Philippe Mora (nacido en 1949 [1] ) es un director de cine franco-australiano .
Mora nació en París , Francia, en 1949, y creció en el centro de la escena artística australiana de la década de 1950 [2] y comenzó a hacer películas con una cámara de 8 mm que su padre le dio cuando aún era un niño, [3] y ganó premios de arte cuando era adolescente. [4] Es el hijo mayor de la artista Mirka Mora [5] y su esposo, restaurador [6] y dueño de una galería [7] Georges Mora , un combatiente de la Resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial . Después de una breve temporada en Nueva York , la familia emigró a Australia en julio de 1951 cuando Philippe tenía dos años y se estableció en Melbourne , donde los Mora fundaron los restaurantes Mirka Café y Café Balzac de Melbourne. Dos hermanos menores nacieron en Australia: William Mora (nacido en 1953, comerciante de arte) y Tiriel Mora (nacido en 1958, actor). En 1965 abrieron el Restaurante y Galerías Tolarno en St Kilda . [8]
Mora, un adicto al cine confeso desde la infancia, se caracterizó por sus películas de los hermanos Marx , las películas surrealistas de Jean Cocteau , Alfred Hitchcock , Buster Keaton (como director) y las primeras películas de Ernst Lubitsch , [9] como se refleja en sus primeras películas caseras. Back Alley , ahora conservada en el Archivo Nacional de Cine y Sonido , se hizo en 1964 cuando tenía 15 años. Esta fue una parodia de West Side Story filmada en Flinders Lane , Melbourne, justo detrás del estudio de su madre en 9 Collins Street . La película presenta a Mora, su hermano William y sus amigos Peter Beilby y Sweeney Reed. Su siguiente película, Dreams in a Grey Afternoon (1965), se hizo como una película muda, pero se proyectó con música del artista Asher Bilu . Filmada en 8 mm e impresa en 16 mm , la película presenta animación stop-motion de esculturas del escultor y pintor ruso-australiano Danila Vassilieff , e incluye imágenes raras de Sunday y John Reed .
Su siguiente proyecto, Man in a Film (1966), fue un pastiche de 8½ de Federico Fellini y también estuvo influenciado por su reciente visionado de A Hard Day's Night de The Beatles . Al igual que su predecesora, se hizo como una película muda, filmada en 8 mm y ampliada a 16 mm, y nuevamente proyectada con música de Asher Bilu. Man in a Film fue protagonizada por Sweeney Reed y se estrenó en las Galerías Tolarno a principios de 1967.
Give It Up (1967), filmada en Fitzroy Street, Melbourne , volvió a contar con la participación de Reed, junto a Don Watson y el hermano menor de Philippe, Tiriel. La película simbolizó la respuesta australiana a la guerra de Vietnam al mostrar a una mujer (interpretada por Zara Bowman) siendo pateada y golpeada repetidamente en la cuneta de una calle concurrida mientras los espectadores no hacen nada.
A finales de 1967, [10] cuando terminó la escuela, [11] Mora viajó a Inglaterra. Fue invitado, junto con su pareja Freya Matthews , por el artista australiano Martin Sharp a " The Pheasantry ", un edificio histórico en King's Road , Chelsea, Londres, que albergaba estudios y un club nocturno. [12] Esta residencia inspiró el nombre de su compañía de producción, Pheasantry Films. Como "Von Mora", durante este tiempo contribuyó con dibujos animados influenciados por Dada, el arte de las tiras cómicas, Francis Bacon y Vincent Van Gogh para la revista Oz y ayudó al coeditor Martin Sharp con su histórica edición "Magic Theatre". En 2007, junto con otros asociados con Oz , incluida Germaine Greer , criticó la representación sensacionalista de la época en la película Hippie Hippie Shake , [13] pero recordó en 2008 que; "La mayoría de mis raíces creativas están en Londres. Aquí es donde despegué, me estrellé, me quemé y despegué de nuevo. Parafraseando a Brendan Behan , en ocasiones, como muchos artistas, era un bebedor con un problema de pintura". [14] También hizo su siguiente cortometraje, Passion Play , filmado en el Pheasantry ca. 1967-1968 y con Jenny Kee como María Magdalena, Michael Ramsden como Jesús y el propio Mora como el Diablo.
Mora comenzó a pintar tan pronto como llegó a Londres, [15] y sus primeras exposiciones en Londres, "Anti-Social Realism" y "Vomart", se llevaron a cabo, por invitación de ella, en 1968 y 1969 en la galería Kings Road de Clytie Jessop , y obtuvieron excelentes críticas., [16] aunque la primera, en el Daily Mail anunciando que usó una fórmula de pintura especial que mata moscas, fue evidentemente una sátira escrita por el artista. [17] Jessop era hermana de Hermia Boyd (Hermia Lloyd-Jones), esposa del célebre ceramista David Boyd y una conocida actriz y directora que interpretó a la siniestra Miss Jessell en el clásico thriller sobrenatural de Jack Clayton The Innocents (1961), y más tarde dirigió la película Emma's War (1988) protagonizada por Lee Remick y una joven Miranda Otto . [ cita requerida ]
Mora también realizó una exposición en la galería Sigi Krauss, donde también exponía Martin Sharp, con cuadros pintados en blanco y negro. [2] La muestra también incluía una rata macho gris que había comprado en Harrods. Cuando la rata resultó ser hembra y dio a luz, intentó sin éxito vender las crías como "múltiples" en una edición limitada de ocho. La exposición de ratas atrajo el interés del artista vanguardista alemán Klaus Stacks, quien encargó a Mora que produjera una edición de cien serigrafías de la rata madre. [18] En febrero de 1971, Joseph Beuys y Erwin Heerich lo invitaron a firmar un manifiesto de "Llamado a la acción" que exigía la liberación del mercado de arte alemán.
Su siguiente exposición fue en 1970 en la galería Sigi Krauss con una escultura de tamaño natural de un hombre sentado, Pork Chop Ballad , una metáfora de la guerra en Vietnam. La provocativa y altamente simbólica exhibición de despojos de Mora causó revuelo. Un ladrillo fue arrojado a través de la ventana de la galería, lo que llevó a aparecer en la portada de Time Out . Más tarde, cuando la pieza comenzó a pudrirse, se llamó a la policía después de que la princesa Margarita , cenando en el restaurante de enfrente, se quejara del hedor. Los detectives de Scotland Yard descendieron a la galería y exigieron que se retirara la escultura, pero el dueño de la galería, Krauss, se negó. La policía afirmó que era un peligro para la salud y lo obligó a trasladarla al jardín, donde gradualmente se pudrió. [14] En la posterior exposición grupal de Krauss, Mora también proyectó su "pintura cinematográfica" de 8 mm Passion Play retroproyectada sobre una pantalla enmarcada en pan de oro.
Guy Brett comparó su obra en la exposición Narrative Painting in Britain in the Twentieth Century del Camden Arts Centre con la de David Hockney :
Las pinturas del joven australiano Philippe Mora… crean una atmósfera opuesta a la de Hockney. Sugieren redes de miedo, amenaza y violencia. Sin embargo, no es posible compararlas, porque Mora utiliza un estilo gráfico aparentemente seco y frío, económico, en lugar del impresionismo florido que uno podría esperar… Mientras que Hockney evita cualquier tipo de juicio moral, las pinturas de Mora son completamente moralistas… Tiene una manera efectiva de reinterpretar imágenes prestadas… con su línea delgada y sombría y su dominio de las imágenes grotescas. Mora crea una atmósfera fuerte. [19]
Trouble in Molopolis (1970), el primer largometraje de Mora (el título es un homenaje a Metrópolis de Fritz Lang ), [6] fue financiado por la asociación de Arthur Boyd y Eric Clapton . [20] Filmada en el apartamento de Robert Hughes y en el Pheasantry, la película presenta a Germaine Greer como cantante de cabaret, Jenny Kee como 'Shanghai Lil', Laurence Hope como un gánster, Martin Sharp como un mimo y Richard Neville como un relaciones públicas. Tony Cahill de The Easybeats colaboró con Jamie Boyd para la banda sonora antes del estreno de la película en el Paris Pullman Cinema en Chelsea, como un beneficio de Oz . Presentado por George Melly , la estrella John Ivor Golding también hizo una aparición memorable en el estreno, defecando en la primera fila y luego desmayándose en un coma alcohólico. [ cita requerida ] Se estrenó en mayo de 1970 en el Festival de Cine Independiente Británico de Londres, [21] y finalmente se proyectó en Australia en el Festival de Cine de Adelaida en 1980. [22]
A los 23 años, Mora dirigió Swastika , una compilación de dos horas seleccionada de 250 horas de documentales nazis capturados, propaganda antisemita, los Juegos Olímpicos de Berlín que incluía una entrevista con un educado Jesse Owens y secuencias de películas caseras hechas por Eva Braun descubiertas en los archivos del Cuerpo de Marines y Señales de los Estados Unidos [23] en Washington por el académico de la Universidad de Londres nacido en Alemania y especialista en cine alemán, Lutz Becker, [24] quien señaló que incluía la primera pieza de película que mostraba a Hitler, en Múnich en 1919, y una película en color del desfile de la victoria de las tropas de asalto en Berlín, en 1933, y comentó que "incluso los nazis no sabían sobre la pieza de película de 1919 con Hitler". [25] En el mismo año, Mora se convirtió en editor y corresponsal estadounidense de los recién lanzados Cinema Papers junto a Peter Beilby y Scott Murray . [26]
En 1975, ya recién casado, Mora escribió y dirigió Brother, Can You Spare a Dime? [1] [ 27] [28] un documental sobre la Depresión de los años 30 que consistía en una serie de fragmentos de películas de noticieros y fotografías, películas de Hollywood que reflejaban acontecimientos históricos y aquellas sobre cómo hacer películas, así como tomas descartadas , tráilers y películas caseras. [29] [30] Se proyectó en el Festival de Cine de Cannes durante la 'Semana de la Crítica', [11] y en el Festival de Cine de Melbourne de 1975 , [31] en el que anunció que había dejado Australia "porque quería dedicarme al cine y aquí no había industria". [11]
En 1976, después de ocho años trabajando en Londres y Nueva York, el primer largometraje de Mora fue Mad Dog Morgan , [1] [32] sobre el bandido Daniel Morgan , que también escribió y dirigió, explicando a Rita Erlich que, si bien se estaba alejando del documental, en todas las películas "uno está contando una historia, solo que usando medios diferentes. El cine es un arte narrativo". [9] Protagonizada por Dennis Hopper , Jack Thompson , David Gulpilil , Bill Hunter y Frank Thring , [33] [34] producida por David Puttnam [35] con una inversión de 175.666 dólares australianos y un préstamo de 8.500 dólares australianos de la Australian Film Corporation y patrocinadores privados, [36] Mad Dog Morgan fue la primera película australiana en estrenarse en 40 cines de los Estados Unidos y los derechos mundiales adquiridos por 300.000 dólares australianos (con un valor de casi 2 millones de dólares australianos en 2021). [37] Aunque el crítico Michael Rowberry consideró que su "apuesta por el realismo ha llevado al director a exagerar la sangre", y que la "moralidad simplista de la película en última instancia le roba profundidad", [38] recibió el Premio John Ford en el Festival de Cine de Cannes en 1976 como parte de las celebraciones del Bicentenario de los Estados Unidos , y en 1977 Mora fue nominado por el Instituto de Cine Australiano como 'Mejor Director' por la película. [39]
A principios de 1980, Mora y Ron Mallory adquirieron una opción sobre Errol Flynn : The Untold Story de Charles Higham , [40] lo que generó esperanzas de que se produjera una película australiana en Hollywood, pero la abandonaron después de la controversia sobre la investigación de Higham; los miembros de la familia de Flynn demandaron sin éxito al autor y al editor del libro por difamación. [41] Después de hacer The Beast Within , su primera película en Estados Unidos, el siguiente proyecto de Mora en uno de sus periódicos regresos a Australia en 1981, [42] fue el musical paródico de superhéroes, The Return of Captain Invincible , estrenado en los cines Hoyts para Navidad de 1982 por Seven Keys, [43] y protagonizado por Alan Arkin , Christopher Lee , Kate Fitzpatrick y un elenco australiano de estrellas, con canciones del creador de The Rocky Horror Show, Richard O'Brien . Cuando Mora se peleó con el productor Andrew Gaty después de que Gaty volviera a montar la película, el Departamento del Interior retiró su certificación como película australiana afirmando que entonces era una película diferente, lo que dio lugar a un caso judicial en febrero de 1983, [44] que todavía no se había resuelto en julio. [45]
Las siguientes producciones de Mora fueron A Breed Apart con Rutger Hauer y Kathleen Turner , las películas de terror de hombres lobo Howling II: Your Sister Is a Werewolf y Howling III , esta última mostrada en el Festival de Comedia de Melbourne en 1991, [46] y el drama político Death of a Soldier , protagonizada por James Coburn , que se basó en el infame caso de asesinato de Eddie Leonski en tiempos de guerra en Melbourne. [47] [48] Mientras estaba en Australia para hacer este último, Mora dirigió un seminario en junio de 1985 en la Asociación Australiana de Directores de Cine. [49] La siguiente película de Mora utilizó la trama del libro Communion , [50] de su viejo amigo de sus días en Londres a fines de la década de 1960, el artista, autor y locutor Whitley Strieber . Estrenada en 1989, y en video, [51] la película fue protagonizada por Christopher Walken y se basó en los supuestos encuentros del propio Strieber con extraterrestres.
Los créditos cinematográficos como director, así como escritor y actor ocasional durante la década de 1990 incluyen la parodia de terror Pterodactyl Woman from Beverly Hills (1994) con Beverly D'Angelo , Barry Humphries (en tres papeles), Moon Unit Zappa y los hijos de Philippe, Georges y Madeleine; Art Deco Detective (1994); y Precious Find (1996), una versión de ciencia ficción de El tesoro de Sierra Madre . Para televisión, Mora dirigió Mercenary II: Thick & Thin (1997), y las películas Back in Business (1997), Snide and Prejudice (1998) y Burning Down the House (1998).
A principios de la década de 2000, con un fondo de "desarrollo general" de 25.000 dólares australianos de la Comisión de Cine Australiana, [52] Mora comenzó a trabajar en un proyecto cinematográfico aún inacabado titulado When We Were Modern [53] que en parte trataba sobre su propia vida y experiencia. La trama de la película explora las enredadas relaciones del círculo íntimo de Heide: Sidney Nolan, Joy Hester, Albert Tucker y John y Sunday Reed. En la década de 1940, después de desertar del ejército, Nolan se refugió en la famosa casa de Reed, "Heide", y fue aquí donde hizo las primeras pinturas de su ahora mundialmente famosa serie Ned Kelly . Durante esta época, Nolan también mantuvo una relación abierta con Sunday Reed, pero ella se negó a dejar a su marido y casarse con Nolan, por lo que posteriormente se casó con la hermana de John Reed, Cynthia Hansen. El matrimonio finalmente se disolvió y, cuando Cynthia se suicidó en 1976, su muerte desató una amarga disputa entre Nolan y el autor Patrick White , que duró hasta el final de sus vidas. White criticó a Nolan por abandonar a su primera esposa Elizabeth (que era una amiga íntima suya) y por volver a casarse (con Mary Perceval) tan pronto después de la muerte de Cynthia.
En el momento del anuncio, Mora había elegido al actor australiano Clayton Watson ( The Matrix ) para interpretar a Nolan, con los estadounidenses Alec Baldwin como John Reed y Jennifer Jason Leigh como Sunday Reed. Durante la preproducción, Mora descubrió películas caseras nunca antes vistas del círculo de Heide, incluidas las únicas películas de Joy Hester y el Mirka Café. When We Were Modern iba a estar dedicada a Sweeney Reed, quien se suicidó en marzo de 1979, a los 34 años. Sweeney iba a tener un papel destacado como personaje y, como homenaje a él, Mora supuestamente planeó incluir algunas de las imágenes de Back Alley debajo de los créditos finales.
Mora trabajó en el proyecto durante varios años, pero fue rechazado por los organismos de financiación cinematográfica australianos. Desde entonces, Mora ha trabajado en varios otros largometrajes y documentales, pero en mayo de 2012, Deadline Hollywood informó que estaba regresando a la película, que en ese momento estaba destinada a ser un largometraje animado que utilizaría una combinación de marionetas de mano, stop motion y animación convencional, con el último acto en 3D, supervisado por el director de fotografía 3D Dave Gregory. El informe también indica que Clayton Watson seguirá interpretando a Nolan, pero ahora interpretará el papel como actor de voz. Entrevistado para el informe, Mora comentó: "Personalmente, amaba a John y Sunday, y Sweeney Reed, su hijo adoptivo, era mi mejor amigo cuando era niño. Mis padres ayudaron a John y Sunday a establecer el Museo de Arte Moderno de Australia . Este trío Nolan-Reed es una historia importante que debe contarse honestamente, sin restricciones. Es una gran epopeya australiana de amor y modernismo. Estamos usando marionetas hechas en el estilo de los pintores involucrados". [54]
En 2007, Mora obtuvo archivos del FBI publicados bajo las leyes de libertad de información. En ellos, descubrió evidencia de un elaborado complot de Robert Kennedy para engañar a Marilyn Monroe para que se suicidara; el detallado documento de tres páginas implicaba a su psiquiatra, publicista y ama de llaves, así como a su amigo, el actor de Hollywood nacido en Gran Bretaña Peter Lawford , que estaba casado con la hermana de Kennedy, Patricia . [55] [56] En el Sydney Morning Herald, Mora afirmó que el documento, enviado al FBI el 19 de octubre de 1964, era genuino.
Mora se casó con Pamela Krause Mora, productora y diseñadora de producción que trabajó en varias de sus películas desde la década de 1990, y tienen tres hijos.
En 1970, Derek Malcolm, del periódico The Guardian, al reseñar Trouble in Molopolis , que se estaba proyectando en el «festival de películas independientes británicas» de The Other Cinema, la describe como «una fábula brechtiana dirigida por Philippe Mora y con música intermitente al estilo de Weill de Tony Cahill y otros. El buen colorido contrasta con su coste (6.000 libras) y el sentido del humor anima su serio propósito, que es presentar una historia de codicia, estupidez y avaricia en términos marxistas fácilmente reconocibles... áspera y a veces amateur... es claramente original sin ser pretenciosa». [57] El Daily Telegraph recogió la declaración de Mora de que «era un problema mantener los clichés y al mismo tiempo tratar de conseguir una reacción fresca», sobre lo que el periodista Eric Shorter concluyó: «el problema no se resolvió». [58]
Aunque fue la película británica oficial presentada en el Festival de Cine de Cannes , la crítica australiana Pamela Ruskin criticó a Swastika en su reseña por carecer de contexto y, por lo tanto, "blanquear" a Hitler. [59] Micheal Billington en The Illustrated London News Obersalzburg consideró que una fortaleza era que revelaba "la manifiesta impaciencia de Hitler cuando alguien más habla y su incapacidad para relajarse incluso en un entorno doméstico: es tan rígido como un paraguas bien enrollado, tan cuidadosamente enrollado como un juguete mecánico". Lejos de enfatizar la brecha entre el rostro privado y el público, esta intrigante aunque hambrienta de hechos sugiere que los dos eran ominosamente indistinguibles. [60] Cuando Swastika se mostró de nuevo tres años después en Village Theatres en toda Australia, Barbara Alysen en el Sydney Tribune fue menos reactiva, reconociendo la controversia porque "estamos acostumbrados a que los documentales nos digan qué pensar y [...] Hitler sin comentarios es probablemente todavía un poco demasiado ambiguo", pero señaló que aunque "muestra a Hitler, Goering, Goebbels et al. tomando sol, jugando con niños y perros, y relajándose en lugar de sermonear e incitar", la película revela a Hitler como "un actor bastante anémico, tímido e incómodo frente a la cámara", lo que hace que "la casta gobernante salga de las películas de Eva luciendo vergonzosamente insignificante y poco asertiva, [...] la inferioridad inconsciente [siendo] la fuerza impulsora del nazismo". [61] Derek Malcolm compara Hitler: The Last Ten Days protagonizada por Alec Guinness desfavorablemente con el "inolvidable documental" de Mora que revela "lo real", [62] y Alexander Walker escribiendo en The Evening Standard señala que;
Si usted piensa que es moralmente objetable tratar a un hombre así con el enfoque considerado de una cámara admirativa que le da, si no encanto a la vista, al menos una humanidad mundana, sólo considere lo que Albert Speer, ex arquitecto de Hitler y Ministro de Armamento, escribe en un prefacio a la película: que a menos que veamos al monstruo en su forma humana, es posible que no reconozcamos a otros seres humanos como los monstruos en que podrían convertirse hoy o mañana. [63]
Susie Eisenhuth, en la revista Australian Women's Weekly, elogió a Brother. Can You Spare a Dime? como una película que "logra superar con soltura la difícil tarea de presentar esta época infeliz y finalmente resulta ser una película completamente absorbente y entretenida. Con una alegre mezcla de material documental, gran parte de él raro y todo fascinante, y joyas de los clásicos del cine de la época (como Gold Diggers de 1933 ). Mora ha reunido un magnífico álbum de recortes de los años treinta, austeros, mezquinos y llenos de risas y lágrimas... Lo mejor de todo es que el joven guionista y director Mora entiende que la historia más interesante es la que narra acontecimientos tanto grandes como pequeños". [64] El crítico anónimo de Tharunka considera que "es una lástima que a Brother. Can You Spare a Dime? se le haya dado una imagen brillante y nostálgica cuando, de hecho, es una película importante para comprender las fuerzas que manipulan las sociedades sin tener en cuenta la integridad del individuo". [65] Sandra Hall en The Bulletin lo declaró "un documental construido meticulosamente para dar el sabor de un país y un período a través de sus ceremonias, sus personalidades, sus noticias y su cultura", [66] mientras que el crítico inglés Alan Stanbrook consideró que su visión de la Depresión era "demasiado simplificada". [67] En su país temático, los propios Estados Unidos, Kevin Thomas elogió la "asombrosa exhaustividad" y el "impacto emocional" del documental. [68]
Más ambivalente sobre los momentos melodramáticos en Mad Dog Morgan en los que "Mora pierde el control", Hall la encontró en general "una película que trabaja duro y en su mayor parte, efectivamente como un recordatorio de lo que es notable en la historia australiana". [69] Aunque, según Filmnews , se estrenó con críticas "dañinas" en Nueva York, [70] Kay Keavney de Australian Women's Weekly , al discutir la investigación de Margaret Carnegie sobre el tema de los bandidos de Mad Dog Morgan , describe a los creadores de la película como "posiblemente los cineastas jóvenes más emocionantes del mundo, Philippe Mora y Jeremy Thomas ". [71] Mientras estaba en Australia promocionando la película, Mora dio una clase magistral en Chiron College, que fue una innovadora escuela secundaria superior en Sydney entre 1969 y 1976. Mad Dog Morgan ganó 'Mejor dirección' en los premios del Instituto de Cine Australiano de 1977 junto con otras películas australianas celebradas; Don's Party de Bruce Beresford y Storm Boy de Henri Safran . [39]
Filmnews en 1976 ofreció la perspectiva de que;
Las películas de Philippe Mora siempre han tratado el tema de la locura... la locura individual, comúnmente llamada locura, o la locura condicionada, que es ese estado aparente de normalidad que se denomina comportamiento civilizado. En este contexto, las tres obras principales de Mora, Swastika , Brother Can You Spare Dime y Mad Dog, han definido tres aspectos de la locura de manera tan concisa que pueden considerarse como testimonios de los años 70. [72]
Durante su exhibición en el Reino Unido en 1990, Christopher Tookey criticó a Communion (1989) en el Sunday Telegraph como "sin duda un dolor de cabeza" y llama a la dirección de Mora "banal", [73] mientras que The Daily Telegraph la calificó de "incómoda y poco convincente", [74] Derek Malcolm consideró que la película se vio obstaculizada por las bajas expectativas del público sobre el género; y a pesar de su "gran seriedad", "obtenemos algo más que un poco aburrido y no mucho más creíble que el sustituto promedio de ET". [75]
En su reseña de Art Deco Detective de Mora de 1994 , Cass Hampton declaró sin ambigüedades que "definitivamente no es una película sencilla", pero concluyó que "hay mucho que masticar y puede resultar indigesta, pero tiene atractivo: diálogos peculiares, comedia negra elegante y actuaciones secas y discretas. Puede ser del agrado de alguien". [76]
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