La autenticidad en el arte se manifiesta en las diferentes formas en que una obra de arte , o una actuación artística, puede considerarse auténtica . [1] La distinción inicial es entre autenticidad nominal y autenticidad expresiva . En el primer sentido, la autenticidad nominal es la correcta identificación del autor de una obra de arte; de cuán fielmente interpreta un actor o una actriz un papel en una obra de teatro escrita por el dramaturgo; de qué tan bien la interpretación de una composición artística por parte de un músico corresponde a la intención del compositor; y en qué medida se ajusta un objeto de arte a las tradiciones artísticas de su género. En el segundo sentido, la autenticidad expresiva es cuánto posee la obra de arte autoridad inherente sobre y sobre su tema, y cuánto de la intención del artista está en la obra de arte. [2]
Para el espectador, el oyente y el espectador, la autenticidad de la experiencia es una emoción imposible de recuperar más allá del primer encuentro con la obra de arte en su entorno original. En los casos de escultura y pintura , el visitante contemporáneo de un museo se encuentra con la obra de arte expuesta en un simulacro del entorno original para el cual el artista creó el arte. Con ese fin, el visitante del museo verá una presentación curada de la obra de arte como un objeto de arte , y es posible que no perciba la experiencia estética inherente a observar la obra de arte en su entorno original: la intención del artista. [3]
La autenticidad artística es un requisito para la inscripción de una obra de arte en la Lista del Patrimonio Mundial de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura ( UNESCO ); [4] el Documento de Nara sobre Autenticidad (1994) estipula que la autenticidad artística puede expresarse a través de la forma y el diseño; los materiales y sustancia; el uso y función; las tradiciones y técnicas; la ubicación y el entorno; y el espíritu y sentimiento de la obra de arte dada. [5] [6]
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La autenticidad de procedencia de un objeto de arte es la identificación positiva del artista y el lugar y tiempo del origen de la obra de arte; [7] así, los expertos en arte determinan la autenticidad de la procedencia con cuatro pruebas: (i) verificación de la firma del artista en la obra de arte; (ii) una revisión de la documentación histórica que acredite la historia del artefacto; (iii) evidencia científica (rayos X del lienzo, espectroscopia infrarroja de la pintura, análisis dendrocronológico de la madera); y (iv) el juicio experto de un conocedor con ojo entrenado. [8]
En Sinceridad y autenticidad (1972), el crítico literario Lionel Trilling dijo que la cuestión de la autenticidad de la procedencia había adquirido una dimensión profundamente moral, que independientemente de la condición física y la apariencia, la calidad de la mano de obra de una obra de arte, es muy importante saber si un jarrón Ming es auténtico o una ingeniosa falsificación artística . [9] La preocupación por la autenticidad de la procedencia de una obra de arte es históricamente reciente y particular del materialismo occidental; en el mundo oriental, lo importante es la obra de arte en sí misma; la identidad del artista y la procedencia de la obra de arte son consideraciones secundarias. [10]
Como consecuencia de una carrera críticamente truncada, el pintor Han van Meegeren (1889-1947) se ganó la vida como falsificador de arte , produciendo específicamente pinturas falsas de artistas del siglo XVII, como Frans Hals (1582-1666) y Pieter de Hooch ( 1629–1684), Gerard ter Borch (1617–1681) y Johannes Vermeer (1632–1675). Van Meegeren produjo pinturas magistrales que engañaron a críticos y expertos en arte, quienes luego aceptaron y aclamaron las falsificaciones como verdaderas obras maestras, especialmente la pintura de La Cena de Emaús (1937), aceptada como un verdadero Vermeer por expertos, como Abraham Bredius .
Al final, para sobrevivir a la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), van Meegeren repartió falsificaciones a los ocupantes nazis de los Países Bajos (1940-1945). En el ajuste de cuentas entre la nación después de la guerra, las autoridades holandesas arrestaron a van Meegeren como un colaborador nazi que había vendido tesoros nacionales al enemigo alemán. Para evitar la muerte de un traidor, el pintor van Meegeren demostró sus habilidades técnicas como falsificador de cuadros de los viejos maestros , para demostrar que vendía cuadros falsificados a los nazis. [11]
Para protegerse contra la compra involuntaria de una obra de arte falsificada, los vendedores y compradores utilizan un certificado de autenticidad como prueba documental de que una obra de arte es la creación genuina del artista identificado como el autor de la obra; sin embargo, hay mucho negocio con los certificados de autenticidad falsificados. , que determina el valor monetario de una obra de arte. [12] La falta de autenticidad de la pintura falsificada se descubre con evidencia documental de la historia del arte y con evidencia forense extraída de las técnicas de conservación del arte , [13] como la datación cronológica , para establecer la autenticidad de la procedencia de las pinturas de los Grandes Maestros. [14] [15] El valor monetario potencial representado por un certificado de autenticidad puede perjudicar a los coleccionistas y comerciantes de arte a comprar obras de arte de período reciente con procedencia determinada, a veces establecida por el artista. [dieciséis]
El interés crítico por una falsificación como obra de arte es raro; [17] Sin embargo, en el ensayo “The Perfect Fake” (1961), la crítica de arquitectura y arte Aline B. Saarinen preguntó qué “si una falsificación es tan experta, que incluso después del examen más exhaustivo y confiable, su autenticidad es Aún queda la duda: ¿es o no una obra de arte tan satisfactoria como si fuera inequívocamente genuina? [18] En El acto de creación (1964), Arthur Koestler coincidió con la propuesta de Saarinen de “la falsificación como arte” y dijo que si una falsificación encaja en el conjunto de la obra de un artista y si la falsificación produce la misma estética placer como las obras de arte auténticas, entonces el arte falsificado debe incluirse en las exposiciones de las obras del artista plagiado. [19]
En el negocio del arte, el valor artístico de una falsificación bien ejecutada es irrelevante para un curador preocupado por la autenticidad de la procedencia de la obra de arte original [20] , especialmente porque establecer formalmente la procedencia de una obra de arte es una cuestión de posibilidad y probabilidad, rara vez de certeza, a menos que el artista dé fe de la autenticidad del arte. [21] Sin embargo, para la comunidad artística, una falsificación sigue siendo una falsificación, independientemente de la excelente ejecución artística de la falsificación en sí misma; independientemente del talento artístico del falsificador; e independientemente de los elogios de la crítica cuando los críticos y el público creían que la falsificación era arte auténtico. [17]
La impresión en relieve es una forma de reproducción mecánica del arte; así (i) un artista creó un dibujo; (ii) un artesano utilizó el dibujo para crear un bloque grabado en madera para impresión en relieve, generalmente destruyendo la obra de arte original al cortar el dibujo en el bloque de madera; y (iii) el bloque de madera en sí fue desechado cuando estaba desgastado para imprimir copias en relieve del dibujo. De ese proceso de tres pasos para la producción de arte, las copias impresas del dibujo original son el producto final de la creación artística, sin embargo no existe una auténtica obra de arte; las copias artísticas no tienen autenticidad de procedencia. [23]
En el ensayo “ La obra de arte en la era de la reproducción mecánica ” (1935), Walter Benjamin analizó los entonces nuevos medios visuales de la fotografía y la cinematografía como máquinas capaces de producir arte que puede reproducirse muchas veces; la imagen es la imagen original y artísticamente auténtica. Como medios visuales que reproducen (pero no crean) imágenes originales, la fotografía y el cine desplazan el concepto de autenticidad artística del “arte como ritual” al “arte como política” y, de este modo, hacen que las obras de arte sean accesibles a la población en masa, en lugar de sólo el aficionado. [24]
Una extensión contemporánea de las observaciones de Benjamin es la perpetua autenticidad de la escultura Sunbather (1971), del artista Duane Hanson (1925-1996), quien dio permiso a los conservadores de la escultura de tamaño natural (una mujer tomando el sol reclinada en una tumbona) . longue ) para reemplazar partes de la escultura (gorro, traje de baño, toalla, etc.) que se descoloraron y desgastaron. [25] Asimismo, a la luz de las capacidades de producción artística y reproducción mecánica de las computadoras e Internet, el artista mediático Julian H. Scaff dijo que no se puede determinar la autenticidad de la procedencia de una imagen digital (pintura, fotografía fija, fotograma de cine). , porque una obra de arte digital suele existir en más de una versión, y cada versión no es creada, sino escrita por un artista digital diferente con una perspectiva diferente de lo que es arte. [26]
La autenticidad de la experiencia sólo está disponible para el espectador que experimenta una obra de arte en el entorno original para el cual el artista creó el artefacto. En otro escenario, la autenticidad de la experiencia (propósito, tiempo, lugar) es imposible; así, en el mundo occidental, la exhibición del museo es una aproximación (literal, metafórica) del escenario original para el cual el artista creó la obra de arte. La exposición aislada en un museo disminuye la experiencia estética de una obra de arte, aunque el espectador verá la obra de arte. La falta del contexto original (lugar, tiempo, propósito) limita la apreciación estética más que la experiencia de la obra de arte en el entorno original, donde el arte y el entorno son la intención estética del artista.
Al reconocer que la autenticidad de la experiencia es única y no puede recuperarse, el curador de un museo presenta obras de arte en exhibiciones literales y metafóricas que se aproximan a los entornos originales para los cuales los artistas crearon las obras de arte. Realizadas con artificio e iluminación, las exhibiciones del museo brindan al espectador una experiencia sensorial de las obras de arte. [3] En esa línea comercial, el negocio turístico vende “la experiencia del arte” como un facsímil de la autenticidad de la experiencia del arte. El turista consume “Cultura” asistiendo a una ópera en La Scala , un teatro de ópera del siglo XVIII en Milán . El público natural, aficionados informados a la ópera, pierde interés y deja de asistir regularmente, pero la ópera es un negocio y continúa presentando representaciones para aficionados a la cultura y para turistas con, tal vez, un conocimiento de la ópera: el arte que se experimenta. Asimismo, para ganarse la vida como artistas, los bailarines de las islas del Pacífico presentan su "cultura de las islas del Pacífico" como entretenimiento y edificación para los turistas. Aunque las representaciones de la cultura nativa de las islas del Pacífico pueden ser nominalmente arte auténtico, en el sentido de ser fieles a la cultura original, la autenticidad de la experiencia del arte es cuestionable. [2]
La autenticidad de procedencia establece la existencia material de la obra de arte; la identidad del artista; y cuándo y dónde el artista creó la obra de arte. La autenticidad cultural (género y estilo artístico) se refiere a si una obra de arte es o no una expresión genuina de la tradición artística. La preocupación por la autenticidad cultural de una obra de arte suele tener su origen en el romanticismo sobre el mayor valor artístico de los artefactos creados en “la pura tradición” del género; Tal perspectiva idealista generalmente deriva del nacionalismo , el racismo , el tribalismo y malentendidos de la estética . [27]
Una obra de arte es auténtica cuando se ejecuta con el estilo, los materiales y el proceso de producción que son atributos esenciales del género. La autenticidad cultural deriva de las tradiciones artísticas creadas por los artistas del grupo étnico. Una obra de arte de género es auténtica sólo si fue creada por un artista del grupo étnico; por lo tanto, sólo los inuit pueden crear auténtico arte inuit . La perspectiva filosófica y sociológica de la autenticidad de la expresión es lo que protege a los artistas de los robos de arte inherentes y consecuentes a la apropiación cultural ; no obstante, en el ensayo “Raza, etnia, autenticidad expresiva: ¿pueden los blancos cantar el blues?” Joel Rudinow no estuvo de acuerdo y defendió la apropiación cultural, y dijo que tal protección de la autenticidad cultural es una forma de racismo. [28]
En Occidente, el mercado del “ arte primitivo ” surgió y se desarrolló a finales del siglo XIX, como consecuencia del encuentro y comercio de exploradores y colonialistas europeos con los grupos culturales y étnicos de África, Asia y Oceanía. Artísticamente, los pueblos originarios que trataron con los exploradores y colonos incorporaron rápidamente a su producción artística nuevos materiales provenientes de Europa, como telas y cuentas de vidrio. Sin embargo, los coleccionistas y marchantes de arte europeos no comprarían arte primitivo “no auténtico”, de técnicas mixtas, hecho con materiales nativos y europeos. Para superar la resistencia al arte primitivo no auténtico, los marchantes de arte produjeron artefactos, hechos con materiales locales, que los occidentales aceptarían y comprarían como auténtico arte nativo. [29]
El modelo comercial de producción artística del siglo XIX sigue siendo la práctica contemporánea de vender auténticos objetos de arte a coleccionistas y aficionados occidentales. Por lo general, los artefactos se diseñan y modifican para dar la impresión de poseer atributos populares y procedencia auténtica, como uso ritual religioso, antigüedad y asociación con la aristocracia y la realeza. [30] En el siglo XX, durante la década de 1940, los artistas haitianos crearon reproducciones comerciales de “imágenes vudú” que les proporcionaron empresarios extranjeros, para venderlas como “auténtico arte vudú”. Para los artistas haitianos, las representaciones extranjeras de la cultura artística haitiana, por las que se les pagaba, demostraban el robo de arte inherente a la apropiación cultural y cómo los extranjeros blancos realmente veían el arte vudú haitiano como un bien comercial y no como arte religioso. [31]
Para distinguir una obra de arte de un artefacto tosco hecho para turistas, los coleccionistas de arte consideran que una obra de arte es artísticamente auténtica cuando cumple con estándares reconocidos de producción artística (diseño, materiales, fabricación) para un propósito original. En las Islas Filipinas, a lo largo de su historia, el pueblo Igorot ha utilizado estatuillas de bulul de madera tallada para proteger la cosecha de arroz; el bulul es una representación muy estilizada de un ancestro que obtiene poder de la presencia de un espíritu ancestral. [32]
Aunque todavía se utilizan en ceremonias tradicionales, el pueblo igorot ahora produce figurillas de bulul de recuerdo para los turistas; un propósito secundario que no devalúa el bulul como arte. Dentro de la cultura, una familia igorot podría utilizar un bulul de recuerdo como adecuado y aceptable para ceremonias tradicionales, otorgando así al bulul de recuerdo una autenticidad artística y cultural que de otro modo estaría ausente. [2] Desde esa perspectiva, las “máscaras y esculturas tribales” realmente utilizadas en ceremonias religiosas tienen un mayor valor comercial, especialmente si la autenticidad de la procedencia determina que un artista nativo creó el artefacto utilizando diseños, materiales y técnicas de producción tradicionales. Esta sobrevaloración occidental del arte nativo se debe a que el artefacto es un ejemplo auténtico de una tradición o estilo de arte practicado por un pueblo primitivo. [33]
La evolución artística del pueblo cimarrón de la Guayana Francesa , muestra que los estilos artísticos contemporáneos se desarrollaron a través de la interacción del arte y el comercio, entre artistas y empresarios del arte. La larga historia y las fuertes tradiciones del arte cimarrón se destacan en las formas de decoración de objetos cotidianos, como remos de barcos y contraventanas, arte de finalidad totalmente estética. Para vender obras de arte cimarrones, los coleccionistas de arte europeos asignaban simbolismo al “arte nativo” que vendían en los mercados de arte, a los coleccionistas y a los museos; una procedencia específica. A pesar de la falta de comunicación mutua entre artistas y empresarios sobre el propósito, el valor y el precio de las obras de arte, los artistas cimarrones utilizaron el lenguaje semiótico europeo para asignar significados simbólicos a sus obras de arte nativo y ganarse la vida; sin embargo, los jóvenes artistas cimarrones podrían creer erróneamente que el simbolismo (comercial) deriva de tradiciones ancestrales, más que del negocio del arte. [34]
La autenticidad de la expresión se deriva de que la obra de arte posee la autoridad original e inherente de la intención del artista, de que la obra es un producto original de expresión estética. En la interpretación musical, la autenticidad de la expresión puede entrar en conflicto con la autenticidad de la interpretación cuando la interpretación del músico o cantante es fiel a su arte y no es una imitación de otro artista. [2] La mayor popularidad del intérprete, más que del compositor de la canción y la música, es un desarrollo históricamente reciente que refleja el mayor interés del público en la autenticidad expresiva de músicos carismáticos que poseen un estilo artístico distintivo. [35]
En los campos del arte y de la estética, el término autenticidad expresiva deriva del término psicológico Autenticidad , tal como se utiliza en la filosofía existencial , considerando la salud mental como el autoconocimiento de una persona sobre su relación con el mundo real. [36] En ese sentido, la producción artística de los expresionistas abstractos , como Jackson Pollock (1912-1956), Arshile Gorky (1904-1948) y Willem de Kooning (1904-1997), ha sido entendida en términos existencialistas sobre la relación de los artistas con y hacia el mundo; igualmente el arte cinematográfico de los cinéastes Jean-Luc Godard e Ingmar Bergman (1904-1997). [37]
La autenticidad expresiva se deriva de la autenticidad del estilo y la tradición del artista, por lo que la apropiación de la voz por parte de un extraño no se permite porque el grupo cultural ya tiene artistas nativos que producen arte auténtico. [38] En el negocio de la música estadounidense, el género Hip hop originalmente era un arte musical creado por negros pobres para abordar su descontento por la pobreza, la ignorancia y el racismo que les imponía la sociedad estadounidense. Los artistas debaten si la rentable transición del hip hop del underground artístico al mainstream comercial ha anulado la autenticidad de la expresión de la música. [39] En “Autenticidad dentro del Hip Hop y otras culturas amenazadas de asimilación”, el académico Kembrew McLeod dijo que la autenticidad cultural del Hip hop está amenazada por la asimilación en el negocio de la música, donde el comercialismo reemplaza la autenticidad expresiva. [40]
En el teatro y en la música, los intérpretes (actores, actrices, músicos) son responsables de realizar una representación de la respectiva obra de arte, una obra de teatro , un concierto musical . Una representación históricamente informada de una obra de Shakespeare , los personajes femeninos serían interpretados por actores, no actrices, como era costumbre en la era isabelina (1558-1603) y el diálogo se enunciaría y pronunciaría en el estilo de discurso isabelino. [2] En una actuación históricamente informada , los actores y los músicos replican el período de tiempo de la obra de arte que están representando, generalmente a través de un lenguaje, vestuario y estilos de interpretación e instrumentos musicales correctos para la época. Los músicos considerarían inauténtica cualquier interpretación del concierto para piano de Elvira Madigan que la pianista tocara en un piano de cola contemporáneo , un instrumento desconocido para el compositor WA Mozart (1756-1791). [2]
El género del criptoarte se volvió factible con las redes de computadoras blockchain (por ejemplo, Bitcoin ), tecnología cibernética que permite a los criptoartistas crear arte digital para la venta y la colección. [41] Artistas, como Mike Winkelmann (también conocido como Beeple), utilizan la tecnología blockchain para autenticar una obra de arte y establecer la procedencia con un archivo digital vinculado permanentemente al criptoartista que produjo el artefacto; [42] Sin embargo, la tecnología blockchain también permite a los criptoartistas trabajar de forma anónima. [43] [44] La autenticación cibernética de tokens no fungibles (NFT) permite recopilar obras de arte que resisten la falsificación , porque la procedencia de una obra de arte suele ser información privada que no está disponible para el examen público. [45] [46]
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