La autenticidad en el arte se manifiesta en las diferentes formas en que una obra de arte , o una actuación artística, puede considerarse auténtica . [1] La distinción inicial es entre autenticidad nominal y autenticidad expresiva . En el primer sentido, la autenticidad nominal es la identificación correcta del autor de una obra de arte; de qué tan cerca un actor o una actriz interpreta un papel en una obra de teatro tal como fue escrito por el dramaturgo; de qué tan bien la interpretación de una composición artística por parte de un músico se corresponde con la intención del compositor; y qué tan cerca un objeto de arte se ajusta a las tradiciones artísticas de su género. En el segundo sentido, la autenticidad expresiva es qué tanto la obra de arte posee autoridad inherente de y sobre su tema, y qué tanto de la intención del artista está en la obra de arte. [2]
Para el espectador, el oyente y el observador, la autenticidad de la experiencia es una emoción imposible de recuperar más allá del primer encuentro con la obra de arte en su entorno original. En los casos de la escultura y la pintura , el visitante contemporáneo de un museo se encuentra con la obra de arte expuesta en un simulacro del entorno original para el que el artista creó la obra de arte. Con ese fin, el visitante del museo verá una presentación curada de la obra de arte como un objeto de arte , y podría no percibir la experiencia estética inherente a observar la obra de arte en su entorno original: la intención del artista. [3]
La autenticidad artística es un requisito para la inscripción de una obra de arte en la Lista del Patrimonio Mundial de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura ( UNESCO ); [4] el Documento de Nara sobre Autenticidad (1994) estipula que la autenticidad artística puede expresarse a través de la forma y el diseño; los materiales y la sustancia; el uso y la función; las tradiciones y las técnicas; la ubicación y el entorno; y el espíritu y el sentimiento de la obra de arte en cuestión. [5] [6]
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La autenticidad de procedencia de un objeto de arte es la identificación positiva del artista y del lugar y tiempo de origen de la obra de arte; [7] así, los expertos en arte determinan la autenticidad de procedencia con cuatro pruebas: (i) verificación de la firma del artista en la obra de arte; (ii) una revisión de la documentación histórica que da fe de la historia del artefacto; (iii) evidencia científica (radiografías del lienzo, espectroscopia infrarroja de la pintura, análisis dendrocronológico de la madera); y (iv) el juicio experto de un conocedor con un ojo entrenado. [8]
En Sinceridad y autenticidad (1972), el crítico literario Lionel Trilling dijo que la cuestión de la autenticidad de la procedencia había adquirido una dimensión profundamente moral, que independientemente de la condición física y la apariencia, la calidad de la mano de obra de una obra de arte, es de gran importancia saber si un jarrón Ming es auténtico o una falsificación artística inteligente . [9] La preocupación por la autenticidad de la procedencia de una obra de arte es históricamente reciente y particular del materialismo occidental; en el mundo oriental, es la obra de arte, en sí misma, lo que es importante; la identidad del artista y la procedencia de la obra de arte son consideraciones secundarias. [10]
Como consecuencia de una carrera truncada por la crítica, el pintor Han van Meegeren (1889-1947) se ganó la vida como falsificador de arte , produciendo específicamente pinturas falsas de artistas del siglo XVII, como Frans Hals (1582-1666) y Pieter de Hooch (1629-1684), Gerard ter Borch (1617-1681) y Johannes Vermeer (1632-1675). Van Meegeren produjo pinturas magistrales que engañaron a los críticos y expertos en arte, quienes luego aceptaron y aclamaron las falsificaciones como auténticas obras maestras, especialmente la Cena de Emaús (1937), pintura aceptada como un verdadero Vermeer por expertos, como Abraham Bredius .
En el caso de que, para sobrevivir a la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), van Meegeren vendiera falsificaciones a los ocupantes nazis de los Países Bajos (1940-1945). En el ajuste de cuentas posterior a la guerra entre la nación, las autoridades holandesas arrestaron a van Meegeren como colaborador nazi que había vendido tesoros nacionales al enemigo alemán. Para evitar la muerte de un traidor, el pintor van Meegeren demostró sus habilidades técnicas como falsificador de pinturas de los Viejos Maestros , para demostrar que vendió pinturas falsificadas a los nazis. [11]
Para protegerse de comprar involuntariamente una obra de arte falsificada, los vendedores y compradores utilizan un certificado de autenticidad como prueba documental de que una obra de arte es la creación genuina del artista identificado como el autor de la obra; sin embargo, hay mucho negocio en certificados de autenticidad falsificados, que determinan el valor monetario de una obra de arte. [12] La falta de autenticidad de una pintura falsificada se descubre con evidencia documental de la historia del arte y con evidencia forense obtenida de las técnicas de conservación de arte , [13] como la datación cronológica , para establecer la autenticidad de la procedencia de las pinturas de los Viejos Maestros. [14] [15] El valor monetario potencial representado por un certificado de autenticidad puede predisponer a los coleccionistas y comerciantes de arte a comprar obras de arte de períodos recientes con procedencia determinada, a veces establecida por el artista. [16]
El interés crítico por una falsificación como obra de arte es poco frecuente; [17] sin embargo, en el ensayo “La falsificación perfecta” (1961), la crítica de arquitectura y arte Aline B. Saarinen preguntó qué: “Si una falsificación es tan experta, que incluso después del examen más minucioso y confiable, su autenticidad aún está abierta a dudas, ¿es o no una obra de arte tan satisfactoria como si fuera inequívocamente genuina?” [18] En El acto de la creación (1964), Arthur Koestler coincidió con la propuesta de Saarinen de “la falsificación como arte”, y dijo que si una falsificación encaja en el cuerpo de trabajo de un artista, y si la falsificación produce el mismo placer estético que las obras de arte auténticas, entonces el arte falsificado debería incluirse en las exhibiciones de las obras del artista plagiado. [19]
En el mundo del arte, el valor artístico de una falsificación bien ejecutada es irrelevante para un curador preocupado por la autenticidad de la procedencia de la obra de arte original [20] —especialmente porque establecer formalmente la procedencia de una obra de arte es una cuestión de posibilidad y probabilidad, rara vez de certeza, a menos que el artista dé fe de la autenticidad de la obra de arte. [21] Sin embargo, para la comunidad artística, una falsificación sigue siendo una falsificación, independientemente de la excelente ejecución artística de la falsificación en sí, independientemente del talento artístico del falsificador, e independientemente de los elogios de la crítica cuando los críticos y el público creyeron que la falsificación era arte auténtico. [17]
La impresión en relieve es una forma de reproducción mecánica del arte; por lo tanto, (i) un artista creó un dibujo; (ii) un artesano utilizó el dibujo para crear un bloque de xilografía para la impresión en relieve, destruyendo generalmente la obra de arte original al cortar el dibujo en el bloque de madera; y (iii) el bloque de xilografía, en sí, se descartó cuando se desgastó para realizar copias del dibujo para la impresión en relieve. De ese proceso de tres pasos para la producción de arte, las copias impresas del dibujo original son el producto final de la creación artística, pero no existe ninguna obra de arte auténtica; las copias artísticas no tienen autenticidad de procedencia. [23]
En el ensayo “ La obra de arte en la era de su reproductibilidad técnica ” (1935), Walter Benjamin analiza los medios visuales de la fotografía y la cinematografía, que eran entonces nuevos , como máquinas capaces de producir arte que puede reproducirse muchas veces, aunque ninguna versión de la imagen es la imagen original, artísticamente auténtica. Como medios visuales que reproducen –pero no crean– imágenes originales, la fotografía y el cine cambian el concepto de autenticidad artística del “arte como ritual” al “arte como política”, y así hacen que las obras de arte sean accesibles a la población en general, en lugar de sólo al aficionado. [24]
Una extensión contemporánea de las observaciones de Benjamin es la autenticidad perpetua de la escultura Sunbather (1971), del artista Duane Hanson (1925-1996), quien dio permiso a los conservadores de la escultura de tamaño natural (una mujer tomando sol mientras está reclinada en una tumbona ) para reemplazar partes de la escultura (gorra, traje de baño, toalla, etc.) que se descoloraron y desgastaron. [25] Asimismo, a la luz de la producción artística y las capacidades de reproducción mecánica de las computadoras e Internet, el artista multimedia Julian H. Scaff dijo que la autenticidad de la procedencia de una imagen digital (pintura, fotografía fija, fotograma de cine) no se puede determinar, porque una obra de arte digital generalmente existe en más de una versión, y cada versión no es creada, sino escrita por un artista digital diferente con una perspectiva diferente de lo que es arte. [26]
La autenticidad de la experiencia sólo está disponible para el espectador que experimenta una obra de arte en el contexto original para el que el artista creó el artefacto. En otro contexto, la autenticidad de la experiencia (propósito, tiempo, lugar) es imposible; por lo tanto, en el mundo occidental, la exhibición del museo es una aproximación (literal, metafórica) del contexto original para el que el artista creó la obra de arte. La exposición aislada en un museo disminuye la experiencia estética de una obra de arte, aunque el espectador verá la obra de arte. La falta del contexto original (lugar, tiempo, propósito) limita la apreciación estética más que la experiencia de la obra de arte en el contexto original, donde el arte y el entorno son la intención estética del artista.
Reconociendo que la autenticidad de la experiencia es única e irrecuperable, el curador de un museo presenta obras de arte en exhibiciones literales y metafóricas que se aproximan a los entornos originales para los que los artistas crearon las obras de arte. Realizadas con artificio e iluminación, las exhibiciones del museo brindan al espectador una experiencia sensorial de las obras de arte. [3] En esa línea comercial, el negocio de los viajes vende “la experiencia del arte” como un facsímil de la autenticidad de la experiencia del arte. El turista consume “cultura” al asistir a una ópera en La Scala , un teatro de ópera del siglo XVIII en Milán . El público natural, aficionados informados a la ópera, pierde interés y deja de asistir regularmente, pero el teatro de ópera es un negocio y continúa presentando espectáculos para aficionados a la cultura y para turistas que, tal vez, comprenden la ópera, el arte que se está experimentando. De la misma manera, para ganarse la vida como artistas, los bailarines de las islas del Pacífico presentan su “cultura de las islas del Pacífico” como entretenimiento y edificación para los turistas. Aunque las representaciones de la cultura nativa de las islas del Pacífico pueden ser nominalmente arte auténtico, en el sentido de ser fieles a la cultura original, la autenticidad de la experiencia del arte es cuestionable. [2]
La autenticidad de la procedencia establece la existencia material de la obra de arte; la identidad del artista; y cuándo y dónde el artista creó la obra de arte. La autenticidad cultural —género y estilo artístico— se refiere a si una obra de arte es o no una expresión genuina de la tradición artística. La preocupación por la autenticidad cultural de una obra de arte generalmente se origina en el romanticismo sobre el mayor valor artístico de los artefactos creados en “la tradición pura” del género; esa perspectiva idealista generalmente deriva del nacionalismo , el racismo y el tribalismo , y de malentendidos de la estética . [27]
Una obra de arte es auténtica cuando se ejecuta en el estilo, con los materiales y mediante el proceso de producción que son atributos esenciales del género. La autenticidad cultural deriva de las tradiciones artísticas creadas por los artistas del grupo étnico. Una obra de arte de género es auténtica solo si la crea un artista del grupo étnico; por lo tanto, solo los inuit pueden crear arte inuit auténtico . La perspectiva filosófica y sociológica de la autenticidad de la expresión es lo que protege a los artistas de los robos de arte inherentes y consecuentes a la apropiación cultural ; no obstante, en el ensayo “Raza, etnicidad, autenticidad expresiva: ¿pueden los blancos cantar blues?”, Joel Rudinow discrepó y defendió la apropiación cultural, y dijo que tal protección de la autenticidad cultural es una forma de racismo. [28]
En Occidente, el mercado del “ arte primitivo ” surgió y se desarrolló a finales del siglo XIX, como consecuencia de los encuentros y el comercio entre los exploradores y colonizadores europeos y los grupos culturales y étnicos de África, Asia y Oceanía. En el plano artístico, los pueblos nativos que trataban con los exploradores y colonizadores incorporaron rápidamente a su producción artística nuevos materiales de Europa, como telas y cuentas de vidrio. Sin embargo, los coleccionistas y comerciantes de arte europeos no compraban arte primitivo “no auténtico”, realizado con técnicas mixtas y con materiales nativos y europeos. Para superar la resistencia al arte primitivo no auténtico, los comerciantes de arte produjeron artefactos, hechos con materiales locales, que los occidentales aceptarían y comprarían como arte nativo auténtico. [29]
El modelo comercial de producción artística del siglo XIX sigue siendo la práctica contemporánea de vender objetos de arte auténticos a coleccionistas y aficionados occidentales. Por lo general, los artefactos están diseñados y modificados para dar la impresión de poseer atributos populares y procedencia auténtica, como uso religioso-ritual, antigüedad y asociación con la aristocracia y la realeza. [30] En el siglo XX, durante la década de 1940, los artistas haitianos crearon reproducciones comerciales de “imágenes vudú” que les proporcionaban empresarios extranjeros, para venderlas como “arte vudú auténtico”. Para los artistas haitianos, las representaciones extranjeras de la cultura artística haitiana, por las que se les pagaba, demostraban el robo de arte inherente a la apropiación cultural y cómo los extranjeros blancos realmente veían el arte vudú haitiano como una mercancía comercial , y no como arte religioso. [31]
Para distinguir una obra de arte de un artefacto rudimentario hecho para turistas, los coleccionistas de arte consideran que una obra de arte es artísticamente auténtica cuando cumple con los estándares reconocidos de producción artística (diseño, materiales, fabricación) para un propósito original. En las Islas Filipinas, a lo largo de su historia, el pueblo igorot ha utilizado figurillas de madera tallada bulul para proteger la cosecha de arroz; el bulul es una representación muy estilizada de un antepasado que obtiene poder de la presencia de un espíritu ancestral. [32]
Aunque todavía se utilizan en ceremonias tradicionales, los igorrotes producen ahora figuritas de bulul de recuerdo para los turistas, un propósito secundario que no devalúa el bulul como arte. Dentro de la cultura, una familia igorrote puede utilizar un bulul de recuerdo como adecuado y aceptable para ceremonias tradicionales, lo que le otorga al bulul de recuerdo una autenticidad artística y cultural que de otro modo no tendría. [2] Desde esa perspectiva, las “máscaras y esculturas tribales” que se utilizan realmente en ceremonias religiosas tienen un mayor valor comercial, especialmente si la autenticidad de la procedencia determina que un artista nativo creó el artefacto utilizando diseños, materiales y técnicas de producción tradicionales. Esta sobrevaloración occidental del arte nativo se basa en que el artefacto es un ejemplo auténtico de una tradición o estilo de arte practicado por un pueblo primitivo. [33]
La evolución artística del pueblo cimarrón de la Guayana Francesa muestra que los estilos artísticos contemporáneos se desarrollaron a través de la interacción del arte y el comercio, entre artistas y empresarios del arte. La larga historia y las fuertes tradiciones del arte cimarrón son notables en las formas de decoración de objetos cotidianos, como remos de barco y contraventanas, arte de propósito enteramente estético. Para vender obras de arte cimarrones, los coleccionistas de arte europeos asignaron simbolismo al "arte nativo" que vendían en los mercados de arte, a coleccionistas y museos; una procedencia específica. A pesar de la mutua falta de comunicación entre artistas y empresarios sobre el propósito, el valor y el precio de las obras de arte, los artistas cimarrones utilizaron el lenguaje semiótico europeo para asignar significados simbólicos a sus obras de arte nativo y ganarse la vida; sin embargo, los jóvenes artistas cimarrones podrían creer erróneamente que el simbolismo (comercial) deriva de tradiciones ancestrales, en lugar del negocio del arte. [34]
La autenticidad de la expresión se deriva de que la obra de arte posee la autoridad original e inherente de la intención del artista, es decir, que la obra es un producto original de expresión estética. En la interpretación musical, la autenticidad de la expresión puede entrar en conflicto con la autenticidad de la interpretación cuando la interpretación del músico o cantante es fiel a su arte y no es una imitación de otro artista. [2] La mayor popularidad del intérprete, en lugar del compositor de la canción y la música, es un desarrollo históricamente reciente que refleja el mayor interés del público en la autenticidad expresiva de músicos carismáticos que poseen un estilo artístico distintivo. [35]
En los campos del arte y de la estética, el término autenticidad expresiva deriva del término psicológico Autenticidad , tal como se utiliza en la filosofía existencial , en relación con la salud mental como el autoconocimiento de una persona sobre su relación con el mundo real. [36] En esa línea, la producción artística de los expresionistas abstractos , como Jackson Pollock (1912-1956), Arshile Gorky (1904-1948) y Willem de Kooning (1904-1997), se ha entendido en términos existencialistas sobre la relación de los artistas con y hacia el mundo; del mismo modo, el arte cinematográfico de los cinéfilos Jean-Luc Godard e Ingmar Bergman (1904-1997). [37]
La autenticidad expresiva se deriva de la autenticidad del estilo y la tradición del artista, por lo que la apropiación de la voz por parte de un extraño no está permitida porque el grupo cultural ya tiene artistas nativos que producen arte auténtico. [38] En el negocio de la música estadounidense, el género hip hop originalmente era arte musical creado por personas negras pobres para abordar su descontento sobre la pobreza, la ignorancia y el racismo que se les imponía en la sociedad estadounidense. Los artistas debaten si la transición rentable del hip hop desde la clandestinidad artística al mainstream comercial ha anulado la autenticidad de la expresión de la música. [39] En “Authenticity Within Hip Hop and Other Cultures Threatened with Assimilation”, el académico Kembrew McLeod dijo que la autenticidad cultural del hip hop está amenazada por la asimilación en el negocio de la música, donde el comercialismo reemplaza la autenticidad expresiva. [40]
En el teatro y en la música, los intérpretes (actores, actrices, músicos) son responsables de realizar una representación de la respectiva obra de arte, una obra de teatro , un concierto musical . En una representación históricamente informada de una obra de Shakespeare , los personajes femeninos serían interpretados por actores, no actrices, como era la costumbre en la era isabelina (1558-1603) y el diálogo sería enunciado y pronunciado en el estilo de habla isabelino. [2] En una representación históricamente informada , los actores y los músicos replican el período de tiempo de la obra de arte que están interpretando, generalmente a través de un lenguaje y vestuario correctos para la época y estilos de interpretación e instrumentos musicales. Los músicos considerarían no auténtica cualquier interpretación del concierto para piano de Elvira Madigan que la pianista tocara en un piano de cola contemporáneo , un instrumento desconocido para el compositor WA Mozart (1756-1791). [2]
El género del criptoarte se hizo factible con las redes blockchain de computadoras (por ejemplo, Bitcoin ), tecnología cibernética que permite a los criptoartistas crear arte digital para la venta y para coleccionar. [41] Artistas, como Mike Winkelmann (también conocido como Beeple), utilizan la tecnología blockchain para autenticar una obra de arte y establecer la procedencia con un archivo digital vinculado permanentemente al criptoartista que produjo el artefacto; [42] sin embargo, la tecnología blockchain también permite a los criptoartistas trabajar de forma anónima. [43] [44] La autenticación cibernética de los tokens no fungibles (NFT) permite coleccionar obras de arte que resisten la falsificación , porque la procedencia de una obra de arte suele ser información privada no disponible para el examen público. [45] [46]
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