La película de acción es un género cinematográfico que presenta predominantemente secuencias de persecución, peleas, tiroteos, explosiones y acrobacias. Los detalles de lo que constituye una película de acción han sido objeto de debate académico desde la década de 1980. Mientras que algunos académicos como David Bordwell sugirieron que eran películas que favorecían el espectáculo a la narración, otros como Geoff King afirmaron que permiten que las escenas de espectáculo se sintonicen con la narración. Las películas de acción a menudo son híbridas con otros géneros, mezclándose en varias formas que van desde comedias , películas de ciencia ficción y películas de terror .
Aunque el término "película de acción" o "película de acción y aventuras" se ha utilizado desde la década de 1910, la definición contemporánea suele referirse a una película que llegó con la llegada del Nuevo Hollywood y el auge de los antihéroes que aparecen en las películas estadounidenses de finales de los años 1960 y 1970, inspiradas en películas de guerra , películas policiales y westerns . A estos géneros les siguió lo que se conoce como el "período clásico" en la década de 1980. A esto le siguió la era posclásica, en la que las películas de acción estadounidenses se vieron influenciadas por el cine de acción de Hong Kong y el creciente uso de imágenes generadas por computadora en el cine. Tras los ataques del 11 de septiembre , apareció un regreso a las formas tempranas del género a raíz de las películas Kill Bill y Los mercenarios .
Scott Higgins escribió en 2008 en Cinema Journal que las películas de acción son uno de los géneros cinematográficos contemporáneos más populares y menospreciados, afirmando que "en el discurso general, el género es criticado regularmente por favorecer el espectáculo sobre la narrativa finamente afinada". [2] Bordwell se hizo eco de esto en su libro, The Way Hollywood Tells It , escribiendo que la recepción del género como "el emblema de lo que Hollywood hace peor". [3]
En el Journal of Film and Video , Lennart Soberson afirmó que el género de películas de acción ha sido objeto de debate académico desde la década de 1980. [4] Soberson escribió que los rasgos repetidos del género incluyen secuencias de persecución, peleas, tiroteos, explosiones y trabajos de acrobacias, mientras que otros académicos afirmaron que había más rasgos subyacentes que definen el género. [4] David Bordwell en The Way Hollywood Tells It escribió que al público se le "dice que el espectáculo anula la narrativa" en el cine de acción, mientras que Wheeler Winston Dixon se hizo eco de que estas películas se caracterizaban por un "espectáculo excesivo" como un "intento desesperado de enmascarar la falta de contenido". [3] [5] Geoff King argumentó que el espectáculo también puede ser un vehículo para la narrativa, en lugar de interferir con ella. [6] Soberson afirmó que Harvey O'Brien tenía "quizás la comprensión más convincente del género", afirmando que la película de acción se entendía "mejor como una fusión de forma y contenido. Representa la idea y la ética de la acción a través de una forma en la que la acción, la agitación y el movimiento son primordiales". [4]
O'Brien escribió más adelante en su libro Action Movies: The Cinema of Striking Back para sugerir que las películas de acción son únicas y no solo una serie de secuencias de acción, afirmando que la diferencia entre Indiana Jones: Raiders of the Lost Ark (1981) y Die Hard (1988), que si bien ambas fueron éxitos de taquilla de Hollywood con un héroe que afirma la masculinidad y supera los obstáculos para una solución personal y social, John McClane en Die Hard disparando repetidamente su pistola automática mientras se balancea desde un rascacielos no era congruente con la imagen de Indiana Jones en Raiders blandiendo su látigo para defenderse de los villanos en los callejones de El Cairo. [7] La autora y académica británica Yvonne Tasker amplió este tema, afirmando que las películas de acción no tienen una iconografía o escenarios claros y constantes. En su libro The Hollywood Action and Adventure Film (2015), descubrió que los temas más ampliamente consistentes tienden a ser la búsqueda de la libertad de la opresión por parte de un personaje, como un héroe que supera enemigos u obstáculos y conflictos físicos o desafíos, generalmente luchando contra otros humanos u oponentes alienígenas. [8]
A finales de la década de 2010, los estudios de análisis de géneros han hecho que el término "género" se sustituya o complemente con las palabras "modo" y "forma narrativa", y los tres términos suelen utilizarse indistintamente. [9] Johan Höglund y Agnieszka Soltysik Monnet afirmaron que la diferencia entre estos conceptos es difícil de entender, pero afirmaron que el género podría definirse como perteneciente a momentos históricos y culturales específicos, mientras que "modo" y "forma" pueden referirse a un patrón más amplio que opera en un campo histórico y cultural más amplio. [9] En su libro Action Cinema Since 2000 (2024), Tasker, Lisa Purse y Chris Holmlund afirmaron que pensar en la acción como un modo es más útil que pensar en ella como un género. [10] Los tres autores sugirieron que la acción enmarca una cierta manera de hacer películas y verlas, y que exceden el género sin eclipsarlo, afirmando que sitios web como IMDb y Wikipedia rara vez etiquetan las películas por un solo género y que los servicios de transmisión como Amazon Prime y Netflix diluyen de manera similar lo que se comercializa y se recibe como acción. [10]
En el cine transnacional, hay dos tendencias principales en las películas de acción: las películas de acción de Hollywood y su estilo imitado en todo el mundo y la otra son las películas de artes marciales en idioma chino. [11] Las raíces de las películas de acción se remontan al comienzo del cine, pero fue solo a mediados del siglo XX cuando las películas de acción se convirtieron en su propio género reconocible en lugar de ser una colección de otros tipos de películas como westerns, espadachines o películas de aventuras. [1] Las películas han sido descritas como "películas de acción" o "películas de acción y aventuras" desde la década de 1910. [4] [12] Solo en la década de 1980 el término acción como un género único se utilizó de manera rutinaria en términos de prácticas de promoción y revisión. [1]
Las primeras películas de artes marciales en idioma chino se remontan al cine de Shanghái de finales de la década de 1920. Estas películas fueron populares durante ese período y comprendían casi el 60% del total de películas chinas. Man-Fung Yip afirmó que estas películas eran "bastante sosas" para los estándares contemporáneos. [13] Escribió que carecían del tipo de coreografía de acción deslumbrante que se espera hoy en día y tenían efectos especiales crudos y rudimentarios. [13] Estas películas fueron objeto de cada vez más ataques tanto por parte de los funcionarios del gobierno como de las élites culturales por sus supuestas tendencias supersticiosas y anarquistas, lo que llevó a que se prohibieran en 1932. No fue hasta que la base de la producción cinematográfica comercial china se trasladó de Shanghái a Hong Kong a finales de la década de 1940 que el cine de artes marciales revivió. Estas películas contenían muchas de las características de la era anterior. Durante este período, más de 100 películas se basaron en las aventuras del héroe popular cantonés de la vida real, Wong Fei-hung , quien apareció por primera vez en el cine en 1949. Estas películas se rodaron principalmente en Hong Kong y en áreas de habla cantonesa con diáspora china . [14] Yip continuó diciendo que estas películas de Hong Kong todavía estaban rezagadas en los estándares estéticos y técnicos que tenían las películas de Estados Unidos, Europa y Japón durante este período. [15]
Yip describió al cine japonés como el más avanzado de Asia en ese momento. Esto se demostró con el avance internacional de las películas de Akira Kurosawa como Rashomon (1950). [15] El género cinematográfico conocido como chanbara estaba en su apogeo en Japón. El estilo era un subgénero del jidai-geki , o drama de época con énfasis en la lucha con espadas y la acción. [16] Tuvo un nivel de popularidad similar al del western en los Estados Unidos. Las películas más conocidas internacionalmente de esta era fueron las películas Kurosawa con los siete samuráis (1954), La fortaleza oculta (1958) y Yojimbo (1961). [17] Al menos en la década de 1950, las películas japonesas eran vistas como un modelo a emular por la producción cinematográfica de Hong Kong, y las compañías cinematográficas de Hong Kong comenzaron a reclutar activamente a profesionales de Japón, como el director de fotografía Tadashi Nishimoto, para contribuir a la cinematografía en color y en pantalla ancha. [15] También se desarrollaron nuevas fuentes literarias en las películas de artes marciales de este período, con el xinpai wuxia xiaoshuo (o "ficción de artes marciales de la nueva escuela") cobrando importancia con el éxito de Longhu Dou Jinghua (1954) de Liang Yusheng y Shujian enchou lu (1956) de Jin Yong , que mostraban la influencia de las películas de artes marciales de Shanghai pero que también circulaban desde Hong Kong a Taiwán y las comunidades chinas en el extranjero. Esto condujo a una creciente demanda en los mercados locales y regionales a principios de la década de 1960 y vio un aumento en la producción de películas de artes marciales de Hong Kong que iban más allá de las historias sobre Wong Fei-hung, que estaban perdiendo popularidad. [18] Estas nuevas películas de artes marciales presentaban esgrima mágica y mayores valores de producción y efectos especiales más sofisticados que las películas anteriores con Shaw Brothers una campaña de películas de esgrima de artes marciales de "nueva escuela" ( xinpai ) como El templo del loto rojo (1965) de Xu Zenghong y Come Drink with Me (1966) del rey Hu . [19]
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En la década de 1970, las películas de artes marciales de Hong Kong comenzaron a crecer bajo el formato de yanggang ("masculinidad acérrima") principalmente a través de las películas de Chang Cheh que eran populares. Esta transición condujo al subgénero de películas de kung fu a principios de la década y avanzó más allá de las películas de esgrima con escenarios contemporáneos de finales del período Qing o principios del período republicano y tenía más combate cuerpo a cuerpo que esgrima sobrenatural y efectos especiales. [21] Un nuevo estudio, Golden Harvest , se convirtió rápidamente en uno de los cineastas independientes que otorgaba libertad creativa y paga y atrajo a nuevos directores y actores, incluido Bruce Lee . [22] La popularidad de las películas de kung fu y Bruce Lee llevó a atraer a una audiencia global de estas películas en los Estados Unidos y Europa, pero se truncó con la muerte de Lee en 1973, lo que llevó a la fase de popularidad a declinar. [20] Después de un período de estancamiento, Chang Cheh y Lau Kar-leung revitalizaron el género con películas de kung fu shaolin y la serie de películas de esgrima más oscuras de Chor Yuen basadas en las novelas de Gu Long . [20] Aparecieron comedias de kung fu con Jackie Chan a medida que las películas de artes marciales florecieron en la década de 1980. Otras películas modernizaron nuevamente la forma con películas de gángsters de John Woo ( A Better Tomorrow (1986), The Killer (1989)) y la saga de Wong Fei Hung que regresó en Once Upon a Time in China de Tsui Hark con Jet Li , que nuevamente revitalizó las películas de estilo esgrima. [20] A principios de siglo, las películas de acción de Hollywood mirarían hacia el cine de Hong Kong y traerían a algunos de sus principales actores y directores para aplicar su estilo a sus películas, como Chan, Woo, Li, Michelle Yeoh y Yuen Woo-Ping . [23] El estreno de El tigre y el dragón (2000) de Ang Lee condujo a un estatus de estreno mundial de películas de artes marciales en idioma chino, en particular Hero (2002) y House of Flying Daggers (2004) de Zhang Yimou , Kung Fu Hustle (2004) de Stephen Chow y The Promise (2005) de Chen Kaige . [24] La mayoría de las películas de acción de Hong Kong en el primer cuarto del siglo XXI, como las de Cold War (2012), Cold War 2 (2016) yLas películas de la serie White Storm tienen una violencia atenuada, especialmente en comparación con el trabajo anterior de directores como Woo y Johnnie To . [25] Antong Chen, en su estudio sobre el cine de acción de Hong Kong, escribió que la influencia de China y la cantidad de coproducciones chinas realizadas con Hong Kong crearon un cambio en estas películas, particularmente después del estreno de Infernal Affairs (2002). [26]
Harvey O'Brien escribió en 2012 que el cine de acción contemporáneo surgió a través de otros géneros, principalmente westerns , películas de crímenes y de guerra , y se puede separar en cuatro formas: las fases formativa, clásica, posclásica y neoclásica. [27] Yvonne Tasker reiteró esto en su libro sobre películas de acción y aventuras , diciendo que las películas de acción se convirtieron en un género distinto durante el período del Nuevo Hollywood de la década de 1970. [8]
Las películas que dieron origen al antihéroe se filmarían entre los años 1960 y principios de los 1980 , con personajes que actúan y trascienden la ley y las convenciones sociales. Esto aparece inicialmente en películas como Bullitt (1968), donde un duro policía protege a la sociedad haciendo cumplir la ley contra la corrupción sistemática. Esto se extendió a películas que O'Brien describió como "respuestas instintivas" a amenazas percibidas con películas de policías corruptos y justicieros como Harry el sucio (1971) y El deseo de muerte (1974), donde la restauración del orden solo es posible por la fuerza y personajes antisociales preparados para actuar cuando la sociedad no lo hace. [27] El vigilantismo reaparece en otras películas que explotaban a la sociedad sureña, como Billy Jack (1971) y White Lightning (1973), y comedias de "chicos buenos" como Smokey and the Bandit (1977). Esta era también enfatiza las escenas de persecución de autos como momentos de espectáculo en películas como Bullitt y The French Connection (1971). O'Brien describió estas películas como enfatizando "la fusión del hombre y la máquina" con los conductores y los vehículos actuando como uno solo, concluyendo con lo que él describió como "lo último en modernidad apocalíptica y borrado social" en Mad Max 2 (1981). [28]
O'Brien describió la forma clásica del cine de acción como la década de 1980. La década continuó las tendencias del período formativo con héroes como vengadores ( Arma letal (1987)), oficiales de policía rebeldes ( Die Hard (1988)) y guerreros mercenarios ( Commando (1985)). Siguiendo la continuidad del híbrido de automóvil y hombre de la década anterior, la década de 1980 presentó hombres armados que también portaban armas como Sudden Impact (1983), entrenados para ser armas ( American Ninja (1985)) o imbuidos de tecnología ( RoboCop (1987)). [28] O'Brien señaló que las tendencias formativas en este punto se habían vuelto "identificablemente genéricas" a medida que las industrias cinematográficas comenzaron a reproducir estas películas durante la década, productores como Joel Silver y compañías de producción como The Cannon Group, Inc. comenzaron a formular la producción de estas películas con presupuestos altos y bajos. [29] Las películas de acción de esta época tienen raíces en la narración clásica, específicamente en las películas de artes marciales y westerns, y están construidas alrededor de una estructura de tres actos centrada en la supervivencia, la resistencia y la venganza con narrativas donde el cuerpo físico del héroe es puesto a prueba, traumatizado y finalmente triunfante. [30]
El tercer cambio en el cine de acción, el posclásico, se definió por el predominio del cine oriental y su estética, principalmente el trabajo con cables del cine de acción de Hong Kong de la era clásica, a través de la convención de los efectos cada vez más generados por computadora. Esto vio el declive de la masculinidad abierta en el cine de acción que se correspondió con el final de la Guerra Fría en 1991, mientras que el auge de la autorreferencia y las parodias de esta era creció en películas como El último gran héroe (1993). O'Brien describió esta era como suave donde los cuerpos duros de la era clásica fueron reemplazados por imágenes generadas por computadora como la de Terminator 2: el juicio final (1991). [31] Esto se mostró en correspondencia con la angustia milenarista y el apocalipticismo exhibidos en películas como Día de la Independencia (1996) y Armagedón (1998). [32] Las películas de acción y destrucción masiva comenzaron a requerir personajes más abiertamente superheroicos y se realizaron más adaptaciones de cómics con escenarios cada vez menos realistas en películas como Matrix (1999). [33]
La cuarta fase llegó tras los ataques del 11 de septiembre de 2001, que sugirieron el fin de los elementos fantásticos que definían al héroe de acción y al género. [33] Tras el estreno de Kill Bill: Volume 1 (2003) y Kill Bill: Volume 2 (2004) de Quentin Tarantino, se revisaron los tropos de las películas de acción de los años 70, lo que llevó a un renacimiento de las narrativas de venganza en películas como The Brave One (2007) y Taken (2008). O'Brien descubrió que las películas de Tarantino eran versiones posmodernas de los temas que rescindían la ironía para restaurar la " reactualización cinéfila de las convenciones del género". [33] El género dio un giro completo al resucitar películas del período clásico con Vive libre o muere duro (2007) y Rambo (2008), en las que los personajes se desplazan por un mundo contemporáneo y al mismo tiempo reconocen su edad, culminando en la película Los mercenarios (2010). [33]
Las películas y franquicias de acción de mayor éxito comercial del siglo XXI han sido adaptaciones de cómics, que comenzaron con los X-Men y se ven en otras series como Spider-Man y Iron Man . [34] [35] Tasker escribió que a pesar de que los personajes centrales del cine de superhéroes son extraordinarios, ocasionalmente incluso parecidos a Dios, a menudo siguen los rastros del personaje central que se vuelve poderoso, lo cual es fundamental para las películas de acción, a menudo se tratan historias de origen en las películas de superhéroes. [36]
Las películas de acción a menudo interactúan con otros géneros. Tasker escribió que las películas a menudo se etiquetan como películas de acción y suspenso, películas de acción y fantasía y películas de acción y aventuras con diferentes matices. [37] Tasker comentó más tarde que el término género de película de acción y aventuras a menudo se usan de forma híbrida, e incluso se usan indistintamente. [38] Junto con Holmund y Purse, Tasker escribió que la expansividad de las películas de acción complica la fácil categorización y, aunque a menudo se habla del género como género singular, rara vez se habla de él como estilo singular. [39]
El guionista y académico Jule Selbo amplió este tema, describiendo una película como " crimen /acción" o "acción/crimen" u otros híbridos que era "solo un ejercicio semántico", ya que ambos géneros son importantes en la fase de construcción de la narrativa. [40] Mark Bould en A Companion to Film Noir (2013) dijo que la categorización de múltiples etiquetas de género genérico era común en las reseñas de películas que rara vez se preocupan por descripciones sucintas que evocan elementos de la forma y el contenido de la película y no hacen afirmaciones más allá de cómo se combinan estos elementos. [41] [42]
Los estudios cinematográficos comenzaron a abordar la hibridez genérica en la década de 1970. James Monaco escribió en 1979 en American Film Now: The People, The Power, The Money, the Movies que "las líneas que separan un género de otro han seguido desintegrándose". [43] Tasker dijo que la mayoría de las películas de acción posclásicas son híbridas, y se nutren de géneros tan variados como las películas de guerra, la ciencia ficción , el terror , el crimen, las artes marciales y las películas de comedia . [37]
En las películas en idioma chino, tanto wuxia como kung fu son términos específicos del género, mientras que artes marciales es un término genérico para referirse a varios tipos de películas que contienen artes marciales. [44]
El cine wuxia es el género más antiguo del cine chino. [45] Stephen Teo escribió en su libro sobre wuxia que no existe una traducción satisfactoria del término al inglés, y que a menudo se lo identifica como "la película de esgrima" en los estudios críticos. Se deriva de las palabras chinas wu que denota cualidades militares o marciales y xia que denota caballerosidad, galantería y cualidades de caballería. [44] El término wuxia entró en la cultura popular en la serialización de Jinaghu qixia zhuan (1922) ( trad. Leyenda de los espadachines extraños ). [46] En wuxia , el énfasis está en la caballerosidad y la rectitud y permite acciones fantasmagóricas sobre el combate más terrestre de la película de kung fu . [47]
El cine de kung fu surgió en la década de 1970 a partir de las películas de esgrima. [48] Su nombre se deriva del término cantonés gong fu, que tiene dos significados: el esfuerzo físico requerido para completar una tarea y las habilidades y destrezas adquiridas con el tiempo. [49] Las películas de la época reflejaban el clima cultural y social de la época, como se ve al invocar a las fuerzas imperialistas japonesas u occidentales como contraste. [48]
El cine de kung fu surgió de las películas wuxia . [44] En comparación con el cine wuxia , el enfoque en el cine de kung fu está en las artes marciales sobre la caballerosidad, [50] Las películas de artes marciales estaban en declive a mediados de la década de 1970 en Hong Kong en relación con la caída de la bolsa que pasó de más de 150 películas en 1972 a poco más de 80 en 1975, lo que llevó a una caída en las películas de artes marciales producidas. Cuando la economía comenzó a recuperarse, surgió una nueva tendencia de películas de artes marciales, las películas de kung fu Shaolin, y provocaron un renacimiento del género. [51] A diferencia del wuxia , el cine de kung fu se centra principalmente en la lucha en el suelo. [47] Si bien los héroes en las películas de kung fu a menudo muestran caballerosidad, generalmente provienen de diferentes escuelas de lucha, a saber, wudang y shaolin . [44] [47]
Las películas de artes marciales estadounidenses presentan lo que el autor M. Ray Lott describió como un estilo de violencia más realista que las películas wuxia de Hong Kong con más realismo y, a menudo, son producciones de bajo presupuesto. [52] Las artes marciales comenzaron a aparecer rutinariamente en escenas de lucha en películas estadounidenses en la década de 1960 con películas como The Born Losers (1967), que era predominantemente un drama, intercalado con escenas de artes marciales. [53] [54] Las películas de artes marciales estadounidenses entraron en producción predominantemente después del estreno de Enter the Dragon (1973), y la única película estadounidense de mayor presupuesto que siguió su estela fue The Yakuza (1974). [55] [56] Lott señaló que las dos películas conducirían a los dos estilos posteriores de películas de artes marciales en los Estados Unidos, con películas como Enter the Dragon sobre personas que se deleitaban en el combate, a menudo en un entorno de torneo, y The Yakuza , que tenía varios géneros adjuntos, pero presentaba varias secuencias de artes marciales. [57] A finales de la década de 1970, el estilo era un género establecido en el cine estadounidense, que a menudo presentaba personajes heroicos duros que peleaban y no pensaban en sus acciones hasta después de una secuencia de pelea. [58] En la década de 1980, las películas de artes marciales estadounidenses reflejaban el movimiento nacional hacia el conservadurismo, reflejado en películas de Chuck Norris y otros actores como Sho Kosugi . [59] El género cambiaría de los estrenos en cines hacia el final de la década con el auge del video doméstico, la menor taquilla de las producciones de artes marciales estadounidenses y una parte significativa de las películas de acción directa a video que se hicieron por primera vez a fines de la década de 1980 en los Estados Unidos eran películas de artes marciales. [55] [59] [60] Hacia fines de la década de 1990, la producción de películas de artes marciales de bajo presupuesto disminuyó ya que no se desarrollaron nuevas estrellas en el género y actores más antiguos como Cynthia Rothrock y Steven Seagal comenzaron a aparecer en cada vez menos películas. [61] [62] Incluso películas internacionalmente populares como El tigre y el dragón (2000) tuvieron efectos insignificantes en las producciones estadounidenses, ya sea en el campo de la venta directa a video o en estrenos en salas de bajo presupuesto similares, como Bulletproof Monk (2003). [63]
Si bien las películas de estilo estadounidense se realizaron predominantemente en Estados Unidos, también se hicieron producciones en Australia, Canadá, Hong Kong y Sudáfrica, y se filmaron predominantemente en idioma inglés. [64]
Heroic Bloodshed es un término que se originó en las comunidades de fanáticos de películas de acción y crimen de habla inglesa de Hong Kong a fines de la década de 1980 y principios de la de 1990. [65] El autor Bey Logan afirmó que el término fue acuñado por Rick Baker, en el fanzine británico Eastern Heroes . [65] [66] El término se usa ampliamente. [65] Baker describió el estilo como películas de acción de Hong Kong que presentan gánsteres y tiroteos y artes marciales que eran más violentas que las películas de kung fu y el académico Kristof Van Den Troost lo describió como un término utilizado para distinguir las películas de acción con muchas armas de Hong Kong de las películas de artes marciales de época de fines de la década de 1980 y principios de la de 1990. [66] [65]
En chino, el término utilizado para estas películas es jinghungpin , que literalmente significa "películas de héroes". [65] El académico Laikwan Pang afirma que estas películas de gánsteres aparecieron en un momento en que los ciudadanos de Hong Kong se sentían particularmente impotentes con la entrega de Hong Kong del Reino Unido a China prevista para 1997. [67] Los directores clave del género fueron John Woo y Ringo Lam , y el productor Tsui Hark , y el punto de partida del género se remonta a A Better Tomorrow (1986) de Woo, que recaudó un récord de HK$34,7 millones en la taquilla de Hong Kong. [68] El estilo de estas películas influiría en producciones estadounidenses, como Bad Boys II (2003) de Michael Bay y The Matrix (1999) de los Wachowski . [68] Los medios coreanos reconocieron el tono más fatalista y pesimista de estas películas, lo que llevó a los periodistas coreanos a etiquetar el estilo como "Hong Kong noir ". [69] La influencia de estas películas fue evidente en las primeras películas coreanas como General's Son (1990) de Im Kwon-taek y películas posteriores como A Better Tomorrow (2010), Cold Eyes (2013) y New World (2013) de Song Hae-sung . [70]
El cine poscolonial de Hong Kong ha luchado por mantener su identidad internacional como proveedor de este tipo de películas de acción porque los talentos involucrados habían abandonado la industria cinematográfica de Hong Kong después de la entrega en 1997. [71]
Los estudios sobre películas de acción anglófonas han tendido a enfatizar las películas de acción estadounidenses de mayor presupuesto, y los académicos tienden a considerar que las películas que se salen de las producciones de Hollywood no se ajustan del todo a las definiciones del género. Para 2024, muchas industrias nacionales y regionales eran conocidas por sus películas de acción. Estas incluyen películas internacionales como títulos de acción en hindi, tamil, telugu, malabar , surcoreano, japonés, tailandés , brasileño , chino , sudafricano , francés e italiano . [72]
A principios del milenio, las películas de género australianas han ganado una creciente aceptación en la industria cinematográfica australiana, mientras que el género de acción representó un pequeño porcentaje de su producción en el siglo XXI. [73] [74]
Los estudiosos del cine de género australiano generalmente usaban el término "acción y aventuras", lo que les permite aplicarlo a varias formas de narrativa, como historias de poses heroicas irónicas como Cocodrilo Dundee (1986), películas de carretera o películas del interior del país. [74] En el libro Australian Genre Film , Amanda Howell sugirió que esta etiqueta se usó para ayudar a distanciar el cine australiano de las películas de Hollywood, ya que sugeriría comercio sobre cultura y que sería "bastante inaceptable hacer películas australianas usando convenciones establecidas en los EE. UU." [74] Howell afirmó que este era el caso de las películas de acción de los años 1970 y 1980, siendo Turkey Shoot (1982) de Brian Trenchard-Smith la más notoria. Smith había lanzado previamente películas como Deathcheaters (1976) y Stunt Rock (1979) cuando había incentivos financieros disponibles para proyectos abiertamente comerciales. [74] Ella comentó que las películas de acción contaban historias identificablemente australianas, como la película de motociclistas Stone (1974) de Sandy Harbutt y la película postapocalíptica Mad Max (1979) de Miller, derivadas de las realidades sociales y culturales de Australia, así como también cómo Mad Max: Fury Road (2015) de George Miller se derivó de la fascinación cinematográfica de larga data de Australia con la carretera y los automóviles y una historia de ansiedad cultural hacia un paisaje interior sombrío y amenazador opuesto al optimismo de las películas de acción estadounidenses. [74]
Francia es un país europeo importante en producción cinematográfica y ha realizado compromisos de coproducción con 44 países de todo el mundo. [76] A principios del siglo XXI, Francia comenzó a producir una serie de películas destinadas explícitamente a los mercados internacionales, de las cuales las películas de acción representan una parte significativa. Estas películas incluyen Taxi 2 (2000), Kiss of the Dragon (2001), District 13 (2004) y Unleashed (2005). [77] Cuando se le preguntó sobre la americanización de estas películas francesas, Christophe Gans , director de Brotherhood of the Wolf (2001), afirmó que "la propiedad de Hollywood de ciertos elementos [...] debe ser cuestionada, para demostrar que estos elementos también han estado presentes durante mucho tiempo en la cultura europea". [78]
Los productores más importantes de películas de acción francesas con ambiciones internacionales son EuropaCorp , con sede en Francia, de Luc Besson , que lanzó películas como Taxi (1998) y Desde París con amor (2010). [75] EuropaCorp produjo la franquicia Transporter protagonizada por el actor británico Jason Statham y lo convirtió en una estrella de películas de acción, lo que lo llevó a aparecer en la serie Los mercenarios a fines de la década de 2010. [78]
El género de películas de acción ha sido un elemento básico del cine de Bollywood . [79] En la década de 1970, el cine de acción de Bollywood se consolidó con dos películas protagonizadas por Amitabh Bachchan : Zanjeer (1973) de Prakash Mehra y Deewaar (1975) de Yash Chopra . El éxito de taquilla de estas películas convirtió a Bachchan en una estrella y generó la película del "joven enojado" en el cine de Bollywood. [80] A lo largo de las décadas de 1980 y 1990, el género cinematográfico de acción disminuyó considerablemente y las nuevas películas protagonizadas predominantemente por ex fisicoculturistas no lograron alcanzar la popularidad que tenía Bachan. Estas películas obtuvieron sus ingresos predominantemente a través de presentaciones más largas en cines de clase B. [80] Un ciclo de películas de acción surgió de estas películas en las décadas de 1980 y 1990 llamado la película Avenging Woman, donde las protagonistas femeninas buscan justicia para una víctima de violación, donde la protagonista busca venganza a través de la violencia. [81]
En 2009, el género de acción se volvió a popularizar con el éxito de taquilla de Wanted (2009), protagonizada por Salman Khan . Khan reinventó su personaje en la pantalla con el de su imagen en la prensa de Bollywood, que informó sobre él en los titulares de las revistas de Bollywood por sus peleas públicas y sus aventuras con actrices principales. [80] En Dabangg (2010), Khan continuó con este personaje público, que se repitió en varias de sus películas posteriores, como Ready (2011), Bodyguard (2011), Ek Tha Tiger (2012) y Dabangg 2 (2012). [82]
Desde la década de 1980, generaciones de actores del cine telugu han invocado películas de acción de Hong Kong, como Srihari , quien declaró que quería convertirse en actor después de ver su primera película de Bruce Lee. Varias películas del cine telugu fueron remakes de películas de Hong Kong, como Hello Brother (1994), que se basa en Twin Dragons (1992). [83] Otras películas, como la película de artes marciales Bhadrachlam (2001), toman prestado del cine estadounidense con la película de Jean-Claude Van Damme Kickboxer (1989). [84] RRR (2022) de SS Rajamouli estuvo entre las películas de mayor presupuesto realizadas en la India y se convirtió en una película de éxito poco común fuera de la diáspora india, donde rompió récords de taquilla en Japón y tuvo un desempeño excepcional en la taquilla estadounidense. [85] [86] KGF: Capítulo 2 de Prashanth Neel , que es una película de suspenso de acción histórica, se convirtió en los tráilers más vistos en YouTube, superando a Avengers: Endgame . [87] [88] [89]
Japón era un mercado difícil para el cine de acción de Hong Kong. Impulsado por el éxito de Enter the Dragon y la popularidad de Bruce Lee, Toei hizo sus propias películas de artes marciales al estilo de Bruce Lee, con The Street Fighter y sus dos secuelas protagonizadas por Sonny Chiba, así como un spin-off con una protagonista femenina similar a Angela Mao de Hong Kong llamado Sister Street Fighter . El éxito de Enter the Dragon permitió brevemente una afluencia de películas de Hong Kong a Japón, pero la tendencia no duró, con 28 películas de Hong Kong estrenadas en 1974, en su mayoría películas de kung fu, y el número disminuyó a cinco en 1975, cuatro en 1977 y solo dos en 1978. [90]
Ryuhei Kitamura , director de Versus (2000), dijo en 2004 que se sentía frustrado con la industria cinematográfica japonesa, ya que los productores sentían que no podían hacer películas de acción en competencia con las producciones de Hong Kong o de Estados Unidos. [91] Versus se hizo popular fuera de Japón, y Kitamura dijo que apuntaba a la audiencia extranjera, ya que estaba decepcionado con el estado actual de las películas japonesas. [92] Los personajes de Kitamura han sido descritos como "una cuidadosa combinación de la independencia inconformista de los héroes de acción de Hollywood de los años 80 y la calma y aceptación de los samuráis japoneses, una crítica constante al pueblo japonés de hoy". [93] Kitamura siguió a Versus con dos películas de acción de gran presupuesto inspiradas en el manga, Azumi y Sky High . Ambas estrenadas en 2003, la primera fue una de las películas más taquilleras del año en Japón. Después de LoveDeath , el siguiente trabajo como director de Kitamura fue en los Estados Unidos. [94]
El cine de acción de Corea del Sur existía principalmente en los márgenes de la industria cinematográfica de Corea del Sur. [95] El género fue inicialmente llamado Hwalkuk ("teatro viviente") era un término que indicaba obras de teatro y películas impulsadas por escenas de acción, mientras que este término no se ha utilizado regularmente desde finales de la década de 1970, siendo "película de acción" el término más familiar. [96] Las películas de acción coreanas vinieron del cine japonés, la serie de James Bond y el cine de acción de Hong Kong. [97] Como Corea del Norte limita con China, bloquea el acceso al continente desde una perspectiva surcoreana, la Guerra Fría permitió a los surcoreanos sustituir los viajes diferidos más allá de la frontera a través de películas con lugares filmados en Hong Kong. [98] Si bien el melodrama y la comedia eran elementos básicos en el cine surcoreano, la mayoría de las películas de acción eran esporádicas y estaban vinculadas al uso de lugares como Hong Kong. [99] Estas películas a menudo presentaban personajes de acción con una sola pierna o discapacitados similares a los de las películas japonesas ( Zatoichi ) y las películas de Hong Kong ( The One-Armed Swordsmen ). [98] [99] Entre ellas se encuentran El hombre zurdo que regresa (1968) de Im Kwon-taek , El parque de un solo ojo (1970) de Aekkunun Bak y El hombre de una sola pierna que regresa (1974) de Lee Doo-yong . [100]
En la década de 1990, el cine nacional del país estaba en declive, lo que llevó a las películas de gánsteres de Hong Kong a llenar este vacío y lograr un gran éxito comercial en la taquilla nacional. [101] Los primeros herederos coreanos de las películas de acción de Hong Kong incluyen Rules of The Game (1994), Beat (1997) y Green Fish (1997), que involucran a hombres que ganan confianza y logran un crecimiento personal a medida que se embarcan en viajes para proteger el estado nacional y encuentran finales devastadores. [102] El cine surcoreano solo recibió atención internacional tanto en formatos de cine de arte como de gran éxito hacia fines de la década de 1990. Películas como Chunhang (2000) y Memento Mori (2000) y las películas de acción Shiri (1999) y Nowhere to Hide (1999) recibieron estrenos comerciales en América del Norte, Asia y Europa. El éxito de las dos últimas películas no tuvo precedentes y fue seguido por otras películas de acción surcoreanas a principios de la década de 2000 que alcanzaron la cima de la taquilla local. [95] Estas películas surcoreanas imitan algunos rasgos del cine de acción de Hong Kong , como los vínculos masculinos melodramáticos y los personajes femeninos marginados, mientras que las películas coreanas también tienen mayores elementos de tragedia y romance enfatizados. [102]
La mayoría de las películas de artes marciales realizadas antes de mediados de los años 1960 eran producciones en idioma cantonés . En comparación, las películas en idioma mandarín eran una parte integral del cine de Hong Kong debido a la afluencia de talento cinematográfico de Shanghai en el período de posguerra. Estas películas estaban dirigidas a las audiencias de clase media más educadas y refinadas que se consideraban superiores a las películas de artes marciales contemporáneas. [14] [15]
Scott Higgins escribió en 2008 en Cinema Journal que las películas de acción de Hollywood son uno de los géneros cinematográficos contemporáneos más populares y menospreciados, afirmando que "en el discurso general, el género es criticado regularmente por favorecer el espectáculo sobre la narrativa finamente afinada". [2] Bordwell se hizo eco de esto en su libro, The Way Hollywood Tells It , escribiendo que la recepción del género como "el emblema de lo que Hollywood hace peor". [3]
Tasker escribió que cuando las películas de acción y aventuras conseguían premios, a menudo era en categorías como efectos visuales y edición de sonido. [103]
La revista Time Out realizó una encuesta a cincuenta expertos en el campo del cine de acción, entre los que se encontraban actores, críticos, cineastas y especialistas. De las 101 películas clasificadas en la encuesta, las siguientes fueron votadas como las diez mejores películas de acción de todos los tiempos. [104]
En Hong Kong, la "nueva escuela" de películas de artes marciales que Shaw Brothers introdujo en 1965 incluía lo que Yip describió como "personajes femeninos fuertes y activos como protagonistas". Estas películas centradas en las mujeres se vieron desafiadas por el surgimiento de un nuevo prototipo heroico masculino marcado por un fuerte sentido de energía juvenil y desafío y por una propensión a la acción violenta, identificada con las películas de Chang Cheh . [21]
Los personajes femeninos violentos han formado parte del cine desde sus inicios, con personajes como Kate Kelly blandiendo una escopeta en La historia de la pandilla Kelly (1906). Las mujeres aparecen tradicionalmente en las películas de acción como intereses románticos, marimachos o compañeras de los protagonistas masculinos. [105]
Las mujeres blancas violentas también aparecen en otros géneros, como las femmes fatales del cine negro y las películas de terror de los años 70. Las mujeres violentas fueron habituales en las películas de acción desde los años 60. Estas películas presentaban a mujeres de clase trabajadora que exigían venganza. Las películas de los años 70 presentaban a mujeres negras como Pam Grier en películas como Foxy Brown (1974). [105]
En la década de 1980, surgió un nuevo personaje simbólicamente transgresor en la forma de Ellen Ripley en Aliens (1986) y Sarah Connor en Terminator 2: Judgment Day (1991) y el personaje principal en China O'Brien (1990) que eran físicamente musculosos y/o representaban una violencia más extrema que generalmente estaba reservada para los protagonistas de acción masculinos. [105] [106] En su libro Contemporary Action Cinema (2011), Lisa Purse describió la respuesta de los medios a las protagonistas femeninas en películas de acción que revelan una incomodidad sobre su presencia y a menudo se las describe con términos vacilantes de mujeres que se mueven en territorios que se perciben como masculinos. [106] Revelar a la mujer en esta forma deconstruye la noción de que las marcas tradicionales de masculinidad no son exclusivas de los hombres y que la musculatura no era natural, sino algo que se debía lograr. Las acusaciones contra estas mujeres musculosas de la época se dirigieron hacia 1993, diciendo que eran "hombres vestidos de mujer" y que las películas generalmente tenían que "explicar" por qué sus protagonistas femeninas mostraban agresión física y por qué se sentían "impulsadas a hacerlo". [107] A medida que avanzaba la década de 1990, las películas de Hollywood comenzaron a tener mujeres de aspecto más convencional en sus películas de acción, como The Long Kiss Goodnight (1996). [108]
Existe un debate vibrante sobre si la hipersexualización es en sí misma empoderadora y, de no ser así, si un personaje femenino hipersexualizado aún puede representar fuerza y autonomía. [105] Las protagonistas de acción femeninas hipersexualizadas tenían trajes ajustados o reveladores que Tasker identificó como "declaraciones exageradas de sexualidad" y en la tradición de "figura fetichista de fantasía" que deriva de los cómics y la pornografía suave . [109] Esto se originó en la televisión con personajes como Buffy Summers ( Buffy la cazavampiros (1997-2003)) y Xena ( Xena: la princesa guerrera (1995-2001)). La popularidad de estas series demostró un mercado creciente para las heroínas del cine de acción, en películas de la década de 2000 como Lara Croft: Tomb Raider (2001), Los ángeles de Charlie (2000), Ultraviolet (2006), Salt (2010) y series como Underworld y Resident Evil . Estas series, al igual que sus series de televisión anteriores, tenían a sus protagonistas erotizadas como activas y físicamente capaces, al mismo tiempo que estaban escasamente vestidas, hiperfeminizadas, de manera similar a la mujer de las películas de explotación de la década de 1970, como Caged Heat (1974) y Big Bad Mama (1974). [110] Si bien a personajes como Frank en la serie The Transporter se les permite sudar visiblemente, esforzarse y estar ensangrentados, Purse encontró una renuencia por parte de los cineastas a que sus protagonistas femeninas tuvieran lesiones que deformaran la apariencia para garantizar un rostro perfectamente maquillado. [111] La comedia se usa a menudo en las películas de este período para colocar a las protagonistas femeninas en elementos inverosímiles, como en Los ángeles de Charlie , Los Cuatro Fantásticos (2005) y Mi súper exnovia (2006). [112] Los estilos de lucha de las mujeres también tienden hacia movimientos fluidos tradicionalmente femeninos de artes marciales, en lugar de usar armas o golpear directamente. [113]
Purse escribió que la marca sexualizada de la protagonista femenina del cine de acción contemporáneo la situaba muy próxima al discurso posfeminista sobre la elección, el poder y la sexualidad. [113] Marc O'Day interpreta que el doble estatus de la heroína de acción de sujeto activo y objeto sexual estaba revirtiendo el binario de género tradicional porque las películas "asumen que las mujeres son poderosas" sin recurrir a justificar su agresión física mediante narrativas que involucraran el impulso maternal, la inestabilidad mental o el trauma. [114] Purse descubrió que las protagonistas femeninas en películas como Elektra (2005), Kill Bill , Underworld , Charlie's Angels y Sr. y Sra. Smith (2005) mostraban a mujeres con coches caros, ropa, viajes, casas y, a menudo, trabajos bien pagados, pero que esto solo se mostraba como aplicable a las mujeres blancas de clase media. [115] Purse descubrió que estas mujeres se empoderaban a costa de las mujeres de otras etnias. Esto se ve en Aeon Flux (2005), donde Sithandra muere protegiendo la muerte de Aeon y Rain para dar paso a Alice en Resident Evil (2002). [115]
