades percibidas de los frailes católicos españoles y el gobierno gobernante y El Filibusterismo (traducciones: The filibusterism; The Subversive o The Subversion, como en la traducción al inglés de Locsín, también son posibles traducciones, también conocida por su inglés alternativo título El reino de la codicia) (1891). El tema oscuro de la novela se aleja dramáticamente de la atmósfera romántica y esperanzadora de la novela anterior, lo que significa el recurso de Ibarra a resolver los problemas de su país a través de medios violentos, después de que su intento anterior de reformar el sistema del país no tuvo efecto y parecía imposible debido a la actitud corrupta de los españoles hacia los filipinos. Estas novelas fueron escritas durante la colonización de Filipinas por el Imperio español .
Todas estas piezas literarias estaban bajo el plan de estudios del programa K-12 para escuelas secundarias, Ibong Adarna está bajo el plan de estudios de séptimo grado; Florante en Laura (8vo grado); Noli Me Tángere (9no grado); y El Filibusterismo (Grado 10).
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Durante el siglo XIV, había pequeñas compañías de actores en Japón que representaban comedias breves, a veces vulgares. El director de una de estas compañías, Kan'ami (1333-1384), tenía un hijo, Zeami Motokiyo (1363-1443), considerado uno de los mejores niños actores de Japón. Cuando la compañía de Kan'ami actuó para Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), el shōgun de Japón, le imploró a Zeami que recibiera una educación en la corte para sus artes. [17] Después de que Zeami sucedió a su padre, continuó actuando y adaptando su estilo a lo que hoy es Noh . Una mezcla de pantomima y acrobacia vocal, el estilo de teatro Noh se ha convertido en una de las formas de representación teatral más refinadas de Japón. [18]
Japón, después de un largo período de guerras civiles y desorden político, estaba unificado y en paz principalmente gracias al shōgun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). Sin embargo, alarmado por el creciente número de cristianos dentro del país debido a los esfuerzos proselitistas de los misioneros cristianos, cortó el contacto de Japón con Europa y China y prohibió el cristianismo. Cuando llegó la paz, un florecimiento de la influencia cultural y una creciente clase mercantil exigieron su propio entretenimiento. La primera forma de teatro que floreció fue el Ningyō jōruri (comúnmente conocido como Bunraku ). El fundador y principal colaborador de Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), convirtió su forma de teatro en una verdadera forma de arte. Ningyō jōruri es una forma muy estilizada de teatro que utiliza títeres, hoy alrededor de 1⁄3 del tamaño de un ser humano. Los hombres que controlan los títeres se entrenan para convertirse en maestros titiriteros, cuando luego pueden operar la cabeza y el brazo derecho del títere y elegir mostrar sus rostros durante la actuación. Los otros titiriteros, que controlan los miembros menos importantes del títere, se cubren a sí mismos y a sus rostros con un traje negro, para dar a entender su invisibilidad. El diálogo lo maneja una sola persona, que utiliza variados tonos de voz y modales al hablar para simular diferentes personajes. Chikamatsu escribió miles de obras de teatro durante su vida, la mayoría de las cuales todavía se utilizan en la actualidad. [ cita necesaria ]
El Kabuki comenzó poco después del Bunraku, la leyenda lo cuenta una actriz llamada Okuni, que vivió a finales del siglo XVI. La mayor parte del material del kabuki proviene del Noh y del Bunraku, y sus movimientos erráticos de tipo danza también son un efecto del Bunraku. Sin embargo, el kabuki es menos formal y más distante que el Noh, aunque muy popular entre el público japonés. Los actores están capacitados en muchas cosas variadas, incluido el baile, el canto, la pantomima e incluso la acrobacia. El kabuki fue interpretado primero por niñas, luego por niños y, a finales del siglo XVI, las compañías de kabuki estaban formadas exclusivamente por hombres. Los hombres que retrataron a las mujeres en el escenario fueron entrenados específicamente para extraer la esencia de una mujer en sus movimientos y gestos sutiles. [ cita necesaria ]
A menudo, la danza melanesia exhibe un tema cultural de masculinidad donde el liderazgo y un conjunto de habilidades únicas son importantes para compartir con la comunidad. [19] Estas danzas demuestran la soldadesca de un hombre; sin embargo, también pueden representar rentabilidad, como fomentar la resolución de conflictos o la curación. [20] Los trajes de los bailarines que se hacen pasar por incorporan máscaras grandes y características no humanas que actúan para imitar figuras míticas. La música también puede actuar como voz para estos personajes mágicos. [19]
