El ballet ( en francés: [balɛ] ) es un tipo de danza escénica que se originó durante el Renacimiento italiano en el siglo XV y luego se convirtió en una forma de danza de concierto en Francia y Rusia. Desde entonces, se ha convertido en una forma de danza muy técnica y generalizada con su propio vocabulario . El ballet ha tenido influencia a nivel mundial y ha definido las técnicas fundamentales que se utilizan en muchos otros géneros y culturas de danza. Varias escuelas de todo el mundo han incorporado sus propias culturas. Como resultado, el ballet ha evolucionado de formas distintas.
Un ballet como obra unificada comprende la coreografía y la música para una producción de ballet. Los ballets son coreografiados e interpretados por bailarines de ballet entrenados. Los ballets clásicos tradicionales suelen interpretarse con acompañamiento de música clásica y utilizan vestuario y puesta en escena elaborados, mientras que los ballets modernos suelen interpretarse con vestuario sencillo y sin decorados ni escenografía elaborados.
Ballet es una palabra francesa que tiene su origen en el italiano balletto , un diminutivo de ballo (baile) que proviene del latín ballo , ballare , que significa "bailar", [1] [2] que a su vez proviene del griego "βαλλίζω" ( ballizo ), "bailar, saltar". [2] [3] La palabra entró en el uso inglés del francés alrededor de 1630.
En francés, la palabra se refiere a una representación de ballet, a una obra de ballet y posiblemente al género de danza en sí, aunque también existe la expresión danse classique para este último significado, es menos equívoca y se usa más comúnmente cuando se hace referencia al aprendizaje de esta danza.
El ballet se originó en las cortes renacentistas italianas de los siglos XV y XVI. Bajo la influencia de Catalina de Médicis como reina, se extendió a Francia, donde se desarrolló aún más. [4] Los bailarines de estos primeros ballets de la corte eran en su mayoría aficionados de la nobleza. Los trajes ornamentados tenían como objetivo impresionar a los espectadores, pero restringían la libertad de movimiento de los intérpretes. [5]
Los ballets se representaban en grandes salas con espectadores en tres de sus lados. La implementación del arco de proscenio a partir de 1618 distanció a los intérpretes del público, que podía ver y apreciar mejor las proezas técnicas de los bailarines profesionales en las producciones. [6] [7]
El ballet de la corte francesa alcanzó su apogeo bajo el reinado de Luis XIV . En 1661, Luis fundó la Académie Royale de Danse (Real Academia de Danza) para establecer estándares y certificar a los instructores de danza. [8] En 1672, Luis XIV nombró a Jean-Baptiste Lully director de la Académie Royale de Musique ( Ópera de París ), de donde surgió la primera compañía de ballet profesional , el Ballet de la Ópera de París . [9] Pierre Beauchamp fue el maestro de ballet de Lully . Su asociación influiría drásticamente en el desarrollo del ballet, como lo demuestra el crédito que se les dio por la creación de las cinco posiciones principales de los pies. En 1681, las primeras "bailarinas" subieron al escenario después de años de entrenamiento en la Académie. [5]
El ballet comenzó a declinar en Francia después de 1830, pero continuó desarrollándose en Dinamarca, Italia y Rusia. La llegada a Europa de los Ballets Rusos dirigidos por Sergei Diaghilev en vísperas de la Primera Guerra Mundial reavivó el interés por el ballet e inició la era moderna. [10]
En el siglo XX, el ballet tuvo una amplia influencia en otros géneros de danza, [11] También en el siglo XX, el ballet dio un giro dividiéndolo desde el ballet clásico hasta la introducción de la danza moderna , dando lugar a movimientos modernistas en varios países. [12]
Entre los bailarines famosos del siglo XX se incluyen Anna Pavlova , Galina Ulanova , Rudolf Nureyev , Maya Plisetskaya , Margot Fonteyn , Rosella Hightower , Maria Tall Chief , Erik Bruhn , Mikhail Baryshnikov , Suzanne Farrell , Gelsey Kirkland , Natalia Makarova , Arthur Mitchell y Jeanne Devereaux . [13]
Las variaciones estilísticas y los subgéneros han evolucionado con el tiempo. Las primeras variaciones clásicas se asocian principalmente con el origen geográfico. Ejemplos de esto son el ballet ruso , el ballet francés y el ballet italiano . Las variaciones posteriores, como el ballet contemporáneo y el ballet neoclásico, incorporan tanto ballet clásico como técnica y movimiento no tradicionales. Quizás el estilo de ballet más conocido y representado es el ballet romántico tardío (o Ballet blanc ). [14]
El ballet clásico se basa en la técnica y el vocabulario del ballet tradicional . [15] Han surgido diferentes estilos en diferentes países, como el ballet francés , el ballet italiano , el ballet inglés y el ballet ruso . [16] Varios de los estilos de ballet clásico están asociados con métodos de entrenamiento específicos, generalmente nombrados en honor a sus creadores (ver más abajo). El método de la Royal Academy of Dance es un sistema de entrenamiento y técnica de ballet que fue fundado por un grupo diverso de bailarines de ballet. Fusionaron sus respectivos métodos de baile (italiano, francés, danés y ruso) para crear un nuevo estilo de ballet que es exclusivo de la organización y es reconocido internacionalmente como el estilo inglés de ballet. [10] Algunos ejemplos de producciones de ballet clásico son: El lago de los cisnes , La bella durmiente y El cascanueces .
El ballet romántico fue un movimiento artístico del ballet clásico y varias producciones permanecen en el repertorio clásico actual. La era romántica estuvo marcada por el surgimiento del trabajo en puntas , el predominio de bailarinas y tutús más largos y fluidos que intentan ejemplificar la suavidad y un aura delicada. [5] Este movimiento ocurrió durante la primera mitad del siglo XIX (la era romántica ) y presentó temas que enfatizaban la emoción intensa como fuente de experiencia estética . Las tramas de muchos ballets románticos giraban en torno a mujeres espirituales (sílfides, wilis y fantasmas) que esclavizaban los corazones y los sentidos de los hombres mortales. El ballet La Sylphide de 1827 es ampliamente considerado como el primero, y el ballet Coppélia de 1870 se considera el último. [4] Los bailarines de ballet famosos de la era romántica incluyen a Marie Taglioni , Fanny Elssler y Jules Perrot . Jules Perrot también es conocido por sus coreografías, especialmente la de Giselle , a menudo considerada como el ballet romántico más celebrado. [5]
El ballet neoclásico suele ser abstracto, sin una trama, vestuario o escenografía claros. La elección musical puede ser diversa y a menudo incluirá música que también es neoclásica (por ejemplo, Stravinsky , Roussel ). Tim Scholl, autor de From Petipa to Balanchine , considera que Apollo de George Balanchine en 1928 fue el primer ballet neoclásico. Apollo representó un regreso a la forma en respuesta a los ballets abstractos de Sergei Diaghilev . Balanchine trabajó con la coreógrafa de danza moderna Martha Graham e incorporó a bailarines modernos a su compañía, como Paul Taylor , quien en 1959 actuó en Episodes de Balanchine . [17]
Aunque Balanchine es considerado el rostro del ballet neoclásico, hubo otros que hicieron contribuciones significativas. Las Variaciones sinfónicas de Frederick Ashton (1946) son una obra seminal para el coreógrafo. Con la partitura de César Franck del mismo título, es una interpretación puramente dancística de la partitura. [5]
Otra forma, el ballet moderno , también surgió como una rama del neoclasicismo. Entre los innovadores de esta forma se encontraban Glen Tetley , Robert Joffrey y Gerald Arpino . Si bien es difícil distinguir el ballet moderno del neoclasicismo, el trabajo de estos coreógrafos favorecía un mayor atletismo que se alejaba de la delicadeza del ballet. La fisicalidad era más atrevida, con un estado de ánimo, un tema y una música más intensos. Un ejemplo de esto sería Astarte (1967) de Joffrey, que presentaba una banda sonora de rock y matices sexuales en la coreografía. [10]
Este estilo de ballet se suele realizar descalzo. Los ballets contemporáneos pueden incluir pantomima y actuación , y suelen estar acompañados de música (normalmente orquestal, pero en ocasiones vocal). Puede resultar difícil diferenciar esta forma del ballet neoclásico o moderno. El ballet contemporáneo también se parece a la danza contemporánea porque muchos conceptos del ballet contemporáneo proceden de las ideas e innovaciones de la danza moderna del siglo XX, como el trabajo de suelo y el giro de las piernas. La principal distinción es que la técnica del ballet es esencial para realizar un ballet contemporáneo.
Se considera que George Balanchine fue un pionero del ballet contemporáneo. Otra coreógrafa de ballet contemporáneo, Twyla Tharp , coreografió Push Comes To Shove para el American Ballet Theatre en 1976, y en 1986 creó In The Upper Room para su propia compañía. Ambas piezas se consideraron innovadoras por su combinación de movimientos claramente modernos con el uso de zapatillas de punta y bailarines de formación clásica.
En la actualidad existen numerosas compañías y coreógrafos de ballet contemporáneo, entre los que se encuentran Alonzo King y su compañía LINES Ballet ; Matthew Bourne y su compañía New Adventures ; Complexions Contemporary Ballet ; Nacho Duato y su Compañía Nacional de Danza ; William Forsythe y The Forsythe Company ; y Jiří Kylián del Nederlands Dans Theater . Compañías tradicionalmente "clásicas", como el Ballet Mariinsky (Kirov) y el Ballet de la Ópera de París, también interpretan regularmente obras contemporáneas.
El término ballet ha evolucionado para incluir todas las formas asociadas con él. Ahora se espera que alguien que se esté formando como bailarín de ballet interprete piezas neoclásicas, modernas y contemporáneas. Se espera que un bailarín de ballet pueda ser majestuoso y regio para las piezas clásicas, libre y lírico para las piezas neoclásicas, y modesto, duro o pedestre para las piezas modernas y contemporáneas. Además, existen varias variedades modernas de danza que fusionan la técnica del ballet clásico con la danza contemporánea, como Hiplet , que requieren que los bailarines practiquen estilos de danza no occidentales. [18]
Existen seis métodos ampliamente utilizados y reconocidos internacionalmente para enseñar o estudiar ballet. Estos métodos son la Escuela Francesa , el Método Vaganova , el Método Cecchetti , el Método Bournonville , el Método de la Royal Academy of Dance (estilo inglés) y el Método Balanchine (estilo americano). [19] [20] Existen muchas más escuelas técnicas en varios países.
Aunque los niños en edad preescolar son una fuente lucrativa de ingresos para un estudio de ballet, la instrucción de ballet por lo general no es apropiada para niños pequeños. [21] [ verificación fallida ] La instrucción inicial requiere permanecer de pie y concentrarse en la postura, en lugar de bailar. Debido a esto, muchos programas de ballet históricamente no han aceptado estudiantes hasta aproximadamente los 8 años. Se recomiendan como alternativas para los niños el movimiento creativo y las clases previas al ballet no exigentes. [22] [23]
El método francés es la base de todo el entrenamiento del ballet. Cuando Luis XIV creó la Académie Royale de Danse en 1661, ayudó a crear la técnica codificada que todavía hoy utilizan los profesionales, independientemente del método de entrenamiento que sigan. La escuela francesa se revitalizó especialmente bajo Rudolf Nureyev , en la década de 1980. Su influencia revitalizó y renovó la apreciación por este estilo, y ha dado forma drásticamente al ballet en su conjunto. [24] De hecho, ahora a la escuela francesa se la conoce a veces como escuela de Nureyev. El método francés a menudo se caracteriza por la precisión técnica, la fluidez y la gracia, y las líneas elegantes y limpias. Para este estilo, a menudo se utiliza un juego de pies rápido para dar la impresión de que los intérpretes se desplazan ligeramente por el escenario. [25] Dos marcas registradas importantes de esta técnica son la forma específica en que se realizan el port de bras y el épaulement, más redondos que cuando se baila al estilo ruso, pero no tan redondos como el estilo danés. [26]
El método Vaganova es un estilo de entrenamiento de ballet que surgió del ballet ruso , creado por Agrippina Vaganova . Después de retirarse de la danza en 1916, Vaganova se dedicó a la enseñanza en la Escuela Coreográfica de Leningrado en 1921. Su método de entrenamiento ahora es reconocido internacionalmente y su libro, Los fundamentos de la danza clásica (1934), es una referencia clásica. Este método está marcado por la fusión del estilo clásico francés, específicamente elementos de la era romántica, con el atletismo del método italiano y la pasión conmovedora del ballet ruso. [25] Desarrolló un método de instrucción extremadamente preciso en su libro Principios básicos de la danza clásica rusa (1948). [27] Esto incluye delinear cuándo enseñar componentes técnicos a los estudiantes en sus carreras de ballet, durante cuánto tiempo concentrarse en ellos y la cantidad adecuada de enfoque en cada etapa de la carrera del estudiante. Estos libros de texto continúan siendo extremadamente importantes para la instrucción del ballet en la actualidad.
El método enfatiza el desarrollo de la fuerza, la flexibilidad y la resistencia para la ejecución adecuada del ballet. Ella defendía la creencia de que se debe dar la misma importancia a los brazos y las piernas durante la ejecución del ballet, ya que esto aportará armonía y mayor expresión al cuerpo en su conjunto. [28]
Este método, desarrollado por Enrico Cecchetti (1850-1928), es conocido internacionalmente por su gran dependencia de la comprensión de la anatomía en relación con el ballet clásico. El objetivo de este método es inculcar características importantes para la interpretación del ballet en los estudiantes, de modo que no tengan que depender de imitaciones de los profesores. Los componentes importantes de este método son el énfasis en el equilibrio, las elevaciones, el equilibrio , el aplomo y la fuerza. [29]
Este método defiende la importancia de reconocer que todas las partes del cuerpo se mueven juntas para crear líneas hermosas y elegantes y, como tal, advierte contra pensar en el ballet en términos de brazos, piernas, cuello y torso como partes separadas. Este método es bien conocido por los ocho port de bras que se utilizan. [25]
El método Bournonville es un método danés ideado por primera vez por August Bournonville . Bournonville estuvo muy influenciado por el método de ballet francés temprano debido a su formación con su padre, Antoine Bournonville y otros importantes maestros de ballet franceses. Este método tiene muchas diferencias de estilo que lo diferencian de otros métodos de ballet que se enseñan en la actualidad. [30] Un componente clave es el uso de épaulements diagonales, con la parte superior del cuerpo girando hacia el pie de trabajo típicamente. Este método también incorpora un uso muy básico de los brazos, piruetas desde una posición de développé baja a seconde y el uso de bras en bas en quinta posición para el comienzo y el final de los movimientos.
El método Bournonville produce bailarines que poseen un hermoso globo ("la ilusión de una levedad imponderable" [31] ).
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El método de la Royal Academy of Dance , también conocido como el estilo inglés de ballet, fue establecido en 1920 por Genee, Karsavina, Bedells, E Espinosa y Richardson. El objetivo de este método es promover la formación académica en ballet clásico en toda Gran Bretaña. Este estilo también se extendió a los Estados Unidos y todavía se utiliza ampliamente en la actualidad. Hay niveles de grado específicos por los que un estudiante debe pasar para completar la formación en este método. [32] [33] El principio clave detrás de este método de instrucción es que la técnica básica del ballet debe enseñarse a un ritmo lento, con una progresión de dificultad a menudo mucho más lenta que el resto de los métodos. La idea detrás de esto es que si un estudiante debe poner una gran cantidad de esfuerzo en perfeccionar los pasos básicos, la técnica aprendida en estos pasos le permite al estudiante utilizar los más difíciles a un ritmo mucho más fácil. [25]
Desarrollado por George Balanchine en el New York City Ballet . Su método se basa en gran medida en su propia formación como bailarín en Rusia. La técnica es conocida por su extrema velocidad a lo largo de las rutinas, el énfasis en las líneas y los pliés profundos. Quizás una de las diferencias más conocidas de este estilo es la posición poco ortodoxa del cuerpo. [25] Los bailarines de este estilo a menudo tienen las manos e incluso los pies flexionados, y se colocan en posiciones desequilibradas. Los estudios de ballet importantes que enseñan este método son el Miami City Ballet , la compañía Ballet Chicago Studio y la School of American Ballet en Nueva York. [34]
Los trajes de ballet desempeñan un papel importante en la comunidad del ballet. A menudo son el único vestigio de una producción y representan una imagen imaginaria y viva de la escena. [35]
Las raíces del ballet se remontan al Renacimiento en Francia e Italia, cuando la indumentaria de la corte fue el comienzo de los trajes de ballet. Los trajes de ballet han existido desde principios del siglo XV. El algodón y la seda se mezclaban con lino y se tejían en una gasa semitransparente [35] para crear exquisitos trajes de ballet.
Durante el siglo XVII se utilizaron distintos tipos de tejidos y diseños para hacer los trajes más espectaculares y llamativos. El vestido de corte siguió siendo el de las mujeres durante este siglo. Las sedas, los satenes y los tejidos bordados con oro auténtico y piedras preciosas aumentaron el nivel de espectacularidad de la decoración asociada a los trajes de ballet. [35] Los trajes de las mujeres también consistían en prendas pesadas y faldas hasta la rodilla, lo que les dificultaba crear mucho movimiento y gestos.
Durante el siglo XVIII, el vestuario teatral era muy similar al de la corte, pero fue evolucionando con el tiempo, sobre todo gracias al bailarín y maestro de ballet francés Jean-Georges Noverre (1727-1810), cuyas propuestas para modernizar el ballet están contenidas en su revolucionaria Lettres sur la danse et les ballets (1760). El libro de Noverre modificó el énfasis de la producción, que pasó del vestuario a los movimientos físicos y las emociones de los bailarines.
El ballet europeo se centró en la Ópera de París . [35] Durante esta época, las faldas se elevaban unos centímetros del suelo. Las flores, los volantes, las cintas y el encaje enfatizaban este estilo femenino opulento, mientras que los tonos pastel suaves en cidra, melocotón, rosa y pistacho dominaban la gama de colores. [35]
A principios del siglo XIX se utilizaban trajes ajustados al cuerpo, coronas de flores, ramilletes y joyas. Los ideales del Romanticismo se reflejaban en los movimientos femeninos. [35]
Los trajes se volvieron mucho más ajustados a medida que se empezaron a utilizar los corsés para resaltar las curvas de las bailarinas. Las joyas y los trajes deslumbrantes se hicieron mucho más populares.
Durante el siglo XX, los trajes de ballet volvieron a estar influenciados por el ballet ruso. Las faldas de bailarina se convirtieron en tutús hasta la rodilla, más tarde para mostrar su preciso trabajo en punta. Los colores utilizados en los trajes de escenario también se volvieron mucho más vibrantes. Los diseñadores utilizaron colores como el rojo, el naranja, el amarillo, etc. para crear expresión visual cuando las bailarinas de ballet actúan en el escenario.
Los bailarines profesionales generalmente no están bien pagados y ganan menos dinero que un trabajador típico. [36] En 2020, a los bailarines estadounidenses (incluidos los de ballet y otras formas de danza) se les pagaba un promedio de 19 dólares estadounidenses por hora, y los salarios de los profesores eran algo mejores que los de los artistas. [36]
Las perspectivas laborales no son muy buenas y la competencia para conseguir un trabajo es intensa, con un número de solicitantes que supera ampliamente el número de vacantes. [36] La mayoría de los trabajos implican enseñar en escuelas de danza privadas . [36]
A los coreógrafos se les paga mejor que a los bailarines. [36] A los músicos y cantantes se les paga mejor por hora que a los bailarines o coreógrafos, alrededor de 30 dólares por hora; sin embargo, el trabajo a tiempo completo es inusual para los músicos. [37]
Las bailarinas de ballet adolescentes son propensas a sufrir fracturas por estrés en la primera costilla . [38] El síndrome de pinzamiento posterior del tobillo (PAIS) afecta más comúnmente a las personas que realizan flexiones plantares repetitivas , como los bailarines de ballet. [39] Se cree que los trastornos alimentarios son comunes, y un metaanálisis de 2014 sugiere que los estudios indican que los bailarines de ballet tienen un riesgo mayor que la población general de sufrir varios tipos de trastornos alimentarios. [40] Además, algunos investigadores han notado que el entrenamiento intensivo en ballet da como resultado una menor densidad mineral ósea en los brazos. [41]
La mayoría de las coreografías de ballet están escritas de tal manera que sólo pueden ser interpretadas por bailarines relativamente jóvenes. [42] La estructura del ballet, en la que un coreógrafo o director (generalmente) masculino utiliza (en su mayoría) cuerpos de mujeres para expresar su visión artística, ha sido criticada por perjudicar a las mujeres. [ ¿Por quién? ] [43]
a partir de esta institución que surgió el ballet francés, más que de la Academia Real de Danza.
