El arte indígena australiano incluye obras realizadas por aborígenes australianos e isleños del Estrecho de Torres , incluidas las colaboraciones con otros. Incluye obras en una amplia gama de medios, como pintura sobre hojas, pintura sobre corteza , tallado en madera , tallado en roca , pintura con acuarela , escultura , vestimenta ceremonial y pintura con arena ; arte de aborígenes australianos que data de miles de años antes de la colonización europea , hasta la actualidad.
El arte aborigen australiano es la tradición artística más antigua e ininterrumpida del mundo. [1]
Existen varios tipos y métodos utilizados para crear arte aborigen, entre los que se incluyen la pintura rupestre, la pintura de puntos , los grabados rupestres, la pintura en corteza, las tallas, las esculturas, el tejido y el arte con hilos. El arte aborigen australiano es la tradición artística más antigua e ininterrumpida del mundo. [2] [3]
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El arte rupestre, que incluye pinturas y grabados ( petroglifos ), se puede encontrar en yacimientos de toda Australia. Se han encontrado ejemplos de arte rupestre que se cree que representan megafauna extinta como Genyornis [4] y Thylacoleo en la era del Pleistoceno [5], así como eventos históricos más recientes como la llegada de barcos europeos. [6]
Se estima que los ejemplos más antiguos de arte rupestre , en la región de Pilbara en Australia Occidental y el distrito de Olary en Australia del Sur , tienen alrededor de 40.000 años de antigüedad. [7] La evidencia firmemente datada más antigua de pintura de arte rupestre en Australia es un dibujo a carbón sobre un pequeño fragmento de roca encontrado durante la excavación del refugio rocoso Narwala Gabarnmang en el suroeste de Arnhem Land en el Territorio del Norte . Datado en 28.000 años, es una de las piezas de arte rupestre más antiguas conocidas en la Tierra con una fecha confirmada. [8] Se cree que este fragmento decorado puede haber formado parte de una obra de arte de techo más grande, sin embargo, se desconoce la forma del motivo original. [9] El motivo de arte rupestre in situ inequívoco y datado de manera confiable más antiguo en Australia es una gran pintura de un macrópodo de un refugio rocoso en la región de Kimberley en Australia Occidental , datada radiométricamente en un estudio de febrero de 2021 con aproximadamente 17.300 años de antigüedad. [10]
El arte rupestre de Gwion Gwion (las "pinturas rupestres de Bradshaw", también conocidas como "Giro Giro" [3] ), inicialmente llamadas así por Joseph Bradshaw , quien las reportó por primera vez en 1891, consiste en una serie de pinturas rupestres en cuevas en la región de Kimberley en Australia Occidental . [8] Un estudio de 2020 estima que este arte tiene unos 12.000 años de antigüedad. [11] [12]
Las figuras de Maliwawa fueron documentadas en un estudio dirigido por Paul Taçon y publicado en Australian Archaeology en septiembre de 2020. [13] El arte incluye 572 imágenes en 87 sitios en el noroeste de Arnhem Land , desde el área de Awunbarna (Monte Borradaile [14] ) hasta Wellington Range . Se estima que fueron dibujadas hace entre 6.000 y 9.400 años. [15] El hallazgo se describe como muy raro, no solo en estilo, sino en su representación de bilbies (no conocidos históricamente en Arnhem Land) [16] y la primera representación conocida de un dugongo . [17] El arte, todas pinturas en color rojo a morado aparte de un dibujo, y en un estilo naturalista , no se había descrito en la literatura antes de este estudio. Son grandes y representan relaciones entre personas y animales, un tema poco común en el arte rupestre. Los bilbis, tilacinos y dugones se extinguieron en la Tierra de Arnhem hace milenios. Los investigadores de 2008-2009 vieron por primera vez este arte, pero solo se estudió en una investigación de campo que duró de 2016 a 2018. Las figuras fueron bautizadas por Ronald Lamilami, un antiguo propietario tradicional . [14] [18] Según Tacon, "las figuras de Maliwawa espalda con espalda son las más antiguas conocidas en el oeste de la Tierra de Arnhem y parece que esta convención pictórica comenzó con el estilo Maliwawa. Continúa hasta el presente con pinturas en corteza y pinturas sobre papel". [19] Taçon establece comparaciones entre las figuras de Maliwawa y el estilo de figuras dinámicas de George Chaloupka , donde el tema está compuesto por aproximadamente un 89 por ciento de humanos, en comparación con el 42 por ciento de las figuras de Maliwawa. [20] Sin embargo, existe mucha complejidad y debate con respecto a la clasificación del estilo de arte rupestre en la Tierra de Arnhem. [13] [21]
Otros sitios de arte rupestre pintado incluyen Laura, Queensland , [22] Ubirr , en el Parque Nacional Kakadu , [23] Uluru , [24] y Carnarvon Gorge . [25]
Los grabados rupestres, o petroglifos , se crean mediante métodos que varían según el tipo de roca que se utilice y otros factores. Existen varios tipos diferentes de arte rupestre en Australia, de los cuales los más famosos son el Murujuga en Australia Occidental , los grabados rupestres de Sydney en los alrededores de Sydney en Nueva Gales del Sur y el arte rupestre de Panaramitee en Australia Central . Los grabados de Toowoomba , que representan animales y humanos tallados, tienen su propio estilo peculiar que no se encuentra en ningún otro lugar de Australia. [ cita requerida ]
Se dice que los grabados rupestres de Murujuga constituyen la colección de petroglifos más grande del mundo [26] e incluyen imágenes de animales extintos como el tilacino. Se registra la actividad anterior a la última edad de hielo hasta la colonización .
El primer descubrimiento europeo de pinturas rupestres aborígenes tuvo lugar el 14 de enero de 1803. [27] Durante una expedición de reconocimiento a lo largo de las costas e islas del Golfo de Carpentaria, el navegante y explorador británico Matthew Flinders tocó tierra en la isla Chasm .
En los refugios rocosos de la isla, Flinders descubrió una serie de patrones pintados y estampados. Para registrar estas imágenes, contrató al artista del barco, William Westall . [28] Los dos bocetos en acuarela de Westall son la documentación más antigua conocida del arte rupestre australiano.
Los arreglos de piedra aborígenes son una forma de arte rupestre construido por los aborígenes australianos. Por lo general, consisten en piedras, cada una de las cuales puede tener un tamaño de unos 30 cm, dispuestas en un patrón que se extiende a lo largo de varios metros o decenas de metros. Cada piedra está bien incrustada en el suelo y muchas tienen "piedras disparadoras" para sostenerlas. Ejemplos particularmente buenos se encuentran en el estado de Victoria , donde algunos ejemplos tienen piedras muy grandes. Por ejemplo, el arreglo de piedra en Wurdi Youang consiste en unas 100 piedras dispuestas en un óvalo con forma de huevo de unos 50 metros (160 pies) de ancho. [ cita requerida ] La apariencia del sitio es similar a la de los círculos de piedra megalíticos encontrados en toda Gran Bretaña (aunque la función y la cultura son presumiblemente completamente diferentes). Aunque su asociación con los aborígenes australianos está bien autenticada y fuera de toda duda, el propósito no está claro, aunque puede tener una conexión con los ritos de iniciación . También se ha sugerido que el sitio puede haber sido utilizado para fines astronómicos. [29] Se encuentran arreglos de piedras más pequeños en toda Australia, como aquellos cerca de Yirrkala , que representan imágenes precisas de los praus utilizados por los pescadores y lanzadores de lanzas de Macassan Trepang . [ cita requerida ]
La talla de madera siempre ha sido una parte esencial de la cultura aborigen, ya que se necesitaba madera, piedras afiladas para tallar, alambre y fuego. El alambre y el fuego se utilizaban para crear patrones en el objeto calentando el alambre con el fuego y colocándolo sobre la talla de madera.
Las tallas de madera, como las del artista australiano central Erlikilyika , con forma de animales, a veces se intercambiaban con los europeos a cambio de mercancías. La razón por la que los aborígenes hacían tallas de madera era para ayudar a contar sus historias de sueños y transmitir la sabiduría de su grupo y la información esencial sobre su país y sus costumbres. También se utilizaban en ceremonias , como la ilma .
Los aborígenes de las islas Tiwi tallaban tradicionalmente postes funerarios pukumani , [30] y desde la década de 1960 han estado tallando y pintando figuras de madera de hierro. [31]
En la mayoría de las zonas del Pacífico, los hombres supervisan el arte y la arquitectura; las mujeres supervisan el arte de la tela de fieltro que hacían con corteza de árboles y plantas. El arte de la ropa lo supervisa la mujer que está a cargo de la producción. Estas prendas detalladas se usaban para rituales; cada una representaba riqueza y rango en el grupo. La ropa sagrada también se usaba en el comercio de bienes y en las relaciones sociales y políticas. Usar la tela y luego quitársela y dársela a otra persona ayudaba a crear vínculos o reforzar amistades o alianzas. [32]
Las cestas , a veces en espiral, se creaban retorciendo corteza, hojas de palma y plumas; algunas de las cestas eran sencillas y otras se creaban con colgantes de plumas o plumas tejidas en el marco de la cesta. Los artistas usaban tintes minerales y vegetales para colorear las hojas de palma y la corteza del hibisco. Estas bolsas y cestas de cuerda se usaban en ceremonias para necesidades religiosas y rituales; las cestas también podrían haber sido utilizadas para llevar cosas de regreso a la aldea. [33]
El tejido de cestas ha sido una práctica tradicional entre las mujeres de muchos pueblos aborígenes australianos en todo el continente durante siglos. [34] [35] [36] [37]
Los aborígenes creaban colgantes de conchas que se consideraban de gran valor y que a menudo se utilizaban para intercambiar productos. Estas conchas se sujetaban a un cordón, que se fabricaba a mano con cabello humano y, a veces, se cubría con un tipo de grasa y ocre rojo . Estas joyas a veces se colgaban alrededor del cuello o la cintura de un hombre para usarlas durante las ceremonias. [38]
El tallado de kalti paarti es una forma de arte tradicional que consiste en tallar huevos de emú. No es tan antigua como otras técnicas, ya que se originó en el siglo XIX. [39]
Ciertos símbolos del movimiento de arte moderno aborigen conservan el mismo significado en todas las regiones, aunque el significado de los símbolos puede cambiar dentro del contexto de una pintura. Cuando se ven en monocromo, otros símbolos pueden parecer similares, como los círculos dentro de círculos, a veces representados solos, dispersos o en grupos agrupados. Dependiendo del grupo al que pertenece el artista, símbolos como fogata, árbol, colina, pozo, pozo de agua o manantial pueden variar en significado. El uso del símbolo se puede aclarar aún más mediante el uso del color, como el agua representada en azul o negro.
Muchas pinturas de artistas aborígenes, como las que representan una historia de sueños, se muestran desde una perspectiva aérea. La narración sigue la disposición de la tierra, tal como la crearon los seres ancestrales en su viaje o durante la creación. La interpretación moderna es una reinterpretación de canciones, ceremonias, arte rupestre, arte corporal y ceremonias (como el awelye ) que fueron la norma durante muchos miles de años.
Cualquiera que sea el significado, las interpretaciones de los símbolos deben hacerse en el contexto de toda la pintura, la región de donde proviene el artista, la historia detrás de la pintura y el estilo de la pintura. [40]
Algunos sitios naturales eran sagrados para ellos y también eran el lugar donde se realizaban rituales estacionales. Durante estos rituales, los pueblos aborígenes creaban arte, como objetos de plumas y fibras, pintaban y creaban grabados rupestres, y también pintaban sobre la corteza de los árboles Eucalyptus tetrodonta . Si bien las historias difieren entre los clanes, los grupos lingüísticos y los grupos más amplios, el Sueño (o Jukurrpa) es común a todos los pueblos aborígenes. Como parte de estas creencias, durante la antigüedad, los espíritus ancestrales míticos aborígenes eran los creadores de la tierra y el cielo, y eventualmente se convirtieron en parte de ellos. Las creencias espirituales de los pueblos aborígenes sustentan sus leyes, formas de arte y ceremonias. El arte aborigen tradicional casi siempre tiene un trasfondo mitológico relacionado con el Sueño. [41]
Wenten Rubuntja , un artista paisajista indígena, dice que es difícil encontrar algún arte que carezca de significado espiritual:
No importa qué tipo de pintura hagamos en este país, sigue perteneciendo al pueblo, a todo el pueblo. Esto es culto, trabajo, cultura. Todo es sueño. Hay dos formas de pintar. Ambas son importantes, porque eso es cultura. – Fuente: The Weekend Australian Magazine , abril de 2002
La narración de historias y la representación de tótems ocupan un lugar destacado en todas las formas de arte aborigen. Además, la forma femenina, en particular el útero femenino en estilo de rayos X , ocupa un lugar destacado en algunos sitios famosos de Arnhem Land . Los estilos de rayos X se remontan al año 2000-1000 a. C. Es una técnica indígena en la que el artista crea imágenes conceptualizadas, transparentes, de rayos X. Los mimi , los espíritus que enseñaron el arte de la pintura a los aborígenes, y los antepasados se "liberan" a través de este tipo de obras de arte.
Muchos sitios de pinturas rupestres aborígenes de importancia cultural han sido profanados y destruidos gradualmente por la invasión de los primeros colonos y los visitantes actuales. Esto incluye la destrucción del arte por la tala y las obras de construcción, la erosión causada por la manipulación excesiva de los sitios y los grafitis. Muchos sitios que ahora pertenecen a parques nacionales tienen que ser vigilados estrictamente por guardabosques o cerrados al público de forma permanente.
La mitología y la cultura, profundamente influenciadas por el océano y la vida natural que rodea las islas, siempre han dado forma a las formas de arte tradicionales. Destacan las tortugas , los peces, los dugongos , los tiburones, las aves marinas y los cocodrilos de agua salada , que se consideran seres totémicos . [42]
Los elaborados tocados o dhari (también escritos dari [43] ), como los que aparecen en la bandera de los isleños del Estrecho de Torres , se crean para los propósitos de las danzas ceremoniales. [44] El dari fue usado históricamente por los guerreros del Estrecho de Torres en la batalla. Se considera un símbolo poderoso del pueblo de los isleños del Estrecho de Torres, que hoy representa la paz y la armonía. El artista de renombre mundial Ken Thaiday Snr ha creado elaborados dharis utilizando materiales modernos en su obra de arte contemporánea. [45]
Los isleños del Estrecho de Torres son la única cultura del mundo que fabrica máscaras de caparazón de tortuga , conocidas como krar (caparazón de tortuga) en las islas occidentales y le-op (cara humana) en las islas orientales. [46]
Entre las formas de arte más destacadas se encuentra el wame (alt. wameya ), muchas figuras de cuerdas diferentes . [47] [48] [49]
Las islas tienen una larga tradición de tallado de madera , creación de máscaras y tambores, y tallado de elementos decorativos en estos y otros elementos para uso ceremonial. A partir de la década de 1970, los jóvenes artistas comenzaron sus estudios aproximadamente al mismo tiempo que se estaba produciendo una reconexión significativa con los mitos y leyendas tradicionales. Las publicaciones de Margaret Lawrie, Myths and Legends of the Torres Strait (1970) y Tales from the Torres Strait (1972), que revivían historias que casi habían sido olvidadas, influyeron enormemente en los artistas. [50] [51] Si bien Haddon había escrito algunas de estas historias después de su expedición de 1898 al estrecho de Torres, [52] muchas habían caído en desuso o habían sido olvidadas posteriormente.
En la década de 1990, un grupo de artistas más jóvenes, incluido el galardonado Dennis Nona (nacido en 1973), comenzó a traducir estas habilidades en formas más portátiles de grabado , linograbado y aguafuerte , así como esculturas de bronce a mayor escala . Otros artistas destacados incluyen a Billy Missi (1970-2012), conocido por sus linograbados decorados en blanco y negro de la vegetación y los ecosistemas locales, y Alick Tipoti (nacido en 1975). Estos y otros artistas del Estrecho de Torres han expandido enormemente las formas de arte indígena dentro de Australia, aportando magníficas habilidades de tallado melanesio, así como nuevas historias y temas. [46] El Colegio de Educación Técnica y Superior en Thursday Island fue un punto de partida para que los jóvenes isleños siguieran estudios de arte. Muchos continuaron sus estudios de arte, especialmente en grabado, inicialmente en Cairns, Queensland y más tarde en la Universidad Nacional Australiana en lo que ahora es la Escuela de Arte y Diseño. Otros artistas como Laurie Nona, Brian Robinson, David Bosun, Glen Mackie, Joemen Nona, Daniel O'Shane y Tommy Pau son conocidos por su trabajo de grabado. [53]
En julio de 2015 se realizó una exposición de la obra de Alick Tipoti, titulada Zugubal , en la Galería Regional de Cairns. [54] [55]
En 1934, el pintor australiano Rex Battarbee enseñó al artista aborigen Albert Namatjira la técnica de la acuarela de paisajes de estilo occidental, junto con otros artistas aborígenes en la misión de Hermannsburg en el Territorio del Norte . Se convirtió en un estilo popular, conocido como la Escuela de Hermannsburg , y se agotó cuando las pinturas se exhibieron en Melbourne, Adelaida y otras ciudades australianas. Namatjira se convirtió en el primer ciudadano aborigen australiano, como resultado de su fama y popularidad con estas pinturas de acuarela.
En 1966, uno de los diseños de David Malangi se reprodujo en el billete de un dólar australiano, originalmente sin su conocimiento. El pago posterior que le hizo el Banco de la Reserva marcó el primer caso de derechos de autor aborígenes en la legislación de derechos de autor australiana .
En 1988 se inauguró en la Galería Nacional de Australia en Canberra el Memorial Aborigen , hecho con 200 ataúdes de troncos huecos , similares al tipo utilizado para las ceremonias mortuorias en la Tierra de Arnhem. Se hizo para el bicentenario de la colonización de Australia y es en memoria de los aborígenes que murieron protegiendo su tierra durante el conflicto con los colonos. Fue creado por 43 artistas de Ramingining y comunidades cercanas. El camino que lo atraviesa representa el río Glyde. [56]
Ese mismo año se inauguró el nuevo Parlamento en Canberra, con un patio delantero con un diseño de Michael Nelson Jagamarra , colocado como un mosaico.
El difunto Rover Thomas es otro conocido artista aborigen australiano moderno. Nacido en Australia Occidental, representó a Australia en la Bienal de Venecia de 1990. Conoció y alentó a otros artistas hoy conocidos a pintar, incluida Queenie McKenzie de la región de East Kimberley /Warmun, además de tener una fuerte influencia en las obras de Paddy Bedford y Freddy Timms .
A finales de los años 1980 y principios de los años 1990, la obra de Emily Kngwarreye , de la comunidad Utopia al noreste de Alice Springs , se hizo muy popular. Aunque había estado involucrada en la artesanía durante la mayor parte de su vida, fue recién cuando tenía 80 años que fue reconocida como pintora. Entre sus obras se encuentra Earth's Creation . Sus estilos, que cambiaban cada año, han sido vistos como una mezcla de lo aborigen tradicional y lo australiano contemporáneo. Su aumento en popularidad ha prefigurado el de muchos artistas indígenas del centro, norte y oeste de Australia, como la sobrina de Kngwarreye , Kathleen Petyarre , Angelina Pwerle , Minnie Pwerle , Dorothy Napangardi , Lena Pwerle y docenas de otros, todos cuyos trabajos se han vuelto muy buscados. La popularidad de estos artistas, a menudo de edad avanzada, y la presión resultante que recae sobre ellos y su salud se ha convertido en un problema tal que algunos centros de arte han dejado de vender sus pinturas en línea y, en su lugar, colocan a los posibles clientes en una lista de espera para recibir trabajo. [57]
Entre los artistas de moda actuales se incluyen Jacinta Hayes, popular por su representación icónica de "Hojas de medicina natural" y "Hormigas melíferas", Rex Sultan (que estudió con Albert Namatjira), Trephina Sultan y Reggie Sultan, Bessie Pitjara y Joyce Nakamara, entre otros. [58]
A pesar de las preocupaciones sobre la oferta y la demanda de pinturas, la lejanía de muchos de los artistas y los problemas de pobreza y salud que experimentan las comunidades, hay estimaciones generalizadas de una industria que vale cerca de 500 millones de dólares australianos cada año y que está creciendo rápidamente. [59]
Entre 1971 y 1972, el profesor de arte Geoffrey Bardon animó a los aborígenes de Papunya , al noroeste de Alice Springs, a plasmar sus sueños en lienzo. Estas historias, que antes se habían dibujado en la arena del desierto , adquirieron ahora una forma más permanente.
Los puntos se utilizaban para cubrir ceremonias secretas y sagradas. En un principio, los artistas de Tula lograron formar su propia empresa con un nombre aborigen, Papunya Tula Artists Pty Ltd, [60] sin embargo, siguió una época de desilusión, ya que los artistas fueron criticados por sus pares por haber revelado demasiado de su herencia sagrada. Los diseños secretos restringidos a un contexto ritual estaban ahora en el mercado, hechos visibles para la pintura aborigen australiana. Gran parte del arte aborigen que se exhibe en las tiendas para turistas se remonta a este estilo desarrollado en Papunya. El más famoso de los artistas que surgieron de este movimiento fue Clifford Possum Tjapaltjarri . También de este movimiento es Johnny Warangkula Tjupurrula , cuyo Water Dreaming at Kalipinya se vendió dos veces a un precio récord, la segunda vez fue de $ 486,500 en 2000.
La Colección Papunya del Museo Nacional de Australia contiene más de 200 artefactos y pinturas, incluidos ejemplos de pinturas de puntos de la década de 1970. [61]
Se han dado casos de algunos comerciantes explotadores (conocidos como carpetbaggers) que han tratado de sacar provecho del éxito de los movimientos artísticos aborígenes. Desde la época de Geoffrey Bardon y en los primeros años del movimiento Papunya, ha habido preocupación por la explotación de los artistas, en su mayoría analfabetos y que no hablaban inglés.
Una de las principales razones por las que se estableció el movimiento Yuendumu, y luego floreció, se debió al sentimiento de explotación entre los artistas: [62]
Muchos de los artistas que desempeñaron papeles cruciales en la fundación del centro de arte eran conscientes del creciente interés por el arte aborigen durante la década de 1970 y habían observado con preocupación y curiosidad los avances del movimiento artístico en Papunya entre las personas con las que tenían una relación estrecha. También había un creciente mercado privado de arte aborigen en Alice Springs. Las experiencias de los artistas en el mercado privado estuvieron marcadas por sentimientos de frustración y de impotencia cuando los compradores se negaban a pagar precios que reflejaran el valor del Jukurrpa o mostraban poco interés en comprender la historia. La creación de Warlukurlangu fue una forma de garantizar que los artistas tuvieran cierto control sobre la compra y distribución de sus pinturas.
Otros casos de explotación incluyen: [63]
En marzo de 2006, la ABC informó que el fraude artístico había afectado a los movimientos artísticos aborígenes de Australia Occidental. Se hicieron acusaciones de condiciones similares a las de los talleres clandestinos, obras falsificadas por mochileros ingleses, precios excesivos y artistas que posaban para fotografías de obras de arte que no eran suyas. Un detective a cargo del caso dijo:
La gente claramente se está aprovechando de los demás... Especialmente las personas mayores. Quiero decir, son personas que no tienen educación, que no han tenido mucho contacto con gente blanca. No tienen un conocimiento básico real de las leyes, ni siquiera de las leyes comerciales. Obviamente, no tienen sentido comercial real. Un dólar no tiene mucho significado para ellos, y creo que tratar a alguien así es... simplemente no se puede hacer en este país. [64]
En agosto de 2006, a raíz de las preocupaciones suscitadas por las prácticas poco éticas en el sector del arte indígena, el Senado australiano inició una investigación [65] sobre los problemas que se planteaban en el sector. El Senado escuchó de la Ministra de Arte del Territorio del Norte, Marion Scrymgour , que los mochileros eran a menudo los artistas del arte aborigen que se vendía en las tiendas para turistas de toda Australia:
El material que llaman arte aborigen es casi exclusivamente obra de falsificadores, falsificadores y estafadores. Su trabajo se esconde tras descripciones falsas y diseños dudosos. La abrumadora mayoría de los que se ven en las tiendas de todo el país, por no hablar de Darling, son falsificaciones, puras y simplemente. Hay alguna evidencia anecdótica aquí en Darwin al menos: han sido pintados por mochileros que trabajan en la producción de madera a escala industrial. [66]
El informe final de la investigación formuló recomendaciones para modificar la financiación y la gobernanza del sector, incluido un código de prácticas. [67]
Los movimientos y cooperativas de arte indígena australiano han sido fundamentales para el surgimiento del arte indígena australiano. Mientras que muchos artistas occidentales buscan una formación formal y trabajan de manera individual, la mayor parte del arte indígena contemporáneo se crea en grupos comunitarios y centros de arte. [68]
Muchos de los centros operan galerías de arte en línea donde los visitantes locales e internacionales pueden comprar obras directamente de las comunidades sin necesidad de pasar por un intermediario. Las cooperativas reflejan la diversidad del arte en toda Australia indígena, desde la región noroeste, donde se utiliza significativamente el ocre, hasta el norte tropical, donde predomina el uso del rayado cruzado, y el estilo de arte papuanya de las cooperativas del desierto central. El arte se está convirtiendo cada vez más en una fuente importante de ingresos y medios de vida para algunas de estas comunidades.
Los ganadores de los Premios de Artes Indígenas de Australia Occidental se anunciaron el 22 de agosto de 2013. De más de 137 nominaciones de toda Australia, Churchill Cann ganó la Mejor Obra de Australia Occidental (A$10.000) y el artista del norte de Queensland Brian Robinson ganó el premio a la Mejor Obra General (A$50.000). [69]
Los conocimientos tradicionales y las expresiones culturales tradicionales son ambos tipos de conocimientos indígenas , según las definiciones y la terminología utilizadas en la Declaración de las Naciones Unidas sobre los Derechos de los Pueblos Indígenas y por el Comité Intergubernamental sobre Propiedad Intelectual y Recursos Genéticos, Conocimientos Tradicionales y Folclore de la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual (OMPI). [70] La OMPI utiliza el término "expresiones culturales tradicionales" para referirse a "toda forma de expresión artística y literaria en la que se incorporan la cultura y los conocimientos tradicionales. Se transmiten de una generación a la siguiente e incluyen textiles hechos a mano, pinturas, historias, leyendas, ceremonias, música, canciones, ritmos y danzas". [71]
La principal autoridad internacional en materia de propiedad intelectual y cultural indígena, la abogada australiana Terri Janke , dice que dentro de las comunidades indígenas australianas, "el uso de la palabra 'tradicional' tiende a no ser preferido ya que implica que la cultura indígena está anclada en el tiempo". [70]
El arte indígena australiano ha sido muy estudiado en los últimos años y ha ganado mucho reconocimiento internacional. [72] A la galería Rebecca Hossack en Londres se le atribuye la introducción "casi en solitario" del arte indígena australiano en Gran Bretaña y Europa, [73] trabajando en estrecha colaboración con el Museo Británico , el Museo Horniman , el Museo Victoria and Albert y el Museo De Young en San Francisco, EE. UU.
El Museo de Arte Aborigen Australiano "La Grange" (en Neuchâtel, Suiza) es uno de los pocos museos en Europa que se dedica por completo a este tipo de arte. Durante las exposiciones estacionales, se muestran obras de arte de artistas de renombre internacional. Además, el Musée du Quai Branly, París, tiene una colección "Oceanía", [74] que incluye obras de los artistas aborígenes australianos Lena Nyadbi , Paddy Nyunkuny Bedford, Judy Watson, Gulumbu Yunupingu, John Mawurndjul, Tommy Watson, Ningura Napurrula y Michael Riley. [75]
Dos museos que exhiben exclusivamente arte aborigen australiano son el AAMU Museum voor hedendaagse Aboriginal kunst (Museo de Arte Aborigen Contemporáneo, cerrado en 2017) en Utrecht , Países Bajos, [76] [77] y la Colección de Arte Aborigen Kluge-Ruhe de la Universidad de Virginia . [78]
{{cite book}}: CS1 maint: location missing publisher (link)Ponencia de conferencia, [de] Australian Print Symposium. Canberra: National Gallery of Australia, 1987 - en curso
Fuentes
