King of America es el décimo álbum de estudio del cantautor inglés Elvis Costello , lanzado el 21 de febrero de 1986. Coproducido por Costello y T Bone Burnett , el álbum se originó a partir de una serie de giras que ambos realizaron bajo el nombre de "The Coward Brothers". La grabación se llevó a cabo a mediados de 1985 en varios estudios de Los Ángeles , California, con un grupo de músicos de sesión estadounidenses apodados "The Confederates". Seleccionados por Burnett, incluían a Ray Brown , Earl Palmer y antiguos miembros de la TCB Band de Elvis Presley . La banda de acompañamiento habitual de Costello, The Attractions , estaba destinada a aparecer en la mitad del álbum antes de que las malas sesiones los llevaran a aparecer solo en una pista, " Suit of Lights ".
Con un sonido principalmente acústico, King of America se apartó de los álbumes anteriores de Costello, explorando el roots rock , el country , el folk , el R&B y la música americana . Sus canciones personales ahondan en temas de romance, traición, alcoholismo y el sueño americano. La portada muestra a Costello con una corona y una chaqueta a juego, lo que los comentaristas de la época encontraron "ridículo" y "serio". Costello se atribuyó a sí mismo en la portada del álbum con su nombre real, Declan MacManus; el álbum en sí fue acreditado a "the Costello Show featuring the Attractions and Confederates" en el Reino Unido y Europa y a "the Costello Show featuring Elvis Costello" en América del Norte.
King of America alcanzó el puesto número 11 en el Reino Unido y el número 39 en los Estados Unidos. Fue respaldado por una versión de " Don't Let Me Be Misunderstood " de Nina Simone , un sencillo del top 40 del Reino Unido. Aclamado como un regreso a la forma de Costello y su mejor disco en años, el álbum fue elogiado por su producción, profundidad e interpretaciones vocales. Las críticas mixtas encontraron que el álbum era demasiado complejo y carente de accesibilidad para atraer nuevos fanáticos. Los críticos posteriores llamaron a King of America uno de los mejores trabajos de Costello, elogiando su tono personal y la creciente madurez del compositor, y argumentando que el álbum anticipó las diversas excursiones musicales y colaboraciones de Costello en las décadas siguientes. Recibió reediciones ampliadas en 1995 y 2005, que fueron recibidas positivamente.
Elvis Costello emprendió una serie de giras en solitario a finales de 1984 y principios de 1985, compartiendo cartel con el músico T Bone Burnett . [1] En gira bajo el nombre de "The Coward Brothers" (parcialmente basado en los Everly Brothers ), el dúo asumió los personajes de Howard (Costello) y Henry Coward (Burnett), [2] [3] interpretando numerosas canciones country y versiones. [4] Según Costello, los Coward Brothers estaban en su última gira después del fracaso de la anterior. [1] [2] Los espectáculos en solitario fueron un éxito, lo que llevó a Burnett a alentar a Costello a grabar su próximo álbum de estudio con su voz y guitarra acústica como instrumentos principales, para que la música en sí "brillara relativamente sin adornos". [5] Las sesiones de prueba comenzaron en enero de 1985 en Sound Factory en Los Ángeles , California. [6] Como modelo para la grabación de King of America , las sesiones dieron como resultado una canción llamada "The People's Limousine", escrita por Costello y Burnett durante viajes a Italia. La canción fue lanzada como sencillo bajo el nombre de Coward Brothers en julio de 1985, respaldada por una versión de "They'll Never Take Her Love Away from Me" de Leon Payne . [3] [7]
Por la misma época, Costello grabó demos en solitario de nuevo material en los estudios Sunset Sound con Burnett y el ingeniero Larry Hirsch. [6] [8] Las canciones eran musicalmente sencillas y enfatizaban la honestidad emocional, un cambio estilístico con respecto a los dos álbumes de estudio anteriores de Costello, Punch the Clock (1983) y Goodbye Cruel World (1984). [6] Costello dijo en ese momento que despojó a las canciones de los "problemas musicales" y dejó las palabras más claras: "Empecé a pensar más en las canciones y mucho menos en los discos. Me quedó claro que tenía que escribir canciones muy, muy simples". [9] Con el nuevo material centrado en Estados Unidos, querían que músicos estadounidenses tocaran en el disco. [10]
Costello y Burnett planearon las fechas de las sesiones y las formaciones musicales, que se adaptarían a cada canción, durante los vuelos de su gira de los Coward Brothers por Australia y Japón en junio de 1985. [11] [10] Burnett declaró más tarde: "Hubo una enorme cantidad de planificación en ese disco. Teníamos páginas y páginas de notas de producción". [11] Burnett fue responsable de seleccionar a los músicos y experimentar con sonidos y estilos. [12]
La grabación del álbum comenzó en julio de 1985, inmediatamente después de que Costello actuara en solitario en Live Aid . [11] Las sesiones se llevaron a cabo entre los estudios Ocean Way y Sunset Sound en Los Ángeles, con Costello y Burnett coproduciendo y Hirsch como ingeniero. [1] [13] Para las fechas iniciales de grabación, se reunió la banda principal: el baterista Ron Tutt, el bajista Jerry Scheff y el guitarrista James Burton, miembros de la TCB Band que había respaldado a Elvis Presley en la década de 1970. [1] [12] [10] Según Costello, las pistas se grabaron "lo más 'en vivo' posible" con sobregrabaciones menores agregadas más tarde. [1] Las canciones grabadas incluyeron "Our Little Angel", "The Big Light", "American Without Tears", "Glitter Gulch" y "Shoes Without Heels"; el grupo también intentó versiones de "Lovable" y " Indoor Fireworks ". [1] [12] Aproximadamente la mitad de las canciones del álbum final se completaron en tres días. [12] [10] La relación de trabajo de Costello con los músicos era muy diferente a la de Attractions: primero tocaba las canciones y explicaba lo que significaban para que los músicos pudieran entender lo que Costello deseaba. Scheff dijo más tarde: "En el estudio, [Costello] tenía el control de todo. Era en gran medida su trabajo y sus visiones". [12]
El segundo grupo de músicos incluía al bajista de jazz Ray Brown y al baterista de Nueva Orleans Earl Palmer , al pianista Tom Canning y al tecladista Mitchell Froom . [14] Costello se sintió intimidado por Brown y Palmer al principio, ya que no había planeado "leyendas prefabricadas " para el proyecto. [1] La formación grabó "Poisoned Rose" y una canción de JB Lenoir llamada "Eisenhower Blues", [14] que Costello dijo que solo se grabó para "[dar] a todos la oportunidad de relajarse y tocar un poco". [1] Otros músicos que contribuyeron incluyeron al baterista Jim Keltner ("Lovable", "I'll Wear It Proudly", "Sleep of the Just" y la toma descartada "King of Confidence") y el bajista T-Bone Wolk y el baterista Mickey Curry (" Jack of All Parades ", " Brilliant Mistake " y la toma descartada " Blue Chair "). [1] Los músicos estadounidenses fueron apodados "los Confederados" en la portada del LP. [15]
La banda de acompañamiento habitual de Costello , The Attractions —el tecladista Steve Nieve , el bajista Bruce Thomas y el baterista Pete Thomas (sin relación)—, llegó en avión desde Inglaterra a mediados de agosto de 1985, cuando ya se habían completado dos tercios de las sesiones. [16] Costello originalmente tenía la intención de utilizarlos en la mitad de las canciones del álbum para diferenciar su estilo de los músicos estadounidenses, pero cuando llegaron, la mitad del álbum ya estaba completo. [1] Juntos grabaron " Suit of Lights " y una toma descartada llamada "Baby's Got a Brand New Hairdo". El trabajo con The Attractions fue tenso ya que Costello y la banda se estaban distanciando. [16] Molesto por su marginación, [17] Costello dijo más tarde: "Creo que [la situación] los puso nerviosos y los puso a la defensiva y hostiles, lo que me puso a la defensiva y hostil. Las sesiones fueron un desastre". [18] Descartó todos los planes restantes de grabar con los Attractions y no les informó, dejándolos pasar el tiempo restante esperando en su hotel de Los Ángeles una llamada que nunca llegó. [16]
Las sesiones duraron en total menos de tres meses. Según Costello, la mayoría de las canciones se mezclaron al final de cada sesión. [1] Costello grabó «Little Palaces» solo durante una sesión solista separada, con el bajo de cuerdas añadido por Scheff más tarde. [1] A petición de Columbia Records , que no pudo escuchar un sencillo, [19] Costello grabó una versión de la canción de Nina Simone « Don't Let Me Be Misunderstood » con la formación de Keltner, Scheff y Froom; Michael Blair de la banda de Tom Waits sobregrabó la marimba . [1] El álbum se completó alrededor de septiembre de 1985, [19] después de lo cual Costello realizó una gira con los Pogues de octubre a diciembre. [20]
En un cambio con respecto a sus álbumes anteriores, [21] [22] King of America representó la incursión de Costello en la música de raíces, [21] explorando géneros como el roots rock , [23] country, [24] [25] country folk , [26] R&B , [24] y americana . [27] [28] [29] Otros comentaristas encontraron elementos de folk , blues , [30] [31] folk rock , pub rock , [25] lounge jazz [15] y rockabilly de finales de los años 50. [ 32] El álbum ha recibido comparaciones musicales y líricas con las obras de Bob Dylan and the Band . [a]
A diferencia de la producción de estudio de los álbumes anteriores de Costello, [25] [32] King of America presenta un sonido principalmente acústico enfatizado por el contrabajo, el órgano Hammond , las escobillas y los golpes de aro. [37] [30] Las canciones en sí, tanto musicalmente como líricamente, también son más simples que las anteriores. [37] Según el autor Graeme Thomson, el complejo juego de palabras del artista fue reemplazado por "una honestidad convincente". [35] Costello declaró en ese momento: [32]
Especialmente en Goodbye Cruel World , dejé que los arreglos se descontrolaran. Durante una gira en solitario la primavera pasada, descubrí que muchas de las canciones de esos discos eran más fuertes cuando se tocaban de forma muy sencilla. Juré no volver a caer en la trampa de hacer discos que intentaran sonar como el año en el que fueron grabados.
Aunque el artista negó que fuera un álbum conceptual , muchas de las 15 pistas del álbum se refieren a Estados Unidos, ofreciendo estudios sobre el sueño americano desde el punto de vista de un forastero. [32] [38] [34] Abarcando descripciones de rechazo y aislamiento ("I'll Wear It Proudly") y confrontación ("Indoor Fireworks"), [29] las canciones de King of America son introspectivas [25] [39] y motivadas por el romance, [40] con temas de alcoholismo, [31] traición y venalidad. [41] "Jack of All Parades" y "I'll Wear It Proudly" fueron declaraciones de amor para Cait O'Riordan , la bajista de los Pogues . [11] Costello había comenzado una relación con ella en 1984 después del colapso de su primer matrimonio; [42] O'Riordan coescribió "Lovable". [11] Otras canciones ofrecen comentarios sociales ("Little Palaces") y humor ("Glitter Gulch"). [35] El autor David Gouldstone señala que los narradores de King of America son "más amables" en comparación con los de discos como My Aim Is True (1977), y solo tres canciones son negativas ("Indoor Fireworks", "Little Palaces" y "Eisenhower Blues"). [22]
La canción de apertura, "Brilliant Mistake", es una pieza lenta que examina las metas y aspiraciones de perseguir el sueño americano y la realidad de obtenerlo. [43] [38] Sus versos siguen a tres individuos que, en palabras del autor James E. Perone, "sufren de autoengaño". [38] Gouldstone analiza: "Estados Unidos es 'brillante' porque hay mucho potencial, pero un 'error' porque ha ido tan terriblemente mal". [43] Perone argumenta que la canción podría interpretarse como un abandono de la personalidad de Elvis Costello, que el compositor posiblemente creyó que era un "error brillante". [38] "Lovable" es un número de rockabilly y R&B de ritmo rápido sobre la complejidad del amor. [15] [44] [45] Cuenta con la participación de David Hidalgo de Los Lobos en armonías vocales. [14] "Nuestro pequeño ángel" es un número country que combina líneas "poéticas" como "el vestido que lleva es como un signo de interrogación" con temas de protección familiar. [45] Sigue a una mujer en un bar, a quien el narrador protege y simpatiza. [46]
Costello describió su interpretación de "Don't Let Me Be Misunderstood" como "una versión lenta [y] violenta". [47] Algunos comentaristas interpretaron su inclusión como una posible reafirmación del abandono de la personalidad de Elvis Costello, ya que en el pasado, el artista se sintió incomprendido como compositor e intérprete. [45] [47] Al igual que "Worthless Thing" de Goodbye Cruel World , "Glitter Gulch" actúa como un ataque al absurdo de los programas de juegos de televisión. El narrador se rebela contra el presentador a mitad de la canción, eligiendo ser un "proscrito" en lugar de sucumbir a la tontería del programa. [48] Perone dijo que recordaba a Dylan con su "estilo country de ritmo rápido" e imágenes de "personajes extravagantes presumiblemente ficticios". [49]
"Indoor Fireworks" utiliza juegos de palabras temáticos para describir una relación que se desmorona, y los "fuegos artificiales" representan las peleas entre la pareja. [50] Escrita por Costello como un "lamento por el fin del amor", [8] Gouldstone la llama la canción más deprimente del álbum. [50] En ese momento, Mike Gardner de Record Mirror dijo que la canción "arrasa hábilmente las brasas moribundas de un romance agrio pero aún apasionado con un regusto picante de derrota y esperanza". [51] Perone comparó su arreglo e híbrido folk-country con las obras de Gram Parsons de principios de los años 70. [52] " Little Palaces" es una balada folk que describe los peligros de una familia de clase trabajadora, [15] [52] que abusa de sus hijos para expresar sus frustraciones. [53] [34] Según Gouldstone, los "pequeños palacios" se refieren a "los bloques de pisos de gran altura construidos con tantas esperanzas pero que desde entonces han demostrado ser tan desastrosos", ofreciendo un comentario sobre Gran Bretaña en la década de 1980. [54] Presenta a Costello tocando la mandolina. [34] "I'll Wear It Proudly" es una canción de estilo country con vínculos con la música folclórica angloamericana. [55] En ella, el narrador describe su deseo obsesivo de estar con su amante y el dolor cuando ella está ausente, proclamando que sufriría el ridículo al usar la corona del "rey de los tontos". [56] [55]
En "American Without Tears", el narrador, durante una visita a Estados Unidos, conoce a dos novias GI de mediana edad que abandonaron Inglaterra después de la guerra y han perdido sus identidades inglesas. [57] [58] Gouldstone señala que, a diferencia de Armed Forces (1979), donde los soldados eran representados como "matones estereotipados", los soldados aquí son representados con afecto y como "seres humanos reales". [57] El escritor de Pitchfork, Stephen M. Deusner, comparó la propia "soledad y alienación" de Costello con la de las novias GI. [24] Perone describe la canción como una "balada híbrida country-cajún tranquila". [58] Cuenta con la participación de Jo-El Sonnier en el acordeón . [24] La interpretación de Costello de "Eisenhower Blues" ofrece una mirada a Estados Unidos durante la década de 1950 desde el punto de vista de un individuo abandonado. Gouldstone sostiene que la canción contradice la pista anterior al implicar que Estados Unidos no ha cambiado en los últimos treinta años. [59] Perone señala que, de manera similar a cómo el original de Lenoir brindaba comentarios sobre la administración de Dwight D. Eisenhower , la versión de Costello podría verse como un comentario sobre la administración de Ronald Reagan . [60]
«Poisoned Rose» es un tema de jazz, blues [51] y country que Perone compara con las grabaciones de Patsy Cline de finales de los años 1950 y principios de los 1960. [61] En él, el narrador lucha por vivir con y sin su amante, siendo atraído por la belleza y repelido por el «veneno». Al final, aprende a vivir con el dolor. [59] «The Big Light» presenta una reflexión sobre una mañana con resaca después de una noche de mucha bebida. [51] [59] Musicalmente, es una mezcla estilística del rockabilly al estilo de Elvis Presley , el country-pop de los años 1970 y 1980 de Eddie Rabbitt y el trabajo centrado en el alcohol de mediados de los 1960 de Merle Haggard . [61] Costello describió a «Jack of All Parades» como «un compañero sin complejos» de «I'll Wear It Proudly». [62] Una canción de amor personal sobre "el poder redentor del romance", [53] contiene un ritmo aleatorio liderado por el bajo eléctrico y Nieve al piano. [62]
"Suit of Lights" ha sido ampliamente interpretada como la representación del "entierro público" de la personalidad de Elvis Costello, [63] y un renacimiento para el artista. [62] [64] En la canción, Costello "muere" en el escenario y se viste con un "traje de luces" que lo resucita como alguien nuevo. [64] En ese momento, Costello dijo: "Es una canción muy de Attractions. Son las únicas personas en la tierra que podrían haber tocado esa melodía. Pero eso es simplemente irónico, no fue deliberado". [9] La canción de cierre, "Sleep of the Just", es "una viñeta onírica fragmentada" sobre la lujuria sexual de un soldado. [53] [65] Costello dijo en su momento: "Se trata de hipocresía. Se trata simplemente de un soldado cuya hermana es modelo porno y él está allí de pie, todo orgulloso y lleno de sí mismo, con su uniforme y mirándola desde arriba, y todo el tiempo, es su foto la que está colgada en la pared del cuartel. Es muy simple". [9] Perone sostiene que la "casi deliberada falta de papismo de la melodía" de la canción presagiaba las canciones de arte y las obras de música de cámara de Costello de los años 1990 y 2000. [65]
La portada es un primer plano de un Costello barbudo, con gafas redondas de montura metálica, una corona salpicada de diamantes de imitación y una chaqueta de brocado a juego. [66] [35] [24] El autor Brian Hinton escribe que parece "sardónico y conocedor". [66] Los comentaristas de la época encontraron su aspecto "ridículo" y "serio", ambos de los cuales creían que capturaban el espíritu del material en sí. [53] [67] Según Gouldstone, la portada pretendía ser "absurda", un "reconocimiento lúdico" del título del álbum y la línea de "I'll Wear It Proudly" en la que Costello dice que sería coronado con gratitud como el "rey de los tontos". [68] El autor continuó diciendo que la obra de arte destruye las preconcepciones establecidas por las portadas de álbumes anteriores de Costello, que en su mayoría intentaron poseer una "gran dosis de ingenio" al retratar la imagen de Elvis Costello: "Ya no puedes tomarlo en serio después de haberte reído de él con este ridículo disfraz". [68] La obra de arte fue fotografiada en Los Ángeles por Terry Donovan, mientras que el hijo de Costello, Matthew, actuó como "asesor de portada". [66]
En las notas del álbum, Costello es acreditado a Declan Patrick Aloysius MacManus [b] por los créditos de escritura y como "las Pequeñas Manos del Concreto" por los créditos de interpretación. [15] [29] El último apodo fue dado a Costello por su ex productor Nick Lowe debido a su tendencia a romper frecuentemente las cuerdas de la guitarra. [1] Su regreso a su nombre real fue interpretado por Gouldstone como una insatisfacción con la personalidad de Elvis Costello de los últimos ocho años, escribiendo que el artista en cambio quería lanzar un proyecto "sin un intermediario distorsionador" y reiniciarse de nuevo, mostrando al público que no era el mismo hombre de sus discos anteriores: un hombre mayor y más feliz en comparación con el hombre joven y enojado. [69] Costello elaboró sobre el cambio de nombre poco después del lanzamiento del álbum: [70]
La pérdida de mi nombre es sólo un pequeño recurso para recordar a la gente que siempre había un ser humano detrás de esas gafas divertidas. Durante los primeros discos fue un disfraz muy eficaz, una cortina de humo para las inseguridades y una tapadera para el proceso de aprendizaje público que me fue impuesto. Pero después descubrí que la gente no podía librarse de sus preconcepciones y seguía buscando cosas en los discos posteriores que simplemente no existían. Elvis Costello se convirtió cada vez más en un personaje que yo interpretaba porque la gente no lo dejaba crecer.
King of America fue lanzado originalmente el 21 de febrero de 1986 [15] exclusivamente en formatos de vinilo . [65] En el Reino Unido y Europa ( F-Beat ZL 70946), el álbum fue acreditado a "the Costello Show, featuring the Attractions and the Confederates", mientras que en América del Norte (Columbia FC 40173), fue acreditado a "the Costello Show featuring Elvis Costello". [15] [71] Según se informa, el sello se negó a lanzar el álbum sin incluir el nombre de Costello. [29] Comercialmente, King of America alcanzó el número 11 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 39 en la lista Billboard Top Pop Albums de EE. UU . [66] Fue su primer lanzamiento desde My Aim Is True en no entrar en el top 10 del Reino Unido. [28] En otros lugares, el álbum alcanzó el número 12 en Suecia, [72] 21 en Nueva Zelanda, [73] 40 en los Países Bajos, [73] 41 en Japón y 67 en Australia. [74] [75]
Columbia lanzó "Don't Let Me Be Misunderstood" como el primer sencillo en enero de 1986, [24] [76] respaldado por el tema descartado "Baby's Got a Brand New Hairdo". [77] Alcanzó el puesto número 33 en el Reino Unido y no logró entrar en las listas Billboard Hot 100. [ 15] [78] "Lovable" apareció solo en los EE. UU. y no logró entrar en las listas. [15] El pobre desempeño comercial del álbum llevó a Costello a escribir canciones más parecidas a su trabajo inicial con Attractions, a saber, This Year's Model (1978) y Armed Forces . Regresó al estudio con Attractions y Nick Lowe en marzo, grabando rápidamente un nuevo álbum en dos meses. [79] El álbum, Blood & Chocolate , fue lanzado en septiembre, solo siete meses después de King of America . [80]
King of America fue aclamado por los críticos como un regreso a la forma para Costello [40] [82] [32] y su mejor álbum en varios años. [34] [30] [63] Nick Kent de Melody Maker dio la bienvenida a King of America como el mejor trabajo de Costello hasta la fecha junto con Get Happy!! , destacando el papel de Burnett como productor y considerando a Costello "todavía el mejor compositor de esta isla arruinada, una fuerza, que en su mejor momento, simplemente no tiene igual". [63] El músico Scott Isler escribió que "estas canciones de arte restablecen a Elvis como un juglar de primer nivel que traza el corazón de la oscuridad". [40]
Según Thomson, los críticos elogiaron la compasión y la calidez del disco, la instrumentación y la calidad de las canciones. [35] La revista Billboard elogió a King of America como posiblemente "las canciones más accesibles y sentidas que ha escrito hasta ahora en un marco sobrio pero rico", las 15 canciones contienen "una profundidad notable", lo que resulta en una mezcla "atemporal" de rock, country, blues y pop . [33] Algunos escritores notaron que la producción permitió una mejor claridad lírica en comparación con los lanzamientos anteriores, lo que le dio a las voces más intimidad emocional. [34] [82] También se destacaron las interpretaciones vocales de Costello. [32] [63] Stephen Holden de The New York Times escribió que "su voz apasionada tiene una intensidad concisa y estrangulada", [32] una que Jeff Nesin de Creem creía que "le da a las pistas una presencia e inmediatez asombrosas". [41] A Chris Willman de Los Angeles Times le gustó la colisión de las letras más "frías" con los estilos musicales más "cálidos" combinados con los arreglos minimalistas, dando como resultado un "LP alternativamente brillante y agravante". [30]
En evaluaciones más variadas, algunos críticos creían que las canciones eran demasiado complejas, [83] [30] carecían de la accesibilidad para obtener nuevos fanáticos pero satisfarían a los de siempre. [67] Ken Tucker de The Philadelphia Inquirer argumentó que King of America "no es el lugar para comenzar su colección de Elvis Costello" y que su disfrute depende de la familiaridad de los oyentes con el artista. Tucker también dudó de la viabilidad comercial del disco en los EE. UU., señalando que "la combinación de pasión y fastidio de su música está en desacuerdo con todo lo demás en la radio". [84] Otros críticos criticaron a los músicos de sesión como inferiores a The Attractions, [83] actuando simplemente como respaldo de Costello. [40] [82] Los críticos también criticaron a King of America por carecer de cohesión, [53] ser demasiado lento, [81] y estar "plagado de docenas de líneas memorables pero solo un puñado de canciones coherentes". [83]
Otros críticos señalaron a King of America como un álbum de transición, [84] creyendo que Costello estaba intentando diferentes géneros para ver si tenían éxito, aunque Geoffrey Himes de The Washington Post argumentó: "Si persiste en esta nueva búsqueda de canciones sencillas y bien arraigadas, su mejor trabajo está por delante de él". [34] Sean O'Hagan de NME escribió que después de años de experimentos musicales y diferentes personajes, Costello había llegado a un punto en su carrera en el que quería ser él mismo y cantar con su propia voz, y concluyó: "Tal vez por eso el primer álbum de Declan MacManus es tan sencillo y tan complejo". [53]
En la encuesta anual de críticos Pazz & Jop de The Village Voice sobre los mejores álbumes del año, King of America terminó en el número dos, detrás de Graceland de Paul Simon . [85] El álbum también se ubicó en el número cinco en la lista de álbumes del año de Melody Maker . [c] [86]
Creo que la música pop sería mucho más sana si de vez en cuando un disco como King of America fuera un gran éxito. Animaría a otros a ser más atrevidos y a trabajar fuera de la camisa de fuerza de los formatos. [32]
—Elvis Costello, 1986
King of America representó un punto de inflexión en la carrera de Costello. [28] En las décadas posteriores a su lanzamiento, el artista continuó separándose de la escena punk y pub rock británica de los años 1970 en favor de varias excursiones musicales, experimentando con géneros como la clásica ( The Juliet Letters , Il Sogno ), el jazz lounge ( North ), el country ( The Delivery Man ) y el pop de Brill Building ( Painted from Memory ). Después de Burnett, Costello continuó colaborando con otros artistas, incluidos Brodsky Quartet , Burt Bacharach , Paul McCartney , Anne Sofie von Otter y The Roots . [15] [24] Deusner sostuvo en 2005 que las críticas a Costello durante este tiempo, como su "entrega practicada", "composición excesivamente calculada" y una "obsesión por respaldar a músicos y colaboradores", se originaron todas en King of America , su primer álbum desde My Aim Is True sin The Attractions como su principal grupo de apoyo. [24] Ese mismo año, Zeth Lundy de PopMatters escribió: "Es el momento decisivo en el que su fascinación de toda la vida por Estados Unidos adquirió una franja más amplia de su paleta artística, una obsesión que seguiría informando gran parte de su trabajo a lo largo de finales de los años 80 y 90". [29] Las experimentaciones del álbum con la estructura de las canciones también anticiparon sus obras en la década de 2000. [65] En 2021, Jeb Gottlieb de Ultimate Classic Rock dijo que King of America fue "el álbum [que] lo abrió a todo". [15]
En retrospectiva, King of America ha recibido elogios como una de las mejores obras de Costello, [94] siendo aclamada por la creciente madurez del artista, [39] [23] su tono personal, [25] [29] [35] y sus sólidas interpretaciones. [87] [95] [31] El editor de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, la declaró una de las obras maestras de Costello, comparándola con su anterior excursión country Almost Blue (1981), escribiendo que "ahora suena vivida y desgastada, aportando una nueva profundidad emocional a la música". [25] Los escritores de Stereogum la llamaron la excursión de género más exitosa de Costello en 2021. [23] En su libro Complicated Shadows , Thomson considera que King of America es la mejor de Costello junto con Get Happy!! e Imperial Bedroom (1982). [35] Erlewine y Thomson también destacan la composición de canciones como una de las mejores de Costello. [25] [35] En su libro God's Comic , Gouldstone escribió: "El contenido y la forma están en armonía, y el resultado es un disco extremadamente satisfactorio". [22] Al Shipley de Spin argumentó en 2022 que el sonido del álbum apuntaba a lo que se convirtió en country alternativo . [94] En 2000, fue votado como el número 540 en la tercera edición del libro All Time Top 1000 Albums del escritor Colin Larkin . [96]
En PopMatters , Lundy citó la "producción sin vida" como el defecto principal de King of America , escribiendo que "los instrumentos y la voz de Costello se vuelven delgados como hostias sacramentales" y "toda la mezcla está bañada en una cantidad cuestionable de reverberación". [29] Lundy finalmente lo llamó "una colección de canciones fuertes interpretadas de una manera aburrida". [29] Perone argumenta que la fusión de rockabilly, country y otros géneros hace que las canciones sean atemporales, [45] pero la "expansión" del álbum puede ser demasiado para los oyentes de una sola vez. [65] Scott Gordon de The AV Club declaró que sin las atracciones, la composición parece "casi desnuda". [97] En una reseña de 2005 para Rolling Stone , Rob Sheffield llamó al álbum un "desastre", que contiene ocho de las "canciones más sustanciosas" del artista y otras siete que van desde el "capricho forzado" a la "autoparodia". [98]
King of America fue reeditado por primera vez en CD en 1987 por Demon Records . [71] En agosto de 1995, [100] el álbum fue reeditado por Demon/ Rykodisc con cinco pistas adicionales , incluido el sencillo de Coward Brothers, "The People's Limousine" y "They'll Never Take Her Love from Me", y nuevas notas de portada escritas por el propio Costello. Las primeras ediciones limitadas también incluyeron un disco adicional de seis pistas de grabaciones en vivo de 1986 de Costello y los Confederates en Broadway. [1] [62] [101]
En abril de 2005, King of America fue remasterizado y ampliado por Rhino Records . La reedición presentó nuevas notas escritas por Costello, una nueva versión coloreada de la portada y un disco extra que contenía 21 pistas, 11 de las cuales aparecieron en la reedición de Rykodisc. [102] Las diez nuevas pistas incluían demos en solitario y versiones tempranas de pistas que aparecerían en álbumes posteriores, como "I Hope You're Happy Now" (lanzada en Blood & Chocolate ) y "Betrayal" (reelaborada en "Tramp the Dirt Down" en Spike de 1989 ). [102] Para su lanzamiento, la reedición vino con una etiqueta promocional que decía "El álbum en el que los fanáticos, los críticos y Elvis Costello están de acuerdo". [29] La reedición recibió críticas positivas. Los comentaristas destacaron las pistas en vivo de Costello y los Confederates y las demos en solitario. [24] [99] [102] Sheffield calificó la reedición como superior al álbum original. [98]
King of America fue reeditado nuevamente en CD, sin pistas adicionales, en junio de 2007 por Hip-O Records y Universal Music Group . [103] Una reedición en LP por UM e siguió en noviembre de 2015, nuevamente sin pistas adicionales. [104] King of America & Other Realms , una caja súper deluxe, se lanzará en noviembre de 2024. Es una colección ampliada que celebra el amor de Costello por la música americana. Con 97 pistas en seis discos, la caja contiene una remasterización de 2024 del álbum original King of America , demos inéditas de las sesiones de grabación, un concierto en vivo de 1987 y colaboraciones a lo largo de toda la carrera de Costello. También presenta nuevas grabaciones de "Indoor Fireworks" y "Brilliant Mistake". [105] [106]
Todas las pistas fueron escritas por Declan MacManus (Elvis Costello) excepto donde se indique; los tiempos de las pistas se tomaron de la reedición de Rhino de 2005. [8]
Según las notas del álbum de 1995: [1]
Personal adicional
Técnico [107]
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