Children of Men es una película de suspenso y acción distópica de 2006 [4] [5] [6] [7] dirigida y coescrita por Alfonso Cuarón . El guion, basado en la novela de PD James de 1992, Children of Men , fue acreditado a cinco escritores, con Clive Owen haciendo contribuciones no acreditadas. La película está ambientada en 2027 cuando dos décadas de infertilidad humana han dejado a la sociedad al borde del colapso. Los solicitantes de asilo buscan refugio en el Reino Unido, donde son sometidos a detención y deportación por parte del gobierno. Owen interpreta al funcionario Theo Faron, que intenta ayudar a la refugiada Kee ( Clare-Hope Ashitey ) a escapar del caos. Children of Men también está protagonizada por Julianne Moore , Chiwetel Ejiofor , Pam Ferris , Charlie Hunnam y Michael Caine .
La película fue estrenada por Universal Pictures el 22 de septiembre de 2006 en el Reino Unido y el 25 de diciembre en los Estados Unidos. A pesar del lanzamiento limitado y la falta de una estrategia de marketing clara durante la temporada de premios por parte del distribuidor de la película, [8] [9] [10] Children of Men recibió elogios de la crítica y fue reconocida por sus logros en guion, cinematografía, dirección de arte y secuencias de acción innovadoras de una sola toma . Fue nominada a tres premios Óscar : Mejor guion adaptado , Mejor fotografía y Mejor montaje cinematográfico . También fue nominada a tres premios BAFTA , ganando Mejor fotografía y Mejor diseño de producción , y a tres premios Saturn , ganando Mejor película de ciencia ficción . En 2016, fue votada en el puesto 13 entre 100 películas consideradas las mejores del siglo XXI por 117 críticos de cine de todo el mundo.
En el año 2027, dieciocho años de infertilidad humana total han conducido a una guerra y una depresión global , empujando a la sociedad al borde del colapso mientras la humanidad se enfrenta a la extinción. El Reino Unido es una de las pocas naciones restantes con un gobierno en funcionamiento, y se ha convertido en un estado policial totalitario en el que los inmigrantes son arrestados y encarcelados, deportados o ejecutados en campos de concentración .
Theo Faron, un ex activista convertido en burócrata cínico , es secuestrado por los Fishes, un grupo militante de derechos de los inmigrantes liderado por la esposa separada de Theo, Julian Taylor; la pareja se separó después de la muerte de su hijo durante una pandemia de gripe de 2008. Julian le ofrece dinero a Theo para adquirir documentos de tránsito para una joven refugiada llamada Kee. Theo obtiene los documentos de su primo, un ministro del gobierno, y acepta escoltar a Kee a cambio de una suma mayor de dinero. Luke, un líder de los Fishes, conduce a Theo, Kee, Julian y la ex partera Miriam hacia Canterbury , pero una pandilla armada los embosca y mata a Julian. Más tarde, dos policías detienen su auto; Luke los mata y el grupo esconde el cuerpo de Julian antes de dirigirse a una casa segura .
Kee le revela a Theo que está embarazada, lo que la convierte en la única mujer embarazada conocida en el mundo. Julian tenía la intención de llevarla al Proyecto Humano, un grupo de investigación científica en las Azores dedicado a curar la infertilidad de la humanidad, que Theo cree que no existe. Luke se convierte en el nuevo líder de los Peces. Esa noche, Theo escucha a escondidas una discusión y se entera de que los Peces orquestaron la muerte de Julian para que Luke pudiera convertirse en su líder y que tienen la intención de matarlo y usar al bebé de Kee como una herramienta política. Theo despierta a Kee y Miriam, y escapan al escondite apartado del solitario y anciano amigo hippie de Theo, Jasper Palmer, un ex caricaturista político cuya esposa Janice fue torturada hasta la catatonia por el gobierno británico por su periodismo.
El grupo planea llegar al barco del Proyecto Humano, el Tomorrow , programado para llegar a Bexhill , un conocido centro de detención de inmigrantes. Jasper planea usar a Syd, un oficial de inmigración a quien Jasper vende cannabis, para contrabandearlos a Bexhill como refugiados, desde donde pueden tomar un bote de remos para encontrarse con el Tomorrow . Al día siguiente, los Peces descubren la casa de Jasper, lo que obliga al grupo a huir. Jasper se queda atrás para detenerlos y es asesinado por Luke mientras Theo observa. Theo, Kee y Miriam se encuentran con Syd, quien los ayuda a abordar un autobús hacia el campamento. Después de que Kee rompe aguas , un guardia ingresa al autobús para seleccionar personas para la ejecución. Cuando nota que Kee está lastimado, Miriam obstruye al guardia y se la llevan. Cuando el guardia también quiere llevarse a Kee, Theo lo señala hacia el agua en el piso, engañándolo para que piense que se ensució, después de lo cual deja a Kee sola. El autobús continúa su marcha y consiguen entrar en el campamento.
Dentro del campamento, Theo y Kee conocen a una mujer romaní , Marichka, que les proporciona una habitación donde Kee da a luz a una niña. Al día siguiente, Syd les cuenta a Theo y Kee que ha estallado una guerra entre los militares británicos y los refugiados y que los Peces se han infiltrado en el campamento; luego revela que hay una recompensa por la cabeza de Theo y Kee e intenta capturarlos. Theo somete a Syd con la ayuda de Marichka; escapan, pero son emboscados por los Peces, que capturan a Kee y al bebé. Theo los sigue hasta un edificio de apartamentos que está bajo un intenso fuego. Theo se enfrenta a Luke, que muere en una explosión, y Theo escolta a Kee y al bebé hasta la salida. Impresionados por el bebé, los soldados británicos y los Peces dejan de luchar temporalmente y permiten que el trío se vaya. Marichka los conduce al barco, pero se queda atrás mientras se van.
Mientras los aviones de combate británicos llevan a cabo ataques aéreos en Bexhill, Theo y Kee reman hacia el punto de encuentro en medio de una densa niebla. Theo revela que Luke le disparó y lo hirió antes; le enseña a Kee cómo hacer eructar a su bebé , y ella le dice que llamará a la niña Dylan, en honor al hijo perdido de Theo y Julian. Theo sonríe débilmente y luego pierde el conocimiento a medida que se acerca el Mañana . Cuando la pantalla se vuelve negra, se escuchan risas de niños.
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La opción para el libro fue adquirida por Beacon Pictures en 1997. [23] La adaptación de la novela de PD James fue escrita originalmente por Paul Chart , y luego reescrita por Mark Fergus y Hawk Ostby . El estudio incorporó al director Alfonso Cuarón en 2001. [24] Cuarón y el guionista Timothy J. Sexton comenzaron a reescribir el guion después de que el director completara Y tu mamá también . Temeroso de que "comenzara a cuestionar las cosas", [20] Cuarón decidió no leer la novela de PD James, optando por que Sexton leyera el libro mientras Cuarón mismo leía una versión abreviada. [15] [25] Cuarón no comenzó de inmediato la producción, en su lugar dirigió Harry Potter y el prisionero de Azkaban . Durante este período, David Arata reescribió el guion y entregó el borrador que aseguró a Clive Owen y envió la película a preproducción . La experiencia laboral del director en el Reino Unido lo expuso a la «dinámica social de la psique británica», lo que le permitió comprender la representación de la «realidad británica». [26] Cuarón utilizó la película La batalla de Argel como modelo para la reconstrucción social en preparación para la producción, presentándole la película a Clive Owen como un ejemplo de su visión para Hijos de los hombres . Con el fin de crear un marco filosófico y social para la película, el director leyó literatura de Slavoj Žižek , así como obras similares. [27] La película Sunrise: A Song of Two Humans de 1927 también fue influyente. [28]
La naranja mecánica fue una de las inspiraciones para la futurista, aunque maltratada pátina de 2027 Londres. [28] Hijos de los hombres fue la segunda película que Cuarón hizo en Londres, con el director retratando la ciudad usando tomas únicas y amplias. [29] Mientras Cuarón preparaba la película, ocurrieron los atentados de Londres , pero el director no consideró trasladar la producción. "Hubiera sido imposible filmar en cualquier otro lugar que no fuera Londres, debido a la forma muy obvia en que se incorporaron las ubicaciones en la película", dijo Cuarón a Variety . "Por ejemplo, la toma de Fleet Street mirando hacia St. Paul's habría sido imposible de filmar en cualquier otro lugar". [29] Debido a estas circunstancias, la escena inicial del ataque terrorista en Fleet Street se filmó un mes y medio después del atentado de Londres. [27]
Cuarón eligió filmar algunas escenas en el este de Londres , una ubicación que consideraba "un lugar sin glamour". Las locaciones del set fueron decoradas para que parecieran aún más deterioradas; Cuarón dice que le dijo al equipo "'Hagámoslo más mexicano'. En otras palabras, mirábamos una ubicación y luego decíamos: sí, pero en México habría esto y esto. Se trataba de hacer que el lugar pareciera deteriorado. Se trataba de pobreza". [27] También hizo uso de los sitios más populares de Londres, filmando en lugares como Trafalgar Square y Battersea Power Station . La escena de la central eléctrica (cuya conversión en un archivo de arte es una referencia a la Tate Modern ), ha sido comparada con el Desierto Rojo de Antonioni . [30] Cuarón agregó un globo de cerdo a la escena como homenaje a Animals de Pink Floyd . [31] Otras obras de arte visibles en esta escena incluyen el David de Miguel Ángel , [32] el Guernica de Picasso , [33] y Kissing Coppers de Banksy . [34] Las compañías de efectos visuales londinenses Double Negative y Framestore trabajaron directamente con Cuarón desde el guión hasta la postproducción, desarrollando efectos y creando "entornos y tomas que de otra manera no serían posibles". [29]
El Astillero Histórico de Chatham se utilizó para filmar la escena en la casa de seguridad vacía de los activistas. [35]
La Torre Shard se agregó digitalmente al horizonte de Londres basándose en dibujos arquitectónicos tempranos, ya que cuando se hizo la película, el rascacielos aún no se había construido, pero lo habría sido en el momento en que se ambienta la película. [36]
"En la mayoría de las epopeyas de ciencia ficción, los efectos especiales sustituyen a la historia. Aquí la hacen avanzar sin problemas", observa Colin Covert de Star Tribune . [37] Las vallas publicitarias fueron diseñadas para equilibrar una apariencia contemporánea y futurista, así como para visualizar fácilmente lo que estaba ocurriendo en el resto del mundo en ese momento, y los automóviles fueron hechos para parecerse a los modernos a primera vista, aunque una mirada más cercana los hacía parecer desconocidos. [38] Cuarón informó al departamento de arte que la película era la "anti- Blade Runner ", [39] rechazando las propuestas tecnológicamente avanzadas y minimizando los elementos de ciencia ficción del entorno de 2027. El director se centró en imágenes que reflejaran el período contemporáneo. [40] [41]
Se incluyeron referencias a los Juegos Olímpicos de Verano de 2012 en la película, ya que Londres había sido anunciada como ciudad anfitriona en julio de 2005, unos meses antes de que tuviera lugar el rodaje. [42]
Children of Men utilizó varias secuencias largas de un solo plano en las que se desarrollan acciones extremadamente complejas. La más larga de ellas es una toma en la que Kee da a luz (3 min, 19 s); una emboscada en un camino rural (4 min, 7 s); y una escena en la que Theo es capturado por los Peces, escapa y corre por una calle y a través de un edificio en medio de una batalla furiosa (6 min, 18 s). [43] Estas secuencias fueron extremadamente difíciles de filmar, aunque el efecto de continuidad es a veces una ilusión, ayudada por efectos de imágenes generadas por computadora (CGI) y el uso de "cortes continuos" para realzar las tomas largas . [44] [45]
Cuarón había experimentado con tomas largas en Grandes esperanzas , Y tu mamá también y Harry Potter y el prisionero de Azkaban . Su estilo está influenciado por la película suiza Jonás, que cumplirá 25 años en el año 2000 , una de sus favoritas. Dijo: "Estaba estudiando cine cuando vi por primera vez [ Jonás ], y me interesaba la Nouvelle Vague francesa . Jonás era tan poco llamativa en comparación con esas películas. La cámara mantiene cierta distancia y hay relativamente pocos primeros planos. Es elegante y fluida, sigue constantemente, pero muy lentamente y no llama la atención sobre sí misma". [46]
La creación de las secuencias de un solo plano fue un proceso desafiante y que llevó mucho tiempo, lo que despertó inquietudes en el estudio. Se necesitaron catorce días para preparar el plano único en el que el personaje de Clive Owen busca en un edificio que está siendo atacado y cinco horas cada vez que querían volver a filmarlo. En medio de una toma, la sangre salpicó la lente y el director de fotografía Emmanuel Lubezki convenció al director de dejarla. Según Owen, "En medio de todo esto estamos el operador de cámara y yo, porque estamos haciendo este baile muy complicado y muy específico que, cuando llegamos al momento de filmar, tenemos que hacer que parezca completamente aleatorio". [47]
La idea inicial de Cuarón de mantener la continuidad durante la escena de la emboscada en la carretera fue descartada por los expertos en producción como una "toma imposible de hacer". Recién salido de la película llena de efectos visuales Harry Potter y el prisionero de Azkaban , Cuarón sugirió usar imágenes generadas por computadora para filmar la escena. Lubezki se negó a permitirlo, recordándole al director que tenían la intención de hacer una película similar a un " documental en bruto ". En cambio, se empleó un equipo de cámara especial inventado por Gary Thieltges de Doggicam Systems, lo que le permitió a Cuarón desarrollar la escena como una toma extendida. [21] [48] Se modificó un vehículo para permitir que los asientos se inclinaran y bajaran a los actores fuera del camino de la cámara, y el parabrisas fue diseñado para inclinarse hacia un lado para permitir el movimiento de la cámara hacia adentro y hacia afuera a través del parabrisas delantero. Un equipo de cuatro, incluido el director de fotografía y el operador de cámara, viajó en el techo. [49]
Sin embargo, la afirmación tan difundida de que las escenas de acción son tomas continuas [50] no es del todo cierta. El supervisor de efectos visuales Frazer Churchill explica que el equipo de efectos tuvo que "combinar varias tomas para crear tomas imposiblemente largas", donde su trabajo era "crear la ilusión de un movimiento continuo de cámara". Una vez que el equipo fue capaz de crear una "mezcla perfecta", pasaron a la siguiente toma. Estas técnicas fueron importantes para tres tomas continuas: la explosión de la cafetería en la toma inicial, la emboscada del coche y la escena del campo de batalla. La escena de la cafetería se compuso de "dos tomas diferentes filmadas durante dos días consecutivos"; la emboscada del coche se filmó en "seis secciones y en cuatro lugares diferentes durante una semana y requirió cinco transiciones digitales perfectas"; y la escena del campo de batalla "se capturó en cinco tomas separadas en dos lugares". Churchill y el equipo de Double Negative crearon más de 160 de estos tipos de efectos para la película. [51] En una entrevista con Variety , Cuarón reconoció esta naturaleza de las secuencias de acción de "toma única": "Tal vez estoy revelando un gran secreto, pero a veces es más de lo que parece. Lo importante es cómo se mezcla todo y cómo se mantiene la percepción de una coreografía fluida a través de todas estas diferentes piezas". [16]
Tim Webber, de la productora de efectos visuales Framestore CFC, fue el responsable de la toma única de tres minutos y medio de Kee dando a luz, y ayudó a coreografiar y crear los efectos generados por computadora del parto. [29] Cuarón originalmente tenía la intención de utilizar un bebé animatrónico como el hijo de Kee, con la excepción de la escena del parto. Al final, se filmaron dos tomas, y en la segunda toma se ocultaron las piernas de Clare-Hope Ashitey y se las reemplazó por piernas protésicas. Cuarón quedó satisfecho con los resultados del efecto y volvió a las tomas anteriores del bebé en forma animatrónica, reemplazándolas por el bebé generado por computadora de Framestore . [44]
Cuarón utilizó una combinación de rock, pop, música electrónica, hip-hop y música clásica para la banda sonora de la película. [52] Los sonidos ambientales del tráfico, los perros ladrando y los anuncios siguen al personaje de Theo a través de Londres, East Sussex y Kent, produciendo lo que el escritor de Los Angeles Times Kevin Crust llamó un "retumbo de audio urbano". [52] Crust consideró que la música comenta indirectamente sobre el mundo estéril de Children of Men : la versión de Deep Purple de " Hush " que suena desde la radio del auto de Jasper se convierte en una "sutil canción de cuna para un mundo sin bebés", mientras que " The Court of the Crimson King " de King Crimson hace una alusión similar con sus letras, "tres canciones de cuna en una lengua antigua". [52]
Entre una selección de música electrónica que abarca varios géneros , se puede escuchar un remix de "Omgyjya Switch 7" de Aphex Twin , que incluye la muestra de audio de "Male Thijs Loud Scream" de Thanvannispen [53] durante una escena temprana en la casa de Jasper. Durante una conversación entre los dos hombres, " Life in a Glasshouse " de Radiohead suena de fondo. También se incluyen varias pistas de dubstep , incluida "Anti-War Dub" de Digital Mystikz , así como pistas de Kode9 & The Space Ape, Pinch y Pressure . [54]
Para las escenas de Bexhill durante la segunda mitad de la película, Cuarón hace uso del silencio y de efectos de sonido cacofónicos como el disparo de armas automáticas y altavoces que dirigen el movimiento de los refugiados. [52] La música clásica de George Frideric Handel , Gustav Mahler y " Thenody to the Victims of Hiroshima " de Krzysztof Penderecki complementa el caos del campo de refugiados. [52] A lo largo de la película, Fragmentos de una oración de John Tavener se utiliza como motivo espiritual. [52]
Children of Men explora los temas de la esperanza y la fe [55] frente a una futilidad y desesperación abrumadoras. [56] [28] La fuente de la película, la novela de PD James Children of Men (1992), describe lo que sucede cuando la sociedad es incapaz de reproducirse, utilizando la infertilidad masculina para explicar este problema. [57] [58] En la novela, se deja en claro que la esperanza depende de las generaciones futuras. James escribe: "Era razonable luchar, sufrir, tal vez incluso morir, por una sociedad más justa, más compasiva, pero no en un mundo sin futuro donde, demasiado pronto, las mismas palabras 'justicia', 'compasión', 'sociedad', 'lucha', 'mal', serían ecos inauditos en un aire vacío". [59]
La película no explica la causa de la infertilidad, aunque se consideran la destrucción del medio ambiente y el castigo divino. [28] [60] [61] Cuarón ha atribuido esta pregunta sin respuesta (y otras en la película) a su disgusto por el cine puramente expositivo: "Hay un tipo de cine que detesto, que es un cine que se trata de exposición y explicaciones ... Se ha convertido ahora en lo que yo llamo un medio para lectores perezosos ... El cine es un rehén de la narrativa. Y soy muy bueno en la narrativa como rehén del cine". [62] El desdén de Cuarón por la historia de fondo y la exposición lo llevó a usar el concepto de infertilidad como una "metáfora del desvanecimiento del sentido de esperanza". [62] [60] El "casi mítico" Proyecto Humano se convierte en una "metáfora de la posibilidad de la evolución del espíritu humano, la evolución del entendimiento humano". [63] Cuarón creía que explicar cosas como la causa de la infertilidad y el Proyecto Humano crearía una "película de ciencia ficción pura", quitando el foco de la historia como metáfora de la esperanza. [64] [60] Sin dictar cómo debería sentirse la audiencia al final de la película, Cuarón anima a los espectadores a llegar a sus propias conclusiones sobre el sentido de esperanza representado en las escenas finales: "Queríamos que el final fuera un atisbo de una posibilidad de esperanza, para que la audiencia invirtiera su propio sentido de esperanza en ese final. Así que si eres una persona esperanzada verás mucha esperanza, y si eres una persona sombría verás una completa desesperanza al final". [25]
Richard Blake, escribiendo para la revista católica América , sugirió que, al igual que la Eneida de Virgilio , La Divina Comedia de Dante y Los cuentos de Canterbury de Chaucer , el quid del viaje en Hijos de los hombres radica en lo que se descubre a lo largo del camino, más que en el destino en sí. [32]
Según Cuarón, el título del libro de PD James ( Los hijos de los hombres ) es una alegoría derivada de un pasaje de las escrituras de la Biblia. [65] ( Salmo 90 (89):3 de la versión King James : "Tú conviertes al hombre en destrucción; y dices: Volveos, hijos de los hombres") James se refiere a su historia como una "fábula cristiana" [57] mientras que Cuarón la describe como "casi como una mirada al cristianismo": "No quería alejarme de los arquetipos espirituales", dijo Cuarón a Filmmaker Magazine . "Pero no estaba interesado en lidiar con el dogma ". [25]
La historia de la natividad de la Sra. James está, en la versión del Sr. Cuarón, ambientada en la imagen de un prisionero con una bata naranja y una bolsa negra en la cabeza, con los brazos estirados como si estuviera en una cruz.
— Manohla Dargis , [66]
Esta divergencia con el original fue criticada por algunos, incluido Anthony Sacramone de First Things , quien calificó la película como "un acto de vandalismo", señalando la ironía de cómo Cuarón había eliminado la religión de la fábula de PD James, en la que el nihilismo moralmente estéril es superado por el cristianismo . [67]
La película se ha destacado por su uso de simbolismo cristiano ; por ejemplo, los terroristas británicos llamados " Peces " protegen los derechos de los refugiados. [68] En su estreno el día de Navidad en los Estados Unidos, los críticos compararon los personajes de Theo y Kee con José y María, [69] llamando a la película una " historia de la Natividad de los tiempos modernos ". [70] El embarazo de Kee se le revela a Theo en un granero, aludiendo al pesebre del belén ; cuando Theo le pregunta a Kee quién es el padre del bebé, ella dice en broma que es virgen; y cuando otros personajes descubren a Kee y a su bebé, responden con " Jesucristo " o la señal de la cruz . [71]
Para resaltar estos temas espirituales, Cuarón encargó una pieza de 15 minutos al compositor británico John Tavener , miembro de la Iglesia Ortodoxa Oriental cuyo trabajo resuena con los temas de "maternidad, nacimiento, renacimiento y redención a los ojos de Dios". Calificando su partitura como una "reacción musical y espiritual a la película de Alfonso", fragmentos de "Fragmentos de una oración" de Tavener contienen letras en latín, alemán y sánscrito cantadas por la mezzosoprano Sarah Connolly . Palabras como "mata" (madre), "pahi mam" (protégeme), "avatara" (salvador) y "aleluya" aparecen a lo largo de la película. [72] [73]
En los créditos finales , las palabras sánscritas "Shantih Shantih Shantih" aparecen como títulos finales. [74] [75] La escritora y crítica de cine Laura Eldred de la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill observa que Children of Men está "llena de detalles que llaman la atención del espectador educado". Durante una visita a su casa de Theo y Kee, Jasper dice "Shanti, shanti, shanti". Eldred señala que el "shanti" utilizado en la película también se encuentra al final de un Upanishad y en la línea final del poema de TS Eliot The Waste Land , una obra que Eldred describe como "dedicada a contemplar un mundo vaciado de fertilidad: un mundo en sus últimas y tambaleantes piernas". "Shanti" también es un comienzo y final común para todas las oraciones hindúes, y significa "paz", haciendo referencia a la invocación de la intervención divina y el renacimiento a través del fin de la violencia. [76]
Children of Men adopta un enfoque poco convencional del cine de acción moderno , utilizando un estilo de noticiero documental. [77] Los críticos de cine Michael Rowin, Jason Guerrasio y Ethan Alter observan la piedra de toque subyacente de la película, la inmigración .
Para Alter y otros críticos, el apoyo estructural y el impulso para las referencias contemporáneas se basan en la naturaleza visual de la exposición de la película , que se presenta en forma de imágenes en oposición al diálogo convencional. [78] Aparecen otras imágenes populares, como un cartel sobre el campo de refugiados que dice "Seguridad Nacional". [79] La similitud entre las escenas de batalla infernales y estilizadas al estilo del cinéma vérité de la película y la cobertura actual de noticias y documentales de la guerra de Irak es notada por la crítica de cine Manohla Dargis , describiendo los paisajes ficticios de Cuarón como "zonas de guerra de extraordinaria verosimilitud". [80]
En la película, los refugiados son "cazados como cucarachas", acorralados y metidos en jaulas sin techo abiertas a los elementos y campos, e incluso fusilados, lo que lleva a críticos de cine como Chris Smith y Claudia Puig a observar "matices" simbólicos e imágenes del Holocausto . [56] [81] Esto se refuerza en la escena en la que se ve a una anciana refugiada que habla alemán detenida en una jaula, [34] y en la escena en la que agentes del gobierno británico desnudan y agreden a los refugiados; la canción "Arbeit Macht Frei" de The Libertines , de Arbeit macht frei , suena de fondo. [82] "Las alusiones visuales a las redadas nazis son desconcertantes", escribe Richard A. Blake. "Muestra en qué puede convertirse la gente cuando el gobierno orquesta sus miedos para su propio beneficio". [32]
Cuarón explica cómo utiliza imágenes en sus eventos ficticios y futuristas para aludir a incidentes y creencias reales, contemporáneos o históricos,
Salen de los apartamentos rusos y la siguiente toma que se ve es a esta mujer llorando, sosteniendo el cuerpo de su hijo en sus brazos. Esta era una referencia a una fotografía real de una mujer sosteniendo el cuerpo de su hijo en los Balcanes, llorando con el cadáver de su hijo. Es muy obvio que cuando el fotógrafo capturó esa fotografía, estaba haciendo referencia a La Pietà , la escultura de Miguel Ángel de María sosteniendo el cadáver de Jesús. Entonces: tenemos una referencia a algo que realmente sucedió, en los Balcanes, que es en sí misma una referencia a la escultura de Miguel Ángel. Al mismo tiempo, usamos la escultura de David al principio, que también es de Miguel Ángel, y, por supuesto, tenemos toda la referencia a la Natividad . Y así todo era referencia y referencia cruzada, tanto como pudimos. [15]
Varios académicos han examinado en profundidad los temas de la película, con un enfoque principal en la creación de un paisaje distópico por parte de Alfonso Cuarón. Un aspecto destacado explorado es el tratamiento de los refugiados, que ilustra la regulación de la vida y las tendencias autoritarias reflejadas en las políticas extremas del gobierno británico representadas en la película. [83] Además, Marcus O'Donnell, un investigador, ha caracterizado el realismo político de la película como una forma de "realismo visionario", que abarca varios eventos apocalípticos en lugar de uno solo. [84] Además, la película profundiza en la noción de protección política yuxtapuesta a la vida física, particularmente evidente en su exploración del estado del niño no nacido. El cuerpo de Kee sirve como campo de batalla para estas fuerzas en conflicto, ofreciendo una crítica de la política migratoria al mismo tiempo que idealiza al futuro niño. [85] En los contenidos adicionales del DVD de la película, lanzado en 2007, Slavoj Žižek afirma: “Creo que la película ofrece el mejor diagnóstico de la desesperación ideológica del capitalismo tardío, de una sociedad sin historia”. [86]
Children of Men tuvo su estreno mundial en el 63º Festival Internacional de Cine de Venecia el 3 de septiembre de 2006. [87] El 22 de septiembre de 2006, la película debutó en el número 1 en el Reino Unido con $2,4 millones en 368 pantallas. [88] Debutó en un lanzamiento limitado de 16 salas en los Estados Unidos el 22 de diciembre de 2006, expandiéndose a más de 1200 salas el 5 de enero de 2007. [89] Al 6 de febrero de 2008 [actualizar], Children of Men había recaudado $69,612,678 en todo el mundo, con $35,552,383 de los ingresos generados en los Estados Unidos. [90]
El HD-DVD y DVD se lanzaron en Europa el 15 de enero de 2007 [91] y en los Estados Unidos el 27 de marzo de 2007. Los extras incluyen un documental de media hora del director Alfonso Cuarón, titulado The Possibility of Hope (2007), que explora la intersección entre los temas de la película y la realidad con un análisis crítico de eminentes académicos: el sociólogo y filósofo esloveno Slavoj Žižek , la activista antiglobalización Naomi Klein , el futurista ambientalista James Lovelock , la socióloga Saskia Sassen , el geógrafo humano Fabrizio Eva, el teórico cultural Tzvetan Todorov y el filósofo y economista John N. Gray . "Under Attack" presenta una demostración de las técnicas innovadoras requeridas para las escenas de persecución y batalla de autos; en "Theo & Julian", Clive Owen y Julianne Moore discuten sobre sus personajes; "Futuristic Design" abre la puerta al diseño de producción y la apariencia de la película; En “Visual Effects” se muestra cómo se creó el bebé digital. Se incluyen escenas eliminadas. [92] La película se estrenó en formato Blu-ray en Estados Unidos el 26 de mayo de 2009. [93]
Children of Men recibió elogios de la crítica; en el sitio web de agregadores de reseñas Rotten Tomatoes , la película recibió una calificación de aprobación del 92% basada en 252 reseñas de críticos, con una calificación promedio de 8.10/10. El consenso crítico del sitio afirma: " Children of Men funciona en todos los niveles: como un thriller de persecución violenta, un cuento de advertencia fantástico y un drama humano sofisticado sobre sociedades que luchan por vivir". [94] En Metacritic , la película tiene una puntuación de 84 sobre 100, basada en 38 reseñas, lo que indica "aclamación universal". [95] Las audiencias encuestadas por CinemaScore le dieron a la película una calificación promedio de "B−" en una escala de A+ a F. [96]
Roger Ebert del Chicago Sun-Times le dio a la película cuatro estrellas de cuatro, escribiendo: "Cuarón cumple la promesa de la ficción futurista; los personajes no visten trajes extraños ni visitan la luna, y las ciudades no son alucinaciones de plástico, sino que lucen igual que hoy, excepto cansadas y destartaladas. Aquí ciertamente hay un mundo que termina no con una explosión sino con un gemido, y la película sirve como una advertencia". [97] Dana Stevens de Slate lo llamó "el heraldo de otro evento bendito: la llegada de un gran director llamado Alfonso Cuarón". Stevens elogió la persecución de autos extendida de la película y las escenas de batalla como "dos de las secuencias de persecución de una sola toma más virtuosas que he visto". [70] Manohla Dargis de The New York Times llamó a la película un "thriller político magníficamente dirigido", lloviendo elogios sobre las largas escenas de persecución. [80] "Fácilmente una de las mejores películas del año", dijo Ethan Alter de Film Journal International , con escenas que "te deslumbran con su complejidad técnica y virtuosismo visual". [78] Jonathan Romney de The Independent elogió la precisión del retrato de Cuarón del Reino Unido, pero criticó algunas de las escenas futuristas de la película como "fantasía futura común y corriente". [34] La encuesta de críticos de Film Comment sobre las mejores películas de 2006 clasificó a la película en el puesto número 19, mientras que la encuesta de lectores de 2006 la clasificó en el puesto número dos. [98] En su lista de las mejores películas de 2006, The AV Club , San Francisco Chronicle , Slate y The Washington Post colocaron a la película en el número uno. [99] Entertainment Weekly clasificó la película en el séptimo lugar de su lista de las 10 mejores de fin de década, diciendo: "La película distópica de 2006 de Alfonso Cuarón nos recordó que las secuencias de acción llenas de adrenalina pueden funcionar mejor cuando el futuro se ve tan sucio como el de hoy". [100]
Peter Travers de Rolling Stone la clasificó en el segundo lugar de su lista de las mejores películas de la década, escribiendo:
"Cuando se estrenó en 2006, pensé que la película del director Alfonso Cuarón basada en la novela futurista de fábula política de PD James era buena. Después de verla varias veces, sé que Children of Men es indiscutiblemente genial... Ninguna película de esta década olía más a belleza triste y acción emocionante. No te limitas a ver la escena de la emboscada en el coche (pura magia de la cámara), vives dentro de ella. Esa es la magia de Cuarón: te hace creer". [101]
Según el análisis de Metacritic de las películas más mencionadas en las listas de lo mejor de la década, Children of Men es la undécima mejor película de la década de 2000. [102]
En el libro 501 Must-See Movies , Rob Hill elogia la película por su retrato distópico del futuro y su hábil exploración de temas contemporáneos. Hill destaca el estancamiento social de la película y el efecto magnetizador de Gran Bretaña sobre los inmigrantes y los terroristas, enfatizando la inteligencia del director al tejer narrativas especulativas con reflexiones del mundo real. Aplaude la habilidad de Cuarón para crear un espejo cinematográfico que resuena en el público al abordar preocupaciones políticas y sociales urgentes, todo dentro de un marco distópico convincente. [103]
A raíz de la crisis migratoria europea de 2015, la retirada británica de la Unión Europea a finales de la década de 2010, la presidencia de Donald Trump de 2017 a 2021 y la pandemia de COVID-19 de 2020, todos los cuales implicaron debates divisivos sobre la inmigración y el aumento de la vigilancia fronteriza, varios comentaristas reevaluaron la importancia de la película, y algunos la calificaron de "profética". [a]
La película apareció en muchas listas de los críticos como una de las 10 mejores películas de 2006 : [99]
En 2012, el director Marc Webb incluyó la película en su lista de las 10 mejores películas cuando Sight & Sound le pidió sus votos para el BFI The Top 50 Greatest Films of All Time . [115] En 2015, la película fue nombrada número uno en una lista de las 10 mejores películas de todos los tiempos por el blog Pop Culture Philosopher . [116] En 2016, fue votada en el puesto 13 entre 100 películas consideradas las mejores del siglo XXI por 117 críticos de cine de todo el mundo. [117] En 2017, la revista Rolling Stone clasificó a Children of Men como la mejor película de ciencia ficción del siglo XXI. [118] En 2023, Time incluyó la película como una de las 100 mejores películas de las últimas 10 décadas. [119]
Se informó que PD James estaba satisfecho con la película, [120] y los guionistas de Children of Men recibieron el 19º premio anual USC Scripter Award por la adaptación cinematográfica de la novela. [121]
Owen se alista para protegerla después de la muerte de la persona más joven de la Tierra, de 18 años.
{{cite news}}: CS1 maint: nombres numéricos: lista de autores ( enlace ){{cite book}}: Mantenimiento de CS1: falta la ubicación del editor ( enlace ){{cite book}}: Mantenimiento de CS1: falta la ubicación del editor ( enlace )Hoy en día, es difícil ver los titulares de las noticias de televisión sobre Children of Men sin quedarse boquiabierto ante su premonición:
[...] el director de 55 años se irrita un poco cuando elogio la premonición imaginativa de la película.
Nuevamente, escuche los ecos desgarradores de la demonización actual del otro y la defensa de la seguridad fronteriza inquebrantable por parte de personas como
Nigel Farage
y
Boris Johnson
...
Children of Men existe extrañamente en el pasado, el presente y el futuro a la vez, una reliquia de mediados de los años 2000 con una alarmante premonición de la década de 2020 y un escenario de 2027.
La película ha disfrutado de un resurgimiento crítico en los últimos años, al menos en parte debido a lo profética que parece ahora su descripción de una Gran Bretaña postapocalíptica y obsesionada con la inmigración.
[Children of Men] también ha demostrado ser la película más profética...
