El Harrison Studio está formado por Helen Mayer Harrison (1927-2018) y Newton Harrison (1932-2022), quienes se encuentran entre los primeros y más conocidos artistas sociales y ambientales . [1] A menudo conocidos simplemente como "Los Harrison", Helen y Newton han producido trabajos multimedia en una amplia gama de disciplinas. Trabajan en colaboración con biólogos, ecologistas, historiadores, activistas, arquitectos, urbanistas y colegas artistas para iniciar diálogos y crear obras que exploren la biodiversidad y el desarrollo comunitario. Helen y Newton Harrison son profesores eméritos de la Universidad de California, Santa Cruz, y de la Universidad de California, San Diego. Han realizado numerosas exposiciones individuales internacionales y su trabajo se encuentra en las colecciones de muchas instituciones públicas, incluido el Centro Pompidou , el Museo de Arte Moderno , el Museo de Arte de San José , el Museo de Arte de Nevada y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago . En 2013, los Harrison se convirtieron en los primeros en recibir el Premio Corlis Benefideo de Cartografía Imaginativa. Las bibliotecas de la Universidad de Stanford adquirieron The Helen and Newton Harrison Papers, un extenso archivo que documenta su vida y obra con una importante cantidad de material audiovisual y archivos nacidos en formato digital.
Helen Mayer nació el 1 de julio de 1927 en el distrito más oriental de Queens , la ciudad de Nueva York , en una familia académica: ambos padres eran maestros de escuela y su padre era matemático. [2] [3] Helen se graduó de la escuela secundaria Forest Hills en 1943 a los dieciséis años y obtuvo una beca de matrícula completa para la Universidad de Cornell . En Cornelle, la animaron a estudiar matemáticas debido a su habilidad natural, pero en lugar de eso se especializó en psicología durante dos años; finalmente regresó a casa para obtener su licenciatura en inglés en Queens College en 1948. En 1952, obtuvo una maestría en filosofía de la educación en la Universidad de Nueva York (NYU).
Newton Abner Harrison nació el 20 de octubre de 1932 en el distrito de Brooklyn de la ciudad de Nueva York y se crió en el cercano suburbio de New Rochelle . El abuelo de Newton, Simon W. Farber, era un hojalatero que emigró de Rusia en busca de prosperidad a finales del siglo XIX. Abrió una pequeña tienda de artículos de latón en el Lower East Side de Manhattan que vendía utensilios de cocina y objetos ornamentales; Los clientes apreciaron la inmediatez y la calidad de su producto en comparación con los costosos artículos de latón importados de Europa. Cuando Simon pasó del martillado manual al hilado de metales con un torno automatizado, tanto la producción como las ventas aumentaron drásticamente. En 1907 abrió una planta de fabricación en Brooklyn para ampliar aún más su línea de utensilios de cocina, a la que llamó Farberware . Meyer Corporation adquirió Farberware en 1997 y promueve la empresa como una de las marcas más antiguas y confiables de artículos para el hogar estadounidenses.
A los quince años, Newton les dijo a sus padres Estelle Farber y Harvey Harrison que quería convertirse en artista. Le pidieron que continuara sus estudios en Peddie Prep High School, una escuela preparatoria para la universidad en Nueva Jersey. Mientras tanto, Newton andaba en bicicleta por todo New Rochelle. Localizó al célebre escultor Michael Lantz de New Rochelle . Newton le mostró a Lantz un caballo que hizo el año anterior. Lantz respondió que no había hecho tan bien con un caballo a los 14 años. Lantz lo aceptó como su aprendiz. Newton ayudó a Lantz durante las vacaciones escolares durante la escuela secundaria y de forma intermitente durante sus años universitarios desde 1948 hasta 1953. El aprendizaje incluyó lecciones de modelado, vaciado de yeso, carpintería y creación de modelos arquitectónicos a escala, así como dibujo y lectura de planos arquitectónicos. Newton asistió al Antioch College en Yellow Springs, Ohio, durante varios años antes de trasladarse a la Academia de Bellas Artes de Pensilvania (PAFA) en Filadelfia para formalizar sus estudios de escultura. Los profesores de PAFA y los coleccionistas de arte locales alentaron a Newton a desarrollar su enfoque de la figura humana similar al de Rodin: su capacidad de transmitir los movimientos poéticos del cuerpo y el alma utilizando arcilla. [4]
Helen y Newton se casaron en 1953. Hay una colección notable de cartas en los Harrison Papers de Stanford escritas y recibidas por los Harrison en su primer viaje al extranjero a Florencia, Italia , donde vivieron de 1957 a 1960 con financiación parcial de la Beca Scheidt Memorial de PAFA. y el resto financiado por los padres de Newton, Estelle y Harvey. Las cartas de Florencia expresan la experiencia de la pareja viviendo en el extranjero y contemplando el propósito de sus vidas. Helen fue directora de la Escuela Infantil Internacional de Florencia durante dos de los tres años que vivieron en el extranjero, aunque el centro de las cartas es la determinación de Newton de convertirse en artista profesional. "Muchas gracias", comienza una carta dirigida a Estelle y Harvey, porque ustedes dos "nos permiten encontrarnos a nosotros mismos. El camino del artista no es fácil, pero las recompensas para nosotros son muchas, y la promesa de poder utilizar "Nosotros mismos significativamente según nuestras capacidades es la única promesa que tiene significado para nosotros". [5]
Los Harrison regresaron de Florencia a la bulliciosa escena artística de la ciudad de Nueva York en 1960. Inicialmente, Newton encontró trabajo enseñando pintura experimental a niños en Henry Street Settlement y en centros vecinales. Luego se matriculó en la Escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad de Yale para completar su licenciatura y maestría en bellas artes. El reclutamiento de la Guerra de Corea había interrumpido el progreso hacia su licenciatura en PAFA. Se matriculó en 1952, pero luego se vio obligado a servir dos años en el ejército de los EE. UU., de 1953 a 1955. El tiempo que los Harrison vivieron en el extranjero, en Florencia, había pospuesto aún más la finalización de su licenciatura. A principios de la década de 1960, la ciudad de Nueva York era la zona cero del espíritu greenbergiano de la pintura abstracta, que enfatizaba la autonomía y la primacía de la pintura aplicada a un plano pictórico trascendente.
Helen estuvo muy involucrada en diversas actividades humanitarias a principios de la década de 1960. Helen "se sumergió en una escena cultural que fusionó el mundo del arte, el mundo de la música folklórica y el movimiento por la paz. Organizó conciertos y Hootenannies para recaudar fondos para el movimiento de derechos civiles y otras causas, y se hizo amiga de músicos que iban desde los Clancy Brothers hasta Archie Shepp. Fundó el Centro de Paz de Tompkins Square. El grupo que ayudó a formar incluía a Dorothy Day del Trabajador Católico , Dave McReynolds de la Liga de Resistentes a la Guerra , Judith Malina y Julian Beck del Living Theatre , David Dellinger del Grupo Anarquista Pacifista. Gilmore del Comité de Servicio de Amigos Estadounidenses . Fue la primera coordinadora en Nueva York de la Huelga de Mujeres por la Paz, una fuerza importante en el movimiento contra la guerra y una organización crítica detrás del tratado de prohibición de ensayos nucleares de 1964. [6]
Newton había comenzado a sentir que las convenciones del modelado de figuras y la perspectiva se habían vuelto extremadamente pasadas de moda. Con estas influencias, Newton dejó de lado la escultura y comenzó a consolidarse como pintor. Sewell Sillman y Al Held fueron dos mentores clave de Newton durante su estancia en Yale. Combinando lecciones de teoría del color con Sillman y lecciones de abstracción extrema con Held, pintó composiciones atrevidas. Sin embargo, esas pinturas conservaron su objetividad. Parecían esculturas pigmentadas en relación con la arquitectura circundante".
Newton se graduó en Yale en 1965, a los treinta y dos años, con una licenciatura y una maestría en Bellas Artes. Luego consiguió su primer puesto docente como profesor asistente a cargo de Fundamentos Visuales en la Universidad de Nuevo México (UNM). Con cuatro hijos en edad escolar y su propio conjunto de títulos, Helen también volvió a trabajar en la UNM enseñando literatura, aunque orientó su trabajo en el campo de la educación de manera más amplia. Helen quería plantear la cuestión de la igualdad y el acceso a una buena educación en todos los niveles de la sociedad. Ella y Newton colaboraron en la redacción de un ensayo que exploraba nuevas direcciones en la educación artística para quienes abandonaron la escuela secundaria. Titulado "Los desertores y un 'diseño para vivir'", el ensayo se publicó en New Perspectives on Poverty . [7]
Los Harrison se mudaron a La Jolla, California , en 1967, cuando el pintor expresionista abstracto Paul Brach , presidente fundador del Departamento de Artes Visuales de la Universidad de California en San Diego , reclutó a Newton para unirse a su facultad. [8] Los indicios de la creciente colaboración artística de Helen con Newton ya eran evidentes durante este tiempo. "La sensación del circuito de literatura y conferencias era que Newton era el “alquimista” y constructor; Helen, la erudita y teórica que también aportó la fotografía y el texto a la práctica; esto se abraza retóricamente en uno de los primeros guiones de su colaboración..." [9]
Newton inició un período de tres años de experimentación intensiva en el campo ampliado. Durante este tiempo se relacionó directa y libremente con ingenieros, biólogos, políticos e incluso corporaciones ajenas al ámbito del arte. Participó en Experimentos en Arte y Tecnología de Billy Kluver , así como en el programa de Arte y Tecnología de Maurice Tuchman en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA). Produjo diseños esquemáticos para obras de arte que exploraban el comportamiento orgánico e interactivo de los sistemas vivos y tecnológicos, y comenzó a pensar en los procesos de crecimiento y las transformaciones como obras de arte más que imágenes y objetos. [10]
Helen y Newton siguieron caminos diferentes y a diferentes velocidades para transformar sus carreras después de llegar a la UC San Diego en 1967. El período inestable de reflexión sobre ideas sobre ciencia, tecnología, igualdad y justicia a finales de la década de 1960 es clave para comprender su decisión. para comenzar a colaborar entre sí en 1970 con motivo de la exposición "Pieles y plumas" en el Museo de Artesanía Contemporánea de la ciudad de Nueva York. En una obra llamada Un Centro Nervioso Ecológico presentada en el Museo de Artesanía Contemporánea, inauguraron una carrera de experimentación en la producción y exhibición de arte como conocimiento que informa el cambio social y ambiental.
Al mudarse a California en 1967, Helen se matriculó en la Universidad Internacional de los Estados Unidos (conocida hoy como Alliant International University ) para comenzar un programa de doctorado interdisciplinario en la Escuela de Graduados en Liderazgo y Comportamiento Humano. Con una preocupación constante por la igualdad y la justicia social, buscaba actualizar y sintetizar tres áreas de especialización (lenguaje, aprendizaje y psicología social) para poder contribuir con la investigación para garantizar que todos los estudiantes tengan las mismas perspectivas de vivir bien. Sin embargo, Helen se retiró del programa de doctorado después de unirse a la División de Extensión de la UC como coordinadora de programas educativos en 1969 y ascender a un puesto de directora en 1970. Durante su mandato como directora de los programas educativos de la División de Extensión de la UC, la inscripción y la oferta de cursos aumentaron de un promedio de cuarenta y dos clases a cincuenta y cinco clases por trimestre. El objetivo de Helen era brindar a los maestros del condado de San Diego cursos para mejorar su nivel de experiencia en áreas temáticas, y al mismo tiempo brindarles una comprensión más profunda de la psicología y el desarrollo infantil. Amplió el alcance de los programas educativos de la División de Extensión de la UC a más de diez distritos escolares del condado e introdujo conferencias de un día y dos semanas de duración que atrajeron a participantes de todo el país.
Mientras estudiaba en la Universidad Internacional de los Estados Unidos, Helen también recopiló escritos de la vanguardia del Movimiento de Liberación de la Mujer, entre ellos: "Status of Women in Graduate Departments of Sociology: 1968-1969" de Alice S. Rossi , aceptado para su publicación en The American Sociologist. (Otoño de 1969) y disponible a través del Caucus de Mujeres de la Asociación Estadounidense de Sociología en su convención de San Francisco; "Hacia un movimiento de liberación femenina", de Beverly Jones y Judith Brown, publicado por New England Free Press; y "Kinde, Kuche, Kirche as Scientific Law: Psychology Constructs the Female" de Naomi Weisstein , publicado por New England Free Press. [11] A raíz del feminismo de la segunda ola, la preocupación de Helen por la igualdad y la justicia social había crecido hasta incluir, de manera más directa, sus propios derechos como mujer a utilizarse significativamente de acuerdo con sus propias capacidades y a ser reconocida por sus contribuciones.
El primer compromiso prolongado de Helen con el trabajo de Newton fue en "Pieles y plumas", donde la investigación de tres estudiantes de posgrado que ella guió fue fundamental. En esta etapa, Helen solo contribuía a la parte de investigación cuando no estaba ocupada con su trabajo diseñando clases y planes de estudio en UCSD Extension. Helen y Newton mantuvieron una colaboración informal que se remonta a la década de 1950. Cuando se mudaron al Lower East Side , ayudaron a formar el centro de paz de Tompkins Square, un complemento del centro de paz de Greenwich Village. El objeto de su trabajo colectivo aquí condujo a la Marcha de las Mujeres en Washington en un esfuerzo por lograr que Kennedy detuviera las pruebas en tierra, ya que el estroncio 90 de las pruebas atómicas aparecía en la leche materna. Más tarde, Helen se convirtió en la primera coordinadora de la Huelga de Mujeres por la Paz en Nueva York. Su trabajo conjunto fue integral, pero informal durante este período. Helen estaba siendo considerada para el puesto de vicerrectora de Extensión de la UC. Le preguntó a Newton cómo se sentiría si desayunara un vicerrector todas las mañanas. Newton respondió que preferiría hacerlo con un artista. Newton imaginaba obras que crecían en escala y complejidad, y sabía que no podrían llevarse a cabo por sí solo.
En su reseña de la exposición "Pieles y plumas", Richard Elman describió haber contemplado "un gran mapa blanco del mundo en la entrada principal que estaba lleno de anotaciones impresas, especialmente la parte estadounidense, en tonos rojos y grises para distinguir ' "en peligro de extinción" por especies de vida silvestre "exterminadas". Aún más impresionable fue la grabación de audio que Elman recuerda como "una letanía, una lista de víctimas, entonada con voz plana y desanimada. Durante unos quince minutos, se habló de las actividades de caza de los jeques de la península arábiga, de todo el país". poblaciones de aves marinas, monos, leones, vincuñas y alcas grandes ". [12]
Poco después, Helen decidió renunciar a su puesto de directora de los programas educativos de la División de Extensión de la UC para dedicarse al arte a tiempo completo en 1972. En su carta de renuncia, escribió con afecto: "¡Me he divertido mucho aquí! Sin embargo, me estoy volviendo cada vez más Soy artista en mi vejez y estoy haciendo lo que hemos ofrecido en varios cursos de extensión: 'cambiar de carrera a mitad de camino'". [13] "Pieles y plumas" fue el trabajo final por el cual Helen no recibió el mismo crédito que Newton después de que comenzaron su asociación artística oficial.
Son fundamentales para la historia de Helen la solidificación de su carrera como artista dos trabajos en solitario a través de los cuales llegó a su propia comprensión vanguardista de la participación en la forma de crecimiento y el activismo de crecimiento. Strawberry Jam (1973), el primer trabajo en solitario, comenzó cuando Dextra Frankel, director de la Galería de Arte de la Universidad Estatal de California en Fullerton , contactó a Helen en febrero de 1973 para preguntarle si le gustaría participar como artista solista en una gran exposición colectiva. titulado "En una botella". Como recuerda Helen en una declaración escrita a máquina reflexionando sobre la exposición: “Acababa de terminar de ayudar a Newton Harrison con una obra llamada Strawberry Wall y él me sugirió que hiciera una actuación haciendo mermelada, ya que yo hacía los banquetes para sus trabajos de crecimiento, y Pensé: ¿qué hay en una botella sino mermelada? En una hoja de papel separada, arrancada de un viejo cuaderno de notas del Departamento de Lengua y Literatura Inglesas de la Universidad de Nuevo México (donde Helen enseñó de 1965 a 1967), registró una corriente de conciencia que detalla aún más su proceso creativo: “ Una de las cosas que se pueden hacer con una botella es llenarla. Una de las cosas básicas para llenar una botella es comida. Se elabora la comida y se conserva en la botella. Recolectar botellas y llenarlas con comida... imagina que no hay comida para nosotros este año y tenemos que hacer que la comida del próximo año (Food Wall) entregue su producción a otras personas en una serie de banquetes (rituales de abundancia), regístralo”. [14] Strawberry Jam se convirtió así en una actuación de resistencia en la que Helen preparó quince frascos de mermelada de fresa por día durante seis días consecutivos usando solo ingredientes naturales como jugo de limón y vino para espesar la mezcla, y la menor cantidad de azúcar posible para familiarizarse con el Sabor dulce de la propia fruta. Las recetas variaban cada día según la dulzura de las bayas extraídas de las plantas, y la mermelada se volvió cada vez más ácida a medida que Helen llegó a apreciar la forma en que el limón y el vino realzaban el matiz ácido de las bayas. Los cinco primeros días de la actuación se desarrollaron en privado. El sexto día, Helen representó la realización de Strawberry Jam para una audiencia en la Galería de Arte del California State College en Fullerton. Y al séptimo día descansó.
Seis meses después, Helen volvió a hacer mermelada de fresa como proyecto de investigación artística. Había seguido reflexionando sobre las imágenes conceptuales de la botella y la ideología de preservación que la acompaña. Se preguntó cómo el medio de la fotografía serviría como herramienta de preservación o tal vez de continuidad, no de la fruta en sí, sino del conocimiento y la habilidad necesarios para plantar, cultivar y cosechar fresas en ciclos de regeneración con momentos de abundancia y escasez. Como experimento de estudio, Helen utilizó estantes cuadrados montados en la pared para organizar una composición cuadriculada similar a un lienzo de frascos llenos de mermelada sobrante de la exposición de Fullerton. Luego le rogó a Philip Steinmetz, un artista conceptual y fotógrafo que en 1971 se había unido al cuerpo docente del Departamento de Artes Visuales de la Universidad de California en San Diego, que hiciera dos imágenes en color: una de la abundancia con todos los frascos en su lugar para llenar los estantes, y otra de escasez con sólo unos pocos frascos en su lugar. También produjo una tercera y convincente imagen en la que colocó solo tres frascos encima de una pequeña pila de libros, incluido The Structure of Art de Jack Burnham , e imprimió varias copias de manera que pudiera modificar la composición usando técnicas de collage. Con el collage, Helen pudo ajustar la cantidad de frascos y apilarlos en diferentes formaciones acumulativas como una forma de reflexionar sobre los méritos de la forma de crecimiento y el activismo de crecimiento por parte de las mujeres en relación con la llamada estructura del arte.
Off Strawberry Wall (1974), el segundo trabajo en solitario de Helen, comenzó cuando la historiadora del arte feminista Arlene Raven invitó a Helen a participar en el programa de exposiciones en el Women's Building de Los Ángeles. Helen formó pareja con Joyce Shaw para una exposición de tres semanas en Grandview One Gallery dentro del Women's Building. La declaración del artista que produjo para esta muestra demuestra aún más la fluidez de su pensamiento sobre el tiempo, el trabajo, la cultura, el arte, la preservación y la continuidad de la vida. En este comunicado explicó que ambas obras de fresas son “spin-offs y diversiones de fiestas y espectáculos que he hecho en otros contextos. Me interesa la relación entre las morfologías y transformaciones que ocurren al vivir, crecer y cocinar y las transformaciones que llamamos arte. Estoy especialmente interesado en aquellas transformaciones intencionales que hacen que los objetos representen procesos. El juego del tiempo, la naturaleza y el artificio es un elemento importante en mi trabajo y me intriga la yuxtaposición de fresas de crecimiento real, la vida útil de la mermelada y las transformaciones instantáneas de la cámara y el collage”. [14] En la pared más grande de Grandview One Gallery, Helen colgó las fotografías de Steinmetz junto con su collage exploratorio que cuestionaba los méritos del trabajo de las mujeres en relación con la estructura del arte. En una pared adyacente, instaló un pasto horizontal bajo de plantas de fresa en formas modulares similares a contenedores que Newton había diseñado para Survival Pieces . Pero el cierre de la exposición el 23 de marzo de 1974 coincidiría con una celebración especial llamada explícitamente "Un día hecho por la mujer" que incluiría una serie de eventos como una presentación de diapositivas de autoayuda ginecológica a cargo del Feminist Women's Health Center, una sesión de kárate y manifestación de autodefensa de Karen Iwafuchi, un foro abierto sobre supervivencia y poder de la Comisión Contra la Violación, una presentación sobre la creación del Feminist Studio Workshop (entidad que fundó el Women's Building) y una actuación improvisada de Helen.
Con Strawberry Jam (1973) y Off Strawberry Wall (1974), Helen reafirmó la obra de arte como una oportunidad para que los participantes aprendan, sientan e incluso establezcan vínculos con sus fuentes de alimentos como algo precioso y, a su vez, se vean a sí mismos como capaces de producir alimentos. crecimiento y tomar decisiones que beneficien a la sociedad sin degradar la tierra. Estos dos trabajos de fresas también marcaron un punto de inflexión en una nueva política del conocimiento –una política afirmativa– mediante la cual Helen y Newton Harrison comenzaron a combinar la investigación científica sobre temas ambientales como la contaminación y el calentamiento global con la introspección autocrítica, las tecnologías de medios mixtos y la Acción en vivo del arte escénico para dinamizar las epistemologías y ontologías de la academia y la vida cívica. [15]
En 1974 y 1980 respectivamente, Newton y Helen se convirtieron en profesores titulares del Departamento de Artes Visuales de UC San Diego.
El tema de Harrison abarca una gran cantidad de disciplinas, pero siempre tiene como núcleo el bienestar ecosocial del lugar y la comunidad. Ya sea que se trate de recuperación de cuencas hidrográficas, reforestación o proyectos modestos en ciudades y sus alrededores, el pensamiento sistémico completo guía los procesos conceptuales de su investigación. Han expuesto amplia e internacionalmente con instalaciones a gran escala utilizando diversos medios que contienen un pensamiento crítico y propositivo. Utilizan el formato de exposición de varias maneras, a menudo en el sentido de una reunión municipal, siempre con la intención de que sus propuestas salgan de las paredes, aterricen en procesos de planificación y, en última instancia, resulten en intervenciones hacia la justicia social y ambiental.
The Harrison Studio ubica su trabajo dentro de los dominios tanto del arte como de la ciencia. Al operar en el ámbito del arte, los Harrison enseñan las dimensiones ecológicas de la condición humana mejor que si trabajaran en el ámbito de la ciencia. Al hacer arte con contenido ecológico, el Estudio implica que la especie humana debe tratar el planeta como una escultura. Si bien no fue evidente en ese momento, en retrospectiva, el trabajo de los Harrison se divide naturalmente en cinco fases principales. Estas fases siguen una progresión natural a medida que evolucionan y crecen en escala y se alinean libremente con diferentes décadas a lo largo de sus casi 50 años de colaboración artística. Estas fases son la Profética, la Urbana, la Biorregional, la Global y, finalmente, la Fuerza Mayor, que se centra en comprender cómo toda la vida, no solo la humanidad, sobrevivirá cuando se enfrente al cambio climático en un futuro lejano a medida que la entropía aumenta inevitablemente. [dieciséis]
La mayor parte del trabajo de los Harrison es poesía y está escrita en una especie de poesía en prosa [17]; su razón para usar la forma poética es cómo la poesía permite la condensación de información. Además, la poesía no conlleva la discordia burocrática tan común en la mayoría de las propuestas de proyectos. Más bien, se centran en crear nuevas metáforas y narrativas orientadoras para lugares tan pequeños como una esquina de Santa Mónica o tan grandes como toda Eurasia. Los trabajos de Harrison Studio se realizaron principalmente por invitación y encargo. [18]
Los Harrison comenzaron su colaboración activa en 1970. Esta década puede recordarse como los "Años de la Profecía". [19] Helen renunció a su puesto en la Universidad, actuó como asistente de investigación y diseñadora de performance y Newton fue el autor y construyó el trabajo en 7 "Survival Pieces". [20] Las imágenes y los temas cubrieron Cómo hacer la Tierra, Pasto para cerdos, Huerto portátil, Granja completa, Granja de peces portátil, Granja de camarones en salmuera y Granja de cangrejos. Las imágenes muestran que Full Farm contenía otros elementos, como un huerto de patatas y una granja de lombrices. Los Harrison afirmaron que su intención era demostrar el valor de la agricultura urbana y, al hacerlo, crear una dieta equilibrada. Su intención era que cada instalación de la serie contribuyera al diseño de un sistema alimentario productivo y sostenible . El trabajo presagiaba historias futuras del BioArte y debates sobre la ética, las ontologías y los efectos de la vida no humana o posthumana. Los Harrison trabajaron con entidades vivientes como medios artísticos y adoptaron biofunciones como el desperdicio, la procreación, el crecimiento, la evolución, la muerte y la descomposición como procesos artísticos. Estas obras han sido recreadas en numerosos lugares alrededor del mundo, como Toulouse en 1998, [21] Londres, en 2009 en Barbican, [22] y el Walker Museum of Art en Minneapolis en 2016, [23] y Los Ángeles en 2017. , entre otros, y profetizó el trabajo agrícola urbano de finales de los años 1990. [24]
Estos trabajos fueron seguidos por otro trabajo profético, esta vez una propuesta para la piscicultura policultural a lo largo del Mar Salton en 1974 y 1975. [25] En 1976, los Harrison hicieron un análisis muy complejo de la agricultura irrigada y la entonces tan promocionada revolución verde. En esta obra, titulada “Las Meditaciones sobre el río Sacramento, el Delta y las Bahías de San Francisco”. [26] Las dos últimas estrofas poéticas sostienen que los recursos utilizados para realizar cultivos de regadío arruinaron los ríos, la ecología del Valle Central de California , incluso los bosques de la Sierra Nevada , elevando la entropía de toda una biorregión.
Esta colaboración tuvo lugar originalmente en el Museo de Arte Contemporáneo de San Francisco como una exposición de una variedad de medios, incluidos murales, graffiti y performance. [27] Declaraciones escritas con tiza en las calles de la zona, vallas publicitarias que mostraban la palabra agua y varios carteles que cuestionaban la necesidad del riego formaban parte de esta exposición. En el interior se mostraban imágenes repetidas de una vista satelital de California que se centraba en diversos puntos de referencia, como topografía, fronteras y cuerpos de agua, rodeadas de meditaciones escritas y críticas de las prácticas de riego y su impacto en el medio ambiente y la biodiversidad. Esta colaboración también incluyó la realización de lecturas, asesoramiento al personal del agua y una reunión de la Junta del Agua grabada en vídeo. Esta colaboración transmitió de manera efectiva los problemas y contradicciones del riego intensivo que ocurre en estas áreas a espectadores de todos los diferentes niveles de conocimiento y comprensión previos. [28]
Los Harrison afirman que ésta es la segunda crítica a gran escala de la agricultura de regadío. La primera crítica menos agresiva llegó varios años antes en una publicación de Ralph Nader. [29]
De 1975 a 1977, algunas de las acciones más políticas de los Harrison fueron sus críticas a la forma en que la Conferencia sobre el Derecho del Mar estaba explotando el océano para la 76 Bienal de Venecia. [30] En 1975-76 también hicieron un trabajo titulado “Meditaciones sobre los Grandes Lagos de América del Norte”. [31] Esta fue su primera propuesta biorregional a gran escala, donde la propusieron a petición del Centro de Estudios del Siglo XX de la Universidad de Wisconsin . El trabajo biorregional, que retrocedió para centrarse en áreas más grandes, prevalecería cada vez más en su trabajo en el futuro.
Hicieron una propuesta simple que sugería reunir los Grandes Lagos y formar una cuenca gigante basada en los dictados de la ecología. La tercera meditación que hicieron en este período se tituló “Meditaciones sobre los indios Gabrieliño” cuyo nombre tribal original ya no se recordaba, pero que cultivaban con fuego y hacían guerras con canto. [32] Este trabajo es fundamental para comprender el proceso de ecocidio y genocidio que se aplicó conjuntamente al trato que los sacerdotes españoles dieron a estos primeros pueblos con conocimientos ecológicos. Este podría considerarse el primer trabajo de justicia social a gran escala de los Harrison.
Todos los trabajos detallados anteriormente fueron proféticos en el sentido de que hicieron predicciones concretas sobre el futuro y el resultado a largo plazo de la destrucción ambiental. En ese momento esto no era obvio, pero a medida que más y más de sus predicciones comenzaron a hacerse realidad, la naturaleza profética de estas obras se hizo evidente. El último trabajo profético que hicieron los Harrison es el texto final de su Ciclo de la Laguna, [33] un poema que visualiza el aumento del océano mundial y la migración masiva a regiones más frías. Finalmente, terminando con su súplica:
Y la mayor parte de la vida
Conocida y desconocida
Con nombre y sin nombre
Tendrá que ir a otros lugares además de ahora
Como vastas partes de la costa oriental
De América del Norte
Y partes de Europa
Cerca del Mar del Norte
Y América del Sur cerca del Amazonas
Y China en el este
Y Rusia en el norte
India en el noreste
Y otros pedazos de Asia África
Polinesia Melanesia
Australia e incluso Japón
Se unirán al mar en crecimiento
Y en este nuevo comienzo
En este continuo recomenzar
Me alimentarás
Cuando mis tierras ya no puedan producir
Y te albergaré
Cuando tus tierras estén Cubierto de agua
Y juntos
Nos retiraremos
Mientras suben las aguas
[34]
Esta década fue un período enormemente productivo en la vida de los Harrison, ya que continuaron produciendo la enorme obra titulada "The Lagoon Cycle". [35] En esta obra, escrita principalmente en forma de poesía en prosa, vemos lo que equivale a ser un mural de 350 pies de largo en 60 partes en 7 secciones. Fue adquirido por el Centro Pompidou en 1998 y se cita a menudo en la literatura. Durante más de 25 años han experimentado con obras de arte biodinámicas relacionadas con el agua. [36] En The Lagoon Cycle, los Harrison intentan sintetizar la biología, la historia, la economía, la mitología, la geografía, la acuicultura y la geología para generar un nuevo paradigma para pensar sobre las realidades globales, con el agua en lugar de la tierra como base para evaluar las ideas. [37] Este cambio de énfasis de la tierra al agua está simbolizado por la diferencia entre el primer mapa de The Lagoon Cycle, que muestra la masa terrestre de América del Norte en el centro del globo, y el mapa final, que tiene en su extremo El centro no es tierra, sino agua, el Océano Pacífico . [38]
Durante la década de 1980, los Harrison cambiaron gradualmente su enfoque hacia las ecologías urbanas. Habían comenzado su carrera con una autolimitación frecuentemente citada. Es decir, no se comprometieron a realizar ningún trabajo que no beneficiara al ecosistema durante el resto de sus vidas. [39] Esta decisión resonó con el desarrollo del arte conceptual , donde una sola decisión podía determinar un cuerpo, o incluso toda una vida de trabajo. Se vieron obligados a adoptar consideraciones urbanas, ya que la financiación que les permitió realizar obras generalistas a gran escala como las meditaciones y The Lagoon Cycle se desvaneció, y durante este período la financiación para el trabajo provino en gran medida de instituciones urbanas.
Por ejemplo, en Baltimore Promenade, [40] el director del Instituto Maryland , Fred Lazarus, preguntó a los Harrison cómo responderían a una planificación urbana defectuosa . Baltimore Promenade fue un trabajo sorprendentemente eficaz. Los Harrison argumentaron que el sistema de paseo marítimo de la ciudad había sido enormemente socavado por tipos de desarrollo equivocados, que alojaban a la gente en grandes edificios que eran como sistemas de almacenamiento. Este trabajo fue único desde varias perspectivas.
En primer lugar, el núcleo de este trabajo fueron 5 fotografías aéreas de 8' cuadrados, donde todos podían ver su casa y todos podían ver dónde se desarrollaría el paseo marítimo. Una segunda propiedad destacable fue que el alcalde y el ayuntamiento apoyaron este trabajo, y cuando los Harrison propusieron un paseo por toda la ciudad, el alcalde lo condujo por la ciudad en un carruaje tirado por caballos con tal éxito que el grupo de planificación urbana inmediatamente aportó 15 millones de dólares. recrear un tramo del paseo denominado corredor cultural. Otra propiedad notable fue que el paseo marítimo conducía desde diferentes secciones de la ciudad hacia la nueva construcción en Harborplace . [41]
Otra obra urbana muy sorprendente ocurrió en la pieza titulada “Fortress Atlanta”, [42] encargada por la Emory University Gallery con el Dr. Clark Poling como director. En él, los Harrison descubrieron que el centro de la ciudad de Atlanta se había remodelado en edificios muy grandes con entradas únicas, poco atractivos y con todos los estacionamientos rodeados de alambre de púas. Después de un estudio cuidadoso, los Harrison propusieron que la ciudad se había rediseñado en oposición a la segunda enmienda de nuestra constitución, que legaliza las reuniones públicas, y sostuvieron que Atlanta se había rediseñado para que el público no pudiera reunirse en su centro. En rápida sucesión hay una obra llamada Barrier Island Drama, [43] invitada por el Museo de Arte John and Mable Ringling , en la que los Harrison abordan la destrucción de los manglares y crean conciencia sobre esto en toda la región.
En 1985, mostraron "Barrier Island Drama" en la Bienal de São Paulo y, unos meses después, mostraron trabajos de restauración para la ciudad de Pasadena . Dos años más tarde, Santa Monica Mountain Conservancy los invita a hacer una segunda propuesta para la presa Devil's Gate en Pasadena. Sucedió algo extraordinario. La princesa gabrieleño vio sus dibujos para la cuenca de Devil's Gate y argumentó que los Harrison habían pedido la restauración de un lugar sagrado al que llamaron “El lugar de las aguas que ríen”. En honor a esto, cambiaron el nombre de la cuenca de Devil's Gate a " Parque de la cuenca de Hahamongna ". No hace falta decir que los Harrison se sintieron honrados. [44]
También en 1987, invitados a la documenta 8, [45] realizaron un trabajo para la mejora del medio ambiente de la ciudad de Kassel, y este era crítico con la reconstrucción de la ciudad después de la Segunda Guerra Mundial . Los Harrison se opusieron a reconstruir la ciudad según los planes originales de Hitler. Otro resultado notable ocurrió. Al presidente alemán Von Weizsacker, de paso por la Documenta, le gustó tanto el trabajo de Harrison que les pidió que fueran a la ciudad de Berlín y trabajaran allí. Por ello recibieron el premio DAAD . [46] [47]
En Berlín, donde los Harrison pasaron dos semestres a partir de 1988, realizaron dos trabajos. La primera, una obra urbana titulada "Trummerflora: sobre la topografía del terror", [47] discrepaba del sistema de asesinato industrializado del gobierno alemán en sus campos de concentración. Contrapropusieron una obra que fuera un memorial, pero no un Evidentemente, esta obra fue considerada por el Parlamento alemán, pero fue rechazada por el jefe de la comunidad judía, ya que dicho líder dijo que el sitio era terrible y estaba tan terriblemente utilizado que deseaba que desapareciera y se convirtiera totalmente en vivienda y se olvidara. Los Harrison no estuvieron de acuerdo en vano [48] En 2003, se creó en esta área el Memorial de Eisenman a los judíos asesinados [49] El segundo trabajo, "Atempause für den Fluss Sava", realizado en 1989, es otro. Un ejemplo temprano de las investigaciones biorregionales de los Harrison, esta vez en el río Sava y las regiones circundantes. Finalmente, estos planes fueron aprobados por los funcionarios croatas, pero nunca se llevaron a cabo debido al conflicto y la inestabilidad causados por Slobodan Milošević . Estos trabajos biorregionales evolucionarían y aumentarían en escala a lo largo de la década de 1990. [50]
A principios de la década de 1990, los Harrison continuaron desarrollando sus trabajos prácticos biorregionales. Esto incluyó el ya mencionado "Celosio Serpentino", que presentó argumentos convincentes para la restauración de los bosques de niebla de América del Norte. Era una instalación que medía 10'x36′ y consistía en un mural de diapositivas que se disolvía de la desaparición del bosque lluvioso templado de la costa del Pacífico de América del Norte. La instalación también incluyó un mapa dibujado a mano de 12'x36′, texto y paneles fotográficos con imágenes del bosque.
En ese momento, se había talado el 95% del antiguo bosque y la tala de árboles había dejado alrededor de 75 mil millas de ríos y arroyos perturbados. El estudio creó un diseño que requeriría controlar el terreno elevado desde la Bahía de San Francisco hasta la Bahía de Yakutat en Alaska. Esto crearía un andamiaje para la recuperación sostenible del bosque lluvioso costero templado del noroeste del Pacífico. La idea principal era generar un sistema de seguridad ecológico, no muy diferente del sistema de seguridad social, y utilizar el 1% del Producto Nacional Bruto para intentar luchar contra la aparentemente interminable destrucción del medio ambiente. En esta instalación se incluyó un escrito para explicar mejor sus ideas y razonamientos. Este proyecto se llevó a cabo en Reed College en Portland, Oregon. Susan Fillin-Yeh apoyó a los Harrison en este esfuerzo. Douglas F. Cooley, de la Memorial Art Gallery de la universidad, encargó el proyecto. Serpentine Lattice se encuentra ahora en la colección permanente del Museo de Arte de San José .
Este trabajo particularmente complejo terminó proponiendo que la restauración se hiciera de tal manera que la ocupación humana operara como figura en un campo ecológicamente diverso. [51] En su tesis doctoral, Reiko Goto explica que el uso de un "cambio de metáfora" en este trabajo es un ejemplo de arte conceptual que contiene un mensaje ambiental mucho más poderoso. [52]
Los Harrison sostienen en su poema final que Estados Unidos debería desarrollar un sistema de ecoseguridad financiado con un porcentaje de la base impositiva que fuera similar en intención y proceso a la forma en que opera ahora el sistema de seguridad social.
Sin embargo,
si como forma de reciclaje
tomamos el uno por ciento
de nuestro producto nacional bruto
y establecemos un sistema de seguridad ecológica
similar a
nuestro sistema de seguridad social
,
aproximadamente 57 mil millones de dólares
estarán disponibles anualmente
para restauración/recuperación.
Finalmente
se invertiría el terreno
para que el ecosistema
se convierte en el campo
y el uso humano
en la figura dentro de él.
Entonces
el ecosistema nacional bruto
tomaría su lugar
privilegiado apropiadamente
como el campo dentro del cual pueden existir
los sistemas políticos,
los sistemas sociales
y los sistemas empresariales que constituyen
nuestra entidad ecocultural.
[53]
En 1993, Helen y Newton reclutaron a su hijo menor, Gabriel Harrison, arquitecto, y a su esposa, la diseñadora Vera Westergaard, para que se unieran a ellos y establecieran formalmente el Harrison Studio en La Jolla . Este período enfatizó especialmente el entrelazamiento del trabajo urbano y biorregional. Los Harrison permitieron que el trabajo urbano se desarrollara y se volviera bioregional en sus operaciones finales. Por ejemplo, en "El corazón verde de Holanda", el consejo cultural de los Países Bajos pidió salvar el Groene Hart , que había sido dañado por la contaminación y amenazado por un desarrollo urbano desenfrenado. Se trata de un área de 800 kilómetros cuadrados en el centro de los Países Bajos. La propuesta de los Harrison era biológica en estructura y biorregional por implicación.
Por ejemplo, su anillo de biodiversidad de 160 millas de largo está sintonizado con los ecosistemas de mini-sucesión que ocurren en todo el Corazón Verde. Si se aplica con suficiente agresividad, a medida que la agricultura retrocede en esa región y la red de vida aumenta, su número de ecologías de minisucesión, toda la región del Corazón Verde podría convertirse en un área biorregional única. [54] El trabajo de Green Heart finalmente recibió el premio Groeneveld por hacer lo máximo por el país de Holanda ese año en 2002. [55]
Esta estrategia que los Harrison desarrollaron para reconectar el mundo urbano con la biorregión en la que operan también se refleja profundamente en el trabajo de 1995-96, Endangered Meadows of Europe. Al igual que Holanda, que comenzó con una petición para que el desarrollo no dominara el Corazón Verde, algo que el trabajo de los Harrison logró lograr, las praderas en peligro de extinción también comienzan con una ciudad, esta vez la ciudad de Bonn. Su forma física era un tejado de un acre y medio en la cima del museo más grande de Alemania, que era el museo de Helmut Kohl . La obra fue enormemente popular. Acudieron un cuarto de millón de personas. Angela Merkel , entonces ministra de Medio Ambiente de Alemania, escribió el discurso de apertura. [56]
Sin embargo, la intención de los artistas era restaurar, en su estado original, las praderas de Europa. Si se restauraran las praderas, se recuperaría una parte importante de la red de vida en el subcontinente, ya que las praderas estaban compuestas por una multitud de especies de plantas, muchas de ellas en peligro de extinción. La fauna terrestre, las aves y los insectos también aprovecharon las praderas. La biodiversidad regresa a la ciudad y se argumenta para que regrese al campo. En última instancia, los Harrison propusieron que la transformación histórica del bosque en pradera también creó las condiciones para que se desarrollara una rica red de vida biodiversa e interconectada. [57]
El "Parque del Carbón de Leipzig" reinterpretó esta obra para una región que ya había sufrido graves daños por la contaminación. Proponía la regeneración de las vastas excavaciones realizadas para extraer lignito, que durante muchas décadas había sido fuente de electricidad para Alemania y Europa. A principios de la década de 1990, esta zona estaba en gran parte abandonada. Las excavaciones comenzaron a llenarse de agua que resultaba tóxica. Al mismo tiempo, había grandes superficies de tierra removida. Los Harrison se dieron cuenta de que la tierra removida tenía casi las mismas condiciones que el suelo dejado atrás por el retroceso de los glaciares. Los Harrison vieron esto como una oportunidad para desarrollar un ecosistema grande y novedoso, en parte lagos y lo que crecería en la tierra removida. La parte inusual de esta propuesta fue que defendía que la red de vida creara un ecosistema local especializado que, con el tiempo, se ubicaría en la biorregión más grande durante su regeneración. [58]
Otro proyecto, "Un paseo perimetral por Frankfurt", surgió a petición de los arquitectos de Hessen. [59] Se preguntó a cinco equipos qué harían para resolver los problemas de reducción de población y los problemas sociales de la ciudad de Frankfurt . Los Harrison rechazaron esto y redefinieron el problema. Descubrieron varios miles de acres de tierras de cultivo en los límites de la ciudad y propusieron un nuevo servicio que beneficiaría a toda la ciudad y beneficiaría enormemente el futuro del medio ambiente en general. Propusieron desviar aguas del río Main que serían bombeadas a estanques de purificación y luego reincorporadas al río en el lado oeste de la ciudad. En colaboración con esta nueva corriente, inventaron un paseo perimetral a lo largo de las tierras de cultivo y los bosques, salpicado por nueve invernaderos separados por aproximadamente un kilómetro.
Cada invernadero tenía en su interior lo que las investigaciones indicaban que viviría en este ambiente una vez que la temperatura hubiera aumentado, en este caso de 3 a 5 grados. Los distintos contenidos de los invernaderos eran bosques, sotobosque, pastizales, tierras de cultivo y praderas, a veces en combinación. Estos invernaderos y estas ideas innovadoras se retomarían muchos años después en los "Jardines del Futuro". [60] Esta obra impresionó tanto a los dirigentes de Frankfurt que su exposición en el museo fue presentada como la principal contribución de Frankfurt a la celebración de los Juegos Olímpicos . [59]
Después de regresar a California , uno de sus trabajos más singulares comenzó cuando los Harrison ganaron un concurso para conceptualizar una forma de conectar la ciudad de Santa Mónica con el paseo marítimo que operaba cerca del muelle de Santa Mónica . Los Harrison inventaron una obra titulada "California Wash". Desarrollaron un paseo serpenteante desde Pico Boulevard hasta el paseo marítimo que discurría entre Santa Mónica y Venice Beach. Los Harrison descubrieron que debajo del paseo marítimo había un emisario que liberaba el escurrimiento de la calle sin filtrar directamente al océano. [61]
Su diseño requería cubrir el emisario de tal manera que se creara un nuevo espacio y un nuevo trabajo llamado "Wave Fence" impidió que la gente cayera. Este trabajo creó una narrativa completamente nueva para esta parte de la ciudad. Parte de la financiación provino de un hotel llamado Shutters on the Beach. Este trabajo es emblemático de los problemas que plantea el trabajo público generado por el arte no convencional. El hotel se opuso a la ecología y quiso plantar flores no autóctonas en su jardín. La ciudad quería rediseñar el camino serpenteante debido a la preocupación de que los patinadores pudieran causar accidentes. El distrito de control de inundaciones detuvo el trabajo en esta pieza porque querían que la cubierta del emisario fuera lo suficientemente fuerte para soportar camiones grandes con cargas pesadas. La resistencia por metro cuadrado tuvo que mejorarse enormemente. Cientos de metros de concreto y estrías, plantaciones, hasta llegar a Pico Boulevard ya se habían completado cuando el trabajo se detuvo.
Todo este proceso se prolongó durante casi 6 años y la obra quedó inconclusa. Los Harrison descubrieron que había una ley que establecía que si la ciudad maltrataba una obra de arte público, los artistas podían pedir su devolución. Evidentemente se pusieron en contacto con la ciudad y solicitaron que se les devolviera el trabajo. Parece que esta solicitud informalmente animó a todos los involucrados y el trabajo se completó en 3 meses. [62]
En 1998, los Harrison fueron invitados por la Tate Liverpool y la Fundación Henry Moore a hacer propuestas para la Inglaterra central como parte de una exposición titulada Artranspennine 98. [63]
En esta obra, los Harrison tomaron el título literalmente y comenzaron una exploración de las montañas Pennines entre Liverpool y Kingston upon Hull . Descubrieron, trabajando con su colega David Haley, que hay calzadas romanas que definen esta región, tanto arriba como abajo. El título vino de Helen Harrison, quien se imaginó a sí misma con varios kilómetros de altura, proyectando una red verde sobre la región que desemboca en las 2 calzadas romanas y los 2 parques públicos gigantes a cada lado. En los grandes mapas que construyeron, este contorno tiene la apariencia de un gecko gigante en forma de dragón, y luego surgió el título: "Lanzando una red verde, ¿puede ser que estemos viendo un dragón verde?" [64]
Esta pieza tiene una amplitud y madurez de la que carecen los trabajos biorregionales anteriores, ya que aborda la agricultura, el pastoreo, el control de la población y el control de la vivienda. Además, los Harrison finalmente argumentan que si no se realizan controles de este tipo, se perderá la ecología de la región, al igual que 35 pueblos. Lo contrario ocurre si su trabajo se lleva a cabo.
La década de 1990 termina con un trabajo encargado a los Harrison por la dirección de la Exposición Universal de Hannover Expo 2000 . Esta obra no era una obra de arte, sino un libro, titulado El mundo como jardín [65] o Grune Landschaften [66] que debía tener el ambientalismo como tema central. Cuando un banquero belga asumió el liderazgo y eliminó todas las preocupaciones ambientales, incluso encargó a McDonald's que fuera el ejemplo de lo que es una dieta saludable, el anterior liderazgo encargó que se escribieran 10 libros sobre el medio ambiente de Europa. Resultó que después de un estudio cuidadoso, se entendió que el libro de Harrison era el único que tenía una propuesta directa, por lo que los comisionados originales preguntaron a los Harrison qué deseaban hacer con su propuesta.
En él, los Harrison hacen una propuesta en forma de pregunta. ¿Puede la Unión Europea , que en realidad cubre la mayor parte del subcontinente europeo hasta Polonia , empezar a comportarse como un organismo vivo? ¿Quizás un microorganismo como un paramecio, y eso mediante procesos autopoéticos [67] , donde se indica inteligencia porque una especie sabe lo que le conviene y lo busca, y sabe lo que le conviene y lo evita? Por lo tanto, la inteligencia se manifiesta en formas de vida en ausencia de un sistema nervioso central. En este libro, los Harrison preguntan: ¿puede toda la península de Europa comportarse de esta manera, con su gobierno determinando lo que es bueno y malo? La pregunta nunca recibe una respuesta suficiente. Esto los llevó directamente a su primer trabajo importante del siglo XXI.
A principios de la década de 2000, los Harrison evolucionaron sus obras hasta escalas continentales, continuando la tendencia establecida en la década de 1990. Cuando se les preguntó cómo procederían con las ideas expuestas en Grune Landshaften, los Harrison decidieron crear una exposición titulada "Península Europa". [68] Esta exposición proponía regenerar los ecosistemas forestales que atravesaban la península de Europa desde los Cárpatos a través de la llanura central del macizo en Francia, y aún más a través de los Pirineos hasta Portugal. Básicamente, argumentaron a través de muchos, muchos mapas, historias, mapas y piezas de piso que si estas tierras se salvaran y preservaran, el extremo superior de cada cuenca se regeneraría, salvando simultáneamente tanto el ecosistema del subcontinente como sus sistemas hídricos. Entonces, "Peninsula Europe, the High Grounds", realizada en 2001, se exhibió en una variedad de museos en 3 países diferentes con catálogos en 4 idiomas, se completó y se exhibió en 2005. [69] Los Harrison volverían a este trabajo con actualizaciones y nueva información varias veces durante la próxima década.
En 2003, los Harrison también se habían involucrado en un trabajo llamado “Santa Fe Watershed, Lessons from the Genius of Place”. Este fue su último gran hito. [70] La originalidad de este trabajo se puede ver en el esfuerzo de Harrison por restaurar la ecología de los arroyos para aumentar las aguas que fluyen hacia el río Santa Fe . Este río solía fluir libre y completamente hacia el Río Grande , pero ahora a menudo estaba seco como consecuencia del implacable sobregiro. Evidentemente, el concepto de esta obra se incluyó en el plan de la ciudad, pero nunca se implementó. La parte más singular de este trabajo es la colaboración del estudio Harrison con Rina Swentzell, la sabia Tewa y estudiantes de la escuela india. Después de todo, originalmente era su tierra, y los Harrison lo reconocieron enérgicamente y aprendieron de ello. [70]
El Harrison Studio se mudó de La Jolla a Santa Cruz en 2004. Los Harrison asumieron nuevos roles como profesores eméritos en la Universidad de California en Santa Cruz durante este tiempo. En 2005, después de completar el trabajo de Santa Fe y hacer su última presentación de la Península de Europa, comenzaron su siguiente trabajo biorregional titulado "Greenhouse Britain". Es el trabajo sobre calentamiento global más complejo y completo que el equipo de Harrison haya intentado jamás. El elemento más poderoso de este trabajo es un modelo de la isla de Gran Bretaña de 8'x30' con proyecciones sobre el modelo que mostraban el aumento del agua alrededor de la isla con marejadas ciclónicas. La intención de los Harrison era democratizar la información sobre el calentamiento global de tal manera que quienes viven y trabajan cerca del agua pudieran tomar el control de la planificación de su propio futuro. [71] Finalmente, este trabajo ganó el premio CIWEM por hacer lo máximo para alertar a la ciudadanía de la isla de Gran Bretaña para crear conciencia sobre cómo el calentamiento global iba a afectar sus vidas en el futuro cercano. [72]
El trabajo de los Harrison a menudo tiene una historia de fondo muy compleja, que a veces se desarrolla durante largos períodos de tiempo. Por ejemplo, "Tibet is the High Ground", encargada y exhibida por primera vez en 1993, tiene una historia complicada. Originalmente, la obra fue concebida en respuesta a la petición personal del Dalai Lama de que le ayudaran a diseñar un Parque de la Paz en la meseta tibetana . La investigación de Harrison descubrió que los siete ríos que fluyen desde el Tíbet y que alimentan gran parte de China y Asia están en peligro, allá por los años 1990, debido a una agresiva sobreforestación. En cambio, los Harrison inventaron un trabajo completamente nuevo que no aborda el Parque de la Paz, sino que propone que se forme un grupo transnacional para salvar estos ríos. El resultado no fue concluyente. [73]
En 2006, The Missing Peace se puso en contacto con los Harrison y les pidió que volvieran a visitar la obra para una nueva exposición sobre el Dalai Lama. Tras una compleja negociación, los Harrison realizaron una nueva obra sobre el Tíbet que se manifiesta en tres imágenes. El trabajo propone que la sociedad civil tendrá que cambiar considerablemente a medida que los 7 grandes ríos que fluyen desde la meseta tibetana se vuelven intermitentes en su flujo. Las razones de esto, ahora bien documentadas, son el derretimiento de los glaciares. Esto se debe a que los glaciares que crecían y se reducían solían suministrar agua constantemente a estos ríos, pero ahora los ríos se volverán mucho más erráticos en su flujo, ya que el agua de lluvia es mucho menos predecible que el lento y constante derretimiento de los glaciares. [74]
Las tres obras que propusieron en el Tíbet buscan maneras de que toda la meseta tibetana se vuelva verde y cambie la naturaleza del uso del agua. [75] Resucitando el espíritu de la fase profética de sus primeros trabajos, los conceptos explorados en las tierras altas del Tíbet representaron una nueva forma de mirar el cambio climático. Planteó la pregunta: ¿cómo podría la red vital adaptarse para sobrevivir si la humanidad aparentemente no puede o no quiere revertir el daño? Las nociones de pensamiento pragmático de futuro y estrategias de adaptación influirán en gran medida en la siguiente gran etapa de su trabajo. A partir de 2007, los Harrison introdujeron este nuevo tema global como un término tomado del mundo jurídico: La fuerza mayor . [dieciséis]
"Fuerza mayor se traduce literalmente del francés como fuerza superior. En inglés, el término se utiliza a menudo de acuerdo con su significado literal en francés, pero también tiene otros usos, incluido uno que tiene sus raíces en un principio de la ley francesa. En los círculos empresariales , "fuerza mayor" describe aquellos acontecimientos incontrolables (como guerra, paros laborales o condiciones climáticas extremas) que no son culpa de ninguna de las partes y que dificultan o imposibilitan la realización normal de negocios". [76]
Los Harrison proponen que nosotros, como raza humana, hemos inventado nuestra propia versión de este concepto. Definen la Fuerza Mayor como la transacción entre la crecida de las aguas que afecta a todas las zonas terrestres tocadas por el mar, la sexta extinción, que afecta a todos los seres vivos, y la ola de calor, que toca todas las superficies del planeta. Consideran que estas tres fuerzas colaboran para crear una fuerza mayor. Consideran que su trabajo más reciente busca descubrir fuerzas contrarias a esa escala. Unos 10 años después, este nombre se utilizaría para fundar la organización sin fines de lucro de los Harrison, el Centro para el Estudio de la Fuerza Mayor.
Mientras los Harrison trabajaban a escala global durante este período, también comenzaron a realizar una nueva serie de obras llamadas "Future Gardens". El Jardín del Futuro se propuso responder a una pregunta muy sencilla: dada la ola de calor extrema y sus implicaciones, ¿podemos cultivar, en el ahora, lo que vivirá en el futuro? La idea es que, como un ecosistema, o al menos la mayoría de las especies que lo componen, se desvanecen en una futura ola de calor, ¿podemos cultivar el reemplazo ahora en invernaderos para que se pueda ayudar e incluso acelerar la regeneración del ecosistema? La originalidad aquí fue ayudar a la migración de especies a través del tiempo. A los Harrison les resultó interesante trabajar en la escala más grande y más pequeña simultáneamente. Los "Future Gardens" están diseñados para ser fácilmente reproducidos y reconstruidos en diferentes entornos alrededor del mundo, al igual que las "Survival Pieces". En última instancia, los jardines del futuro se proponen democratizar la información botánica y cualquier grupo pequeño con asistencia botánica experta puede comenzar a hacer crecer su propio futuro.
Se podría argumentar que los primeros prototipos de Future Gardens aparecieron por primera vez en la década de 1990 como bocetos de invernaderos en Frankfurt [77] o como resultado de la instalación Endangered Meadows of Europe en Bonn, que exploraron temas similares. [57] El primer Jardín del Futuro construido en el terreno se tituló “Sagehen: A Proving Ground” [78] Este trabajo planteó específicamente la pregunta de qué crecerá mejor en la llanura después de que los incendios despejen el terreno en las Sierras Altas. La investigación fue realizada por el director de investigación del arboreto de Santa Cruz, donde se seleccionaron 21 especies por su capacidad para sobrevivir al calor y la sequía. Se hicieron 12.500 plantaciones, se cultivaron en el arboreto y luego se replantaron después de 8 semanas de crecimiento en la estación de investigación de la Universidad High Sierra Berkeley llamada Sagehen. Se eligieron 3 sitios para cada una de las 5 altitudes, a una distancia de 500 a 600 pies y uno encima del otro. Las tasas de supervivencia aún se están estudiando.
El segundo Jardín del Futuro se titula “Jardín del Futuro para la Costa Central de California”. Trabajando con los mismos principios, se eligieron nuevamente 20 especies y se propagaron en 3 invernaderos tipo cúpula. La temperatura en estos invernaderos se mantuvo constante 5 grados más alta de lo normal, y cada uno tenía un programa de riego diferente ya que la humedad era impredecible. Un experimento científico complejo y muy rico que crea una nueva narrativa restauradora para una región que pronto se verá sometida a estrés por calor. Los primeros 10 años de investigación fueron financiados por la Fundación Warhol. [79] La estructura inicial de los primeros 2 Future Gardens fue financiada por el estudio metabólico. [80]
El tercer Jardín del Futuro, aún en desarrollo, se titula "Jardín del Futuro para Europa Central". Ha sido financiado como parte de la Ciudad Cultural de Europa 2026 IEEU en Trenčín . [81]
A partir de 2015, cuando Helen comenzó a retirarse debido a la demencia, Newton inventó un conjunto de trabajos que trataba sobre un concepto llamado "planificación preventiva". Cuando un grupo de exhibición le preguntó qué harían por las bahías de San Francisco, [82] y propuso una planificación para un aumento del océano de varios metros. Estas aguas se elevarían en la bahía y fluirían de regreso al Valle Central, formando en última instancia una laguna estuarial de 500.000 acres. Esto se basa en la teoría de que, en períodos anteriores, tales. Como el Eemian , el Valle Central era un mar interior, lo que produjo algunas imágenes aéreas muy sorprendentes .
En 2016, The Harrison Studio publicó El momento de la fuerza mayor: después de 45 años, la contrafuerza está en el horizonte . [84] Este libro es un estudio exhaustivo y definitivo del trabajo conjunto de los Harrison y sus visiones para el futuro.
En 2018, el Centro para el Estudio de la Fuerza Mayor fue fundado por Newton Harrison en UC Santa Cruz, y opera según el principio de que "Nosotros, como especie, debemos adaptarnos a un mundo muy diferente... proceder [ing] en nuestro Afirmación de que los sistemas de adaptación a gran escala con base ecológica a los cambios extremos en el entorno en constante calentamiento son necesarios para la supervivencia colectiva y, por lo tanto, deben inventarse, vistos metafóricamente, están surgiendo dos fronteras que evolucionan exponencialmente: una es un frente de onda de agua. , avanza en los bordes de todos los continentes que tocan los océanos; la otra es una ola de calor que es cada vez más (aparentemente lenta, pero en realidad exponencial) y cubre, toca y afecta a todo el planeta y las vidas en él. de todas las demás fronteras que han sido parte de la experiencia humana, fronteras hacia las que hemos avanzado, la mayoría de las veces conquistando o explotando para nuestro propio beneficio. Estas nuevas fronteras avanzan hacia nosotros y nuestras respuestas habituales de explotar recursos para la producción, el consumo y el consumo. Las ganancias ya no son comportamientos significativos. Más bien, debemos adaptarnos para enfrentar estas dos fronteras en la escala en la que operan".
Helen Harrison comenzó a mostrar signos tempranos de demencia en 2012. Poco a poco se fue alejando del trabajo durante los años siguientes. Murió en 2018. [85] Después de ser su cuidadora principal mientras mantenía el trabajo encaminado, Newton continúa honrando su legado. Newton le pidió a su hijo Josh Harrison que se uniera a sus esfuerzos en esta época. Ese mismo año se convirtieron en codirectores del Centro para el Estudio de la Fuerza Mayor. Este centro, también sin fines de lucro, está financiado por la división de artes de la UCSC, entre otros.
Otra obra centrada en la planificación preventiva, expuesta en todo el mundo en 2018, se titula "La profunda riqueza de esta nación Escocia". Se formuló un elaborado conjunto de recomendaciones basadas en imágenes que ayudarían a la nación de Escocia a superar una ola de calor de 5 o 6 °C con un futuro abundante y ecológico. [86] La primera instalación a gran escala de esta obra tuvo lugar en la Bienal de Taipei en 2018. [87]
Estos temas se exploran más a fondo en "Helen's Town", un monumento conmemorativo, imaginado como un proyecto de desarrollo urbano del tamaño de una ciudad con raíces en la sostenibilidad ecológica y una visión pragmática de futuro. Esto se propuso en respuesta a una solicitud de MOSSUTSTÄLLNINGAR [88] en Suecia . La obra tiene una historia compleja y se publicó más recientemente en el catálogo de la Bienal de Liverpool de 2021 como capítulo de un libro. [89] Helen's Town en realidad propone una comunidad de 20.000 personas y responde a la pregunta: ¿cómo vivirá esta comunidad en abundancia cuando tantas especies ya han muerto? Una parte fundamental de la propuesta es elegir una región que hoy sea fría, pero que será lo suficientemente cálida y habitable para los humanos y otros animales salvajes después de que aumente la temperatura global, evocando una especie de futurismo rústico . Si bien su alcance es realmente enorme, se están realizando investigaciones para hacer realidad esta visión. Otros lugares que se están considerando además de Suecia son Maine , Inglaterra , la meseta tibetana o incluso Siberia .
A Harrison también se le pidió recientemente que hiciera un trabajo en la DMZ en la frontera entre Corea del Norte y Corea del Sur. La propuesta determina en última instancia que la DMZ en su estado actual se ha convertido en la reserva natural más rica de toda la región. La propuesta de Harrison argumenta ampliar la DMZ desde un corredor de 160 millas a 2 millas de ancho para incluir regiones montañosas deshabitadas asociadas. [90]
Harrison está trabajando actualmente con el Getty Research Institute en una retrospectiva del trabajo de Harrison en cinco sedes de California, comenzando con las "Survival Pieces" unos 50 años antes, y finalmente completando un estudio completo de la carrera de medio siglo de Harrison en el mundo del arte ecológico. . Se abrirá al público como parte de la hora estándar del Pacífico en 2024. [91] La curadora de la exposición es Tatiana Sizonenko. [92]
En 2023, la artista y curadora Janeil Engelstad produjo una sección especial de Leonardo (MIT Press) titulada “Disremembering the Harrisons”, donde Engelstad escribió un ensayo e invitó a artistas y escritores de todo el mundo a contribuir con artículos sobre el impacto internacional de Helen y Newton. trabajar y pensar en el arte y la ciencia.
El trabajo actual más crítico de Newton Harrison se titula "Un sensorio para el océano mundial". Este trabajo propone un entorno inmersivo complejo con el mundo Océano personificado por una voz generada por IA . Habría un mapa del océano mundial en el suelo e información científica en las paredes que rodeaban a la audiencia. El concepto que contiene es complejo, performativo e inmersivo. Harrison propone que la resolución de problemas impulsada por el deseo está determinada en parte por el deseo de que las organizaciones caritativas no puedan lograr salvar al mundo de la autosimplificación debido a las tensiones de explotación que enfrenta ahora. [93]
La lista de temas propuestos incluye acidez, muestras de núcleos, zonas muertas, viveros, humedales, entre muchos otros. La presentación inicial tiene como objetivo darle voz al Océano y resulta que ninguna parte de nuestro océano mundial está intacta. Muchas otras formas de vida están en juego si el océano mundial se simplifica y se vuelve mínimamente productivo. Las soluciones que produce Harrison están basadas en el arte, son perceptivas y bastante sorprendentes. El prototipo de Sensorium se está desarrollando actualmente en colaboración con JoAnn Kuchera-Morin , creadora de Allosphere en UCSB .
Los Harrison están representados por Varios Pequeños Fuegos en Los Ángeles, California y la Galería Ronald Feldman en la ciudad de Nueva York, Nueva York.
Harrison, Helen Meyer; Harrison, Newton (2016). El Tiempo de la Fuerza Mayor . Nueva York, Nueva York: Prestel Publishing. ISBN 978-3-7913-5549-8.
Kester, subvención (2013). Piezas de conversación: comunidad y comunicación en el arte moderno . Berkeley, CA: Prensa de la Universidad de California. ISBN 978-0-520-27594-2.
Harrison, Helen Meyer; Harrison, Newton (1999). Gruen Landschaften . Frankfurt, Alemania: Campus Verlag GmbH. ISBN 3-593-36037-3.
Capra, Fritjof (1996). La red de la vida . Nueva York, NY: Anchor Books, Random House Inc. ISBN 0-385-47676-0.
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