La pintura de cerámica de figuras negras , también conocida como estilo de figuras negras o cerámica de figuras negras ( griego antiguo : μελανόμορφα , romanizado : melanómorpha ), es uno de los estilos de pintura sobre vasijas griegas antiguas . Fue especialmente común entre los siglos VII y V a. C., aunque hay ejemplares que datan del siglo II a. C. Estilísticamente se puede distinguir del período orientalizante anterior y del estilo posterior de cerámica de figuras rojas .
Sobre el cuerpo de la vasija se pintaron figuras y adornos utilizando formas y colores que recuerdan a siluetas . Se grabaron contornos delicados en la pintura antes de cocerla, y los detalles se podían reforzar y resaltar con colores opacos, generalmente blanco y rojo. Los principales centros de este estilo fueron inicialmente el centro comercial Corinto y más tarde Atenas . Se sabe que otros sitios de producción importantes se encontraban en Laconia , Beocia , el este de Grecia e Italia. Especialmente en Italia se desarrollaron estilos individuales que, al menos en parte, estaban destinados al mercado etrusco. Los jarrones griegos con figuras negras eran muy populares entre los etruscos , como se desprende de las frecuentes importaciones. Los artistas griegos crearon productos personalizados para el mercado etrusco que diferían en forma y decoración de sus productos habituales. Los etruscos también desarrollaron su propia industria cerámica de figuras negras basada en modelos griegos.
La pintura de figuras negras sobre jarrones fue el primer estilo artístico que dio origen a un número significativo de artistas identificables. Algunos son conocidos por sus verdaderos nombres, otros sólo por los nombres pragmáticos que les dieron en la literatura científica. Ática fue especialmente el hogar de artistas famosos. Algunos alfareros introdujeron una variedad de innovaciones que frecuentemente influyeron en el trabajo de los pintores; a veces eran los pintores quienes inspiraron la originalidad de los alfareros. Los jarrones con figuras rojas y negras son algunas de las fuentes más importantes de mitología e iconografía y, a veces, también para investigar la vida cotidiana de la antigua Grecia. Estos jarrones han sido objeto de intensas investigaciones a más tardar desde el siglo XIX d.C.
La base para la pintura de cerámica es el jarrón sobre el que se pinta una imagen. Las formas populares se alternaban con modas pasajeras. Mientras que muchos reaparecieron después de intervalos, otros fueron reemplazados con el tiempo. Todos tenían un método de fabricación común: después de fabricar el jarrón, primero se secaba antes de pintarlo. Los talleres estaban bajo el control de los alfareros, quienes como propietarios de negocios tenían una posición social elevada [ cita requerida ] .
No se sabe hasta qué punto los alfareros y los pintores eran idénticos. Es probable que muchos maestros alfareros hicieran su principal contribución en el proceso de producción como pintores de vasos, al tiempo que empleaban a pintores adicionales. Sin embargo, no es fácil reconstruir los vínculos entre alfareros y pintores. En muchos casos, como Tleson y el pintor Tleson, Amasis y el pintor Amasis o incluso Nikóstenes y el pintor N, es imposible hacer atribuciones inequívocas, aunque en gran parte de la literatura científica se supone que estos pintores y alfareros son la misma persona. [ cita necesaria ] . Pero tales atribuciones sólo pueden hacerse con confianza si se dispone de las firmas del alfarero y del pintor.
Los pintores, que eran esclavos o artesanos pagados como pintores de alfarería, trabajaban en jarrones sin cocer y con el cuero seco. En el caso de la producción de figuras negras, el tema se pintaba en el jarrón con una lechada de arcilla (una barbotina , en la literatura antigua también designada como barniz) que se volvía negra y brillante después de la cocción. Esto no era "pintura" en el sentido habitual, ya que esta superficie engobe estaba hecha del mismo material arcilloso que el propio jarrón, diferenciándose sólo en el tamaño de las partículas que lo componen, logrado durante el refinamiento de la arcilla antes de comenzar con el encapsulado. El área de las figuras se pintó primero con un instrumento parecido a un pincel. Los contornos internos y los detalles estructurales se grabaron en la barbotina para que la arcilla subyacente pudiera verse a través de los rayones. Se utilizaron otros dos pigmentos a base de tierra que daban rojo y blanco para agregar detalles como adornos, ropa o partes de ropa, pelo, melenas de animales, partes de armas y otros equipos. El blanco también se utilizaba con frecuencia para representar la piel de las mujeres.
El éxito de todo este esfuerzo sólo pudo juzgarse después de un complicado proceso de cocción en tres fases que generó el color rojo de la arcilla corporal y el negro de la barbotina aplicada. El recipiente fue cocido en un horno a una temperatura de aproximadamente 800 °C, y la oxidación resultante le dio un color naranja rojizo. Luego se elevó la temperatura a aproximadamente 950 °C con las rejillas de ventilación del horno cerradas y se añadió madera verde para eliminar el oxígeno. Luego, el barco se volvió completamente negro. La etapa final requirió que se reabrieran las rejillas de ventilación para permitir que entrara oxígeno al horno, que se dejó enfriar. Luego, el recipiente volvió a su color naranja rojizo debido a una nueva oxidación, mientras que la capa pintada ahora sinterizada mantuvo el color negro brillante que se había creado en la segunda etapa.
Aunque la puntuación es uno de los principales indicadores estilísticos, algunas piezas prescinden de ella. Para estos, la forma es técnicamente similar al estilo orientalizante, pero el repertorio de imágenes ya no refleja la práctica orientalizante. [1]
La evolución de la pintura de cerámica de figuras negras se describe tradicionalmente en términos de varios estilos y escuelas regionales. Utilizando Corinto como centro, había diferencias básicas en las producciones de las distintas regiones, aunque se influyeran entre sí. Especialmente en el Ática, aunque no exclusivamente allí, los mejores y más influyentes artistas de su tiempo caracterizaron la pintura cerámica griega clásica. El futuro desarrollo y la calidad de los vasos como portadores de imágenes son el tema de esta sección.
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La técnica de las figuras negras se desarrolló alrededor del año 700 a. C. en Corinto [2] y fue utilizada por primera vez a principios del siglo VII a. C. por los pintores de cerámica protocorintios, que todavía pintaban en el estilo orientalizante . La nueva técnica recordaba a las piezas de metal grabadas, y las vajillas de metal, más costosas, fueron reemplazadas por jarrones de cerámica con figuras pintadas. Un estilo característico de figuras negras se desarrolló antes de finales de siglo. Se habían abandonado la mayoría de los elementos orientalizantes y no había adornos excepto rosetas pintadas (las rosetas estaban formadas por una disposición de pequeños puntos individuales)
La arcilla utilizada en Corinto era blanda, con un tinte amarillo y ocasionalmente verde. Los disparos defectuosos eran algo natural y ocurrían siempre que el complicado procedimiento de disparo no funcionaba como se deseaba. El resultado era a menudo una coloración no deseada de todo el jarrón o de partes del mismo. Después de la cocción, la barbotina brillante aplicada al jarrón se volvió negra opaca. Los colores suplementarios rojo y blanco aparecieron por primera vez en Corinto y luego se volvieron muy comunes. Las vasijas pintadas suelen ser de pequeño formato, rara vez superiores a 30 cm. Frascos de aceite ( alabastra , aryballos ), píxides , cráteras , enócoes y copas fueron las vasijas pintadas con mayor frecuencia. Los jarrones esculpidos también estaban muy extendidos. A diferencia de los jarrones áticos, las inscripciones son escasas y las firmas de los pintores aún más. La mayoría de las vasijas supervivientes producidas en Corinto se han encontrado en Etruria , la Baja Italia y Sicilia. En el siglo VII y la primera mitad del VI a. C., la pintura de vasijas corintias dominó el mercado mediterráneo de cerámica. Es difícil construir una secuencia estilística para la pintura de vasijas corintias. A diferencia de la pintura ática, por ejemplo, las proporciones de la base de cerámica no evolucionaron mucho. También suele ser difícil fechar los vasos corintios; Con frecuencia hay que confiar en fechas secundarias, como la fundación de colonias griegas en Italia. A partir de esta información se puede elaborar una cronología aproximada mediante comparaciones estilísticas, pero rara vez tiene la precisión de la datación de los vasos áticos.
Con frecuencia se representan escenas mitológicas, especialmente Heracles y figuras relacionadas con la guerra de Troya . Pero las imágenes de los vasos corintios no tienen una gama temática tan amplia como la de las obras posteriores de los pintores áticos. Rara vez se representan dioses, y Dioniso nunca. Pero el ciclo tebano fue más popular en Corinto que posteriormente en Atenas. Principalmente las peleas, los jinetes y los banquetes eran las escenas más comunes de la vida diaria, apareciendo estos últimos por primera vez durante el período corintio temprano. Las escenas deportivas son raras. Las escenas con bailarines barrigones son únicas y su significado es discutido hasta el momento. Se trata de bebedores cuyos vientres y nalgas están acolchados con almohadas y pueden representar una forma temprana de comedia griega. [3]
El estilo de transición (640-625 a. C.) vinculó el estilo orientalizante (protocorintio) con el estilo de figuras negras. El antiguo estilo de friso de animales del período protocorintio se había agotado, al igual que el interés de los pintores de vasijas por las escenas mitológicas. Durante este período dominaban las criaturas animales e híbridas. La forma índice de la época fueron los aryballos esféricos, producidos en grandes cantidades y decorados con frisos de animales o escenas de la vida cotidiana. La calidad de la imagen es inferior en comparación con el período de orientalización. Los artistas más destacados de la época fueron el Pintor del Toro Tambaleante , cuya obra más famosa es un aríballos con una escena de caza, el Pintor de Palermo 489 , y su discípulo, el Pintor Colón . El estilo personal de este último se reconoce más fácilmente en sus imágenes de leones poderosos. Además del aryballos, el kotyle y el alabastron son las formas de vasijas más importantes. Los bordes de los kotyles estaban ornamentados y el resto de decoraciones consistían en animales y rayas. Las dos superficies verticales de los jarrones suelen tener escenas mitológicas. Los alabastrones solían estar pintados con figuras únicas.
El pintor del duelo fue el pintor corintio temprano más importante (625-600 a. C.) [4] que representó escenas de lucha en aryballos . A partir del período corintio medio (600-575 a. C.), los colores opacos se utilizaron cada vez con más frecuencia para enfatizar los detalles. Además, las figuras se pintaron con una serie de puntos blancos. Los aryballos se hicieron más grandes y se les dio una base plana.
El pintor Foloe es muy conocido; su obra más famosa es un skyphos con una imagen de Heracles. El pintor Dodwell continuó pintando frisos de animales, aunque otros pintores ya habían abandonado esta tradición. [5] Su período creativo se extendió hasta el período corintio tardío (575-550 a. C.) y su influencia no puede subestimarse en la pintura de vasijas de esa época. También tuvieron una reputación excepcional el maestro del Grupo Gorgoneion y el Pintor de la Cabalgata , llamado así por su preferencia por representar jinetes en los interiores de las copas; Estuvo activo alrededor del 580 a.C. [6] Dos de sus obras maestras [7] son una copa [8] que muestra el suicidio de Ajax y una crátera de columnas que muestra a una pareja nupcial en un carro. Todas las figuras que se muestran en el recipiente están etiquetadas.
El primer artista conocido por su nombre es el pintor de jarrones policromados Timonidas , quien firmó [9] un frasco [10] y un pinax . [11] El nombre de un segundo artista, Milonidas, también aparece en un pinax.
La jarra de vino corintia olpe fue reemplazada por una versión ática del oinochoe con labio en forma de trébol. En la época del Corintio medio, las representaciones de personas volvieron a ser más comunes. La crátera de Eurytios , que data aproximadamente del año 600 a. C., se considera de una calidad especialmente alta; muestra un simposio en el friso principal con Heracles, Euritios y otras figuras míticas.
En la época del Corintio tardío (a veces denominado Corintio tardío I, 575–550 a. C.), los jarrones corintios tenían una capa roja para realzar el contraste entre las grandes áreas blancas y el color bastante pálido de la vasija de arcilla. Esto puso a los artesanos corintios en competencia con los pintores de alfarería áticos, que entretanto habían asumido un papel destacado en el comercio de alfarería. También se copiaron cada vez más las formas de los jarrones áticos. Los enócoes, cuya forma se había mantenido básicamente sin cambios hasta ese momento, comenzaron a parecerse a las formas áticas; Los lekythos también comenzaron a producirse cada vez más. Se modificó la crátera de columnas, una invención corintia que por ello se llamó korinthios en el resto de Grecia. El acortamiento de las volutas situadas encima de las asas dio lugar a la cráter calcídica. El campo de imágenes principal estaba decorado con diversas representaciones de la vida cotidiana o escenas mitológicas, el campo secundario contenía un friso de animales. La espalda mostraba a menudo dos animales grandes.
Las copas ya se habían vuelto más profundas en la época del Corintio Medio y esta tendencia continuó. Se volvieron tan populares como los kotyles. Muchas de ellas tienen escenas mitológicas en el exterior y una mueca de gorgona en el interior. Este tipo de pintura también fue adoptada por los pintores áticos. Por su parte, los pintores corintios heredaron de Atenas los campos de imágenes enmarcadas. Los frisos de animales perdieron importancia. Durante este tiempo estuvo activo el tercer pintor corintio con un nombre conocido, Cares. [12] Cabe mencionar también al pintor Tideo , que hacia el año 560 a. C. gustaba de pintar ánforas de cuello con fondo rojo. [13] Se siguieron colocando rosetas incisas en los jarrones; sólo les faltan unas cuantas cráteras y copas. La obra de arte más destacada de este período es la cráter de Amphiaraos , una cráter de columna creada alrededor del 560 a. C. como obra principal del pintor Anphiaraos. Muestra varios acontecimientos de la vida del héroe Anfiarao .
Hacia el año 550 a.C. la producción de jarrones con figuras llegó a su fin. El siguiente Estilo Corintio Tardío II se caracteriza por jarrones únicamente con adornos, generalmente pintados con una técnica de silueta. Le sucedió el estilo de figuras rojas, que sin embargo no alcanzó una calidad particularmente alta en Corinto.
Con más de 20.000 piezas existentes, los jarrones áticos de figuras negras constituyen la colección de jarrones más grande y al mismo tiempo más importante, sólo superada por los jarrones áticos de figuras rojas. [14] Los alfareros del Ática se beneficiaron de la excelente arcilla rica en hierro que se encuentra en el Ática. Los jarrones Attic de figuras negras de alta calidad tienen un revestimiento uniforme, brillante y de color negro intenso y la base de arcilla de terracota de colores intensos ha sido meticulosamente alisada. La piel de las mujeres siempre está indicada con un color blanco opaco, que también se utiliza frecuentemente para detalles como caballos individuales, ropa u adornos. Los artistas áticos más destacados elevaron la pintura de jarrones a la categoría de arte gráfico, pero también se produjeron un gran número de productos de calidad media y de gran consumo. La importancia excepcional de la cerámica ática proviene de su repertorio casi interminable de escenas que cubren una amplia gama de temas. Estos proporcionan ricos testimonios, especialmente en lo que respecta a la mitología, pero también a la vida cotidiana. Por otro lado, prácticamente no existen imágenes referentes a acontecimientos contemporáneos. Estas referencias sólo son evidentes ocasionalmente en forma de anotaciones, por ejemplo cuando se pintan inscripciones kalos en un jarrón. Los jarrones se producían, por un lado, para el mercado interno y eran importantes para celebraciones o en relación con actos rituales. Por otro lado, también fueron un importante producto de exportación vendido en toda la zona del Mediterráneo. Por este motivo la mayoría de los vasos supervivientes proceden de necrópolis etruscas . [15]
La técnica de las figuras negras se aplicó por primera vez a mediados del siglo VII a. C., durante el período de la pintura de vasijas protoática. Influenciados por la cerámica de Corinto, que ofrecía la más alta calidad en ese momento, los pintores de vasos áticos cambiaron a la nueva tecnología entre aproximadamente el 635 a. C. y finales de siglo. Al principio siguieron de cerca los métodos y temas de los modelos corintios. El pintor de Berlín A 34 de principios de este período es el primer pintor individual identificado. El primer artista con un estilo único fue el pintor Nessos . Con su ánfora de Nessos creó la primera pieza destacada del estilo ático de figuras negras. [16] Al mismo tiempo, fue uno de los primeros maestros del estilo de friso de animales ático. Uno de sus jarrones fue también el primer jarrón ático conocido exportado a Etruria. [17] También fue responsable de las primeras representaciones de arpías y sirenas en el arte ático. A diferencia de los pintores corintios, utilizó líneas incisas dobles e incluso triples para representar mejor la anatomía animal. Una línea de hombro de doble puntuación se convirtió en una característica de los jarrones áticos. También se reconocieron tempranamente las posibilidades inherentes a las grandes piezas de cerámica, como las ánforas de panza, como soportes para imágenes. Otros pintores importantes de esta época pionera fueron el Pintor del Pireo , el Pintor Belerofonte y el Pintor León .
El estilo de figuras negras se generalizó en Atenas alrededor del año 600 a.C. Uno de los primeros desarrollos atenienses fue el ánfora con cabezas de caballo, cuyo nombre proviene de la representación de cabezas de caballo en una ventana con imágenes. Las ventanas con imágenes se utilizaron con frecuencia en el período posterior y luego se adoptaron incluso en Corinto. El Pintor Cerameicus y la Pintora Gorgona están asociados con las ánforas con cabeza de caballo. La influencia corintia no sólo se mantuvo, sino que incluso se intensificó. El friso de animales era reconocido como generalmente obligatorio y de uso habitual. Esto tenía razones tanto económicas como estilísticas, porque Atenas competía con Corinto por los mercados. Los jarrones áticos se vendieron en la zona del Mar Negro, Libia, Siria, la Baja Italia y España, así como en la patria griega.
Además de seguir los modelos corintios, los jarrones atenienses también mostraron innovaciones locales. Así, a principios del siglo VI a. C. surgió un lekytos del "tipo Deianaira", de forma alargada y ovalada. [18] El pintor más importante de esta época temprana fue el pintor Gorgona (600–580 a. C.). Fue un artista muy productivo que rara vez utilizó temas mitológicos o figuras humanas y, cuando lo hizo, siempre los acompañó de animales o frisos de animales. Algunos de sus otros vasos sólo tenían representaciones de animales, como era el caso de muchos vasos corintios. Además de la Pintora Gorgona , cabe mencionar a los pintores del grupo Komast (585-570 aC). Este grupo decoró tipos de jarrones que eran nuevos en Atenas, a saber, lekanes, kotyles y kothons. Sin embargo, la innovación más importante fue la introducción de la copa komast , que, junto con las "copas prekomast" de la clase Oxford Palmette, marcó el comienzo del desarrollo de las copas Attic. Los pintores importantes de este grupo fueron el anciano KX Painter y el algo menos talentoso KY Painter , quienes introdujeron la cráter de columna en Atenas. [19] Estos recipientes fueron diseñados para su uso en banquetes y, por lo tanto, estaban decorados con escenas de komos relevantes , como escenas de komos de artistas de komast .
Otros pintores importantes de la primera generación fueron el pintor Pantera , el pintor Anagiro , el pintor Lekanis de Dresde y el pintor Polos . El último representante significativo de la primera generación de pintores fue Sófilo (580-570 a. C.), el primer pintor de vasos áticos conocido por su nombre. En total, firmó cuatro jarrones supervivientes, tres como pintor y uno como alfarero, lo que revela que en esta fecha los alfareros también eran pintores de jarrones con estilo de figuras negras. Una separación fundamental de ambos oficios parece haber ocurrido sólo en el curso del desarrollo del estilo de figuras rojas, aunque no se puede descartar una especialización previa. Sophilos hace un uso liberal de las anotaciones. Al parecer se especializó en grandes jarrones, ya que se sabe que su obra son especialmente dinosaurios y ánforas. Con mucha más frecuencia que sus predecesores, Sófilo muestra escenas mitológicas como los juegos funerarios de Patroclo . Con él comienza la decadencia del friso de animales, y los adornos vegetales y de otro tipo también son de menor calidad, ya que se consideran menos importantes y, por tanto, reciben escasa atención por parte del pintor. Pero en otros aspectos Sophilos demuestra que era un artista ambicioso. En dos dinosaurios se representa el matrimonio de Peleo y Tetis . Estos jarrones se produjeron aproximadamente al mismo tiempo que el jarrón François , que representa este tema a la perfección. Sin embargo, Sophilos prescinde de adornos en forma de frisos de animales en uno de sus dos dinosaurios, [20] y no combina diferentes mitos en escenas distribuidas en varias superficies de jarrones. Es el primer gran jarrón griego que muestra un único mito en varios segmentos interrelacionados. Una característica especial de los dinosaurios es la aplicación por parte del pintor de la pintura blanca opaca que representa a las mujeres directamente sobre la base de arcilla, y no como es habitual sobre el brillo negro. Los detalles y contornos interiores de la figura están pintados en un rojo apagado. Esta técnica en particular es rara y sólo se encuentra en jarrones pintados en el taller de Sófilo y en paneles de madera pintados en estilo corintio en el siglo VI a.C. Sophilos también pintó uno de los raros cálices (una variedad de copa) y creó la primera serie superviviente de tablillas votivas. Él mismo o uno de sus sucesores también decoró el primer jarrón nupcial encontrado (conocido como lebes gamikos ). [21]
A partir del segundo tercio del siglo VI a. C., los artistas áticos se interesaron por las escenas mitológicas y otras representaciones de figuras. Los frisos de animales perdieron importancia. Sólo unos pocos pintores se ocuparon de ellos y, por lo general, los trasladaron del centro de atención a zonas menos importantes de los jarrones. Este nuevo estilo está especialmente representado por el jarrón François, firmado tanto por el alfarero Ergotimos como por el pintor Kleitias (570-560 a. C.). Esta crátera se considera el jarrón pintado griego más famoso. [22] Es la primera cráter en voluta conocida hecha de arcilla. Los acontecimientos mitológicos se representan en varios frisos, y los frisos de animales se muestran en ubicaciones secundarias. En este jarrón aparecen por primera vez varios detalles iconográficos y técnicos. Muchas son únicas, como la representación del mástil bajado de un velero; otros pasaron a formar parte del repertorio estándar, como personas sentadas con una pierna detrás de la otra, en lugar de la tradicional posición paralela de las piernas. [23] Otros cuatro jarrones más pequeños fueron firmados por Ergotimos y Kleitias, y se les atribuyen jarrones y fragmentos adicionales. Proporcionan evidencia de otras innovaciones de Kleitias, como la primera representación del nacimiento de Atenea o de la Danza en Creta.
Nearchos (565-555 a. C.) firmó como alfarero y pintor. Prefería las figuras grandes y fue el primero en crear imágenes que mostraban el enjaezamiento de un carro. Otra innovación fue colocar un diseño de lengua sobre un fondo blanco debajo del borde del jarrón. [24] Otros pintores talentosos fueron el Pintor de Akropolis 606 y el Pintor Ptoon , cuya pieza más conocida es Hearst Hydria. También es significativo el Grupo Burgon , fuente de la primera ánfora Panatenaica totalmente conservada .
La copa Siana evolucionó a partir de la copa komast alrededor del 575 a.C. Mientras que el Grupo Komast producía formas distintas a las tazas, algunos artesanos se especializaron en la producción de tazas después de la época del primer ejemplo importante de tazas de Siana, el Pintor C (575-555 a. C.). Las copas tienen un borde más alto que antes y una base en forma de trompeta sobre un tallo hueco relativamente corto. Por primera vez en la pintura de vasijas ática, el interior de la copa estaba decorado con imágenes enmarcadas ( tondo ). Había dos tipos de decoración. En el estilo "de dos pisos", el cuerpo de la copa y el borde tienen decoraciones separadas. En el estilo "superpuesto", la imagen se extiende tanto sobre el cuerpo como sobre los labios. A partir del segundo cuarto del siglo VI a. C. surgió un mayor interés por decorar, especialmente las copas, con imágenes de deportistas. Otro pintor importante de la copa de Siana fue el Pintor de Heidelberg . Él también pintó casi exclusivamente copas de Siana. Su tema favorito era el héroe Heracles. El pintor de Heidelberg es el primer pintor ático que lo muestra con el jabalí de Erimanto , con Nereo , con Busiris y en el jardín de las Hespérides . La pintora Cassandra , que decoró copas de tamaño mediano con bases y labios altos, marca el final del desarrollo de la copa Siana. Es principalmente significativo como el primer pintor conocido que perteneció a los llamados Pequeños Maestros , un gran grupo de pintores que produjeron la misma gama de vasijas, conocidas como copas de Pequeños Maestros . Las denominadas tazas Merrythinkt se produjeron al mismo tiempo que las tazas Siana. Sus mangos tienen forma de tenedor de dos puntas y terminan en lo que parece un botón. Estas copas no tienen un borde delineado. También tienen un cuenco más profundo con un pie más alto y estrecho.
El último pintor destacado del Período Arcaico Preclásico fue Lydos (560-540 a. C.), quien firmó dos de sus obras supervivientes con ho Lydos (el Lidio). Él o sus antepasados inmediatos probablemente procedían de Asia Menor, pero sin duda se formó en Atenas. Actualmente se le atribuyen más de 130 jarrones supervivientes. Uno de sus cuadros sobre una hidria es la primera representación ática conocida de la lucha entre Heracles y Gerión . Lidos fue el primero en mostrar a Heracles con la piel de un león, que luego se volvió común en el arte ático. También representó la batalla entre los dioses y los gigantes en un dinosaurio encontrado en la acrópolis de Atenas, y a Heracles con Cicno . Lydos decoraba otros tipos de vasijas además de hidriai y dinos, como platos, copas (superpuestas a copas de Siena), cráteres de columnas y psykters, así como tablillas votivas. Sigue siendo difícil identificar los productos de Lydos como tales, ya que a menudo sólo se diferencian ligeramente de los de su entorno inmediato. El estilo es bastante homogéneo, pero las piezas varían considerablemente en calidad. Los dibujos no siempre están elaborados con cuidado. Lydos probablemente era capataz de un taller muy productivo en el distrito alfarero de Atenas. Probablemente fue el último pintor de jarrones ático que puso frisos de animales en grandes jarrones. Aún en la tradición corintia, sus dibujos de figuras son un eslabón en la cadena de pintores de vasos que se extiende desde Kleitias, pasando por Lydos y los pintores de Amasis, hasta Exekias. Junto con ellos participó en la evolución de este arte en el Ática y tuvo una influencia duradera. [25]
Una forma especial de vasijas áticas de este período fue el ánfora tirrena (550-530 a. C.). Se trataba de ánforas de cuello ovoide con decoraciones atípicas del canon de diseño ático habitual de la época. Casi todos los c. En Etruria se encontraron 200 jarrones supervivientes. El cuerpo del ánfora suele estar subdividido en varios frisos paralelos. El friso superior o de hombros suele mostrar una escena popular de la mitología. A veces hay temas menos comunes, como una escena única del sacrificio de Polixena . En este lugar se encuentran también las primeras imágenes eróticas conocidas sobre jarrones áticos. Los pintores pusieron frecuentemente anotaciones en las ánforas del Tirreno que identificaban a las personas representadas. Los otros dos o tres frisos estaban decorados con animales; en ocasiones uno de ellos fue sustituido por un friso vegetal. El cuello suele estar pintado con una cruz de palmeta de loto o con festones. Las ánforas son bastante coloridas y recuerdan los productos corintios. En este caso, obviamente se copió deliberadamente una forma corintia para producir un tipo de jarrón particular para el mercado etrusco, donde el estilo era popular. Es posible que esta forma no se fabricara en Atenas sino en algún otro lugar del Ática, o incluso fuera del Ática. Pintores importantes fueron el Pintor Castellani y el Pintor Goltyr .
El período comprendido entre 560 y el inicio de la pintura de cerámica con figuras rojas alrededor de 530/520 a. C. se considera el pináculo absoluto de la pintura de vasijas con figuras negras. En este período los mejores y más conocidos artistas explotaron todas las posibilidades que ofrecía este estilo. [26]
El primer pintor importante de esta época fue el pintor Amasis (560-525 a. C.), llamado así en honor al famoso alfarero Amasis , con quien trabajó principalmente. Muchos investigadores los consideran la misma persona. Comenzó su carrera pictórica aproximadamente al mismo tiempo que Lydos, pero estuvo activo durante un período de casi el doble. Mientras que Lydos mostraba más bien las habilidades de un hábil artesano, el pintor Amasis era un artista consumado. Sus imágenes son inteligentes, encantadoras y sofisticadas [27] y su desarrollo artístico personal se acerca a un reflejo de la evolución general de la pintura de jarrones áticos de figuras negras en ese momento. Sus primeros trabajos muestran su afinidad con los pintores de copas de Siana. Los avances se pueden reconocer más fácilmente en cómo dibuja los pliegues de la ropa. Sus primeras figuras femeninas visten ropas sin pliegues. Luego pinta pliegues planos y angulares y al final consigue transmitir la impresión de prendas flexibles y fluidas. [28] Los dibujos de prendas eran una de sus principales características; le gustaba representar ropa estampada y con flecos. Los grupos de figuras que muestra el pintor Amasis fueron cuidadosamente dibujados y compuestos simétricamente. Al principio eran bastante estáticas, pero más tarde las figuras dan la impresión de movimiento. Aunque el pintor Amasis a menudo representaba acontecimientos mitológicos (es conocido por sus sátiros con cara de cerdo , por ejemplo), es más conocido por sus escenas de la vida cotidiana. Fue el primer pintor que los retrató de manera significativa. Su obra influyó decisivamente en la obra de los pintores de figuras rojas posteriores. Posiblemente anticipó algunas de sus innovaciones o fue influenciado por ellas hacia el final de su carrera pictórica: en muchos de sus jarrones las mujeres sólo aparecen delineadas, sin relleno negro, y ya no son identificables como mujeres mediante la aplicación de un barniz opaco. Blanco como el color de la piel. [29]
El Grupo E (550–525 v. Chr.) era una colección grande e independiente de artesanos, y se considera el grupo anónimo más importante que produce cerámica ática de figuras negras. Rompió rigurosamente con la tradición estilística de Lydos tanto en cuanto a imagen como a vasija. Se abandonaron por completo las ánforas con cuello en forma de huevo y las cráteres de columnas casi por completo. En cambio, este grupo introdujo ánforas de vientre tipo A, que luego se convirtieron en una forma índice. Las ánforas de cuello generalmente se fabricaban únicamente en versiones personalizadas. El grupo no tenía ningún interés por los formatos pequeños. Muchas escenas, especialmente las que tenían origen en mitos, fueron reproducidas una y otra vez. Así, varias ánforas de este grupo muestran a Heracles con Gerión o el León de Nemea , y cada vez más a Teseo y el Minotauro , así como el nacimiento de Atenea. La importancia particular del grupo reside, sin embargo, en la influencia que ejerció sobre Exekias. La mayoría de los artistas áticos de la época copiaron los estilos del Grupo E y Exekias. La obra de Lidos y del pintor Amasis, por el contrario, no fue imitada con tanta frecuencia. Beazley describe la importancia del grupo para Exekias de la siguiente manera: "El Grupo E es el terreno fértil del que brota el arte de Exekias, la tradición que retoma y supera en su camino de excelente artesano a verdadero artista". [30]
Exequias (545-520 a. C.) es generalmente considerado el maestro absoluto del estilo de figuras negras, que alcanza su cúspide con él. [31] Su importancia no se debe sólo a su magistral pintura de vasijas, sino también a su cerámica innovadora y de alta calidad. Firmó 12 de sus vasijas supervivientes como alfarero, dos como pintor y alfarero. Exekias probablemente tuvo un papel importante en el desarrollo de las copas Little-master y del ánfora de vientre tipo A mencionada anteriormente, y posiblemente inventó la cráter del cáliz ; al menos la pieza más antigua existente es de su taller. A diferencia de muchos otros artesanos comparables, como pintor concedía gran importancia a la cuidadosa elaboración de los adornos. Los detalles de sus imágenes (crines de caballos, armas, ropa) también están extraordinariamente bien ejecutados. Sus escenas suelen ser monumentales y las figuras emanan una dignidad desconocida hasta ahora en la pintura. En muchos casos rompió con las convenciones áticas. Para su vasija más famosa, la copa Dionisio, fue el primero en utilizar un revestimiento interior de color rojo coral en lugar del habitual color rojo. Esta innovación, además de la colocación de dos pares de ojos en el exterior, conecta a Exekias con los clásicos oculares. Probablemente aún más innovador fue el uso de todo el interior de la copa para su imagen de Dioniso, reclinado en un barco del que brotan vides. De hecho, en aquella época era costumbre decorar la superficie interior simplemente con una cara de gorgona. La copa [32] es probablemente uno de los experimentos realizados en el distrito alfarero para abrir nuevos caminos antes de que se introdujera el estilo de figuras rojas. Fue el primero en pintar un barco navegando a lo largo del borde de un dinosaurio. Rara vez se adhirió a los patrones tradicionales de representación de temas mitológicos habituales. También es significativa su descripción del suicidio de Ajax . Exekias no muestra el acto en sí, que era la tradición, sino los preparativos de Ajax. [33] Casi tan famoso como la copa de Dioniso es un ánfora con su visualización de Áyax y Aquiles involucrados en un juego de mesa. [34] No sólo se detalla la representación, Exekias incluso transmite el resultado del juego. Casi al estilo de un globo de diálogo, hace que ambos jugadores anuncien los números que arrojaron con sus dados: Ajax un tres y Aquiles un cuatro. Esta es la representación más antigua conocida de esta escena, de la que no se menciona en la literatura clásica. No menos de otros 180 vasos supervivientes, que datan de la versión de Exekias hasta aproximadamente el 480 a. C., muestran esta escena. [35]
John Boardman enfatiza el estatus excepcional de Exekias que lo distingue de los pintores de vasos tradicionales: "Las personas representadas por el artista anterior son, en el mejor de los casos, muñecos elegantes. Amasis (el pintor de Amasis) podía visualizar a las personas como personas. Pero Exekias podía imaginarlas como dioses y con ello darnos un anticipo del arte clásico". [36]
Aunque reconoce que los pintores de jarrones en la antigua Grecia eran considerados artesanos más que artistas, los historiadores del arte actuales consideran que Exekias es un artista consumado cuyo trabajo puede compararse con las pinturas "importantes" ( murales y pinturas sobre paneles) de ese período. [37] Sus contemporáneos aparentemente también reconocieron esto. La Colección de Antigüedades Clásicas de Berlín en el Altes Museum contiene los restos de una serie de sus tablillas votivas. La serie completa probablemente tenía 16 paneles individuales. Hacer un pedido de este tipo a un alfarero y pintor de jarrones probablemente sea algo único en la antigüedad y es una prueba de la gran reputación de este artista. Las tablillas muestran el duelo por una mujer ateniense muerta, así como su estado de reposo y su transporte a una tumba. Exekias transmite tanto el dolor como la dignidad de las figuras. Una característica especial, por ejemplo, es que el líder del cortejo fúnebre gira su rostro para mirar, por así decirlo, directamente al espectador. La representación de los caballos también es única; Tienen temperamentos individuales y no están reducidos a su función de animales nobles, como suele ser habitual en los jarrones. [38]
Hubo una mayor especialización entre los productores de vasijas y tazas durante el período clásico maduro. Las copas komast y Siana de gran volumen evolucionaron a través de las copas Gordion [39] hasta convertirse en elegantes variantes llamadas copas Little-master debido a su delicada pintura. En consecuencia, los alfareros y pintores de esta forma se denominan pequeños maestros . Pintaban principalmente copas de banda y copas de labios . Las copas labiales [40] deben su nombre a su labio relativamente pronunciado y delineado. El exterior de la copa conservaba gran parte del fondo de arcilla y, por lo general, solo tenía unas pocas imágenes pequeñas, a veces solo inscripciones o, en algunos casos, toda la copa estaba mínimamente decorada. También en la zona de las asas rara vez se encuentran más que palmetas o inscripciones cerca de los puntos de fijación. Estas inscripciones pueden ser la firma del alfarero, el brindis de un bebedor o simplemente una secuencia de letras sin sentido. Pero los interiores de los labiales también suelen estar decorados con imágenes.
Las copas con banda [41] tienen una transición más suave entre el cuerpo y el borde. La decoración tiene la forma de una banda que rodea el exterior de la copa y, con frecuencia, puede ser un friso muy elaborado. En esta forma, la llanta está recubierta con un engobe negro brillante. El interior conserva el color de la arcilla, salvo un punto negro pintado en el centro. Las variaciones incluyen copas Droop y copas Kassel . Las copas caídas [42] tienen labios cóncavos negros y un pie alto. Al igual que en las copas con banda clásicas, el borde se deja negro, pero el área debajo está decorada con adornos como hojas, capullos, palmetas, puntos, nimbos o animales en el exterior de la copa. Las tazas Kassel [43] tienen una forma pequeña, más achaparradas que otras tazas Little Masters y todo el exterior está decorado. Como en el caso de las copas Droop, principalmente se pintan adornos. Los pequeños maestros famosos son los alfareros Phrynos, Sokles , Tleson y Ergoteles , siendo estos dos últimos hijos del alfarero Nearchos. Hermógenes inventó una variedad de skyphos Little Master [44] ahora conocida como skyphos de Hermógenes. También cabe mencionar aquí al pintor Phrynos, al pintor Taleides, al pintor Xenokles y al grupo de Rodas 12264.
Hasta finales de siglo se pudo mantener básicamente la calidad de la producción de jarrones de figuras negras. Pero después del desarrollo del estilo de figuras rojas alrededor del 530 a. C., presumiblemente por el pintor Andócides , cada vez más pintores pasaron al estilo de figuras rojas, que ofrecía muchas más posibilidades para agregar detalles dentro de los contornos de las figuras. El nuevo estilo también permitió muchos más experimentos prometedores con escorzos, vistas en perspectiva y nuevos diseños de arreglos. El contenido de las escenas, como siempre, reflejaba las tendencias del gusto y el espíritu de la época, pero el estilo de figuras rojas creó mejores condiciones previas para presentar escenas más elaboradas aprovechando las nuevas posibilidades de disposición.
Pero mientras tanto, algunos artesanos innovadores aún podrían dar nuevos impulsos a la producción de jarrones de figuras negras. El alfarero más imaginativo de la época, también un talentoso hombre de negocios, fue Nikóstenes . Más de 120 jarrones llevan su firma, lo que indica que fueron elaborados por él o en su taller. Parece haberse especializado especialmente en la producción de jarrones para exportar a Etruria. En su taller se producían las habituales ánforas de cuello, Little Masters, Droop y oculares, pero también un tipo de ánfora que recuerda a la cerámica bucchero etrusca y que recibió el nombre de ánfora nikosténica en honor a su creador. Estas piezas se encontraron particularmente en Caere , los otros tipos de vasijas generalmente en Cerveteri y Vulci. Los numerosos inventos de su taller no se limitaron a las formas. En el taller de Nikóstenes se desarrolló lo que se conoce como la técnica de los Seis , en la que las figuras se pintaban en marrón rojizo o blanco sobre un engobe negro brillante. No está claro si Nikóstenes también pintó jarrones, en cuyo caso generalmente se presume que es idéntico al pintor N. [45] El pintor BMN y el pintor Nikóstenes de figura roja también llevan el nombre de Nikóstenes. En su taller empleó a muchos pintores de vasos famosos, incluidos los ancianos Lydos, Oltos y Epiktetos . La tradición del taller fue continuada por el sucesor de Nikóstenes, Pamphaios . [46]
Dos pintores de jarrones de figuras negras se consideran manieristas (540-520 a. C.). El pintor Elbows Out decoró principalmente tazas de Little Masters. Llaman la atención los codos extendidos de sus figuras, característica responsable de su pragmático nombre. Rara vez representó escenas mitológicas; Las escenas eróticas son mucho más comunes. También decoró una rara forma de jarrón conocida como lydion . El más importante de los dos pintores fue El Afectador , cuyo nombre proviene de la impresión exageradamente artificial que dejaban sus figuras. Estas figuras de cabeza pequeña no parecen actuar tanto como posar. Sus primeros trabajos muestran escenas de la vida cotidiana; más tarde recurrió a escenas decorativas en las que son reconocibles figuras y atributos, pero apenas acciones. Si sus figuras están vestidas, parecen como si estuvieran acolchadas; si están desnudos son muy angulosos. El Afectador era al mismo tiempo alfarero y pintor; Han sobrevivido más de 130 de sus jarrones. [47]
Al pintor Antimenes (530-500 a. C.) le gustaba decorar la hidria con frisos de animales en la predela y, en particular, ánforas de cuello. Dos hidrias atribuidas a él están decoradas en la región del cuello utilizando una técnica de fondo blanco . Fue el primero en pintar ánforas con el rostro de Dioniso en forma de máscara. El más famoso de los más de 200 jarrones que se conservan muestra una cosecha de aceitunas en la parte posterior. Sus dibujos rara vez son realmente precisos, pero tampoco excesivamente descuidados. [48] Estilísticamente, el pintor Psiax está estrechamente relacionado con el pintor Antímenes, aunque el primero también utilizó la técnica de las figuras rojas. Como maestro de los pintores Eufronio y Fintias , Psiax tuvo una gran influencia en el desarrollo temprano del estilo de figuras rojas. Con frecuencia muestra escenas de caballos, carros y arqueros. [49]
El último grupo importante de pintores fue el Grupo Leagros (520-500 a. C.), llamado así por la inscripción kalos que utilizaban con frecuencia, Leagros. Las ánforas y las hidrias, estas últimas a menudo con palmetas en la predela, son las vasijas pintadas con mayor frecuencia. El campo de imagen suele estar lleno hasta el tope, pero la calidad de las imágenes se mantiene muy alta. Muchos de los más de 200 jarrones de este grupo estaban decorados con escenas de la guerra de Troya y la vida de Heracles [50]. Pintores como el ingenioso pintor Aqueloo, el convencional pintor Chiusi y el pintor del amanecer con sus fieles detalles pertenecen al Grupo Leagros. . [51]
Otros pintores de jarrones famosos de la época son el Pintor del Duelo del Vaticano , el Pintor de Princeton , el Pintor de Munich 1410 y el Pintor Swing (540-520 a. C.), a quienes se atribuyen muchos jarrones. No se le considera un muy buen artista, pero sus figuras tienen un toque de humor involuntario debido a las figuras con cabezas grandes, narices extrañas y puños frecuentemente cerrados. [52] La obra del pintor Rycroft tiene un parecido con la pintura de jarrones de figuras rojas y las nuevas formas de expresión. Le gustaba representar escenas dionisíacas, caballos y carros, y las aventuras de Heracles. A menudo utiliza dibujos de contorno. Las aproximadamente 50 vasijas que se le atribuyen, normalmente de gran tamaño, están elegantemente pintadas. [53] La Clase CM 218 decoró principalmente variaciones de las ánforas nikosténicas. La clase Hypobibazon trabajó con un nuevo tipo de ánfora de panza con asas y pies redondeados, cuya decoración se caracteriza por un meandro clave sobre los campos de imágenes. Una variante más pequeña del ánfora de cuello fue decorada por el Grupo de las Tres Líneas . El Grupo Perizoma adoptó alrededor del 520 a. C. la forma recién introducida del stamnos . Hacia finales de siglo todavía se producían producciones de gran calidad del Pintor Euphiletos , el Pintor madrileño y el imaginativo Pintor Príamo .
En particular, los pintores de copas como Oltos, Epiktetos, Pheidippos y Skythes pintaron jarrones con estilos de figuras rojas y negras ( Cerámica bilingüe ), principalmente copas para ojos. El interior solía ser de estilo de figuras negras y el exterior de estilo de figuras rojas. Existen varias cajas de ánforas cuyo anverso y reverso están decorados en dos estilos diferentes. Las más famosas son las obras del pintor Andócides , cuyas escenas de figuras negras se atribuyen al pintor Lisípides . Los estudiosos están divididos sobre la cuestión de si estos pintores son la misma persona. Sólo unos pocos pintores, por ejemplo el pintor Nikoxenos y el pintor Atenea , produjeron grandes cantidades de jarrones utilizando ambas técnicas. Aunque la cerámica bilingüe fue bastante popular durante un corto tiempo, el estilo pasó de moda ya hacia finales de siglo. [54]
Desde principios del siglo V a. C. hasta el año 480 a. C., a más tardar, todos los pintores de renombre utilizaban el estilo de figuras rojas. Pero los jarrones de figuras negras continuaron produciéndose durante unos 50 años más, y su calidad disminuyó progresivamente. Los últimos pintores que produjeron imágenes de calidad aceptable en grandes jarrones fueron el pintor Eucarides y el pintor Cleofrades. Sólo los talleres que producían formas más pequeñas como olpes, enócoes, skyphos, pequeñas ánforas de cuello y lekytos particulares utilizaban cada vez más el estilo antiguo. El pintor Phanyllis utilizó la técnica de los Seis, entre otros métodos, y tanto el pintor de Edimburgo como el pintor Gela decoraron los primeros lekytos cilíndricos. El primero produjo principalmente escenas casuales, claras y simples utilizando un estilo de figuras negras sobre fondo blanco. El fondo blanco de los jarrones era bastante grueso y ya no se pintaba directamente sobre la base de arcilla, una técnica que se convirtió en el estándar para todos los jarrones con fondo blanco. La pintora Safo se especializó en lekytos funerarios. Especialmente productivo fue el taller del Pintor Haimon ; Han sobrevivido más de 600 de sus jarrones. El pintor Atenea (que quizás sea idéntico al pintor Bowdoin de figura roja) y el pintor Perseo continuaron decorando lekytos grandes y estándar. Las escenas de la pintora Atenea aún irradian algo de la dignidad inherente al trabajo del Grupo Leagros. El pintor de Maratón es conocido principalmente por los lekytos funerarios que se encuentran en el túmulo de los atenienses que murieron en la batalla de Maratón en el 490 a.C. El último pintor lekythos importante, el pintor Beldam, trabajó aproximadamente desde el 470 a. C. hasta el 450 a. A excepción de las ánforas del premio Panatenaico, el estilo de figuras negras llegó a su fin en el Ática en esta época. [55]
Entre los jarrones áticos de figuras negras, las ánforas del premio Panatenaico desempeñan un papel especial. Después del 566 a. C., cuando se introdujeron o reorganizaron las celebraciones Panateneas, fueron el premio para los ganadores de competiciones deportivas y se llenaron de aceite de oliva, uno de los principales bienes de exportación de la ciudad. En el frente llevaban habitualmente la imagen de la diosa Atenea de pie entre dos pilares sobre los que se posaban gallos ; en la parte de atrás había una escena deportiva. La forma fue siempre la misma y sólo se modificó ligeramente durante el largo período de su producción. El ánfora de vientre era, como su nombre indica, originalmente especialmente bulboso, con un cuello corto y un pie largo y estrecho. Alrededor del 530 a. C. los cuellos se acortan y el cuerpo algo más estrecho. Alrededor del 400 a. C., los hombros del jarrón se redujeron considerablemente en ancho y la curva del cuerpo del jarrón parecía estrechada. Después del 366 a. C. los jarrones volvieron a ser más elegantes y aún más estrechos.
Estos jarrones se produjeron principalmente en los principales talleres del distrito de Kerameikos. Parece haber sido un honor o especialmente lucrativo recibir el encargo de producir los jarrones. Esto también explica la existencia de numerosas ánforas premiadas de excelentes pintores de vasijas. Además de los pintores superiores de figuras negras como el pintor Euphiletos, Exekias, Hypereides y el Grupo Leagros, muchos maestros artesanos de figuras rojas son conocidos como creadores de ánforas premiadas. Entre ellos se encuentran el pintor Eucarides, el pintor Kleophrades, el pintor berlinés, el pintor Aquiles y Sófilo, que fue el único que firmó uno de los jarrones supervivientes. El primer jarrón conocido fue producido por el Grupo Burgon y se conoce como jarrón Burgon. Dado que el nombre del funcionario gobernante ( Arconte ) aparece ocasionalmente en el jarrón después del siglo IV a.C., algunos de los jarrones pueden fecharse con precisión. Dado que las Panateneas eran fiestas religiosas, el estilo y el tipo de decoración no cambiaron ni durante el período de las figuras rojas ni después de que los jarrones con figuras dejaron de comercializarse en Atenas. Las ánforas premiadas se produjeron en el siglo II a. C. y han sobrevivido alrededor de 1.000 de ellas. Dado que desde algunas fechas se conoce el número de ánforas otorgadas a un ganador, es posible deducir que ha sobrevivido alrededor del uno por ciento de la producción total de vasos atenienses. Otras proyecciones llevan a la conclusión de que en Atenas se produjeron en total unos siete millones de jarrones con figuras pintadas. [56] Además de las ánforas premiadas, también se fabricaron formas imitativas conocidas como ánforas premiadas pseudopanatenaicas. [57]
Ya en el siglo VII a. C. se producía en Esparta cerámica pintada para consumo local y exportación. Las primeras piezas de calidad se produjeron alrededor del 580 a.C. El cenit de la cerámica de figuras negras se alcanzó aproximadamente entre el 575 y el 525 a.C. Además de Esparta, los principales lugares de descubrimiento son las islas de Rodas y Samos , así como Taranto , las necrópolis etruscas y Cirene , que al principio se consideró la fuente original de la cerámica. La calidad de los vasos es muy alta. La arcilla estaba bien suspendida y se le dio una capa de color crema. Se pintaron ánforas, hidriai, cráteres de columna (llamados en la antigüedad cráter lakonikos ), cráteres de voluta, cráteres calcídicos, lebes, aryballoi y la copa espartana, la lakaina . Pero la forma índice y hallazgo más frecuente es la copa. En Laconia, el cuenco hondo se solía colocar sobre un pie alto; Las copas en pies bajos son raras. El exterior suele estar decorado con adornos, normalmente festones de granadas, y la escena interior es bastante grande y contiene figuras. En Laconia, antes que en el resto de Grecia, el tondo se convirtió en el marco principal de las escenas de copa. La imagen principal también se dividió en dos segmentos en una fecha temprana, una escena principal y otra más pequeña e inferior. Con frecuencia, la vasija estaba recubierta únicamente con un engobe brillante o decorada con unos pocos adornos. Las inscripciones son poco comunes pero pueden aparecer como anotaciones de nombres. Se desconocen las firmas tanto de los alfareros como de los pintores. Es probable que los artesanos laconios fueran pintores de cerámica perioecos . Los rasgos característicos de la cerámica a menudo coinciden con la moda de pintores conocidos. También es posible que fueran alfareros inmigrantes del este de Grecia, lo que explicaría la fuerte influencia griega oriental, especialmente en el pintor Boreads.
Entretanto se pueden distinguir al menos ocho pintores de jarrones. Cinco pintores, el pintor Arkesilas (565–555), el pintor Boreads (575–565), el pintor Hunt, el pintor Naucratis (575–550) y el pintor Rider (550–530) se consideran los representantes más importantes. del estilo, mientras que otros pintores son considerados artesanos de menor habilidad. Las imágenes suelen ser angulares y rígidas, y contienen frisos de animales, escenas de la vida cotidiana, especialmente simposios, y muchos temas mitológicos. De estos últimos se representan con especial frecuencia a Poseidón y Zeus, pero también a Heracles y sus doce trabajos , así como los ciclos legendarios tebanos y troyanos. Especialmente en los primeros jarrones, se coloca una mueca de gorgona en un tondo de copa. Son excepcionales una representación de la ninfa Cirene y un tondo con un jinete del que sale un zarcillo en forma de volutas (nombre del jarrón del Pintor Jinete). [58] También es importante una copa con una imagen de Arcesilao II . La copa Arcesilas proporcionó el nombre pragmático del Pintor Arcesilas. [59] Es una de las raras representaciones en la cerámica griega de eventos o personas actuales. Los sujetos sugieren influencia ática. Un violeta rojizo era el color opaco principal. Actualmente se conocen más de 360 vasos laconios, de los cuales casi un tercio, 116 piezas, se atribuyen al pintor Naucratis. El declive alrededor del año 550 a. C. de la pintura corintia de jarrones con figuras negras, que tuvo una importante influencia en la pintura laconia, provocó una reducción masiva en la producción laconiana de jarrones con figuras negras, que llegó a su fin alrededor del año 500 a. La cerámica estuvo muy extendida, desde Marsella hasta la Grecia jónica. En Samos, la cerámica laconia es más común que la corintia debido a la estrecha alianza política con Esparta. [60]
Los jarrones con figuras negras se produjeron en Beocia entre los siglos VI y IV a.C. Todavía a principios del siglo VI a. C., muchos pintores beocios utilizaban la técnica del contorno orientalizante. Posteriormente se orientaron estrechamente hacia la producción ática. Las distinciones y atribuciones a una de las dos regiones son a veces difíciles y los vasos también pueden confundirse con la cerámica corintia. Los jarrones áticos y corintios de baja calidad a menudo se consideran obras beocias. Con frecuencia, los buenos vasos beocios se consideran áticos y los malos jarrones áticos se consideran falsamente beocios. Probablemente hubo un intercambio de artesanos con el Ática. Al menos en un caso es seguro que un alfarero ático emigró a Beocia (el pintor caballo-pájaro, y posiblemente también el pintor Tokra, y entre los alfareros, sin duda, Teisias el ateniense). Los temas más importantes son los frisos de animales, los simposios y las escenas del komos. Las escenas mitológicas son raras y, cuando están presentes, suelen mostrar a Heracles o Teseo. Desde finales del siglo VI hasta el siglo V predominó un estilo parecido a una silueta. Se pintaron especialmente kantharos , lekanis, tazas, platos y cántaros. Como era el caso en Atenas, hay inscripciones kalos. A los alfareros beocios les gustaba especialmente producir jarrones moldeados, así como cántaros con adiciones esculpidas y píxidos trípodes . Las formas de los lekanis, las copas y las ánforas con cuello también fueron tomadas de Atenas. El estilo de la pintura es a menudo humorístico y hay preferencia por escenas de komos y sátiros. [61]
Entre el 425 y el 350 a. C., los jarrones cabíricos fueron el principal estilo de figuras negras en Beocia. En la mayoría de los casos se trataba de una forma híbrida entre un kantharos y un skyphos con un cuenco hondo y asas anulares verticales, pero también había lebes, copas y píxides. Llevan el nombre del lugar principal donde fueron encontrados, el Santuario de los Kabeiroi cerca de Tebas. Las escenas, normalmente pintadas en un solo lado del jarrón, representan el culto local. Los jarrones caricaturizan acontecimientos mitológicos de forma humorística y exagerada. A veces se muestran escenas de komos que presumiblemente están directamente relacionadas con el culto. [62]
La pintura de jarrones de figuras negras en Eubea también recibió influencia de Corinto y especialmente del Ática. No siempre es fácil distinguir estas obras de los jarrones áticos. Los estudiosos suponen que la mayor parte de la cerámica se produjo en Eretria . Se pintaron principalmente ánforas, lekytos, hidrias y platos. Las ánforas de gran formato solían estar decoradas con escenas mitológicas, como las aventuras de Heracles o el Juicio de Paris. Las grandes ánforas, derivadas de formas del siglo VII, tienen labios ahusados y normalmente escenas relacionadas con bodas. Al parecer se trata de vasos funerarios fabricados para niños que morían antes de poder casarse. El uso restringido de incisiones y el uso regular de blanco opaco para los adornos florales eran características típicas de la cerámica de figuras negras de Eretria. Además de escenas que reflejan modelos áticos, también hubo escenas más salvajes como la violación de un ciervo por un sátiro o Heracles con centauros y demonios. Los jarrones de la clase Dolphin anteriormente se consideraban áticos, pero ahora se consideran eubeicos. Sin embargo, su arcilla no coincide con ninguna fuente eretriana conocida. Quizás las piezas fueron producidas en Calcis . [63]
Se discute el origen de algunos estilos regionales de figuras negras. Por ejemplo, la pintura de cerámica calcídica alguna vez estuvo asociada con Eubea; Mientras tanto, se considera más probable la producción en Italia.
En casi ninguna otra región de Grecia las fronteras entre el estilo orientalizante y el de figuras negras son tan inciertas como en el caso de los jarrones del este de Grecia. Hasta aproximadamente el año 600 a. C. sólo se emplearon dibujos esbozados y espacios vacíos. Luego, durante la última fase del estilo orientalizante, comenzaron a aparecer dibujos incisos, la nueva técnica procedente del norte de Jonia. El estilo de friso de animales que había predominado hasta entonces era ciertamente decorativo, pero ofrecía pocas oportunidades para un mayor desarrollo técnico y artístico. Surgieron estilos regionales, especialmente en Jonia.
Hacia el final del estilo de la Cabra Salvaje , los artistas del norte del Jónico imitaron, bastante mal, los modelos corintios. Pero ya en el siglo VII se producían en Jonia jarrones de alta calidad. Desde aproximadamente el año 600 a. C., el estilo de figuras negras se utilizó total o parcialmente para decorar jarrones. Además de los estilos regionales que se desarrollaron en Klazomenai, Éfeso , Milet , Quíos y Samos, hubo estilos especialmente en el norte de Jonia que no pueden localizarse con precisión. Los frascos de aceite que seguían el modelo lidio (lydions) eran comunes, pero la mayoría de ellos estaban decorados sólo con rayas. También hay escenas originales, por ejemplo un escita con un camello bactriano o un sátiro y un carnero. Para algunos estilos, la atribución es controvertida. Así, el Grupo Northampton muestra una fuerte influencia jónica, pero la producción probablemente se realizó en Italia, quizás por inmigrantes de Jonia. [64]
En Klazomenai se pintaron principalmente ánforas e hidrias a mediados del siglo VI a. C. ( c. 550 a 350 a. C.), así como cuencos profundos con figuras planas y angulosas. Las vasijas no son muy elegantes en su mano de obra. Con frecuencia se representaban mujeres y animales bailando. Los principales talleres fueron los del pintor de Tubinga, el pintor Petrie y el grupo Urla. La mayoría de los jarrones se encontraron en Naukratis y en Tell Defenneh, que fue abandonado en el 525 a.C. Su origen era inicialmente incierto, pero Robert Zahn identificó la fuente comparándola con imágenes de los sarcófagos de Klazomenian. La cerámica a menudo estaba decorada con máscaras de mujeres esculpidas. Las escenas mitológicas eran raras; Eran populares los adornos de escamas de pez, hileras de puntos blancos y mujeres bailarinas de aspecto rígido. La representación de un anciano de pie frente a un rey y una reina es única. En general, los hombres se caracterizaban por tener grandes barbas en forma de pala. A partir del año 600 a. C. y hasta aproximadamente el 520 a. C. se produjeron copas con rosetas, sucesoras de las copas para pájaros del este de Grecia, probablemente en Klazomenai. [sesenta y cinco]
La cerámica samia apareció por primera vez alrededor del 560/550 a. C. con formas adoptadas del Ática. Se trata de copas y kantharos de Little Masters con formas faciales. La pintura es precisa y decorativa. Samos, junto con Milet y Rodas, fue uno de los principales centros de producción de jarrones al estilo de la Cabra Salvaje. [66]
La pintura de jarrones de Rodas se conoce principalmente por las placas de Rodas. Fueron producidos utilizando una técnica policromada con muchos de los detalles grabados como en la pintura de figuras negras. Aproximadamente entre el 560 y el 530 a. C. fueron comunes las situlas, inspiradas en modelos egipcios. Estos muestran tanto temas griegos, como Tifón , como temas del antiguo Egipto, como los jeroglíficos egipcios y las disciplinas deportivas egipcias. [67]
"Caeretan hydria" es el nombre que se utiliza para un estilo especialmente colorido de pintura de jarrones con figuras negras. El origen de estos jarrones es discutido en la literatura. Según una evaluación de la pintura, durante mucho tiempo se consideró que los jarrones eran etruscos o corintios, pero en los últimos años predomina la opinión de que los productores fueron dos pintores de cerámica que emigraron del este de Grecia a Caere (la moderna Cerveteri) en Etruria. Las inscripciones en griego jónico apoyan la teoría de la emigración. El taller existió sólo durante una generación. Hoy en día se conocen unos 40 jarrones fabricados por los dos maestros artesanos en este estilo. Todos son hidriai excepto un alabastrón . No se encontró ninguno fuera de Etruria; la mayoría procedía de Caere, de ahí su nombre. Los jarrones datan aproximadamente del 530 al 510/500 a.C. A las hidrias de Caeretan les siguen estilísticamente ánforas de cuello decoradas con rayas.
Estos hidriai técnicamente bastante inferiores miden entre 40 y 45 cm. alto. Los cuerpos de estos vasos tienen cuellos altos y muy prominentes, hombros anchos y pies anulares bajos en forma de cálices invertidos. Muchos de los hidriai están deformes o muestran un disparo defectuoso. Las imágenes pintadas se distribuyen en cuatro zonas: una zona de hombros, una zona de vientre con figuras y otra con adornos, y una sección inferior. Todo menos la zona del vientre con figuras está decorada con adornos. Sólo existe un caso en el que ambos frisos del vientre presentan figuras. Sus múltiples colores los distinguen de todos los demás estilos de figuras negras. El estilo recuerda la pintura de jarrones jónicos y las tablillas de madera pintadas de varios colores encontradas en Egipto. Los hombres se muestran con piel roja, negra o blanca. Las mujeres casi siempre son retratadas con un color blanco opaco. Tanto los contornos como los detalles están tallados, como es típico en el estilo de figuras negras. Las superficies de la barbotina negra brillante se cubren a menudo con una barbotina de color adicional, de modo que la barbotina negra que se hace visible en las zonas marcadas aporta detalles internos a las diferentes formas. En el anverso las imágenes siempre están llenas de acción, en el reverso son comunes los diseños heráldicos. Los adornos son un componente importante de las hidrias; no son subsidiarios de otros motivos. Se utilizaron plantillas para pintar los adornos; no están incisos.
El Pintor Busiris y el Pintor Águila son nombrados pintores. Este último es considerado el máximo representante de este estilo. Estaban particularmente interesados en temas mitológicos que generalmente revelaban una influencia oriental. En el jarrón con el nombre del pintor Busiris, Heracles pisotea al mítico faraón egipcio Busiris . Heracles también aparece representado con frecuencia en otros jarrones, y también existen escenas de la vida cotidiana. También hay escenas poco comunes, como la de Cetus acompañado de una foca blanca. [68]
Los jarrones pónticos también están estrechamente relacionados estilísticamente con la pintura cerámica jónica. También en este caso se supone que fueron elaborados en talleres etruscos por artesanos emigrados de Jonia. Los jarrones obtuvieron su nombre engañoso debido a la representación en un jarrón de arqueros que se cree que eran escitas, que vivían en el Mar Negro (Ponto). La mayoría de los jarrones fueron encontrados en tumbas en Vulci, un número significativo también en Cerveteri. La forma índice era un ánfora de cuello con una forma particularmente esbelta, muy parecida a las ánforas del Tirreno. Otras formas eran enócoes con mangos en espiral, dinos, kyathos , platos, vasos con bases altas y, con menos frecuencia, kantharos y otras formas. El adorno de los jarrones pónticos es siempre similar. En general hay una decoración ornamental en el cuello, luego figuras en el hombro, seguida de otra banda de adornos, un friso de animales y finalmente un anillo de rayos. El pie, el cuello y las asas son negros. La importancia de los adornos es notable, aunque a menudo están formados de manera bastante descuidada; algunos jarrones están decorados únicamente con adornos. La arcilla de estos vasos es de color rojo amarillento; la barbotina que recubre los jarrones es de color negro o rojo pardusco, de gran calidad y con brillo metálico. Los colores opacos rojo y blanco se utilizan generosamente para figuras y adornos. Los animales suelen estar decorados con una franja blanca en el vientre. Los académicos han identificado seis talleres hasta la fecha. Se considera que el primero y el mejor es el del pintor parisino. Muestra figuras mitológicas, incluido un Heracles imberbe, como era costumbre en el este de Grecia. De vez en cuando hay escenas que no forman parte de la mitología griega, como Heracles luchando contra Juno Sospita ("el Salvador") del pintor de París, o un demonio lobo del pintor Tityos. También hay escenas de la vida cotidiana, escenas de komos y jinetes. Los jarrones datan de una época comprendida entre el 550 y el 500 a. C., y se conocen unos 200. [69]
Los jarrones etruscos producidos localmente datan probablemente del siglo VII a.C. Al principio, se parecen a modelos de figuras negras de Corinto y del este de Grecia. Se supone que en la fase inicial los productores eran principalmente inmigrantes griegos. El primer estilo importante fue la pintura de cerámica póntica. Posteriormente, en el periodo comprendido entre el 530 y el 500 a.C., le siguió el Pintor Micali y su taller. En esta época los artistas etruscos tendían a seguir los modelos áticos y producían principalmente ánforas, hidriai y jarras. Generalmente tenían escenas de komos y simposios y frisos de animales. Las escenas mitológicas son menos comunes, pero están realizadas con mucho cuidado. El estilo de figuras negras terminó alrededor del 480 a.C. Hacia el final se desarrolló un estilo manierista y, a veces, una técnica de silueta bastante descuidada. [70]
La pintura de vasijas calcidias recibió su nombre de las inscripciones mitológicas que a veces aparecían en escritura calcidia. Por este motivo, en un principio se sospechó que el origen de la cerámica era Eubea. Actualmente se supone que la cerámica se produjo en Rhegion , quizás también en Caere, pero la cuestión aún no se ha decidido definitivamente. [71] La pintura de vasijas calcidias estuvo influenciada por la pintura ática, corintia y especialmente jónica. Los jarrones se encontraron principalmente en localidades italianas como Caeri, Vulci y Rhegion, pero también en otros lugares del Mediterráneo occidental.
La producción de vasijas calcidias comenzó repentinamente alrededor del año 560 a.C. Hasta la fecha no se han identificado precursores. Después de 50 años, alrededor del 510 a.C., ya había terminado. Han sobrevivido unos 600 jarrones y hasta ahora se han identificado 15 pintores o grupos de pintores. Estos jarrones se caracterizan por un trabajo cerámico de alta calidad. La barbotina brillante que los recubre suele volverse negra como boca de lobo después de la cocción. La arcilla tiene un color naranja. En la pintura se utilizaron generosamente colores opacos rojos y blancos, al igual que rayas para producir detalles interiores. La forma índice es el ánfora de cuello, que representa una cuarta parte de todos los jarrones conocidos, pero también hay copas para ojos, oinocoes e hidria; otros tipos de embarcaciones son menos comunes. Las excepciones son los lekanis y las tazas de estilo etrusco. Los jarrones son económicos y de construcción estricta. El "pie de copa de Calcidia" es una característica típica. A veces se copia en jarrones áticos de figuras negras, con menos frecuencia en jarrones de figuras rojas.
El más importante de los artistas conocidos de la generación anterior es el Pintor de Inscripciones, de los representantes más jóvenes, el Pintor Fineus. El primero es presumiblemente el creador del estilo; unos 170 de los jarrones supervivientes se atribuyen al muy productivo taller de este último. Probablemente también sea el último representante de este estilo. Las imágenes suelen ser más decorativas que narrativas. Se muestran jinetes, frisos de animales, imágenes heráldicas o grupos de personas. Una gran cruz de loto y palmeta suele formar parte del cuadro. Las escenas mitológicas son raras, pero cuando ocurren, en general son de una calidad excepcionalmente alta.
La pintura de vasijas pseudo-calcidianos es la sucesora de la pintura calcidia. Está cerca de Calcidia, pero también tiene fuertes vínculos con la pintura de vasijas ática y corintia. Así, los artistas utilizaron el alfabeto jónico en lugar del calcidio para las inscripciones. La estructura de la arcilla también es diferente. Se conocen alrededor de 70 jarrones de este tipo, que fueron clasificados por primera vez por Andreas Rumpf. Es posible que los artesanos fueran sucesores de los pintores de vasijas y alfareros de Calcidia que emigraron a Etruria. [72]
La pintura de vasijas pseudo-calcídicas se clasifica en dos grupos. El mayor de los dos es el Grupo Polifemo , que produjo la mayoría de los vasos supervivientes, principalmente ánforas de cuello y oinocoas. Generalmente se representan grupos de animales y, menos raramente, escenas mitológicas. Las vasijas fueron encontradas en Etruria, Sicilia, Marselle y Vix . El grupo Memnon, más joven y menos productivo, al que actualmente se atribuyen 12 vasos, tenía una distribución geográfica mucho menor, limitándose a Etruria y Sicilia. A excepción de un enócoe, sólo produjeron ánforas de cuello, que generalmente estaban decoradas con animales y jinetes. [73]
Los jarrones del Grupo Northampton eran todos ánforas de cuello pequeño con la excepción de un ánfora de vientre único. Son estilísticamente muy similares a las pinturas de vasijas del norte del Jónico, pero probablemente fueron producidas en Italia y no en Jonia, tal vez en Etruria alrededor del 540 a.C. Los jarrones de este grupo son de muy alta calidad. Muestran ricas decoraciones ornamentales y escenas que han captado el interés de los estudiosos, como un príncipe con caballos y alguien montado en una grulla. Son similares a la obra del Grupo de Campana Dinoi y a la llamada Ánfora de Northampton cuya arcilla es similar a la de Caeretan hydriai. El Grupo Northampton recibió su nombre de esta ánfora. La Campana hidriai redonda recuerda los modelos beocio y eubeo. [74]
Los alabastrones con cuerpos cilíndricos de Andros son raros, al igual que los lekanis de Tasos . Estos recuerdan a los productos beocios, excepto que tienen dos frisos de animales en lugar del friso único común en Beocia. Las placas de Thasia siguen más bien los modelos áticos y con sus escenas figuradas son más ambiciosas que las de los lekanis. Se conocen imitaciones de jarrones de Quíos en estilo de figuras negras. La cerámica local de figuras negras de Halai también es rara. Después de que los atenienses ocuparon Elaious en los Dardanelos, también comenzó allí la producción local de cerámica de figuras negras. Los productos modestos incluían lekanis simples con imágenes de contorno. En la Francia celta se produjo un pequeño número de jarrones con estilo de figuras negras. Es casi seguro que ellos también se inspiraron en los jarrones griegos. [75]
La investigación académica sobre estos jarrones comenzó especialmente en el siglo XIX. Desde entonces se ha intensificado la sospecha de que estos vasos tienen un origen griego más que etrusco. La prueba de ello fue especialmente un ánfora del premio Panatenaico encontrada por Edward Dodwell en 1819 en Atenas. El primero en presentar una prueba fue Gustav Kramer en su obra Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837). Sin embargo, fueron necesarios varios años para que esta idea fuera generalmente aceptada. Eduard Gerhard publicó un artículo titulado Rapporto Volcente en los Annali dell'Instituto di Corrispondenza Archeologica en el que investigó sistemáticamente los jarrones; fue el primer erudito en hacerlo. Con este fin, en 1830 estudió los jarrones encontrados en Tarquinia , comparándolos, por ejemplo, con los jarrones encontrados en Ática y Egina . Durante este trabajo identificó 31 firmas de pintores y alfareros. Hasta entonces sólo se conocía al alfarero Taleides. [76]
El siguiente paso en la investigación fue la catalogación científica de las principales colecciones de jarrones de los museos. En 1854 Otto Jahn publicó los jarrones en la Colección Estatal de Antigüedades de Múnich. Anteriormente se habían publicado catálogos de los museos Vaticanos (1842) y del Museo Británico (1851). Especialmente influyente fue la descripción de la colección de jarrones de la Colección de Antigüedades Clásicas de Berlín, reunida en 1885 por Adolf Furtwängler . Furtwängler fue el primero en clasificar las vasijas por región de origen artístico, tecnología, estilo, forma y estilo pictórico, lo que tuvo un efecto duradero en investigaciones posteriores. En 1893, Paul Hartwig intentó en su libro Meisterschalen identificar a varios pintores basándose en inscripciones, firmas y análisis de estilo de kalos. Edmond Pottier, conservador del Louvre, inició en 1919 el Corpus Vasorum Antiquorum . En esta serie, que en 2009 contaba con más de 300 volúmenes, se publican todas las colecciones más importantes del mundo. [77]
La investigación científica sobre la pintura de jarrones áticos debe mucho a John D. Beazley . Comenzó a estudiar estos jarrones alrededor de 1910, utilizando el método desarrollado por el historiador del arte Giovanni Morelli para estudiar pinturas, que había sido perfeccionado por Bernard Berenson . Supuso que cada pintor creó obras originales a las que siempre se les podría atribuir inequívocamente. Hizo uso de detalles particulares como rostros, dedos, brazos, piernas, rodillas y pliegues de ropa. Beazley estudió 65.000 jarrones y fragmentos, de los cuales 20.000 eran de figuras negras. En el transcurso de sus estudios, que duraron casi seis décadas, pudo atribuir 17.000 de ellos por su nombre o utilizando un sistema de nombres pragmáticos, y los clasificó en grupos de pintores o talleres, relaciones y afinidades estilísticas. Identificó más de 1.500 alfareros y pintores. Ningún otro arqueólogo tuvo una influencia tan decisiva en la investigación de un campo arqueológico como la tuvo Beazley, cuyos análisis siguen siendo válidos en gran medida hasta el día de hoy. Después de Beazley, eruditos como John Boardman , Erika Simon y Dietrich von Bothmer investigaron los jarrones áticos de figuras negras. [78]
Las investigaciones básicas sobre la cerámica corintia fueron realizadas por Humfry Payne , quien en la década de 1930 realizó una primera clasificación estilística que, en esencia, se utiliza hasta la actualidad. Clasificó los jarrones según la forma, el tipo de decoración y los temas de la imagen, y sólo después hizo distinciones en cuanto a pintores y talleres. Siguió el método de Beazley excepto en otorgar menos importancia a la localización de pintores y grupos, ya que para él era más importante un marco cronológico. Jack L. Benson asumió esta tarea de asignación en 1953 y distinguió a 109 pintores y grupos. Por último, Darrell A. Amyx resumió la investigación hasta ese momento en su libro de 1988 Corinthian Vase-Painting of the Archaic Period. Sin embargo, es motivo de controversia entre los eruditos si es posible en el caso de la cerámica corintia atribuir pintores específicos. [79]
La cerámica laconia se conoce desde el siglo XIX gracias a un número importante de jarrones procedentes de tumbas etruscas. En un principio fueron atribuidas erróneamente, considerándose durante mucho tiempo producto de Cirene, donde también se encontraron algunas de las primeras piezas. Gracias a las excavaciones británicas llevadas a cabo en el Santuario de Artemisa Ortia de Esparta , rápidamente se identificó su verdadero origen. En 1934, Arthur Lane reunió todo el material conocido y fue el primer arqueólogo en identificar diferentes artistas. En 1956 los nuevos descubrimientos fueron estudiados por Brian B. Shefton . Redujo a la mitad el número de pintores distintos. En 1958 y 1959 se publicó otro material nuevo de Taranto . En Samos también se encontró un número significativo de otros vasos. Conrad Michael Stibbe estudió de nuevo los 360 jarrones que conocía y publicó sus hallazgos en 1972. Identificó a cinco pintores principales y tres menores. [80]
Además de la investigación sobre la pintura de vasijas ática, corintia y laconia, los arqueólogos suelen interesarse especialmente por los estilos italianos menores. Los Caeretan hydriai fueron identificados y nombrados por primera vez por Carl Humann y Otto Puchstein. Andreas Rumpf, Adolf Kirchhoff y otros arqueólogos sospecharon erróneamente que el origen de la cerámica calcídica era Eubea. Georg Ferdinand Dümmler es el responsable de la denominación falsa de los vasos pónticos, que supuso que procedían de la zona del Mar Negro debido a la representación de un escita en uno de los vasos. [81] Mientras tanto, la investigación sobre todos los estilos la llevan a cabo menos individuos que un gran grupo internacional de científicos.
