Oskar Kokoschka CBE (1 de marzo de 1886 - 22 de febrero de 1980) fue un artista , poeta , dramaturgo y profesor austríaco mejor conocido por sus intensos retratos y paisajes expresionistas , así como por sus teorías sobre la visión que influyeron en el movimiento expresionista vienés.
Oskar Kokoschka, el segundo hijo de Gustav Josef Kokoschka, orfebre, y Maria Romana Kokoschka (de soltera Loidl), nació en Pöchlarn . Tenía una hermana, Berta, nacida en 1889; un hermano, Bohuslav, nacido en 1892; y un hermano mayor que murió en la infancia. Oskar creía firmemente en los presagios, impulsado por la historia de un incendio que se desató en Pöchlarn poco después de que su madre lo diera a luz. La vida de la familia no fue fácil, en gran parte debido a la falta de estabilidad financiera de su padre. Constantemente se mudaban a pisos más pequeños, cada vez más lejos del próspero centro de la ciudad. Concluyendo que su padre no era suficiente, Kokoschka se acercó a su madre; y viéndose a sí mismo como el cabeza de familia, continuó apoyando a su familia cuando alcanzó la independencia financiera. Kokoschka ingresó en la Realschule en 1897 [1] , un tipo de escuela secundaria, donde se hacía hincapié en el estudio de materias modernas como las ciencias y el lenguaje. A pesar de su intención de continuar una educación formal en química, a Kokoschka no le interesaban esas materias, ya que sólo sobresalía en arte y pasaba la mayor parte de su tiempo leyendo literatura clásica durante sus clases. Al igual que muchos de los contemporáneos franceses y alemanes de Kokoschka, estaba interesado en el arte primitivo y exótico que se mostraba en las exposiciones etnográficas de toda Europa. [2]
Uno de los profesores de Kokoschka le sugirió que siguiera una carrera en las bellas artes después de quedar impresionado por algunos de sus dibujos. [2] En contra de la voluntad de su padre, Kokoschka solicitó ingresar a la Kunstgewerbeschule de Viena, ahora la Universidad de Artes Aplicadas de Viena . Recibió una beca y fue uno de los pocos solicitantes en ser aceptado. [2] La Kunstgewerbeschule de Viena era una escuela progresista de artes aplicadas que se centraba principalmente en la arquitectura, el mobiliario, la artesanía y el diseño moderno. A diferencia de la más prestigiosa y tradicional Academia de Bellas Artes de Viena , la Kunstgewerbeschule estaba dominada por instructores de la Secesión vienesa . Kokoschka estudió allí de 1904 a 1909 y fue influenciado por su maestro Carl Otto Czeschka en el desarrollo de un estilo original.
Entre las primeras obras de Kokoschka se encuentran dibujos gestuales de niños, en los que los retrataba de forma torpe y cadavérica. Kokoschka no tenía formación formal en pintura, por lo que se acercaba a este medio sin tener en cuenta la forma "tradicional" o "correcta" de pintar. Los profesores de la Kunstgewerbeschule le ayudaron a conseguir oportunidades a través de los Wiener Werkstätte o talleres vieneses. Los primeros encargos de Kokoschka fueron postales y dibujos para niños. Más tarde, Kokoschka dijo que este ejercicio proporcionó "la base de [su] formación artística". [3] Su carrera temprana estuvo marcada por los retratos de celebridades vienesas, pintados en un estilo nervioso y animado.
Tras su propia formación artística, Kokoschka dedicó años de su vida a enseñar arte y a escribir artículos y discursos que documentaran sus puntos de vista y prácticas como educador. El humanista y reformador educativo checo del siglo XVII, Jan Amos Comenius , fue la principal influencia de Kokoschka en términos de cómo abordar la educación. De las teorías de Comenius, Kokoschka adoptó la creencia de que los estudiantes se benefician más al usar sus cinco sentidos para facilitar el razonamiento. [4] Kokoschka enseñó en Viena de 1911 a 1913 y luego nuevamente en Dresde de 1919 a 1923. [5] Si bien sus esfuerzos como maestro fueron mencionados en varias publicaciones, generalmente se centraron en su personalidad capturada dentro de su propio arte en lugar de sus prácticas en el aula. Kokoschka descuidó las metodologías y teorías estructuradas convencionales asumidas por los educadores de arte y, en cambio, enseñó a través de la narración infundida con temas mitológicos y emoción dramática. [5] En 1912, Kokoschka presentó su ensayo “Von der Natur der Gesichte” (“Sobre la naturaleza de las visiones”) en la Asociación Académica de Literatura y Música de Viena. Este ensayo esbozaba la conceptualización artística de Kokoschka sobre la relación entre la visión interior y la visión óptica. [6] Al considerar su propio arte, Kokoschka expresó que la inspiración provenía de observaciones diarias que recogía ópticamente mientras interactuaba con su entorno contemporáneo. La capacidad de Kokoschka para reconocer cómo se manifestaban estos estímulos dentro de su imaginación interior dio como resultado obras que recurren al subconsciente en lugar de a la visión óptica. Además, Kokoschka le otorgó al espectador la tarea de interpretar la imagen en función de cómo experimenta la visión dentro de su propio reino de conciencia. [7] Este concepto, en congruencia con la teoría de Wassily Kandinsky sobre la espiritualidad en el arte, se ha convertido en la base sobre la que los historiadores del arte entienden el expresionismo vienés.
En 1908, a Kokoschka se le ofreció la oportunidad de presentar obras a la primera Kunstschau de Viena. [2] Esta exposición financiada por el gobierno se estableció para atraer turistas y afirmar la prominencia de Viena dentro del mundo del arte. Kokoschka recibió un encargo del director de la Wiener Werkstätte, Fritz Wärndorfer, para imágenes en color que complementarían un libro infantil y se exhibirían en la exposición. Kokoschka, sin embargo, se tomó la libertad de producir imágenes que servirían como ilustraciones para el poema que escribió un año antes, Die träumenden Knaben (Los jóvenes soñadores) , que tomó la forma de una fantasía adolescente autobiográfica que era inapropiada para un público joven. [8] En su autobiografía, Kokoschka explicó los orígenes del poema, que siguen su experiencia personal como un joven estudiante que estaba enamorado de su compañera de clase sueca, Lilith. [9] Die träumenden Knaben consta de páginas introductorias con dos pequeñas litografías en blanco y negro, además de ocho litografías en color más grandes con una columna vertical de texto colocada al lado de cada imagen. Influenciado por las composiciones que se encuentran en el arte medieval, Kokoschka representó varios momentos en el tiempo simultáneamente dentro de cada imagen individual. Kokoschka también adoptó las líneas audaces y los colores expresivos del arte popular europeo tradicional y los yuxtapuso con la ornamentación estilizada y los cuerpos bidimensionales del Jugendstil . La página final, titulada Das Mädchen Li und ich (La niña Li y yo), presenta las formas angulares del niño (Kokoschka) y la niña (Lilith), adoptando el estilo del escultor belga George Minne . Esta obra, que Kokoschka dedicó a su antiguo maestro Gustav Klimt , demuestra la transición del Jugendstil al expresionismo. [9]
Die träumenden Knaben , junto con el tapiz titulado Los portadores de sueños , que ahora está perdido, fueron las primeras obras que Kokoschka expuso. Al igual que las ilustraciones del libro, el tapiz de Kokoschka se consideró perturbador debido a su representación de fantasías juveniles, exóticas y sexualizadas. Al mostrar estas dos obras, Kokoschka fue objeto de una reacción negativa por parte de los funcionarios conservadores y solo una pequeña proporción de las quinientas copias de Die träumenden Knaben fueron realmente encuadernadas y vendidas. [8] Como resultado, fue expulsado de la Kunstgewerbeschule y encontró su lugar dentro de la vanguardia vienesa. [2] El arquitecto austríaco Adolf Loos se hizo amigo de Kokoschka y le presentó a otros miembros de la vanguardia que luego se convirtieron en sus sujetos en una serie de pinturas de retratos.
Kokoschka pintó la mayor parte de sus retratos entre 1909 y 1914. A diferencia de muchos de sus contemporáneos que también recibían encargos de retratos, como Edvard Munch, Kokoschka mantuvo una libertad artística completa porque generalmente no eran pedidos directamente por el retratado. La mayoría de los sujetos de Kokoschka eran clientes del arquitecto Loos, y fue Loos quien encargó los retratos y acordó comprarlos si el retratado decidía no hacerlo. [9] Otros retratos de Kokoschka presentan amigos y defensores dentro de su círculo que apoyaron el arte moderno de este período. Entre los miembros destacados de este grupo que se pintaron sus retratos se incluyen el comerciante de arte Herwarth Walden , la defensora del arte Lotte Franzos, el poeta Peter Altenberg y los historiadores del arte Hans y Erica Tietze .
Los retratos de Kokoschka reflejan las convenciones del retrato tradicional, principalmente en lo que respecta a la perspectiva desde la que retrata a los retratados. Sin embargo, Kokoschka también adoptó elementos del estilo moderno, que implicaban la incorporación de manos dentro de la composición para capturar aún más la emoción expresada a través de los gestos de un individuo. Estos retratos también utilizan la posición inconsciente del cuerpo del retratado, que Kokoschka creía que revelaría las tensiones internas de su subconsciente. [9]
Los retratos de Kokoschka incorporan una paleta de colores expresiva similar a la que se utilizaba en las obras de los artistas alemanes de Die Brücke de la época. El uso que hace Kokoschka de colores estridentes y duros que hacen que los sujetos parezcan cadáveres en descomposición no debe entenderse como una representación de sus condiciones físicas individuales, sino más bien como una indicación general de una era en descomposición. [9] Las líneas audaces y los parches de color brillante yuxtapuestos contra un fondo sólido y opaco eran interpretaciones visuales de las ansiedades que sentían Kokoschka y los que estaban en el círculo. Sin embargo, los retratos de Kokoschka se diferenciaban de los de sus contemporáneos debido a su creencia en la importancia simbólica del acto de pintar en sí, que se enfatiza con pinceladas visibles y áreas de lienzo expuesto. Kokoschka integró técnicas pictóricas con las utilizadas en el dibujo, como se ve en su uso de colores vibrantes y contrastantes, pinceladas rápidas, marcas de arañazos ansiosos y un manejo desigual.
En una carta de 1909, Kokoschka señaló que “le gustaría hacer un retrato de un personaje nervioso y desordenado”. [9] Sin elementos adicionales para establecer una narrativa para el personaje retratado, Kokoschka enfatizó que la esencia del individuo se manifiesta a través de los medios de creación de su imagen. Patrick Werkner, un historiador del arte, describe los retratos de Kokoschka sugiriendo que es como si la piel se separara del cuerpo, permitiendo al espectador ver a través de la fisonomía como un velo solo para hacer visibles los medios de representación. [9] Los retratos de Kokoschka en su conjunto hablan sobre los abrumadores sentimientos de incertidumbre que sintieron quienes eran conscientes del entorno cultural cambiante que condujo al fin del antiguo orden del Imperio austríaco en 1918.
El retrato de Kokoschka, Hans Tietze y Erica Tietze-Conrat , fue pintado en 1909 en la biblioteca de la casa de la pareja. [9] Además de ser amigos cercanos del artista, la pareja también eran destacados historiadores del arte de la época. Erica Tietze-Conrat explicó que mientras Kokoschka creaba su retrato, los animó a moverse libremente y continuar su trabajo en los dos escritorios que estaban situados uno al lado del otro junto a una ventana. Después de pintar a su esposo de perfil, Kokoschka le pidió a Erica que se colocara de manera que pudiera pintarla de frente. Poco después de comenzar la pintura, Kokoschka dejó su pincel y comenzó a usar solo sus dedos. [9] Kokoschka usó sus uñas para rayar líneas finas en la pintura, que aparecen en contornos y áreas de sombreado y rayado, así como en todo el fondo. Aunque pintadas en su biblioteca, las figuras parecen existir en un espacio surrealista y subliminal. Kokoschka combina tonos vibrantes de azul y rojo sobre un fondo verde apagado. En el retrato, la pareja no se enfrenta, sino que extienden las manos como si estuvieran a punto de tocarse. Sus manos se convierten entonces en el medio de comunicación, simbolizando el puente por el que sus energías internas pueden fluir de un lado a otro. La pareja se vio obligada a huir de Austria en 1938 como resultado de su herencia judía, pero pudieron llevarse consigo este retrato que se negaron a exhibir hasta que fue adquirido por el Museo de Arte Moderno en 1939. [9]
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Kokoschka se mudó a Berlín en 1910, el mismo año en que se fundó la Neue Secession en Berlín. El grupo, compuesto por artistas y filósofos como Emil Nolde , Ernst Ludwig Kirchner , Erich Heckel y Max Pechstein , se formó como una rebelión contra el antiguo grupo Secession . Si bien Kokoschka se abstuvo de adoptar las técnicas e ideologías del grupo, sí admiró el sentido de comunidad establecido entre sus miembros. [2] El comerciante de arte berlinés Paul Cassirer vio promesas en las obras de Kokoschka y lanzó al artista al círculo internacional. Casi al mismo tiempo, Herwarth Walden , un editor y crítico de arte que fue presentado a Kokoschka por Loos , contrató a Kokoschka como ilustrador para su revista Der Sturm . [2] Veintiocho dibujos de Kokoschka se publicaron en la revista durante su primer año; y aunque apareció significativamente menos, Kokoschka siguió colaborando en la publicación. La primera pieza de Kokoschka para Der Sturm, un dibujo de la serie Menschenköpfe (Cabezas del pueblo), estaba dedicada a Karl Kraus . El vigésimo número de la revista incluía tanto la primera ilustración de portada de Kokoschka, que complementaba a Mörder, Hoffnung der Frauen , como la primera contribución literaria del artista. [9] Kokoschka continuó viajando entre Viena y Berlín durante los siguientes cuatro años.
Kokoschka tuvo un apasionado y a menudo tormentoso romance con Alma Mahler . Comenzó en 1912, cinco años después de la muerte de su hija de cuatro años, Maria Mahler, y dos años antes de su romance con Walter Gropius , más tarde un célebre arquitecto en Berlín. Pero después de dos años juntos, Alma lo rechazó, explicando que tenía miedo de verse demasiado abrumada por la pasión. Se casó con Walter Gropius en 1915 y vivió con él hasta su divorcio en 1920. [10] Kokoschka continuó amando a Alma Mahler toda su vida, y una de sus obras más aclamadas, La novia del viento ( La tempestad ; 1913), es expresiva de su relación. [11] El poeta Georg Trakl visitó el estudio mientras Kokoschka pintaba esta obra maestra. El poema de Kokoschka Allos Makar se inspiró en esta relación. [12]
Se presentó voluntario para servir como soldado de caballería en el ejército austríaco durante la Primera Guerra Mundial y en 1915 resultó gravemente herido. En el hospital, los médicos decidieron que era mentalmente inestable. Sin embargo, continuó desarrollando su carrera como artista, viajando por Europa y pintando paisajes. [13]
En 1918 encargó una muñeca femenina de tamaño natural. Aunque estaba destinada a simular a Alma y recibir su afecto, la "muñeca Alma" no satisfizo a Kokoschka y la destruyó durante una fiesta. [14]
En 1919, Kokoschka comenzó a dar clases en la Kunstakademie Dresden . En una carta abierta dirigida a los habitantes de Dresde en 1920, Kokoschka argumentó que las batallas de la guerra civil entre los partidos revolucionarios debían trasladarse fuera de las fronteras de la ciudad para proteger el arte que no podía escapar del fuego cruzado. Esta carta fue escrita después de un incidente el 15 de marzo de 1920, cuando una bala dañó Betsabé en la fuente , una pintura de Peter Paul Rubens . [15] Como resultado de su carta, Kokoschka recibió una reacción violenta de los artistas comunistas George Grosz y John Heartfield en lo que se denominó el debate Kunstlump o Debate de los sinvergüenzas del arte. Sin embargo, muchos otros artistas continuaron apoyando el trabajo de Kokoschka. [16]
En mayo de 1922 asistió al Congreso Internacional de Artistas Progresistas y firmó la "Proclamación Fundacional de la Unión de Artistas Progresistas Internacionales". [17]
Kokoschka regresó a Viena en el otoño de 1931, donde pasó seis meses en la casa que había comprado para sus padres once años antes. Ubicada en el distrito 16 de Viena, conocido como Liebharstal, la casa, que ahora funcionaba como estudio del artista, ofrecía una vista del Schloss Wilhelminenberg, que había sido convertido en Kinderheim, u orfanato, por el Ayuntamiento. Durante este tiempo, Kokoschka aceptó un encargo del Ayuntamiento socialdemócrata, " La Viena roja ", para un cuadro que se colgaría dentro del Rathaus, o Ayuntamiento. A Kokoschka, junto con otros artistas austriacos, se le pidió que creara una obra de arte que representara Viena como contribución a este proyecto administrado por el Historisches Museum der Stadt ( Museo de Viena ). En honor a los esfuerzos humanitarios del Ayuntamiento, Kokoschka decidió ilustrar a niños jugando fuera del palacio en el primer plano de la composición que, de otro modo, consistía en un paisaje urbano. [4] Otros ejemplos de arquitectura vienesa identificables en la pintura incluyen el Ayuntamiento y la Catedral de San Esteban .
Considerado un " degenerado " por los nazis , Kokoschka huyó de Austria en 1934 a Praga. En Praga su nombre fue adoptado por un grupo de otros artistas expatriados, el Oskar-Kokoschka-Bund (OKB), aunque Kokoschka declinó participar en su grupo. [18] Obtuvo la ciudadanía checoslovaca en 1935. En 1938, cuando los checos comenzaron a movilizarse para la esperada invasión de la Wehrmacht , huyó al Reino Unido y permaneció allí durante la guerra. Con la ayuda del Comité Británico para los Refugiados de Checoslovaquia (más tarde el Fondo Fiduciario Checo para los Refugiados ), todos los miembros del OKB pudieron escapar a través de Polonia y Suecia.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Kokoschka pintó obras antifascistas como la alegoría Por qué luchamos (1943). [11] Kokoschka abandonó el bullicioso centro de la ciudad de Londres y se instaló en Polperro , en Cornualles . Mientras residía en este pueblo costero, Kokoschka hizo pinturas que representaban paisajes del puerto, junto con El cangrejo , que inició una serie de obras incrustadas con alegorías políticas que resistían al régimen nazi. [5] El cangrejo de Kokoschka fue pintado entre 1939 y 1940, y captura la vista del puerto desde la casa del artista en Polperro. Esta obra funciona como un autorretrato del artista, donde Kokoschka es el nadador que representa a Checoslovaquia. El gran cangrejo es un símbolo de Neville Chamberlain , el primer ministro británico en el momento en que se creó la pintura. Al explicar esta pintura, Kokoschka dijo que el cangrejo "solo tendría que sacar una pinza para salvarlo de ahogarse, pero permanece distante". [19] Además, esta pintura demuestra la inestabilidad que sintió como resultado de la ocupación alemana que lo obligó a buscar refugio en otros países de Europa. Esta pintura de paisaje, entre otras de Kokoschka, se llevó consigo a Londres sin terminar, donde se transformaron en alegorías políticas. [19] Mientras estaba en Londres, Kokoschka también pintó El huevo rojo, otra pintura política que hace referencia a la destrucción de Checoslovaquia. [16] En esta pintura satírica, Kokoschka comenta el Acuerdo de Múnich de 1938 con caricaturas grotescas de Benito Mussolini y Adolf Hitler .
Durante varios meses de verano, él y su joven esposa checa, Oldřiška “Olda” Palkovská Kokoschka (1915-2009), vivieron en Ullapool , un pueblo en Wester Ross , Escocia. Allí dibujó con lápiz de color (una técnica que desarrolló en Escocia) y pintó muchos paisajes locales en acuarela. [ cita requerida ] Mientras estaba en Ullapool, Kokoschka pintó un retrato de su amigo, el rico industrial Ferdinand Bloch-Bauer, tío de Maria Altmann . La pintura cuelga en el Museo Kunsthaus de Zúrich. [20] Entre 1941 y 1946, él y Olda pasaron varias semanas cada verano con el profesor checo Emil Korner en su casa, The House of Elrig, en Wigtownshire .
Kokoschka se naturalizó como ciudadano británico el 21 de febrero de 1947 y no recuperaría la ciudadanía austriaca hasta 1978. [21] Viajó brevemente a los Estados Unidos en 1947 antes de establecerse en Villeneuve , Suiza, en 1953, donde vivió el resto de su vida. Kokoschka pasó estos años como educador en la Internationale Sommer Akademie für Bildenden Künste ( Ricarda Jacobi fue una de sus alumnas) mientras trabajaba también en diseños de escenarios y publicaba una colección de sus escritos. Una retrospectiva de la obra de Kokoschka se exhibió en la Tate Gallery de Londres en 1962. [22] Como miembro de la Deutscher Künstlerbund, Oskar Kokoschka participó en sus exposiciones anuales de 1952 a 1955. [16] Participó en la Documenta 1 (1955), la Documenta II (1959) y la Documenta III (1964) en Kassel. En 1966 ganó el concurso para el retrato de Konrad Adenauer por encargo del Bundestag alemán contra su competidor Eugen Denzel. [23]
Kokoschka murió el 22 de febrero de 1980 en Montreux , a la edad de 93 años, ocho días antes de cumplir 94 años, por complicaciones tras contraer gripe. Fue enterrado en el Cementerio Central de Montreux. [1]
Kokoschka tenía mucho en común con su contemporáneo Max Beckmann . Ambos mantuvieron su independencia del expresionismo alemán , aunque ahora se los considera ejemplos clásicos del estilo. No obstante, su individualismo los diferenció de los principales movimientos del modernismo del siglo XX . Ambos escribieron elocuentemente sobre la necesidad de desarrollar el arte de "ver" (Kokoschka enfatizaba la percepción de profundidad mientras que Beckmann se preocupaba por la percepción mística del reino invisible), y ambos eran maestros de técnicas innovadoras de pintura al óleo ancladas en tradiciones anteriores. [24]
Kokoschka fue nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico en los Honores de Año Nuevo de 1959. [ 25] También recibió el Premio Erasmo en 1960 junto con Marc Chagall . [26]
Las obras literarias de Kokoschka son tan peculiares e interesantes como su arte. Sus memorias, Un mar rodeado de visiones , detallan sus teorías de la visión corpórea y visceral y cómo dan forma a la conciencia, el arte y las realidades. [28] Su obra corta Asesino, la esperanza de las mujeres (1909, ambientada diez años después por Paul Hindemith como Mörder, Hoffnung der Frauen ) a menudo se considera el primer drama expresionista. Su Orfeo y Eurídice (1918) se convirtió en una ópera de Ernst Krenek , a quien se contactó por primera vez para la música incidental .
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