Carousel es el segundo musical del equipo de Richard Rodgers (música) y Oscar Hammerstein II (libreto y letras). La obra de 1945 fue adaptada dela obra de Ferenc Molnár de 1909 Liliom , trasplantando su ambientación de Budapest a la costa de Maine . La historia gira en torno al vendedor de carrusel Billy Bigelow, cuyo romance con la trabajadora de la fábrica Julie Jordan tiene el precio de los trabajos de ambos. Participa en un robo para mantener a Julie y a su hijo no nacido; después de que todo sale trágicamente mal, se le da la oportunidad de arreglar las cosas. Una línea argumental secundaria trata sobre la trabajadora de la fábrica Carrie Pipperidge y su romance con el ambicioso pescador Enoch Snow. El espectáculo incluye las conocidas canciones " If I Loved You ", "June Is Bustin' Out All Over" y " You'll Never Walk Alone ". Richard Rodgers escribió más tarde que Carousel era su favorito de todos sus musicales.
Tras el espectacular éxito del primer musical de Rodgers y Hammerstein , Oklahoma! (1943), la pareja quiso colaborar en otra pieza, sabiendo que cualquier obra resultante sería comparada con Oklahoma!, muy probablemente de forma desfavorable. Al principio se mostraron reacios a solicitar los derechos de Liliom ; Molnár había rechazado en el pasado el permiso para que se adaptara la obra, y el final original se consideraba demasiado deprimente para el teatro musical. Tras adquirir los derechos, el equipo creó una obra con largas secuencias de música e hizo que el final fuera más esperanzador.
El musical requirió modificaciones considerables durante las pruebas fuera de la ciudad, pero una vez que se estrenó en Broadway el 19 de abril de 1945, fue un éxito inmediato tanto entre los críticos como entre el público. Carousel inicialmente tuvo 890 funciones y duplicó su éxito en el West End en 1950. Aunque nunca ha logrado tanto éxito comercial como Oklahoma!, la pieza ha sido revivida repetidamente, grabada varias veces y fue filmada en 1956. Una producción de Nicholas Hytner disfrutó del éxito en 1992 en Londres, en 1994 en Nueva York y en gira. Otro renacimiento de Broadway se inauguró en 2018. En 1999, la revista Time nombró a Carousel el mejor musical del siglo XX.
El drama en húngaro de Ferenc Molnár , Liliom , se estrenó en Budapest en 1909. El público quedó desconcertado por la obra, y duró sólo unas treinta representaciones antes de ser retirada, la primera sombra sobre la exitosa carrera de Molnár como dramaturgo. Liliom no se volvió a representar hasta después de la Primera Guerra Mundial . Cuando reapareció en los escenarios de Budapest, fue un gran éxito. [1]
A excepción del final, las tramas de Liliom y Carousel son muy similares. [2] Andreas Zavocky (apodado Liliom, la palabra húngara para "lirio", un término del argot para "tipo duro"), [3] un pregonero de feria , se enamora de Julie Zeller, una sirvienta, y comienzan a vivir juntos. Con ambos despedidos de sus trabajos, Liliom está descontento y contempla dejar a Julie, pero decide no hacerlo al enterarse de que está embarazada. Una subtrama involucra a la amiga de Julie, Marie, quien se ha enamorado de Wolf Biefeld, un portero de hotel; después de que los dos se casan, él se convierte en el dueño del hotel. Desesperado por ganar dinero para que él, Julie y su hijo puedan escapar a Estados Unidos y tener una vida mejor, Liliom conspira con el delincuente Ficsur para cometer un robo, pero sale mal y Liliom se apuñala a sí mismo. Muere y su espíritu es llevado al tribunal de policía del cielo. Como sugirió Ficsur mientras ambos esperaban para cometer el crimen, los posibles ladrones como ellos no se presentan ante Dios mismo. El magistrado le dice a Liliom que puede regresar a la Tierra por un día para intentar redimir los males que le ha hecho a su familia, pero primero debe pasar dieciséis años en un purgatorio ardiente. [4]
A su regreso a la Tierra, Liliom se encuentra con su hija Louise, quien, al igual que su madre, ahora es trabajadora de una fábrica. Le dice que conocía a su padre e intenta darle una estrella que robó del cielo. Cuando Louise se niega a aceptarla, la golpea. Sin darse cuenta de quién es, Julie lo confronta, pero se da cuenta de que no puede enojarse con él. Liliom es enviado a su destino, presumiblemente el infierno, y Louise le pregunta a su madre si es posible sentir una bofetada fuerte como si fuera un beso. Julie le dice a su hija, con reminiscencias, que es muy posible que eso suceda. [4]
Una traducción al inglés de Liliom fue atribuida a Benjamin "Barney" Glazer , aunque hay una historia de que el traductor real, no acreditado, fue el primer socio importante de Rodgers, Lorenz Hart . [5] El Theatre Guild la presentó en la ciudad de Nueva York en 1921, con Joseph Schildkraut como Liliom, [5] y la obra fue un éxito, con 300 representaciones. [6] Hammerstein y Rodgers vieron una reposición en 1940 con Burgess Meredith e Ingrid Bergman . [5] Glazer, al presentar la traducción al inglés de Liliom , escribió sobre el atractivo de la obra:
¿Y dónde en la literatura dramática moderna se pueden encontrar perlas como ésta? Julie confesando incoherentemente a su amante muerto el amor que siempre se había avergonzado de contar; Liliom gritando al tiovivo distante la feliz noticia de que él va a ser padre; los dos ladrones jugando a los botines de su futuro robo; Marie y Wolf posando para su retrato mientras Julie, con el corazón roto, mira a Liliom desaparecer, con la canción de los ladrones resonando en sus oídos; los dos policías quejándose de los salarios y las pensiones mientras Liliom yace desangrándose; Liliom ofreciendo furtivamente a su hija la estrella que ha robado para ella en el cielo. ... La tentación de contar toda la centelleante cadena es difícil de resistir. [7]
En las décadas de 1920 y 1930, Rodgers y Hammerstein se hicieron famosos por crear éxitos de Broadway con otros socios. Rodgers, con Lorenz Hart, había producido una serie de más de dos docenas de musicales, incluidos éxitos tan populares como Babes in Arms (1937), The Boys from Syracuse (1938) y Pal Joey (1940). [8] Algunos de los trabajos de Rodgers con Hart abrieron nuevos caminos en el teatro musical: On Your Toes fue el primer uso del ballet para sostener la trama (en la escena de " Matanza en la Décima Avenida "), mientras que Pal Joey desafió la tradición de Broadway al presentar a un bribón como su héroe. [9] Hammerstein había escrito o coescrito las letras de éxitos como Rose-Marie (1924), The Desert Song (1926), The New Moon (1927) y Show Boat (1927). Aunque menos productivo en la década de 1930, escribió material para musicales y películas, compartiendo un Oscar por su canción con Jerome Kern , " The Last Time I Saw Paris ", que se incluyó en la película de 1941 Lady Be Good . [10]
A principios de la década de 1940, Hart se había hundido en el alcoholismo y la confusión emocional, volviéndose poco confiable e impulsando a Rodgers a acercarse a Hammerstein para preguntarle si consideraría trabajar con él. [11] Hammerstein estaba ansioso por hacerlo, y su primera colaboración fue Oklahoma! (1943). [12] Thomas Hischak afirma, en su The Rodgers and Hammerstein Encyclopedia , que Oklahoma! es "la obra más influyente en el teatro musical estadounidense. De hecho, la historia del musical de Broadway se puede dividir con precisión en lo que vino antes de Oklahoma! y lo que vino después". [13] Una innovación para su época en la integración de canción, personaje, trama y baile, Oklahoma! serviría, según Hischak, como "el modelo para los espectáculos de Broadway durante décadas", [13] y resultó ser un gran éxito popular y financiero. Una vez que estuvo bien lanzado, qué hacer como bis fue un desafío abrumador para la pareja. El productor de cine Samuel Goldwyn vio Oklahoma! y le aconsejó a Rodgers que se pegara un tiro, lo que, según Rodgers, "era la forma directa pero divertida de Sam de decirme que nunca crearía otro programa tan bueno como Oklahoma! " [14] Mientras consideraban nuevos proyectos, Hammerstein escribió: "Somos unos tontos. No importa lo que hagamos, todo el mundo está obligado a decir: '¡Este no es otro Oklahoma!' " [15]
Había sido una lucha financiar y producir Oklahoma !. Hammerstein y Rodgers se reunieron semanalmente en 1943 con Theresa Helburn y Lawrence Langner del Theatre Guild, productores del exitoso musical, quienes juntos formaron lo que llamaron "el Club del Gloat". En uno de esos almuerzos, Helburn y Langner propusieron a Rodgers y Hammerstein que convirtieran Liliom de Molnár en un musical. Ambos hombres se negaron: no tenían ningún sentimiento por el entorno de Budapest y pensaron que el final triste no era adecuado para el teatro musical. [5] Además, dada la inestable situación política en tiempos de guerra, podrían necesitar cambiar el entorno de Hungría mientras estaban ensayando. [16] En el siguiente almuerzo, Helburn y Langner volvieron a proponer Liliom , sugiriendo que trasladaran el entorno a Luisiana y convirtieran a Liliom en una obra criolla . Rodgers y Hammerstein jugaron con la idea durante las siguientes semanas, pero decidieron que el dialecto criollo, lleno de "zis" y "zose", sonaría cursi y dificultaría la escritura de letras efectivas. [16]
Un gran avance se produjo cuando Rodgers, que poseía una casa en Connecticut , propuso un entorno de Nueva Inglaterra . [17] Hammerstein escribió sobre esta sugerencia en 1945:
Empecé a ver un conjunto atractivo: marineros, balleneros, muchachas que trabajaban en los molinos río arriba, puestos de mariscos en islas cercanas, un parque de atracciones en la costa, cosas que la gente podía hacer en multitudes, gente fuerte, vivaz y vigorosa, gente que siempre había sido representada en el escenario como puritanos de labios finos, una difamación que estaba ansioso por refutar... En cuanto a los dos personajes principales, Julie, con su coraje, fuerza interior y sencillez exterior, parecía más autóctona de Maine que de Budapest. Liliom es, por supuesto, un personaje internacional, autóctono de ninguna parte. [18]
Rodgers y Hammerstein también estaban preocupados por lo que denominaron "el túnel" del segundo acto de Molnár, una serie de escenas sombrías que conducen al suicidio de Liliom, seguido de un final oscuro. También creían que sería difícil poner música a la motivación de Liliom para el robo. [16] La oposición de Molnár a que se adaptaran sus obras también fue un problema; había rechazado a Giacomo Puccini cuando el gran compositor quiso transformar Liliom en una ópera, afirmando que quería que la pieza fuera recordada como suya, no de Puccini. [5] En 1937, Molnár, que había emigrado recientemente a los Estados Unidos, había rechazado otra oferta de Kurt Weill para adaptar la obra en un musical. [3]
La pareja continuó trabajando en las ideas preliminares para una adaptación de Liliom mientras perseguían otros proyectos a finales de 1943 y principios de 1944: escribieron el musical cinematográfico State Fair [19] y produjeron I Remember Mama en Broadway. [20] Mientras tanto, el Theatre Guild llevó a Molnár a ver Oklahoma! Molnár declaró que si Rodgers y Hammerstein podían adaptar Liliom tan bellamente como habían modificado Green Grow the Lilacs en Oklahoma!, estaría encantado de que lo hicieran. [21] El Gremio obtuvo los derechos de Molnár en octubre de 1943. El dramaturgo recibió el uno por ciento de los ingresos brutos y 2.500 dólares por "servicios personales". [22] El dúo insistió, como parte del contrato, en que Molnár les permitiera hacer cambios en la trama. Al principio, el dramaturgo se negó, pero finalmente cedió. Hammerstein declaró más tarde que si no se hubiera ganado este punto, "nunca habríamos podido hacer Carousel ". [23]
Al tratar de establecer a través de una canción la motivación de Liliom para el robo, Rodgers recordó que él y Hart tenían un problema similar con Pal Joey . Rodgers y Hart habían superado el problema con una canción que Joey canta para sí mismo, "I'm Talking to My Pal". Esto inspiró " Soliloquy ". Ambos socios contaron más tarde una historia de que "Soliloquy" solo pretendía ser una canción sobre los sueños de Liliom de tener un hijo, pero que Rodgers, que tenía dos hijas, insistió en que Liliom considerara que Julie podría tener una niña. Sin embargo, las notas tomadas en su reunión del 7 de diciembre de 1943 dicen: "El Sr. Rodgers sugirió un buen número musical para el final de la escena en la que Liliom descubre que va a ser padre, en el que canta primero con orgullo el crecimiento de un niño, y luego de repente se da cuenta de que podría ser una niña y cambia por completo". [24]
Hammerstein y Rodgers volvieron al proyecto Liliom a mediados de 1944. Hammerstein se sentía incómodo mientras trabajaba, temiendo que, hicieran lo que hicieran, Molnár desaprobaría los resultados. [15] Green Grow the Lilacs había sido una obra poco conocida; Liliom era un estándar teatral. El texto de Molnár también contenía comentarios considerables sobre la política húngara de 1909 y la rigidez de esa sociedad. Un pregonero de carnaval despedido que golpea a su esposa, intenta un robo y se suicida parecía un personaje central poco probable para una comedia musical. [3] Hammerstein decidió usar las palabras y la historia para hacer que el público simpatizara con los amantes. También construyó la pareja secundaria, que es incidental para la trama de Liliom ; se convirtieron en Enoch Snow y Carrie Pipperidge. [25] "This Was a Real Nice Clambake" fue reutilizada de una canción, "A Real Nice Hayride", escrita para Oklahoma! pero no se usó. [26]
El final de Molnár no era el adecuado y, tras un par de intentos fallidos, Hammerstein concibió la escena de graduación que cierra el musical. Según Frederick Nolan en su libro sobre el trabajo del equipo: "De esa escena surgió casi naturalmente la canción " You'll Never Walk Alone ". [27] A pesar de la letra sencilla de Hammerstein para "You'll Never Walk Alone", Rodgers tuvo grandes dificultades para ponerle música. [28] Rodgers explicó su razón para el cambio de final:
Liliom era una tragedia sobre un hombre que no puede aprender a vivir con otras personas. Tal como la escribió Molnár, el hombre termina golpeando a su hija y luego tiene que regresar al purgatorio, dejando a su hija indefensa y sin esperanza. No podíamos aceptar eso. Tal como terminamos Carousel, puede que siga siendo una tragedia, pero es una tragedia esperanzadora porque en la escena final está claro que la niña por fin ha aprendido a expresarse y comunicarse con los demás. [29]
Cuando la pareja decidió convertir "This Was a Real Nice Clambake" en un número de conjunto, Hammerstein se dio cuenta de que no tenía idea de cómo era un clambake e investigó el asunto. Basándose en sus hallazgos iniciales, escribió el verso: "First came codfish chowder" (Primero vino la sopa de bacalao). Sin embargo, una investigación posterior lo convenció de que el término adecuado era "codhead chowder" (sopa de cabeza de bacalao), un término desconocido para muchos asistentes al teatro. Decidió mantenerlo como "codfish" (bacalao). Cuando la canción pasó a hablar de las langostas consumidas en el banquete, Hammerstein escribió el verso: "We slit 'em down the back/And peppered 'em good" (Las cortamos por la espalda/y las sazonamos bien). Se entristeció al escuchar de un amigo que las langostas siempre se cortan por delante. El letrista envió a un investigador a un restaurante de mariscos y escuchó que las langostas siempre se cortan por la espalda. Hammerstein concluyó que existe un desacuerdo sobre qué lado de una langosta es la espalda. Un error que no se detectó fue el de la canción «June Is Bustin' Out All Over», en la que se representa a unas ovejas que buscan aparearse a finales de la primavera, cuando en realidad lo hacen en invierno. Cuando Hammerstein se enteró de esto, le dijo a su informante que 1873 era un año especial, en el que las ovejas se apareaban en primavera. [30]
Rodgers decidió prescindir de una obertura al principio, ya que le parecía que la música era difícil de escuchar debido al ruido de los asientos que se abrían cuando los que llegaban tarde se acomodaban. [31] En su autobiografía, Rodgers se quejaba de que solo se podía escuchar la sección de metales durante una obertura porque nunca hay suficientes cuerdas en la pequeña orquesta de un musical. Decidió obligar al público a concentrarse desde el principio abriendo con una escena de pantomima acompañada de lo que se conocería como "El vals del carrusel". [32] La pantomima era paralela a una de la obra de Molnár, que también se utilizó para presentar los personajes y la situación al público. [33] El autor Ethan Mordden describió la eficacia de esta apertura:
Otros personajes llaman nuestra atención: el señor Bascombe, el pomposo dueño del molino, la señora Mullin, la viuda que dirige el tiovivo y, aparentemente, Billy, un oso bailarín, un acróbata. Pero lo que nos atrae es la intensidad con la que Julie mira a Billy, la forma en que se queda congelada, mirándolo, mientras todos los demás en la feria se balancean al ritmo de la perorata de Billy. Y mientras Julie y Billy viajan juntos en el tiovivo giratorio, y la imagen del escenario se agita con la excitación del público, y la orquesta llega a un clímax, y cae el telón, nos damos cuenta de que R & H no sólo se han saltado la obertura y el número inicial, sino también la exposición. Se han sumergido en la historia, justo en el medio de ella, en la primera escena más intensa que haya tenido jamás un musical. [34]
El casting para Carousel comenzó cuando el equipo de producción de Oklahoma!, incluidos Rodgers y Hammerstein, buscaba un reemplazo para el papel de Curly (el protagonista masculino de Oklahoma! ). Lawrence Langner había oído, a través de un pariente, de un cantante de California llamado John Raitt , que podría ser adecuado para el papel. Langner fue a escuchar a Raitt, luego instó a los demás a traer a Raitt a Nueva York para una audición. Raitt pidió cantar " Largo al factotum ", el aria de Fígaro de El barbero de Sevilla , para calentar. El calentamiento fue suficiente para convencer a los productores de que no solo habían encontrado a Curly, sino que habían encontrado a Liliom (o Billy Bigelow, como se rebautizó el papel). [35] Theresa Helburn hizo otro descubrimiento en California, Jan Clayton , una cantante/actriz que había hecho algunas películas menores para MGM . La llevaron al este y audicionó con éxito para el papel de Julie. [27]
Los productores buscaron contratar a desconocidos. Aunque muchos habían trabajado en obras anteriores de Hammerstein o Rodgers, solo uno, Jean Casto (interpretada por la dueña del carrusel, la señora Mullin, y una veterana de Pal Joey ), había actuado antes en Broadway. [27] Resultó más difícil elegir al conjunto que a los protagonistas, debido a la guerra: Rodgers le dijo a su director de casting, John Fearnley , que el único requisito para un chico bailarín era que estuviera vivo. [36] Rodgers y Hammerstein reunieron a gran parte del equipo creativo que había hecho de Oklahoma! un éxito, incluido el director Rouben Mamoulian y la coreógrafa Agnes de Mille . Miles White fue el diseñador de vestuario, mientras que Jo Mielziner (que no había trabajado en Oklahoma! ) fue la diseñadora de escenografía e iluminación. Aunque el orquestador de Oklahoma!, Russell Bennett, había informado a Rodgers de que no estaba disponible para trabajar en Carousel debido a un contrato de radio, Rodgers insistió en que hiciera el trabajo en su tiempo libre. Orquestó "The Carousel Waltz" y "(When I Marry) Mister Snow" antes de ser finalmente reemplazado por Don Walker . [37] Un nuevo miembro del equipo creativo fue Trude Rittmann , quien arregló la música de baile. Rittmann inicialmente sintió que Rodgers desconfiaba de ella porque era mujer y le resultó difícil trabajar con él, pero los dos trabajaron juntos en los espectáculos de Rodgers hasta la década de 1970. [33]
Los ensayos comenzaron en enero de 1945; [3] Rodgers o Hammerstein siempre estaban presentes. [38] Raitt recibió la letra de "Soliloquy" en una hoja de papel de cinco pies de largo; la pieza duraba casi ocho minutos. Poner en escena un número solista tan largo presentó problemas, y Raitt declaró más tarde que sintió que nunca se abordaron por completo. [39] En algún momento durante los ensayos, Molnár vino a ver lo que habían hecho con su obra. Hay varias variaciones de la historia. [35] [40] Según lo contó Rodgers, mientras veía los ensayos con Hammerstein, el compositor vio a Molnár en la parte trasera del teatro y le susurró la noticia a su compañero. Ambos sudaron durante una tarde de ensayo en la que nada parecía salir bien. Al final, los dos caminaron hacia la parte trasera del teatro, esperando una reacción enojada de Molnár. En cambio, el dramaturgo dijo con entusiasmo: "Lo que has hecho es muy hermoso. ¿Y sabes qué es lo que más me gusta? ¡El final!" [41] Hammerstein escribió que Molnár se convirtió en un asistente habitual a los ensayos después de eso. [18]
Como la mayoría de las obras de la pareja, Carousel contiene un ballet extenso, "Billy hace un viaje", [42] en el segundo acto, cuando Billy mira hacia la Tierra desde "Allí arriba" y observa a su hija. En la producción original, el ballet fue coreografiado por De Mille. [43] Comenzaba con Billy mirando hacia abajo desde el cielo a su esposa en labor de parto, con las mujeres del pueblo reunidas para un "parto". El ballet involucraba a todos los personajes de la obra, algunos de los cuales decían líneas de diálogo, y contenía una serie de subtramas. El foco estaba en Louise, interpretada por Bambi Linn , quien al principio casi se eleva en su baile, expresando la inocencia de la infancia. Sus compañeros de escuela se burlan de ella y Louise se siente atraída por la gente ruda del carnaval, que simboliza el mundo de Billy. Un joven del carnaval intenta seducir a Louise, mientras ella descubre su propia sexualidad, pero él decide que es más niña que mujer y la abandona. Después de que Julie la consuela, Louise va a una fiesta infantil, donde la rechazan. La gente del carnaval reaparece y forma un círculo alrededor de la fiesta infantil, con Louise perdida entre los dos grupos. Al final, los artistas forman un enorme carrusel con sus cuerpos. [44]
La obra se estrenó en New Haven, Connecticut, el 22 de marzo de 1945. El primer acto fue bien recibido, pero el segundo no. [45] Casto recordó que el segundo acto terminó alrededor de la 1:30 am [27] El personal se sentó inmediatamente para una conferencia de dos horas. Como resultado, se eliminaron cinco escenas, la mitad del ballet y dos canciones del espectáculo. John Fearnley comentó: "Ahora veo por qué esta gente tiene éxito. Nunca presencié algo tan enérgico y valiente en mi vida". [45] De Mille dijo de esta conferencia: "No se habían desperdiciado ni tres minutos pidiendo algo preciado. Tampoco hubo bromas ociosas... Cortamos y cortamos y cortamos y luego nos fuimos a la cama". [46] Cuando la compañía se fue de New Haven, el ballet de De Mille se había reducido a cuarenta minutos. [44]
Una de las principales preocupaciones del segundo acto era la eficacia de los personajes Él y Ella (posteriormente llamados por Rodgers "Sr. y Sra. Dios"), [47] ante los cuales Billy se apareció después de su muerte. El Sr. y la Sra. Dios fueron representados como un ministro de Nueva Inglaterra y su esposa, vistos en su sala de estar. [39] [48] La pareja todavía era parte del espectáculo en el estreno en Boston. [39] Rodgers le dijo a Hammerstein: "Tenemos que sacar a Dios de esa sala". Cuando Hammerstein preguntó dónde debería poner a la deidad, Rodgers respondió: "No me importa dónde lo pongas. ¡Pónlo en una escalera por lo que a mí respecta, solo sácalo de esa sala!". Hammerstein debidamente puso al Sr. Dios (rebautizado como el Guardián de las Estrellas) encima de una escalera, [49] y la Sra. Dios fue eliminada del espectáculo. [39] La biógrafa de Rodgers, Meryle Secrest, considera este cambio un error, que conduce a una vida después de la muerte más fantástica, que luego fue criticada por The New Republic como "una atmósfera rotaria agradable para audiencias que no buscan la realidad sino escapar de la realidad, no la verdad sino escapar de la verdad". [39]
Hammerstein escribió que el consejo de Molnár, de combinar dos escenas en una, fue clave para unir el segundo acto y representó "un cambio más radical del original que cualquier cambio que habíamos hecho". [18] Se agregó una repetición de "If I Loved You" en el segundo acto, que Rodgers sintió que necesitaba más música. [50] Tres semanas de pruebas en Boston siguieron a la breve presentación en New Haven, y el público allí le dio al musical una cálida recepción. [45] Una versión aún más corta del ballet se presentó las últimas dos semanas en Boston, pero en la última noche allí, De Mille la amplió a cuarenta minutos, y hizo que la sala se rindiera, haciendo que tanto Rodgers como Hammerstein la aceptaran. [44]
Dos jóvenes trabajadoras de una fábrica de Maine, en 1873, visitan el carrusel de la ciudad después del trabajo. Una de ellas, Julie Jordan, atrae la atención del vendedor ambulante, Billy Bigelow ("The Carousel Waltz"). Cuando Julie deja que Billy la rodee con el brazo durante el paseo, la señora Mullin, la dueña viuda del carrusel, le dice a Julie que no vuelva nunca más. Julie y su amiga, Carrie Pipperidge, discuten con la señora Mullin. Billy llega y, al ver que la señora Mullin está celosa, se burla de ella; lo despiden de su trabajo. Billy, despreocupado, invita a Julie a tomar una copa con él. Mientras va a buscar sus pertenencias, Carrie presiona a Julie sobre sus sentimientos hacia él, pero Julie se muestra evasiva ("You're a Queer One, Julie Jordan"). Carrie también tiene un pretendiente, el pescador Enoch Snow ("(When I Marry) Mister Snow"), con quien acaba de comprometerse. Billy regresa a buscar a Julie, mientras Carrie, que se marcha, le advierte que quedarse hasta tarde significa perder el trabajo de Julie. El señor Bascombe, dueño de la fábrica, pasa por allí acompañado de un policía y se ofrece a acompañar a Julie hasta su casa, pero ella se niega y es despedida. Cuando quedan solos, ella y Billy hablan sobre cómo sería la vida si estuvieran enamorados, pero ninguno de los dos confiesa la creciente atracción que sienten el uno por el otro (" If I Loved You ").
Pasa más de un mes y los preparativos para la cena de verano están en marcha ("June Is Bustin' Out All Over"). Julie y Billy, ahora casados, viven en el spa de la prima de Julie, Nettie. Julie le confía a Carrie que Billy, frustrado por estar desempleado, la golpeó. Carrie tiene mejores noticias: está comprometida con Enoch, quien entra mientras ella habla de él ("(When I Marry) Mister Snow (reprise))". Billy llega con su amigo ballenero, Jigger, un inútil. Billy es abiertamente grosero con Enoch y Julie, luego se va con Jigger, seguido por una Julie angustiada. Enoch le dice a Carrie que espera hacerse rico vendiendo arenques y tener una familia numerosa, tal vez más grande de lo que Carrie se siente cómoda teniendo ("When the Children Are Asleep").
Jigger y sus compañeros de barco, acompañados por Billy, cantan sobre la vida en el mar ("Blow High, Blow Low"). El ballenero intenta reclutar a Billy para que ayude con un robo, pero Billy se niega, ya que la víctima, el ex jefe de Julie, el Sr. Bascombe, podría tener que ser asesinado. La Sra. Mullin entra e intenta tentar a Billy para que vuelva al tiovivo (y a ella). Tendría que abandonar a Julie; un pregonero casado no puede evocar la misma tensión sexual que uno soltero. Billy reflexiona de mala gana sobre el asunto cuando Julie llega y los demás se van. Ella le dice que está embarazada y Billy se siente abrumado por la felicidad, terminando con todos los pensamientos de regresar al tiovivo. Una vez solo, Billy imagina la diversión que tendrá con Bill Jr., hasta que se da cuenta de que su hijo podría ser una niña y reflexiona sobriamente que "tienes que ser padre de una niña" (" Soliloquio "). Decidido a proveer económicamente para su futuro hijo, sean cuales sean los medios, Billy decide ser cómplice de Jigger.
Todo el pueblo se va a la fiesta de mariscos. Billy, que antes se había negado a ir, acepta participar, para deleite de Julie, ya que se da cuenta de que ser visto en la fiesta es parte integral de su coartada y la de Jigger ("Acto I Finale").
Todos recuerdan la gran cena y la diversión ("This Was a Real Nice Clambake"). Jigger intenta seducir a Carrie; Enoch entra en el momento equivocado y declara que ha terminado con ella ("Geraniums In the Winder"), mientras Jigger se burla ("There's Nothin' So Bad for a Woman"). Las chicas intentan consolar a Carrie, pero para Julie lo único que importa es que "él es tu chico y lo amas" ("What's the Use of Wond'rin'?"). Julie ve a Billy tratando de escabullirse con Jigger y, tratando de detenerlo, siente el cuchillo escondido en su camisa. Ella le ruega que se lo dé, pero él se niega y se va a cometer el robo.
Mientras esperan, Jigger y Billy juegan a las cartas. Se juegan su parte del botín del robo. Billy pierde: su participación ya no tiene sentido. Sin que Billy y Jigger lo sepan, el señor Bascombe, la víctima prevista, ya ha depositado el dinero de la fábrica. El robo fracasa: Bascombe apunta a Billy con un arma mientras Jigger escapa. Billy se apuñala con su cuchillo; Julie llega justo a tiempo para que él le diga sus últimas palabras y muera. Julie le acaricia el pelo, finalmente capaz de decirle que lo amaba. Carrie y Enoch, reunidos por la crisis, intentan consolar a Julie; Nettie llega y le da a Julie la determinación para seguir adelante a pesar de su desesperación (" You'll Never Walk Alone ").
El espíritu desafiante de Billy ("El Juez Supremo de Todos") es llevado allí arriba para ver al Guardián de las Estrellas, un oficial celestial. El Guardián de las Estrellas le dice a Billy que el bien que hizo en vida no fue suficiente para entrar al cielo, pero mientras haya una persona viva que lo recuerde, puede regresar por un día para intentar hacer el bien para redimirse. Le informa a Billy que han pasado quince años en la Tierra desde su suicidio, y sugiere que Billy puede entrar al cielo si ayuda a su hija, Louise. Ayuda a Billy a mirar hacia abajo desde el cielo para verla (ballet instrumental: "Billy hace un viaje"). Louise ha crecido siendo solitaria y amargada. Los niños locales la condenan al ostracismo porque su padre era un ladrón y golpeador de esposas. En el baile, un joven rufián, muy parecido a su padre a esa edad, coquetea con ella y la abandona por ser demasiado joven. El baile concluye, y Billy está ansioso por regresar a la Tierra y ayudar a su hija. Roba una estrella para llevársela con él, mientras el Guardián de las Estrellas finge no darse cuenta.
Afuera de la cabaña de Julie, Carrie describe su visita a Nueva York con el ahora rico Enoch. El esposo de Carrie y sus numerosos hijos entran a buscarla; la familia debe prepararse para la graduación de la escuela secundaria más tarde ese día. Enoch Jr., el hijo mayor, se queda para hablar con Louise, mientras Billy y el Amigo Celestial que lo escolta entran, invisibles para los otros personajes. Louise le confía a Enoch Jr. que planea huir de casa con una compañía de teatro. Él dice que la detendrá casándose con ella, pero que su padre pensará que no es una pareja adecuada. Louise está indignada: cada uno insulta al padre del otro, y Louise le ordena a Enoch Jr. que se vaya. Billy, capaz de hacerse visible a voluntad, se revela a la sollozante Louise, fingiendo ser un amigo de su padre. Le ofrece un regalo: la estrella que robó del cielo. Ella lo rechaza y, frustrado, él le da una palmada en la mano. Se hace invisible y Louise le cuenta a Julie lo que pasó, afirmando que la bofetada milagrosamente se sintió como un beso, no como un golpe, y Julie la entiende perfectamente. Louise se retira a la casa, mientras Julie nota la estrella que Billy dejó caer; la recoge y parece sentir la presencia de Billy ("If I Loved You (Reprise)").
Billy asiste invisiblemente a la graduación de Louise, con la esperanza de tener una última oportunidad de ayudar a su hija y redimirse. El querido médico del pueblo, el Dr. Seldon (que se parece al Guardián de las Estrellas), aconseja a la clase que se gradúa que no confíe en el éxito de sus padres ni se deje frenar por su fracaso (palabras dirigidas a Louise). Seldon insta a todos a cantar una vieja canción, "You'll Never Walk Alone". Billy, todavía invisible, le susurra a Louise, diciéndole que crea en las palabras de Seldon, y cuando ella intenta acercarse a otra chica, se da cuenta de que no tiene por qué ser una paria. Billy va a ver a Julie y le dice por fin que la amaba. Mientras su viuda y su hija se unen al canto, Billy es llevado a su recompensa celestial.
° denota el elenco original de Broadway
La producción original de Broadway se estrenó en el Majestic Theatre el 19 de abril de 1945. El ensayo general del día anterior había ido mal y la pareja temía que la nueva obra no fuera bien recibida. [52] Un cambio de último momento exitoso fue que De Mille coreografiara la pantomima. El movimiento de la multitud del carnaval en la pantomima había sido confiado a Mamoulian, y su versión no estaba funcionando. [44] Rodgers se había lesionado la espalda la semana anterior y vio el estreno desde una camilla apoyada en una caja detrás de la cortina. Sedado con morfina, solo podía ver parte del escenario. Como no podía escuchar los aplausos y las risas del público, asumió que el espectáculo fue un fracaso. No fue hasta que sus amigos lo felicitaron más tarde esa noche que se dio cuenta de que el telón había sido recibido con aplausos salvajes. [52] Bambi Linn , que interpretó a Louise, fue recibida con tanto entusiasmo por el público durante su ballet que se vio obligada a romper el personaje cuando apareció de nuevo y hacer una reverencia. La hija de Rodgers, Mary, vio a su amigo, Stephen Sondheim , ambos adolescentes en ese entonces, al otro lado de varias filas; ambos tenían los ojos húmedos por las lágrimas. [45]
La producción original tuvo 890 funciones y cerró el 24 de mayo de 1947. El elenco original incluía a John Raitt (Billy), Jan Clayton (Julie), Jean Darling (Carrie), Eric Mattson (Enoch Snow), Christine Johnson (Nettie Fowler), Murvyn Vye (Jigger), Bambi Linn (Louise) y Russell Collins (Starkeeper). En diciembre de 1945, Clayton se fue para protagonizar la reposición de Broadway de Show Boat y fue reemplazada por Iva Withers ; Raitt fue reemplazado por Henry Michel en enero de 1947; Darling fue reemplazada por Margot Moser. [53] [54]
Después de su cierre en Broadway, el espectáculo realizó una gira nacional durante dos años. Se representó durante cinco meses solo en Chicago, visitó veinte estados y dos ciudades canadienses, recorrió 24 000 kilómetros y actuó ante casi dos millones de personas. La compañía de gira tuvo una presentación de cuatro semanas en el New York City Center en enero de 1949. [55] Después de la presentación en el City Center, el espectáculo se trasladó de nuevo al Majestic Theatre con la esperanza de llenar el teatro hasta que South Pacific abriera a principios de abril. Sin embargo, las ventas de entradas fueron mediocres y el espectáculo cerró casi un mes antes. [56]
El musical se estrenó en el West End de Londres, en el Theatre Royal, Drury Lane, el 7 de junio de 1950. La producción fue reestrenada por Jerome Whyte, con un elenco que incluía a Stephen Douglass (Billy), Iva Withers (Julie) y Margot Moser (Carrie). Carousel se representó en Londres durante 566 funciones, permaneciendo allí durante más de un año y medio. [53]
Carousel fue reeditado en 1954 y 1957 en el City Center, presentado por la New York City Center Light Opera Company. En ambas ocasiones, la producción contó con la participación de Barbara Cook , aunque interpretó a Carrie en 1954 y a Julie en 1957 (actuando junto a Howard Keel como Billy). La producción fue luego llevada a Bélgica para ser representada en la Feria Mundial de Bruselas de 1958 , con David Atkinson como Billy, Ruth Kobart como Nettie y Clayton retomando el papel de Julie, que ella había creado. [57]
En agosto de 1965, Rodgers y el Music Theater of Lincoln Center produjeron Carousel para 47 funciones. John Raitt repitió el papel de Billy, con Jerry Orbach como Jigger y Reid Shelton como Enoch Snow. Los papeles de Starkeeper y Dr. Seldon fueron interpretados por Edward Everett Horton en su última aparición en el escenario. [58] Al año siguiente, la New York City Center Light Opera Company trajo Carousel de vuelta al City Center para 22 funciones, con Bruce Yarnell como Billy y Constance Towers como Julie. [57]
Nicholas Hytner dirigió una nueva producción de Carousel en 1992, en el Royal National Theatre de Londres , con coreografía de Sir Kenneth MacMillan y diseños de Bob Crowley . En esta puesta en escena, la historia comienza en el molino, donde trabajan Julie y Carrie, con la música ralentizada para enfatizar el trabajo pesado. Después de que termina el trabajo, se trasladan a los astilleros y luego al carnaval. [57] A medida que avanzan en un escenario giratorio, aparecen personajes del carnaval y, por fin, el carrusel se monta en el escenario para que las chicas monten. [59] [60] Louise es seducida por el chico rufián durante su ballet del Acto 2, ambientado alrededor de las ruinas de un carrusel. [59] Michael Hayden interpretó a Billy no como un hombre grande y brusco, sino como uno más pequeño y frustrado, una bomba de tiempo a punto de explotar. [57] Joanna Riding (Julie) y Janie Dee (Carrie) ganaron premios Olivier por sus actuaciones, la producción ganó el premio a la mejor reposición de musical y Hytner ganó como director. [61] Patricia Routledge interpretó a Nettie. [62] Clive Rowe , como Enoch, fue nominado a un premio Olivier. [63] Enoch y Carrie fueron elegidos para interpretar a una pareja interracial cuyos ocho hijos, según la reseña en The New York Times , parecían "un anuncio ambulante de United Colors of Benetton". [59] La presentación limitada de la producción desde diciembre de 1992 hasta marzo de 1993 fue un éxito de ventas. [64] Se volvió a estrenar en el Shaftesbury Theatre de Londres en septiembre de 1993, presentada por Cameron Mackintosh , donde continuó hasta mayo de 1994. [65]
La producción de Hytner se trasladó al Vivian Beaumont Theater de Nueva York , donde se estrenó el 24 de marzo de 1994 y tuvo 322 funciones. [57] [59] Ganó cinco premios Tony , incluido el de mejor reestreno de musical, así como premios para Hytner, MacMillan, Crowley y Audra McDonald (como Carrie). [66] El reparto también incluía a Sally Murphy como Julie, Shirley Verrett como Nettie, Fisher Stevens como Jigger y Eddie Korbich como Enoch. [67] Los reemplazos de Billy incluyeron a Marcus Lovett y James Barbour . [68] Un cambio realizado de la producción de Londres a la de Nueva York fue que Billy golpeara a Louise en la cara, en lugar de en la mano. Según Hayden, "Hace la única cosa imperdonable, la cosa que no podemos perdonar. Es un desafío para el público quererlo después de eso". [69] El carrusel Hytner se presentó en Japón en mayo de 1995. [70] Una gira nacional en Estados Unidos con una producción a escala reducida comenzó en febrero de 1996 en Houston [71] y cerró en mayo de 1997 en Providence, Rhode Island . [72] Los productores buscaron presentar jóvenes talentos en la gira, [71] con Patrick Wilson como Billy y Sarah Uriarte Berry , [73] y más tarde Jennifer Laura Thompson , como Julie. [74]
El 2 de diciembre de 2008, después de una semana de preestrenos, se estrenó una nueva versión en el Teatro Savoy de Londres , protagonizada por Jeremiah James (Billy), Alexandra Silber (Julie) y Lesley Garrett (Nettie). [75] La producción recibió críticas cálidas y mixtas. [76] Cerró en junio de 2009, un mes antes. [77] Michael Coveney, escribiendo en The Independent , admiró la música de Rodgers, pero afirmó: "La eficiente reposición de Lindsay Posner no se compara con la versión del Teatro Nacional de 1992". [75] Una producción en el Teatro de Basilea , Suiza, entre 2016 y 2017, con diálogo en alemán, fue dirigida por Alexander Charim y coreografiada por Teresa Rotemberg. Bryony Dwyer, Christian Miedl y Cheryl Studer protagonizaron, respectivamente, a Julie Jordan, Billy Bigelow y Nettie Fowler. [78] Una reposición semi-escenificada por la Ópera Nacional Inglesa se inauguró en el Coliseo de Londres en 2017. La producción fue dirigida por Lonny Price , conducida por David Charles Abell y protagonizada por Alfie Boe como Billy, Katherine Jenkins como Julie y Nicholas Lyndhurst como el Guardián de las Estrellas. La producción recibió críticas mixtas a positivas. [79]
El tercer renacimiento en Broadway comenzó con preestrenos el 28 de febrero de 2018 en el Teatro Imperial y se inauguró oficialmente el 12 de abril. Cerró el 16 de septiembre de 2018. [80] La producción fue protagonizada por Jessie Mueller , Joshua Henry , Renée Fleming , Lindsay Mendez y Alexander Gemignani . La producción fue dirigida por Jack O'Brien y coreografiada por Justin Peck . [81] Las canciones «Geraniums in the Winder» y «There's Nothin' So Bad for a Woman» fueron eliminadas de este renacimiento. [82] Ben Brantley escribió en The New York Times : "La trágica inevitabilidad de Carousel rara vez ha resultado tan cálida o tan escalofriante como en esta vívida reimaginación... [C]on las interpretaciones reflexivas y poderosas del Sr. Henry y la Sra. Mueller, la historia de amor en el centro del espectáculo nunca ha parecido tan desastrosa o, al mismo tiempo, tan sexy... [E]l Guardián de las estrellas... asume una nueva visibilidad a lo largo de la obra, asumiendo el papel del supervisor angelical de Billy". Brantley elogió fuertemente la coreografía, todas las interpretaciones y los diseñadores. Sin embargo, no le convenció el "diálogo madre-hija que cae tan abrasivamente en los oídos contemporáneos", donde Julie intenta justificar el amor por un hombre abusivo, y otras escenas del Acto 2, particularmente las que transcurren en el cielo, y el optimismo de la escena final. [83] La mayoría de los críticos coincidieron en que, si bien la coreografía y las actuaciones (especialmente el canto) eran excelentes, caracterizando la producción como sexy y suntuosa, la dirección de O'Brien hizo poco para ayudar al espectáculo a lidiar con las sensibilidades modernas sobre el trato de los hombres a las mujeres, y en cambio se entregó a la nostalgia. [84]
De julio a septiembre de 2021, el Regent's Park Open Air Theatre de Londres presenta una puesta en escena de su director artístico Timothy Sheader , con coreografía de Drew McOnie. El reparto incluye a Carly Bawden como Julie, Declan Bennett como Billy y Joanna Riding como Nettie. [85]
En 1956 se hizo una versión cinematográfica del musical, protagonizada por Gordon MacRae y Shirley Jones . Sigue la historia del musical bastante de cerca, aunque se agregó un prólogo, ambientado en el cielo del Guardián de las Estrellas. La película se estrenó solo unos meses después del estreno de la versión cinematográfica de Oklahoma! Obtuvo algunas buenas críticas, [86] y la grabación de la banda sonora fue un éxito de ventas. Sin embargo, como las mismas estrellas aparecieron en ambas películas, las dos películas a menudo se compararon, generalmente en desventaja de Carousel . Thomas Hischak, en The Rodgers and Hammerstein Encyclopedia , más tarde se preguntó "si el menor número de reestrenos teatrales de Carousel es el producto de este musical [cinematográfico] a menudo torpe". [87]
También hubo una versión de televisión en cadena abreviada (100 minutos) de 1967 protagonizada por Robert Goulet , con coreografía de Edward Villella . [87] BBC Radio Theatre transmitió un concierto de Carousel en julio de 1995 protagonizado por Mandy Patinkin como Billy. [88] En 2002, Carnegie Hall presentó un concierto del musical protagonizado por Hugh Jackman y Audra McDonald como Billy y Julie, dirigido por Walter Bobbie . Otros miembros del elenco incluyeron a Jason Danieley , Judy Kaye , Lauren Ward , Norbert Leo Butz , Philip Bosco y Blythe Danner . [89]
La Filarmónica de Nueva York presentó una versión de concierto escenificada del musical del 28 de febrero al 2 de marzo de 2013 en el Avery Fisher Hall . Kelli O'Hara interpretó a Julie, con Nathan Gunn como Billy, Stephanie Blythe como Nettie, Jessie Mueller como Carrie, Danieley como Enoch, Shuler Hensley como Jigger, John Cullum como el Guardián de las Estrellas y Kate Burton como la Sra. Mullin. Tiler Peck bailó el papel de Louise con coreografía de Warren Carlyle . La producción fue dirigida por John Rando y conducida por Rob Fisher . Charles Isherwood de The New York Times escribió: "Esta es una producción de este sublime musical de Broadway de 1945 tan magníficamente cantada como jamás hayas escuchado". [90] Se transmitió como parte de la serie PBS Live from Lincoln Center , y se estrenó el 26 de abril de 2013. [91]
Rodgers diseñó Carousel para que fuera un flujo casi continuo de música, especialmente en el Acto 1. Años después, le preguntaron a Rodgers si había considerado escribir una ópera. Afirmó que había estado muy tentado de hacerlo, pero que veía Carousel en términos operísticos. Recordó: "Estuvimos muy cerca de hacer una ópera en el Teatro Majestic... Hay mucho de operístico en la música". [92]
Rodgers utiliza la música en Carousel de forma sutil para diferenciar a los personajes y contarle al público su estado emocional. [93] En "You're a Queer One, Julie Jordan", la música para la plácida Carrie se caracteriza por ritmos de corcheas uniformes , mientras que la música de la emocionalmente inquieta Julie está marcada por corcheas y semicorcheas con puntillo ; este ritmo la caracterizará durante todo el espectáculo. Cuando Billy silba un fragmento de la canción, selecciona las notas con puntillo de Julie en lugar de las de Carrie. [94] Reflejando la estrecha asociación en la música entre Julie y la aún no nacida Louise, cuando Billy canta en "Soliloquy" sobre su hija, que "tiene hambre todas las noches", utiliza los ritmos con puntillo de Julie. Dichos ritmos también caracterizan la canción del Acto 2 de Julie, "What's the Use of Wond'rin'". [95] El amor estable entre Enoch y Carrie se fortalece por la voluntad de ella de dejar que Enoch no solo planifique toda su vida, sino también la de ella. Esto se refleja en "When the Children Are Asleep", donde los dos cantan en estrecha armonía , pero Enoch interrumpe musicalmente el turno de su prometida en el coro con las palabras "Sueños que no serán interrumpidos". El biógrafo de Rodgers, Geoffrey Block , en su libro sobre el musical de Broadway, señala que aunque Billy puede golpear a su esposa, permite que sus temas musicales se conviertan en parte de él y nunca interrumpe su música. [96] Block sugiere que, por reprensibles que puedan ser Billy por sus acciones, el hecho de que Enoch exija a Carrie que actúe como "la mujercita" y que tenga nueve hijos con ella (más de los que ella había considerado aceptables en "When the Children Are Asleep") puede considerarse incluso más abusivo. [97]
La "escena del banco" de doce minutos, [98] en la que Billy y Julie se conocen y que culmina con " If I Loved You ", según Hischak, "se considera la pieza de drama musical más completamente integrada en el teatro musical estadounidense". [6] La escena está extraída casi en su totalidad de Molnár y es una pieza musical extendida; Stephen Sondheim la describió como "probablemente el momento más importante en la revolución de los musicales contemporáneos". [99] "If I Loved You" ha sido grabada muchas veces, por artistas tan diversos como Frank Sinatra , Barbra Streisand , Sammy Davis Jr. , Mario Lanza y Chad y Jeremy . [98] El tema en re bemol mayor que domina la música para el ballet del segundo acto parece una nueva melodía para muchos miembros de la audiencia. Es, sin embargo, un desarrollo muy ampliado de un tema escuchado durante "Soliloquio" en la línea "Supongo que me llamará 'El viejo'". [100]
Cuando ambos discutieron la canción que se convertiría en "Soliloquy", Rodgers improvisó al piano para darle a Hammerstein una idea de cómo imaginaba la canción. Cuando Hammerstein le presentó a su colaborador la letra después de dos semanas de trabajo (Hammerstein siempre escribía las palabras primero, luego Rodgers escribía las melodías), Rodgers escribió la música para la canción de ocho minutos en dos horas. [101] "What's the Use of Wond'rin'", una de las canciones de Julie, funcionó bien en el programa pero nunca fue tan popular en la radio o para grabaciones, y Hammerstein creía que la falta de popularidad se debía a que había concluido la línea final, "And all the rest is talk" con una consonante dura, que no le permite al cantante un clímax vocal. [101]
Irving Berlin declaró más tarde que "You'll Never Walk Alone" tuvo el mismo tipo de efecto en él que el Salmo 23. [ 102] Cuando el cantante Mel Tormé le dijo a Rodgers que "You'll Never Walk Alone" lo había hecho llorar, Rodgers asintió con impaciencia. "Se supone que debes hacerlo" . [103] La canción, grabada con frecuencia, se ha convertido en un himno ampliamente aceptado. [104] [105] La grabación del elenco de Carousel resultó popular en Liverpool, como muchos álbumes de Broadway, y en 1963, la banda manejada por Brian Epstein , Gerry and the Pacemakers, tuvo un éxito número uno con la canción. En ese momento, los diez primeros éxitos se tocaban antes de los partidos en casa del Liverpool FC ; incluso después de que "You'll Never Walk Alone" saliera del top ten, los fanáticos continuaron cantándola y se ha asociado estrechamente con el equipo de fútbol y la ciudad de Liverpool. [106] Un programa de la BBC , Soul Music , lo clasificó junto a « Silent Night » y « Abide With Me » en términos de su impacto emocional y estatus icónico. [104]
El álbum del elenco de la producción de Broadway de 1945 se publicó en 78 rpm , y la partitura se redujo significativamente, al igual que la grabación del elenco de Londres de 1950. [107] El historiador de teatro John Kenrick señala sobre la grabación de 1945 que varias canciones tuvieron que ser abreviadas para adaptarse al formato de 78 rpm, pero que hay una pequeña parte de "Soliloquy" que no se encuentra en ninguna otra grabación, ya que Rodgers la cortó de la partitura inmediatamente después de que se realizó la grabación de estudio. [108] [109]
Se cortaron varias canciones para la película de 1956, pero dos de los números eliminados se habían grabado y finalmente se conservaron en el álbum de la banda sonora. La versión ampliada en CD de la banda sonora, publicada en 2001, contiene todas las canciones grabadas para la película, incluidas las partes cortadas, y casi toda la música de baile. La grabación de la reposición del Lincoln Center de 1965 presentó a Raitt retomando el papel de Billy. Las grabaciones de estudio de las canciones de Carousel se lanzaron en 1956 (con Robert Merrill como Billy, Patrice Munsel como Julie y Florence Henderson como Carrie), 1962 y 1987. La versión de 1987 presentó una mezcla de estrellas de la ópera y los musicales, incluidos Samuel Ramey , Barbara Cook y Sarah Brightman . [107] [109] Kenrick recomienda la grabación de estudio de 1962 por su elenco sobresaliente, que incluye a Alfred Drake , Roberta Peters , Claramae Turner , Lee Venora y Norman Treigle . [108]
Tanto el álbum de Londres (1993) como el de Nueva York (1994) de la producción de Hytner contienen partes de diálogo que, según Hischak, hablan del poder de la interpretación de Billy por parte de Michael Hayden. [107] Kenrick juzga la grabación de 1994 como la mejor interpretación general de Carousel en disco, a pesar del canto desigual de Hayden, debido a Julie (Sally Murphy) y al fuerte elenco de apoyo (llamando a Audra McDonald la mejor Carrie que ha escuchado). [108] [109] El Festival de Stratford publicó una grabación en 2015. [110]
El musical recibió críticas entusiastas casi unánimes después de su estreno en 1945. Según Hischak, las críticas no fueron tan exuberantes como las de Oklahoma!, ya que los críticos no se sorprendieron esta vez. John Chapman, del Daily News, lo calificó como "una de las mejores obras musicales que he visto y la recordaré siempre". [111] El crítico del New York Times , Lewis Nichols, afirmó que "Richard Rodgers y Oscar Hammerstein 2d, que no pueden equivocarse, han seguido haciendo lo mismo al adaptar Liliom en una obra musical. Su Carousel es en general una delicia". [112] Sin embargo, Wilella Waldorf, del New York Post , se quejó: " Carousel nos pareció una velada bastante larga. La fórmula de Oklahoma! se está volviendo un poco monótona y también lo son los ballets de Miss de Mille. Está bien, ¡adelante y filme!" [111] [113] La revista Dance Magazine aplaudió a Linn por su papel como Louise, afirmando que "Bambi no aparece hasta veinte minutos antes de las once, y durante los siguientes cuarenta minutos, prácticamente tiene al público en sus manos". [44] Howard Barnes, del New York Herald Tribune, también aplaudió el baile: "Ha sido necesario esperar a que Miss de Mille apareciera con patrones de baile peculiarmente estadounidenses para que un espectáculo musical se convirtiera tanto en un espectáculo de baile como de canciones". [44]
Cuando el musical regresó a Nueva York en 1949, el crítico del New York Times Brooks Atkinson describió a Carousel como "una obra musical notablemente superior... Carousel , que fue muy bien recibida cuando se estrenó, parece nada menos que una obra maestra ahora". [114] En 1954, cuando Carousel fue revivido en City Center, Atkinson habló del musical en su reseña:
Carousel no tiene nada que comentar sobre nada de importancia actual. El tema es atemporal y universal: la devoción de dos personas que se aman en las buenas y en las malas, complicada en este caso por la personalidad caprichosa del hombre, que no puede cumplir con las responsabilidades que ha asumido. ... Billy es un vagabundo, pero Carousel reconoce la decencia de sus motivos y admira su independencia. No hay soluciones ingeniosas en Carousel . [115]
Stephen Sondheim destacó la capacidad del dúo para tomar las innovaciones de Oklahoma! y aplicarlas a un contexto serio: " Oklahoma! trata sobre un picnic, Carousel trata sobre la vida y la muerte". [116] El crítico Eric Bentley , por otro lado, escribió que "la última escena de Carousel es una impertinencia: me niego a que un guionista de comedia musical me dé lecciones sobre la educación de los niños, la naturaleza de la buena vida y la contribución de los pequeños pueblos estadounidenses a la salvación de las almas". [117]
El crítico del New York Times, Frank Rich, dijo sobre la producción londinense de 1992: "Lo que es notable sobre la dirección del Sr. Hytner, además de su fe poco ortodoxa en las virtudes de la simplicidad y la quietud, es su capacidad para hacer que una audiencia de 1992 crea en la visión de redención de Hammerstein, que dice que un pecador muerto puede regresar a la Tierra para hacer el bien divino". [118] La producción de Hytner en Nueva York fue aclamada por muchos críticos como un Carousel más valiente , que consideraron más apropiado para la década de 1990. [119] Clive Barnes del New York Post lo llamó un " Carousel definitorio : duro, imaginativo y emocionante". [119]
El crítico Michael Billington ha comentado que "líricamente [ Carousel ] se acerca peligrosamente a la aceptación de la inevitabilidad de la violencia doméstica". [120] BroadwayWorld.com afirmó en 2013 que Carousel ahora es "considerado algo controvertido en términos de sus actitudes sobre la violencia doméstica" porque Julie elige quedarse con Billy a pesar del abuso; la actriz Kelli O'Hara señaló que la violencia doméstica con la que Julie "elige lidiar es algo real, existente y muy complicado. Y explorarla es una parte importante de sanarla". [121]
Rodgers consideró a Carousel su musical favorito de todos y escribió: "me afecta profundamente cada vez que lo veo representado". [52] En 1999, la revista Time , en su lista de "Lo mejor del siglo", nombró a Carousel el mejor musical del siglo XX, escribiendo que Rodgers y Hammerstein "establecieron los estándares para el musical del siglo XX, y este espectáculo presenta su partitura más hermosa y el ejemplo más hábil y conmovedor de su narrativa musical". [122] El nieto de Hammerstein, Oscar Andrew Hammerstein, en su libro sobre su familia, sugirió que la situación de guerra hizo que el final de Carousel fuera especialmente conmovedor para sus espectadores originales: "Todo estadounidense lamentó la pérdida de un hermano, hijo, padre o amigo... la audiencia se solidarizó con los esfuerzos demasiado humanos [de Billy] por ofrecer consejos, buscar el perdón, completar una vida inacabada y despedirse apropiadamente desde el más allá". [123] El autor y compositor Ethan Mordden estuvo de acuerdo con esa perspectiva:
Si Oklahoma! desarrolló el argumento moral para enviar a los niños estadounidenses al extranjero, Carousel ofreció consuelo a aquellas esposas y madres cuyos hijos sólo regresarían en espíritu. El significado no residía en la tragedia del presente, sino en la esperanza de un futuro en el que nadie caminara solo. [124]
Nota: Los premios Tony no se establecieron hasta 1947, por lo que Carousel no fue elegible para ganar ningún Tony en su estreno. [127]
