Mikhail Aleksandrovich Vrubel ( ruso : Михаил Александрович Врубель ; 17 de marzo [ 5 de marzo OS ] 1856 – 14 de abril [ 1 de abril OS ] 1910) fue un pintor , dibujante y escultor ruso . Vrubel, un maestro prolífico e innovador en diversos medios como pintura, dibujo, escultura decorativa y arte teatral, se caracteriza generalmente como uno de los artistas más importantes de la tradición simbolista rusa y una figura pionera del arte modernista .
En una biografía de Vrubel de 1990, la historiadora de arte soviética Nina Dmitrieva consideró su vida y su arte como un drama en tres actos con prólogo y epílogo, mientras que la transición entre actos fue rápida e inesperada. El "Prólogo" se refiere a sus primeros años de estudio y elección de carrera. El "primer acto" alcanzó su punto máximo en la década de 1880, cuando Vrubel estudiaba en la Academia Imperial de las Artes y luego se mudó a Kiev para estudiar arte bizantino y cristiano . El "segundo acto" correspondió al llamado "período de Moscú" que comenzó con El demonio sentado de 1890, seguido por el matrimonio de Vrubel en 1896 con la cantante de ópera Nadezhda Zabela-Vrubel , su niñera de toda la vida, y terminó en 1902 con El demonio abatido. y la posterior hospitalización del artista. El "tercer acto" duró de 1903 a 1906, cuando Vrubel sufría una enfermedad mental que gradualmente socavó sus capacidades físicas e intelectuales. Durante los últimos cuatro años de su vida, ya ciego, Vrubel vivió sólo físicamente. [1]
En 1880-1890, las aspiraciones creativas de Vrubel no encontraron el apoyo de la Academia Imperial de las Artes ni de los críticos de arte. Sin embargo, muchos coleccionistas y mecenas privados quedaron fascinados con sus pinturas, incluido el famoso mecenas Savva Mamontov , así como pintores y críticos que se unieron en torno a la revista Mir iskusstva . Finalmente, las obras de Vrubel se exhibieron en las exposiciones de arte del propio Mir Iskusstva y en las retrospectivas de Sergei Diaghilev . A principios del siglo XX, el arte de Vrubel se convirtió en una parte orgánica del Art Nouveau ruso . El 28 de noviembre de 1905 recibió el título de Académico de Pintura por su "fama en el campo artístico", justo cuando Vrubel casi había terminado su carrera como artista.
La familia Vrubel no pertenecía a la nobleza. El bisabuelo del artista, Anton Antonovich Vrubel (del polaco : wróbel , que significa gorrión), era originario de Białystok y se desempeñaba como juez en su ciudad local. Su hijo Mikhail Antonovich Vrubel (1799-1859) siguió una carrera militar. Se retiró con el rango de Mayor General, estuvo casado dos veces y tuvo tres hijos y cuatro hijas. [2] Durante los últimos diez años de su vida, Mikhail Antonovich sirvió como atamán de los cosacos de Astracán . En ese momento, el gobernador de Astracán era un famoso cartógrafo y almirante Grigori Basargin . La hija del gobernador, Anna, se casó más tarde con el segundo hijo de Mikhail Antonovich del primer matrimonio, Alexander, quien anteriormente se graduó en el Cuerpo de Cadetes , sirvió en el Regimiento de Infantería Tengin y participó en las Guerras del Cáucaso y Crimea . En 1855 nació su primera hija, Anna Alexandrovna (1855-1928). En total tuvieron cuatro hijos. [3]
Mikhail Vrubel nació el 17 de marzo de 1856. En ese momento, la familia Vrubel vivía en Omsk , donde Alexander se desempeñaba como oficial de escritorio del 2.º Cuerpo Estepario Siberiano. Otros dos niños, Alexander y Ekaterina, también nacieron en Omsk, pero murieron antes de la adolescencia. Los partos frecuentes y el clima adverso de Siberia debilitaron significativamente la salud de la madre de Mikhail y en 1859 murió de tisis . El futuro pintor tenía sólo tres años cuando murió su madre. Uno de los recuerdos que Mikhail tiene de ese período es cómo su madre enferma yacía en la cama y recortaba para sus hijos "personajes, caballos y diferentes figuras fantásticas" de papel. [4] Siendo un niño débil desde que nació, Mikhail comenzó a caminar sólo a la edad de tres años. [5]
Debido a los constantes traslados de su padre, Anna y Mikhail pasaron su infancia mudándose a los lugares donde se asignó a Alexander para servir. En 1859, fue designado para servir en Astracán, donde tenía parientes capaces de ayudarlo con los niños, pero ya en 1861 la familia tuvo que trasladarse a Jarkov . Allí, el pequeño Mikhail aprendió rápidamente a leer y desarrolló su interés por las ilustraciones de libros, especialmente las de la revista Zhivopisnoe obozrenie . [6]
En 1863, Alexander Vrubel se casó por segunda vez con Elizaveta Vessel de San Petersburgo, quien se dedicó a los hijos de su marido (su propio hijo nació solo en 1867). En 1867, la familia se mudó a Saratov, donde el podpolkovnik Vrubel tomó el mando de la guarnición provincial. La familia Vessel pertenecía a la intelectualidad , una clase de estatus de personas educadas comprometidas en dar forma a la cultura y la política de su sociedad. La hermana de Elizaveta, Alexandra Vessel, se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo y contribuyó en gran medida a introducir a Mikhail en el mundo de la música. La propia Elizaveta dedicó mucho tiempo a mejorar la salud de Mikhail; más tarde incluso recordó irónicamente que ella le hizo seguir la "dieta de carne cruda y aceite de pescado". Sin embargo, no hay duda de que debía su fuerza física al régimen mantenido por su madrastra. [7] Además, el hermano de Elizaveta, el maestro profesional Nicolai Vessel , también participó en la educación de los niños introduciendo juegos educativos y entretenimiento en el hogar. A pesar de las buenas relaciones entre todos los familiares, Anna y Mikhail se mantuvieron un poco alejados de ellos. A veces se comportaban con frialdad con su madrastra, llamándola con el apodo irónico de "Madrin'ka — perl materei". También expresaron explícitamente su deseo de empezar una vida independiente fuera de casa, lo que molestó a su padre. [8] A la edad de 10 años, Mikhail expresó sus talentos artísticos a través del dibujo, el teatro y la práctica musical; que en conjunto ocuparon en su vida futura no menos lugar que la pintura. Según Dmitrieva, "el niño era como un niño, talentoso, pero más prometedor era un aficionado versátil que un artista obsesionado, en lo que más tarde se convirtió". [9]
Además, Alexander Vrubel contrató para Mikhail a un profesor privado, Andrei Godin, del gimnasio de Saratov, que le enseñó técnicas avanzadas de pintura. En aquella época se exhibía en Saratov una copia del " Juicio Final " de Miguel Ángel . El cuadro impresionó tanto a Mijaíl que, según su hermana, lo reprodujo de memoria con todo detalle. [10]
Mikhail Vrubel comenzó su educación en el Quinto Gimnasio de San Petersburgo donde la dirección de la escuela prestó especial atención a la modernización de los métodos de enseñanza, el avance de los estudios clásicos , el desarrollo literario de los estudiantes de secundaria y las lecciones de danza y gimnasia. Su padre Alexander también estaba en San Petersburgo, asistiendo voluntariamente a conferencias en la Academia de Derecho Militar Alexander como auditor. Además de sus estudios en el gimnasio, Mikhail asistió a clases de pintura en la escuela de la Sociedad Imperial para el Fomento de las Artes . Sin embargo, su mayor interés por las ciencias naturales se debió a su maestro Nicolai Peskov, que estaba exiliado político. En 1870, después de vivir tres años en San Petersburgo, la familia Vrubel se mudó a Odessa , donde Alejandro fue nombrado juez en el tribunal de guarnición. [11]
En Odessa, Mikhail estudió en el Liceo Richelieu . Se conservan varias cartas de él a su hermana Anna, que estaba recibiendo formación docente en San Petersburgo. La primera carta fechada en octubre de 1872; ambas cartas son grandes y fáciles de leer, con muchas citas en francés y latín . En estas cartas, Mikhail menciona las pinturas que pintó: el retrato de su hermano menor, Alexander, que murió en 1869 (reproducido a partir de la fotografía), y el retrato de Anna que cuelga en la oficina de su padre. Sin embargo, en comparación con otros intereses que tenía Mikhail, las clases de pintura no ocupaban mucho de su tiempo. [12] [13] Vrubel aprendió rápido y fue el primero en su clase. Tenía especial interés por la literatura, los idiomas, la historia y, en las vacaciones, le encantaba leerle a su hermana en latín original. El futuro pintor dedicó incluso su tiempo libre a sus actividades favoritas. Por ejemplo, en una de sus cartas, se quejaba a Anna de que en lugar de leer el Fausto de Goethe en original y completar 50 ejercicios en un libro de texto en inglés, copiaba al óleo "Sunset at Sea" de Ivan Aivazovsky . [9] Al mismo tiempo, se podría decir que en ese momento Mikhail estaba más interesado en el arte teatral que en la pintura, ya que apenas mencionó la exposición " Peredvizhniki " en Odessa, pero dedicó varias páginas a describir la compañía de ópera de San Petersburgo. [14]
Después de graduarse con honores, ni Vrubel ni sus padres pensaron en su carrera como artista. Se decidió enviar a Mikhail a San Petersburgo, donde podría estudiar en la Universidad Estatal de San Petersburgo y vivir con su tío Nicolai Vessel, quien también cubriría los gastos diarios de Vrubel. [14] La decisión de Mikhail de estudiar en la Facultad de Derecho fue interpretada de manera diferente por los biógrafos de Vrubel. Por ejemplo, Alexandre Benois , que estudió en la misma facultad, sugirió que el fundamento de esta decisión era la tradición familiar y los valores que la profesión jurídica tenía entre sus círculos sociales. En 1876, Vrubel tuvo que repetir el segundo año debido a las malas notas y al deseo de reforzar sus conocimientos sobre las materias. Sin embargo, aunque Mikhail estudió durante un año más de lo esperado, no pudo defender su tesis y se graduó con el rango de "estudiante deistvitel'nyi ", que era el título científico más bajo con el que uno puede graduarse. [15] A pesar del profundo compromiso con la filosofía y, en particular, la teoría de la estética de Immanuel Kant , el estilo de vida bohemio de Mikhail que su tío le permitió mantener fue en parte culpable de no terminar la universidad. En aquella época, Vrubel no dedicó mucho tiempo a practicar la pintura, [16] aunque realizó varias ilustraciones para obras literarias tanto clásicas como contemporáneas. Según Dmitrieva, "en general... el arte de Vrubel es completamente "literario": una obra rara suya no tiene su origen en una fuente literaria o teatral". [17] Una de las composiciones más famosas de ese período es "La cita de Anna Karenina con el hijo". Según Domitieva, esta fue su etapa "pre-Vrubel", ya que la pintura recuerda principalmente a ilustraciones de diarios de esa época: "absolutamente romántica, incluso melodramática, y decorada con mucho cuidado". [18] La participación activa en la vida teatral (Vrubel conocía personalmente a Modest Mussorgsky , quien visitaba con frecuencia la casa de Vessel) requería gastos considerables, razón por la cual Vrubel trabajaba regularmente como tutor e institutriz . En 1875, incluso viajó a Europa con uno de sus alumnos; Juntos visitaron Francia, Suiza y Alemania. Además, Mikhail pasó el verano de 1875 en la finca que pertenecía al abogado ruso Dmitrii Berr (su esposa Yulia Berr era sobrina de Mikhail Glinka ). Luego, debido a su excelente conocimiento del latín, Vrubel fue contratado como tutor en la familia Papmel, donde guió a su antiguo compañero de universidad.[19] Según las memorias de AI Ivanov:
Vrubel vivía con la familia Papmel como pariente: en invierno iba con ellos a la ópera, en verano se mudaba con todos a su cabaña en Peterhof . Los Papmels se difundieron bastante y todo en ellos era opuesto a la forma en que vivía la familia Vrubel; su casa estaba llena, incluso en un sentido demasiado literal, y durante su estancia con Papmels, Vrubel descubrió por primera vez su pasión por el vino, que nunca le ha faltado. [20]
Fue la familia Papmel, propensa al esteticismo y al estilo de vida bohemio, la que alentó el dandismo y el deseo de pintar de Vrubel . En una de sus cartas de 1879, Vrubel mencionó que renovó su relación con la acuarelista rusa Emilie Villiers, quien de todas las formas posibles patrocinó las experiencias pictóricas de Mikhail en Odessa. Más tarde, Vrubel comenzó a comunicarse estrechamente con estudiantes de la Academia Imperial de las Artes que trabajaban bajo el patrocinio del famoso pintor ruso Pavel Chistyakov . Vrubel comenzó a asistir a clases académicas nocturnas donde se permitía hacer audiciones y comenzó a perfeccionar sus habilidades plásticas. [21] Como resultado, a la edad de 24 años, Vrubel tuvo un punto de inflexión crucial en su vida: después de graduarse de la universidad y cumplir un breve servicio militar, Vrubel fue admitido en la Academia Imperial de las Artes. [9]
Según Domiteeva, la decisión de Vrubel de estudiar en la Academia de las Artes se debió a su compromiso con la teoría de las ideas estéticas de Kant. Su colega más joven y admirador Stepan Yaremich sugirió que Vrubel adoptó la filosofía de Kant de que "la claridad de la división entre la vida física y moral" condujo con el tiempo a una separación de estas áreas en la vida real. Mikhail Vrubel demostró "suavidad, flexibilidad, timidez en las pequeñas cosas de la vida cotidiana; mientras que una férrea perseverancia acompañó su dirección general superior de vida". Sin embargo, esto fue sólo una cara de la historia: sin duda, a la edad de 24 años, Vrubel se consideraba un genio. Según la teoría estética de Kant, la categoría de "genio" implicaba trabajar en una esfera "entre la libertad y la naturaleza" que sólo podía alcanzarse en el campo de las artes. Para un Vrubel joven y talentoso que inspiró su plan de vida a largo plazo. [22]
A partir del otoño de 1880, Vrubel asistió a clases en la Academia y, presumiblemente, comenzó a recibir lecciones privadas en el estudio de Chistyakov . Sin embargo, estas lecciones no se documentaron hasta 1882; El propio pintor afirmó que estudió con Chistyakov durante cuatro años. En su autobiografía de 1901, el pintor caracterizó los años pasados en la Academia como "los más brillantes de su carrera artística", gracias a Chistyakov. Esto no contradice lo que le escribió a su hermana en 1883 (cuando reanudaron la correspondencia mutua, interrumpida durante seis años):
Cuando comencé mis lecciones con Chistyakov, seguí apasionadamente sus principales declaraciones porque eran nada menos que una fórmula de mi actitud viva hacia la naturaleza, que está incrustada en mí. [23]
Entre los estudiantes de Chistyakov se encontraban Ilya Repin , Vasily Surikov , Vasily Polenov , Viktor Vasnetsov y Valentin Serov , todos los cuales pintaron en diferentes estilos. Todos ellos, incluido Vrubel, reconocieron a Chistyakov como su único maestro, honrándolo hasta los últimos días. Debido al escepticismo que prevalecía entre la segunda generación de académicos, este tipo de relación entre el mentor y sus alumnos no fue del todo apreciada. El método de Chistyakov era puramente académico , pero muy "individualista", ya que Pavel inspiró "conceptos sagrados" al trabajar sobre una forma plástica, pero también enseñó el dibujo consciente y el análisis estructural de la forma. Según Chistyakov, para construir el cuadro es necesario descomponerlo en varios pequeños planos transmitidos por planitudes, y estos planos formarían las caras del volumen con sus huecos y protuberancias. De este modo, su maestro dominó completamente la técnica "similar al cristal" de Vrubel. [24]
Uno de los conocidos más importantes que conoció Vrubel durante su estancia en la Academia fue Valentin Serov . A pesar de una diferencia de edad de 10 años, estaban conectados en diferentes niveles, incluido el más profundo. [25] A lo largo de los años que pasó en el estudio de Chistyakov, los motivos de Vrubel cambiaron drásticamente: su dandismo fue reemplazado por el ascetismo , sobre el cual le escribió con orgullo a su hermana. [26] A partir de 1881, después de transferirse a una clase de modelo natural, Mikhail visitó tanto las clases de Chistyakov como las lecciones matutinas de acuarela en el estudio de Repin. Sin embargo, su relación con Repin se complicó rápidamente debido a la discusión sobre el cuadro " Procesión religiosa en la provincia de Kursk ". En una de las cartas a su hermana, Vrubel mencionó que "aprovechándose de la ignorancia [pública], Repin se robó ese placer especial que distingue el estado de ánimo ante una obra de arte del estado de ánimo ante una hoja impresa expandida". . Esta cita ilustra claramente la influencia de Chistyakov en la filosofía de Vrubel, ya que Pavel fue quien sugirió que la obediencia de las técnicas al arte es la propiedad espiritual fundamental de la creatividad rusa. [27]
Uno de los ejemplos más brillantes del trabajo académico de Vrubel es su boceto "Feasting Romans". Aunque formalmente se ajusta a las reglas del arte académico, la pintura viola todos los cánones principales del academicismo: la composición no tiene el tema principal, la trama no está clara. [28]
A juzgar por la correspondencia entre Vrubel y su hermana, el pintor dedicó casi dos años a pintar. La trama era sencilla: un copero y un joven citarodo se guiñaban el ojo sentados cerca del patricio dormido . La vista era bastante caprichosa, desde algún lugar del balcón o desde una ventana alta. Se trataba de una iluminación tenue "después del atardecer, sin reflejos de luz" para reforzar los efectos de las siluetas. La intención de Vrubel era hacer "algunas similitudes con Lawrence Alma-Tadema ". El boceto final en acuarela creció con subpegatinas y despertó el entusiasmo de Repin. Sin embargo, Vrubel sintió intuitivamente el límite de las formas inestables y finalmente abandonó las pinturas inacabadas, negándose a pintar un cuadro histórico. [29]
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Sin embargo, Vrubel no abandonó su idea de recibir un pago por su trabajo creativo. Gracias a la familia Papmel, recibió un encargo del industrial Leopold Koenig . Según el acuerdo mutuo, el tema y la técnica de la pintura quedarían a discreción del artista y los honorarios serían de 200 rublos. Mikhail también decidió participar en el concurso iniciado por la Sociedad Imperial para el Fomento de las Artes y eligió la trama de " Hamlet y Ofelia " al estilo del realismo de Rafael . Se conservan los bocetos de los autorretratos de Hamlet y las acuarelas de la composición general que representan al príncipe danés representado por Vrubel. Sin embargo, el trabajo en el cuadro se complicó con el empeoramiento de la relación entre el pintor y su padre. [30] Habiendo fracasado también con "Hamlet", sus amigos persuadieron a Vrubel para que representara un modelo de la vida real. Para este papel, eligieron a un modelo experimentado, Agafya, que fue colocado en la misma silla que sirvió como decoración para el "Hamlet", mientras que el estudiante Vladimir Derviz trajo de su casa algo de terciopelo florentino , brocado veneciano y otras cosas del período del Renacimiento . casa de los padres. Vrubel terminó con éxito el cuadro "La niñera en un ambiente renacentista" con el "pintura en relieve" característico de Vrubel. Impresionado por la "Niñera", Vrubel regresó a "Hamlet". Esta vez pintó al óleo sobre lienzo con Serov como modelo. [31]
A pesar del éxito formal, Vrubel no pudo graduarse de la Academia. Sin embargo, en 1883 su cuadro "Los esponsales de María y José" recibió la medalla de plata de la Academia. Siguiendo la recomendación de Chistyakov, en el otoño de 1883, el profesor Adrian Prakhov invitó a Vrubel a Kiev para trabajar en la restauración del Monasterio de San Cirilo del siglo XII . La oferta era halagadora y prometía buenos ingresos, por eso el artista aceptó ir una vez finalizado el año académico. [32]
Los años que Vrubel pasó en Kiev resultaron ser casi los más importantes de su carrera. Por primera vez en la vida de Vrubel, el pintor pudo proseguir con sus intenciones monumentales y volver a los fundamentos del arte ruso. En cinco años, Mikhail completó una enorme cantidad de pinturas. Por ejemplo, pintó él solo murales e iconos para la iglesia de San Cirilo , así como 150 dibujos para la restauración de la figura de un ángel en la cúpula de la catedral de Santa Sofía. Como señaló Dmitrieva:
Tal "coautoría" con los maestros del siglo XII era desconocida para ninguno de los grandes artistas del siglo XIX. Acaba de pasar la década de 1880, acaba de comenzar la primera búsqueda de la antigüedad nacional, que a nadie más que a los especialistas le interesaba, e incluso estos especialistas se interesaban más desde el punto de vista histórico que artístico <…> Vrubel en Kiev fue el primero en unió el pionero arqueológico y las restauraciones con un arte contemporáneo vivo. Al mismo tiempo, no pensó en la estilización. Se sentía cómplice del arduo trabajo de los antiguos maestros y trataba de ser digno de ellos. [33]
La invitación de Prájov fue casi una coincidencia, ya que buscaba un pintor calificado con cierta formación académica para pintar murales en la iglesia, pero al mismo tiempo no era lo suficientemente reconocido como para no requerir un salario más alto. [34] A juzgar por la correspondencia con la familia, el contrato de Vrubel con Prájov era para la realización de cuatro iconos en un plazo de 76 días. El salario indicado era de 300 rublos pagados cada 24 días laborables. [35]
Vrubel escenificó su llegada a Kiev con su estilo característico. Lev Kovalsky, que en 1884 era estudiante de la Escuela de Arte de Kiev y fue designado para recoger a Mikhail en la estación, recordó más tarde:
... Sobre el fondo de las primitivas colinas Kirillovsky, a mis espaldas estaba un joven rubio, casi blanco, con una cabeza especial y bigotes pequeños, casi blancos. Era de estatura moderada, muy proporcionado, vestía… eso me llamó más la atención… traje de terciopelo negro con medias, pantalones cortos y tobilleras. <...> En general, se hacía pasar por un joven veneciano de las pinturas de Tintoretto o Tiziano ; sin embargo, no me enteré de ello hasta muchos años después, cuando visité Venecia. [36]
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El fresco "El Descenso del Espíritu Santo sobre los Apóstoles" que Vrubel pintó en el coro de la iglesia de San Cirilo unió ambas características del arte bizantino y sus propios retratos. El fresco refleja la mayoría de los rasgos característicos de Vrubel y representa a doce apóstoles situados en semicírculo en la bóveda de cajón del coro. La figura de pie de María se sitúa en el centro de la composición. El fondo es de color azul mientras los rayos dorados se acercan a los apóstoles desde el círculo en el que aparece el Espíritu Santo . [33] El modelo para la figura de María fue la paramédica M. Ershova, una invitada frecuente en la casa de los Prájov y futura esposa de uno de los pintores que participaron en el proceso de restauración. A la izquierda de María se encuentra el apóstol que fue pintado por el protoiereus Petr (Lebedintsev), que en ese momento enseñaba en el Liceo Richelieu. A la derecha de María se encuentra el segundo apóstol para quien estaba modelando el arqueólogo de Kiev Viktor Goshkevich . El tercero por la derecha fue el jefe de la parroquia de Kirillovsky, Pyotr Orlovsky, quien originalmente descubrió los restos de pinturas antiguas e interesó a la Sociedad Arqueológica Imperial Rusa en su reconstrucción. El cuarto apóstol, con las manos juntas en oración, fue Prájov. Además del "Descenso", Vrubel pintó "La entrada a Jerusalén" y "El lamento de los ángeles". [37] El "Descenso" se pintó directamente en la pared, sin cartón y ni siquiera bocetos preliminares; solo se especificaron previamente ciertos detalles en pequeñas hojas de papel. Sorprendentemente, la pintura representa a los Apóstoles en un semicírculo con sus miembros conectados al emblema del Espíritu Santo. Este estilo de pintura era de origen bizantino y se inspiró en un retablo alado martillado de uno de los monasterios de Tiflis . [38]
Vrubel viajó a Venecia junto con Samuel Gaiduk, que era un joven artista que pintaba según los bocetos de Mikhail. Sin embargo, su viaje no estuvo exento de "aventuras". Según Prájov, Vrubel se encontró con su amigo de San Petersburgo con quien salieron de fiesta durante el traslado a Viena . Gaiduk, que llegó con éxito a Venecia, esperó dos días hasta que llegara Vrubel. La vida en Venecia en invierno era barata y los pintores compartían un estudio en el centro de la ciudad, en Via San Maurizio. Ambos estaban interesados en las iglesias de la isla abandonada de Torcello . [39]
Dmitrieva describió la evolución artística de Vrubel de la siguiente manera: "Ni Tiziano y Paolo Veronese , ni la magnífica atmósfera hedonista del Cinquecento veneciano lo atrajeron. La gama de sus adicciones venecianas está claramente definida: desde los mosaicos medievales y las vidrieras de la Basílica de San Marcos y la Catedral de Torcello. a los pintores del Renacimiento temprano Vittore Carpaccio , Cima da Conegliano (cuyas figuras Vrubel encontró especialmente nobles), Giovanni Bellini <...> Si el primer encuentro con el arte bizantino-ruso en Kiev enriqueció la visión de las formas plásticas de Vrubel, entonces. Venecia enriqueció su paleta y despertó su don de colorista [40] " .
Estas características se pueden observar claramente en los tres iconos que Vrubel pintó en Venecia para la iglesia de San Cirilo: "San Kirill", "San Afanasii" y "Cristo Salvador" de colores sombríos. Acostumbrado al trabajo intensivo en el estudio de Chistyakov, Vrubel pintó los cuatro iconos en un mes y medio y sintió ansias de actividad y falta de comunicación. En Venecia, conoció accidentalmente a Dmitri Mendeleev , que estaba casado con uno de los estudiantes de Chistyakov. Juntos discutieron cómo conservar las pinturas en condiciones de alta humedad y discutieron sobre las ventajas de escribir al óleo sobre placas de zinc antes de pintar sobre un lienzo. Los paneles de zinc para los iconos de Vrubel fueron entregados directamente desde Kiev; sin embargo, durante mucho tiempo el pintor no pudo establecer sus propias técnicas y la pintura no pudo adherirse al metal. En abril, Vrubel sólo quería regresar a Rusia. [41]
Después de regresar de Venecia en 1885, Vrubel pasó mayo y parte de junio en Kiev. Hubo rumores de que inmediatamente después de su regreso, le propuso matrimonio a Emily Prakhova a pesar de que ella era una mujer casada. Según una versión de la historia, Vrubel proclamó su decisión no a Emily sino a su marido Adrian Prakhov. Aunque a Mikhail Vrubel no se le negó el acceso a la casa, Prájov definitivamente le "tenía miedo", mientras que a Emily le molestaba su inmadurez. [42] Aparentemente, el incidente descrito un año después por el amigo de Vrubel, Konstantin Korovin, pertenece a este período:
Fue un verano caluroso. Fuimos a nadar al gran lago del jardín. <...> "¿Qué son esas grandes franjas blancas en tu pecho que parecen cicatrices?" –"Sí, son cicatrices. Me corté con un cuchillo." <...> "... Pero aún así dime, Mikhail Alexandrovich, ¿por qué te cortaste? Debe ser doloroso. ¿Qué es esto, como una cirugía?" Miré más de cerca: sí, eran grandes cicatrices blancas, muchas. "Lo entenderás – dijo Mijaíl Alexandrovich – Significa que amaba a una mujer, ella no me amaba – tal vez me amaba, pero muchas cosas interferían con su comprensión de mí. Sufrí por la incapacidad de explicarle esto. Sufrí, pero cuando me corté, el sufrimiento disminuyó [43] .
A finales de junio de 1885, Vrubel viajó a Odessa donde renovó su relación con el escultor ruso Boris Edwards con quien anteriormente había asistido a clases en la Escuela de Arte. Edwards, junto con Kyriak Kostandi , intentó reformar la Escuela de Arte de Odessa y decidió obtener la ayuda de Vrubel. Instaló a Vrubel en su propia casa y trató de persuadirlo de que se quedara en Odessa para siempre. [44] En verano, Serov llegó a Odessa y Vrubel le habló por primera vez de su plan de pintar el " Demonio ". En cartas a su familia, Vrubel también mencionó una tetralogía que probablemente se convirtió en uno de sus intereses secundarios. En 1886, Vrobel fue a Kiev para celebrar el año nuevo con el dinero que su padre le envió para un viaje a casa (en ese momento la familia residía en Jarkov). [45]
En Kiev, Vrubel se reunió frecuentemente con asociados del escritor Ieronim Yasinsky . También conoció a Korovin por primera vez. A pesar del intenso trabajo, el pintor llevó un estilo de vida "bohemio" y se convirtió en un habitual del café-chantant «Shato-de-fler». Esto agotó su magro salario y la principal fuente de ingresos se convirtió en el fabricante de azúcar Ivan Tereshchenko, quien inmediatamente le dio al pintor 300 rublos para los gastos de su planeado "Cuento oriental". Vrubel solía tirar su dinero en el café-chantant. [46]
Al mismo tiempo, Adrian Prakhov organizó la pintura de la catedral de San Volodymyr y, sin tener en cuenta sus actitudes personales, invitó a Vrubel. A pesar del descuido de Vrubel hacia sus obras inspiradas en su estilo de vida "bohemio", creó nada menos que seis versiones del "Tombstone Crying" (sólo se han conservado cuatro de ellas). La historia no está incluida en el Evangelio y no es habitual en el arte ortodoxo ruso , pero se puede ver en algunos iconos del Renacimiento italiano. Aunque entendió claramente su significado y originalidad, Prájov rechazó las pinturas independientes de Vrubel porque diferían significativamente de las obras de otros colegas participantes y habrían desequilibrado la integridad relativa de los murales ya ensamblados. [47] Prájov señaló una vez que sería necesario construir una nueva catedral "en un estilo muy especial" para acomodar las pinturas de Vrubel. [48]
Además de los trabajos encargados, Vrubel intentó pintar "Orando por la copa" sólo "para él mismo". Sin embargo, experimentó una grave crisis mental al intentar terminarlo. Le escribió a su hermana:
Dibujo y pinto a Cristo con todas mis fuerzas, pero al mismo tiempo, presumiblemente, debido a que estoy lejos de mi familia, todos los rituales religiosos, incluida la Resurrección de Jesús, me parecen tan extraños que incluso me molestan. [49]
Mientras pintaba murales en las iglesias de Kiev, Vrubel al mismo tiempo se sintió atraído por la imagen del Demonio. Según P. Klimov, era bastante lógico e incluso natural que Vrubel transfiriera las técnicas adquiridas durante la pintura de imágenes sagradas a imágenes completamente opuestas, y esto ilustra la dirección de sus actividades. [50] Su padre Alejandro lo visitó en Kiev cuando Mikhail tenía algunas luchas mentales intensas. Alexander Vrubel estaba aterrorizado por el estilo de vida de Mikhail: "ni una manta abrigada, ni un abrigo abrigado, ni una prenda excepto la que lleva puesta... Dolorosamente, amargamente hasta las lágrimas". [51] El padre también vio la primera versión del "Demonio" que Incluso señaló que esta pintura difícilmente conectaría con el público o con los representantes de la Academia de Arte. Como resultado, Mikhail destruyó la pintura y muchas otras obras que creó en Kiev . Para ganarse la vida, el pintor empezó a pintar la ya prometida "Cola Oriental", pero sólo pudo terminar una acuarela. Intentó regalársela a Emily Prakhova y la rompió cuando ella la rechazó. Pegó las piezas de la obra destruida. El único cuadro terminado de este período fue el "Retrato de una niña contra una alfombra persa", que representa a Mani Dakhnovich, la hija del propietario de la oficina de préstamos, Dmitrieva, definió el género de este cuadro como ". retrato-fantasía". Al cliente, sin embargo, no le gustó la versión final y más tarde la obra fue comprada por Tereshchenko. [53]
La crisis mental del pintor queda clara en el siguiente incidente. Durante una visita a Prájov, donde un grupo de artistas participaba en la pintura de la catedral, Vrubel proclamó que su padre había muerto y que necesitaba viajar urgentemente a Jarkov. Los pintores recaudaron dinero para su viaje. Al día siguiente, Alexander Vrubel llegó a Prájov en busca de su hijo. Prájov, confundido, tuvo que explicarle que la desaparición de Vrubel se debía a su enamoramiento por una cantante inglesa del café-chantant. [54] Sin embargo, sus amigos intentaron asegurarse de que Vrubel tuviera ingresos regulares. Se le asignó un trabajo menor en la Catedral de Vladimir: dibujar adornos y los "Siete días para una eternidad" en uno de los plafones según los bocetos hechos por los hermanos Pavel y Alexander Swedomsky . Además, Vrubel comenzó a enseñar en la Escuela de Arte de Kiev. Todas sus fuentes de ingresos no eran oficiales, sin ningún contrato firmado. [55] Resumiendo la vida de Mikhail en el "período de Kiev", Dmitrieva escribió:
Vivía en las afueras de Kiev y se inspiraba únicamente en los antiguos maestros. Estaba a punto de entrar en el meollo de la vida artística: la vida moderna. Esto sucedió cuando se mudó a Moscú. [56]
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En 1889, Mikhail Vrubel tuvo que viajar urgentemente a Kazán, donde su padre estaba gravemente enfermo; Más tarde se recuperó, pero debido a una enfermedad tuvo que dimitir y luego establecerse en Kiev. En septiembre, Mikhail fue a Moscú para visitar a unos conocidos y, como resultado, decidió quedarse allí durante los siguientes 15 años. [57]
El traslado de Vrubel a Moscú fue accidental, como muchas otras cosas que sucedieron en su vida. Probablemente viajó allí porque se enamoró de una amazona de circo a la que conoció gracias al hermano de Yasinsky, que actuaba bajo el seudónimo de "Alexander Zemgano". Como resultado, Vrubel se instaló en el estudio de Korovin en la calle Dolgorukovskaya . [58] Vrubel, Korovin y Serov incluso tuvieron la idea de compartir un estudio, pero, sin embargo, no se hizo realidad debido al deterioro de las relaciones con Serov. Más tarde, Korovin presentó a Vrubel al famoso mecenas de las artes Savva Mamontov . [59] En diciembre, Vrubel se mudó a la casa de Mamontov en la calle Sadovaya-Spasskaya ( dependencia de la finca municipal de Savva Mamontov ). Según Domiteeva, lo invitaron "no sin prestar atención a sus habilidades como institutriz". [60] Sin embargo, la relación entre Vrubel y la familia Mamontov no funcionó: la esposa del patrón no podía soportar a Vrubel y abiertamente lo llamó "un blasfemo y un borracho". Pronto el pintor se mudó a un apartamento de alquiler. [61]
El regreso al tema del Demonio coincidió con el proyecto iniciado por los hermanos Kushnerev y el editor Petr Konchalovsky que pretendía publicar el libro en dos volúmenes dedicado al jubileo de Mikhail Lermontov con ilustraciones de "nuestras mejores fuerzas artísticas". . En total, eran 18 pintores, entre ellos Ilya Repin, Ivan Shishkin , Ivan Aivazovsky , Leonid Pasternak y Apollinary Vasnetsov . De ellos, Vrubel era el único completamente desconocido para el público. [62] No se sabe quién llamó la atención de los editores sobre Vrubel. Según diferentes versiones, Vrubel conoció a Konchalovsky gracias a Mamontov, Korovin e incluso Pasternak, responsable de la edición. [62] El salario por el trabajo era bastante pequeño (800 rublos por 5 ilustraciones grandes y 13 pequeñas). [63] Debido a su complejidad, sus pinturas eran difíciles de reproducir y Vrubel tuvo que modificarlas. La principal dificultad, sin embargo, fue que sus colegas no entendían el arte de Vrubel. A pesar de esto, la publicación ilustrada fue aprobada por las autoridades de censura el 10 de abril de 1891. Inmediatamente después, la publicación fue ampliamente discutida en la prensa, que criticó duramente las ilustraciones por su "grosería, fealdad, caricatura y absurdo". [64] Incluso las personas que estaban bien dispuestas hacia Vrubel no lo entendieron. Así, el pintor cambió sus puntos de vista sobre la estética, sugiriendo que el "verdadero arte" es incomprensible para casi cualquiera, y que la "comprensibilidad" era tan sospechosa para él como lo era la "incomprensibilidad" para otros. [sesenta y cinco]
Vrubel realizó todas sus ilustraciones en acuarela negra; La monocromaticidad permitió enfatizar la naturaleza dramática del tema y permitió mostrar la gama de actividades texturizadas exploradas por el artista. El Demonio era un "ángel caído" arquetípico que unía simultáneamente figuras masculinas y femeninas. Tamara estaba representada de manera diferente en cada imagen, lo que enfatizaba su inevitable elección entre lo terrenal y lo celestial. [66] Según Dmitrieva, las ilustraciones de Vrubel muestran al pintor en la cima de su capacidad como artista gráfico. [67]
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Mientras trabajaba en las ilustraciones, Vrubel pintó su primer cuadro de gran tamaño sobre el mismo tema: " El demonio sentado ". Esta pintura es una representación del Demonio al comienzo del poema de Lermontov y el vacío y la desesperación que siente entonces. [68] Según Klimov, era a la vez el más famoso de los demonios de Vrubel y el más libre de cualquier asociación literaria. [66] El 22 de mayo de 1890, en la carta a su hermana, Vrubel mencionó:
... Estoy pintando el Demonio, no refiriéndose a ese "Demonio" fundamental que crearé más adelante, sino a un "demoníaco": una figura joven, semidesnuda, alada, tristemente pensativa, que se sienta abrazando sus rodillas contra la puesta de sol y mira un claro florido con ramas que se extienden bajo las flores que se extienden hacia ella. [69]
La imagen multicolor resultó ser más ascética que las ilustraciones monocromáticas. [70] Los colores que utiliza Vrubel tienen una cualidad quebradiza y cristalina que enfatiza la falta de vida, la esterilidad y la frialdad del Demonio reflejada en la naturaleza circundante. [71] En la pintura, Vrubel ha utilizado su paleta de colores típica de azules y púrpuras, que recuerda a los mosaicos bizantinos. [72] Una de las características del arte de Vrubel es el efecto brillante y brillante que poseen muchas de sus pinturas. Esto encaja dentro de la tradición bizantina, donde los efectos brillantes y resplandecientes de los mosaicos estaban destinados a expresar la encarnación milagrosa de Dios. [73] Es posible que los objetivos de Vrubel no hayan sido expresar esto en particular, sino dar a sus pinturas una sensación espiritual y de otro mundo. La textura y el color de la pintura enfatizan el carácter melancólico de la naturaleza del Demonio que anhela un mundo vivo. Es característico que las flores que lo rodean sean cristales fríos que reproducen fracturas de rocas. La alienación del demonio con el mundo se ve acentuada por las nubes de "piedra". [69] La oposición entre la vitalidad y la fuerza del Demonio y su incapacidad/falta de deseo de hacer algo está representada por un énfasis en el cuerpo musculoso del Demonio y sus dedos entrelazados. Estos elementos contrastan con los sentimientos de impotencia que transmite su cuerpo caído y la tristeza en el rostro del Demonio. [74] La figura puede ser fuerte y musculosa por fuera, pero es pasiva e introvertida en su postura. [75] La figura del Demonio no se representa como una encarnación del Diablo, sino como un ser humano desgarrado por el sufrimiento. [76] 'El Demonio' puede verse como una manifestación de la larga búsqueda de Vrubel por la libertad espiritual. A pesar de la propia descripción de Vrubel, el demonio no tiene alas, pero sí un espejismo formado por el contorno de grandes inflorescencias detrás de su hombro y su cabello rizado. [77] El pintor volvió a su imagen sólo en 8 años. [66]
El 20 de julio de 1890 murió en la colonia Abramtsevo el pintor A. Mamontov, de 22 años . Como amigo de Mamontov, Mikhail Vrubel asistió al funeral. Se encariñó tanto con los paisajes locales que decidió quedarse allí. En Abramtsevo, Vrubel quedó fascinado con la cerámica y poco después le mencionó con orgullo a su hermana Anna que ahora dirige la "fábrica de azulejos de cerámica y adornos de terracota ". [78] Savva Mamontov no entendía las aspiraciones estéticas de Vrubel, pero reconoció su talento e hizo todo lo posible para crear un entorno de vida adecuado para el pintor. Por primera vez en su vida, Vrubel dejó de depender de familias nobles para su sustento y comenzó a ganar mucho dinero completando varios encargos de cerámica; decorar una capilla de mayólica sobre la tumba de A. Mamontov; proyectar la ampliación en "estilo romano-bizantino" de la mansión Mamontov. [79] Según Dmitrieva, "Vrubel... parecía ser insustituible ya que podía hacer fácilmente cualquier arte, excepto escribir textos. Escultura, mosaicos, vidrieras, mayólicas , máscaras arquitectónicas, proyectos arquitectónicos, escenografía teatral, vestuario, en todos estos se sentía intrínsecamente cómodo. Su idea decorativa y gráfica brotaba como un caño de agua roto: sirenas , rusalkas , divas del mar, caballeros, elfos, flores, libélulas, etc. estaban hechos "con estilo", comprendiendo las características del material. y su entorno, su objetivo era encontrar la "belleza pura y elegante", que al mismo tiempo se abriera paso en la vida cotidiana y, por lo tanto, en el corazón del público, Vrubel se convirtió en uno de los fundadores del "Art Nouveau ruso". "- el "nuevo estilo" que se sumó al romanticismo neoruso del círculo de Mamontov y que en parte surgió de él [80]
El estudio de Mamontov en Abramtsevo y el estudio de Tenisheva en Talashkino encarnaban los principios del " movimiento Arts and Crafts ", fundado inicialmente por William Morris y sus seguidores. Los partidarios discutieron un resurgimiento de la artesanía tradicional rusa, al mismo tiempo que la fabricación a máquina contradecía la singularidad que era el principio artístico principal del Art Nouveau. [81] Vrubel trabajó tanto en Abramtsevo como en Talashkino. Sin embargo, ambos estudios diferían en los aspectos del arte. Por ejemplo, Mamontov se concentró principalmente en proyectos teatrales y arquitectónicos, mientras que Tenisheva se centró en las tradiciones nacionales rusas. [82] La cerámica de Abramtsevo Potter's Factory jugó un papel importante en el resurgimiento de la mayólica en Rusia. Vrubel se sintió atraído por la simplicidad, la espontaneidad y la textura rugosa de la mayólica y sus caprichosos derrames de esmalte. La cerámica le permitió a Vrubel experimentar libremente con las posibilidades plásticas y artísticas del material. La falta de artesanía con sus patrones le permitió hacer realidad sus fantasías. [83] En Abramtsevo, los planes de Vrubel fueron apoyados y llevados a la práctica por el famoso ceramista Peter Vaulin . [84]
En 1891, la familia Mamontov fue a Italia. Planearon itinerarios de viaje en torno a los intereses del taller de cerámica Abramtsevo. Vrubel acompañó a la familia como consultor, lo que provocó un conflicto entre él y la esposa de Mamontov, Elizaveta. Así, Mamontov y Vrubel fueron a Milán, donde estudiaba la hermana de Vrubel, Elizaveta (Liliia). [85] Se sugirió que el pintor pasaría el invierno en Roma , donde podría terminar el encargo de Mamontov: decoraciones para " Las alegres esposas de Windsor " y diseñar el nuevo telón para la Ópera Privada . Savva Mamontov le pagaba a Vrubel un salario mensual; sin embargo, un intento de instalarlo en la casa de Mamontov provocó un escándalo con Isabel, tras el cual Vrubel decidió quedarse con Svedomsky. [86]
Vrubel no se llevaba bien con otros artistas rusos que trabajaban en Roma y los acusaba continuamente de falta de talento artístico, plagio y otras cosas. Estaba mucho más cerca de los hermanos Alexander y Pavel Svedomsky con quienes visitaba regularmente el variete [ se necesita aclaración ] "Apollon" y el café "Aran'o". También disfrutó de su estudio, reconstruido a partir del antiguo invernadero. Tenía paredes de cristal y techo romano, lo que hacía muy difícil permanecer allí en invierno debido al frío. Los Svedomsky reconocieron incondicionalmente la superioridad creativa de Vrubel y no sólo lo instalaron en su casa sino que también compartieron pedidos comerciales con él. [87] Al final, Mamontov organizó la estancia de Vrubel en el estudio del medio italiano Alexander Rizzoni, quien se graduó en la Academia Rusa de las Artes. Vrubel lo respetaba mucho y trabajaba de buena gana bajo la supervisión de Rizzoni. La razón principal de esto fue que Rizzoni se consideraba no autorizado a interferir en el estilo personal del pintor, pero era exigente con la diligencia. Vrubel escribió posteriormente que "no he oído de mucha gente tantas críticas justas pero benévolas". [88]
En el invierno de 1892, Vrubel decidió participar en el Salón de París , donde se le ocurrió la idea para el cuadro "La doncella de las nieves" (no conservado). Elizaveta Mamontova escribió más tarde:
Visité a Vrubel, pintó en acuarela la cabeza de una Doncella de Nieve de tamaño natural sobre el fondo de un pino cubierto de nieve. Hermosos sus colores, pero la cara tenía bilis y ojos enojados. Qué irónico, tuvo que venir a Roma a pintar el invierno ruso. [89]
Vrubel continuó trabajando en Abramtsevo. Regresó de Italia con la idea de dibujar paisajes a partir de fotografías, lo que le permitió ganar 50 rublos. [90] Una de sus obras más significativas después del regreso fue el panel "Venecia", que también pintó basándose en la fotografía. La característica principal de esta composición es su atemporalidad: es imposible decir cuándo tuvo lugar la acción. Las figuras estaban dispuestas caóticamente, "comprimiendo" el espacio que se proyecta sobre el avión. La pareja para Venecia fue "España", que los críticos reconocen como una de las pinturas mejor arregladas de Vrubel. [91]
Vrubel pasó el invierno de 1892-1893 en Abramtsevo. Debido a los trabajos regulares realizados por encargo para Mamontov, la reputación de Vrubel en Moscú creció enormemente. Por ejemplo, el pintor recibió el encargo de decorar la mansión de la familia Dunker en la calle Povarskaya. Además, junto con el arquitecto más famoso del modernismo moscovita Fyodor Schechtel , Vrubel decoró la mansión de Zinaida Morozova en la calle Spiridonovka y la casa de A. Morozov en la calle Podsosenskiy. [92]
Las obras decorativas de Vrubel ilustran cuán universal era su talento. El pintor combinó la pintura con la arquitectura, la escultura y las artes aplicadas. Karpova reconoció su papel protagónico en la creación de conjuntos del Moscú moderno. La escultura de Vrubel atrajo la atención de sus contemporáneos. Por ejemplo, al final de su vida, Aleksandr Matveyev mencionó que "sin Vrubel no habría Sergey Konenkov ...". [93]
La composición gótica "Roberto y las monjas" suele considerarse la escultura más importante de Vrubel; decora la escalera de la mansión Morozov. [93] La literatura sobre arquitectura enfatiza el papel exclusivo que jugó Vrubel en la formación de las apariencias artísticas del Art Nouveau de Moscú. El artista creó varias composiciones (pequeñas esculturas plásticas de mayólica y azulejos) que decoraron importantes edificios en estilo moderno y pseudo-ruso ( estación de tren Yaroslavsky de Moscú , Osobnyak MF Yakunchikovoy , Dom Vasnetsova ). La mansión Mamontov en la calle Sadovaya-Spasskaya fue construida exactamente según las ideas arquitectónicas de Vrubel; También dirigió varios otros proyectos, como la iglesia de Talashkino y el pabellón de exposiciones de París. [94] [95]
Hasta noviembre de 1893, Vrubel trabajó en "El juicio de París", que debía decorar la mansión de los Dunker. Más tarde, Yaremich definió esta obra como una "alta fiesta del arte". [96] Sin embargo, los clientes rechazaron tanto "París" como la "Venecia", pintada apresuradamente. Posteriormente , un conocido coleccionista Konstantin Artsybushev compró ambas obras. También instaló un estudio en su casa de la calle Zemlyanoy Val, donde Vrubel permaneció durante la primera mitad de la década de 1890. En ese momento, Anna Vrubel se mudó a Moscú desde Orenburg y pudo ver a su hermano con más frecuencia. [97]
En 1894, Vrubel cayó en una depresión severa y Mamontov lo envió a Italia para cuidar de su hijo Sergei, un oficial de húsar retirado que se suponía que iba a recibir tratamiento en Europa (sufría de una enfermedad renal hereditaria y fue operado). Por lo tanto, la candidatura de Vrubel parecía muy adecuada: Mikhail no soportaba el juego e incluso abandonó el casino de Montecarlo , diciendo "¡qué aburrido!". [98] En abril, después de regresar a Odessa, Vrubel se encontró nuevamente en una situación de pobreza crónica y disputas familiares. Luego volvió una vez más al arte mayólico mientras creaba la cabeza del Demonio. Artsybushev compró esta obra y con el dinero recibido Vrubel regresó a Moscú. [99]
Aproximadamente al mismo tiempo, Vrubel pintó "El adivino" en un día, siguiendo un fuerte deseo interno. La composición es similar al retrato de Mani Dakhnovich: el modelo también está sentado en la misma pose contra la alfombra. La mujer de cabello negro y tipo oriental no presta atención a las cartas y su rostro permanece impenetrable. En cuanto a los colores, la atención se centra en un pañuelo rosa sobre los hombros de la niña. Según Dmitrieva, aunque tradicionalmente el rosa se asocia con la serenidad, el pañuelo tiene un aspecto "siniestro". [91] Presumiblemente, la modelo de "El adivino" era una de las amantes del artista de origen siberiano. También en este cuadro Vrubel se inspiró en la ópera Carmen , de la que tomó prestado un desafortunado resultado de adivinación: el as de espadas . La pintura fue pintada sobre el retrato destruido del hermano de Mamontov, Nicolai. [100]
Vrubel continuó con su estilo de vida bohemio. Según las memorias de Korovin, después de recibir un gran salario por paneles de acuarela, los gastó de la siguiente manera:
Organizó la cena en el hotel "París" donde también vivía. Invitó a todos los que se quedaron allí. Cuando entré después del teatro, vi mesas cubiertas con botellas de vino, champán, mucha gente entre los invitados: gitanos, guitarristas, una orquesta, algunos militares, actores, y Misha Vrubel trataba a todos como a un maître d'hôtel. sirviendo champán de la botella que estaba envuelta en una servilleta. "Qué feliz estoy", me dijo. "Me siento como un hombre rico". Vea lo bien que se sienten todos y lo felices que están.
Se habían perdido cinco mil rublos y todavía no alcanzaba para cubrir los gastos. Así, Vrubel trabajó duro durante los dos meses siguientes para cubrir la deuda. [101]
En 1895, Vrubel intentó ganar autoridad en los círculos artísticos rusos. En febrero envió el "Retrato de NM Kazakov" a la 23ª exposición del movimiento Peredvizhniki ; sin embargo, la pintura fue rechazada para ser expuesta. En la misma temporada logró participar en la tercera exposición de la Asociación de artistas de Moscú con su escultura "La cabeza del gigante" dedicada temáticamente al poema Ruslan y Ludmila . El periódico " Russkiye Vedomosti " se ocupó críticamente del cuadro y enumeró con benevolencia a todos los expositores excepto a Vrubel, a quien se mencionó por separado como ejemplo de cómo privar a la trama de su belleza artística y poética. [102]
Posteriormente Vrubel participó en la Exposición de toda Rusia de 1896 dedicada a la Coronación de Nicolás II y Alexandra Feodorovna . Savva Mamontov fue curadora de la exposición dedicada al norte de Rusia . Fue él quien se dio cuenta de que en la sección de arte vecina faltan las pinturas que cubrirían dos grandes paredes vacías. Mamontov discutió con el Ministro de Finanzas su idea de revestir estas paredes con paneles grandes con un área total de 20 × 5 my encargó estos paneles a Vrubel. [103] En ese momento, el pintor estaba ocupado decorando la mansión de Morozov en Moscú. Sin embargo, aceptó la oferta a pesar de que el pedido era bastante grande: la superficie total de las pinturas era de 100 metros cuadrados y debía estar terminada en tres meses. [104] Planeaba decorar la primera pared con la pintura " Mikula Selyaninovich " que representaba metafóricamente la tierra rusa. Para la segunda pared, Vrubel eligió "La princesa del sueño" inspirada en una obra del mismo nombre realizada por el poeta francés Edmond Rostand . El segundo cuadro representaba simbólicamente el sueño de belleza del pintor. [105]
Era imposible completar el pedido en tan poco tiempo. Por eso Vrubel encargó al pintor T. Safonov de Nizhny Novgorod que empezara a trabajar en "Mikula". Se suponía que Safonov pintaría según los bocetos de Vrubel. El friso decorativo fue realizado por A. Karelin, hijo del fotógrafo ruso Andrei Karelin . [106]
El 5 de marzo de 1896, el académico Albert Nikolaevich Benois informó a la Academia de las Artes que el trabajo que se realizaba en el pabellón de arte no era compatible con sus objetivos temáticos. Así, Benois exigió a Vrubel bocetos de los supuestos paneles. Después de llegar a Nizhny Novgorod el 25 de abril, Benois envió un telegrama:
Los paneles de Vrubel son aterradores; Tenemos que quitárnoslos, esperando al juri. [107]
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El 3 de mayo llegó a San Petersburgo el comité de la Academia. El comité incluía a Vladimir Aleksandrovich Beklemishev , Konstantin Savitsky , Pavel Brullov y otros. Llegaron a la conclusión de que es imposible exponer las obras de Vrubel. Mamontov dijo a Vrubel que siguiera trabajando y fue a San Petersburgo para persuadir a los miembros del comité. Al mismo tiempo, mientras intentaba plasmar la trama de "Mikula Selyaninovich" en un lienzo, Vrubel se dio cuenta de que antes no podía proporcionar las figuras correctamente. Así empezó a pintar la nueva versión justo en el escenario del pabellón. Mamontov intentó proteger al pintor y pidió la convocatoria de un nuevo comité. Sin embargo, sus afirmaciones fueron rechazadas y el 22 de mayo Vrubel tuvo que abandonar la sala de exposiciones cuando ya se habían llevado todas sus obras. [108]
Vrubel no perdió nada económicamente, ya que Mamontov compró ambos cuadros por 5.000 rublos cada uno. También estuvo de acuerdo con Vasily Polenov y Konstantin Korovin para que terminaran el "Mikula" a medio terminar. Los lienzos fueron enrollados y llevados de regreso a Moscú, donde Polenov y Korovin comenzaron a trabajar en ellos mientras Vrubel terminaba "La princesa del sueño" en un cobertizo de la fábrica de cerámica Abramtsevo. Ambos lienzos llegaron a Nizhny Novgorod justo antes de la visita del emperador prevista del 15 al 17 de julio. Además de dos paneles gigantes, la exposición de Vrubel incluyó "La cabeza del demonio", "La cabeza del gigante", "El juicio de París" y "Retrato del empresario K. Artsybushev". [109] Posteriormente, durante la construcción del Hotel Metropol , una de las fuentes que daba a la calle Neglinnaya fue decorada con un panel de mayólica que reproducía "La Princesa del sueño". El panel fue realizado en el estudio de Abramtsevo por orden de Mamontov. [110]
En aquella época, Mijaíl Vrubel viajó a Europa para ocuparse de sus asuntos matrimoniales mientras Mamontov permanecía a cargo de todos sus asuntos en Moscú. [109] Construyó un pabellón especial llamado "Exposición de paneles decorativos hechos por Vrubel y rechazados por la Academia de las Artes". [105] Así comenzaron los grandes debates en los periódicos. Nikolai Garin-Mikhailovsky fue el primero en publicar el artículo "El pintor y el jurado", en el que analizaba cuidadosamente el arte de Vrubel sin invectivas . Por el contrario, Maxim Gorky estaba en contra de Vrubel. Se burló de "Mikula" comparándolo con un personaje ficticio, Chernomor. "La Princesa del Sueño" está resentida con él por sus "travesuras y la fealdad de una trama que por lo demás sería hermosa". En cinco artículos, Gorky expuso la "pobreza de espíritu y la pobreza de imaginación" de Vrubel. [111]
Posteriormente Korovin mencionó en sus memorias la anécdota que ilustra cómo reaccionaron los funcionarios ante el escándalo:
Cuando Vrubel enfermó y fue hospitalizado, se inauguró la exposición de Sergei Diaghilev en la Academia de las Artes. El emperador también estuvo en la ceremonia de apertura. Una vez que vio "Las lilas" de Vrubel, dijo:
– Qué bonito es. Me gusta.
El gran duque Vladimir Alexandrovich de Rusia, que se encontraba cerca, debatió acaloradamente:
– ¿Qué es esto? Esto es una decadencia ..."
– No, me gusta, – respondió el emperador – ¿Quién es el autor?
– Vrubel – fue la respuesta.
…Volviéndose hacia el séquito y notando al vicepresidente de la Academia de las Artes, el Conde Iván. Ivanovich Tolstoi , el emperador dijo:– Conde Ivan Ivanovich, ¿es este el que fue ejecutado en Nizhny?... [112]
A principios de 1896, Vrubel viajó de Moscú a San Petersburgo para visitar a Savva Mamontov. Casi al mismo tiempo estaba a punto de tener lugar el estreno ruso de la ópera de cuento de hadas " Hansel y Gretel ". Savva Mamontov se dejó llevar por esta puesta en escena e incluso tradujo personalmente el libreto y patrocinó la compañía combinada del teatro Panaevski . Entre los artistas esperados estaba la prima Tatiana Lubatovich . Originalmente, Konstantin Korovin era responsable de la decoración y el vestuario, pero debido a una enfermedad tuvo que renunciar al encargo en favor de Mikhail Vrubel, que nunca antes había asistido a una ópera. En uno de los ensayos, el pintor vio a Nadezhda Zabela-Vrubel , que hacía el papel de la hermana pequeña de Gretel. [113] Así recordó más tarde Nadezhda Zabela su primer encuentro con Mikhail:
En el descanso (recuerdo que estaba detrás de la cortina), me sorprendió que un hombre corriera hacia mí y, besándome el brazo, exclamara: "¡Qué voz tan maravillosa!". Tatiana Lubatovich, que estaba cerca, se apresuró a presentármelo: “Este es nuestro pintor Mikhail Vrubel”, y aparte me dijo: Una persona muy noble pero un poco expansiva . [114]
Vrubel le propuso matrimonio a Nadezhda poco después de la primera reunión. En una de sus cartas a Anna Vrubel, mencionó que se suicidaría inmediatamente si Nadezhda rechazaba su propuesta. [114] El encuentro con la familia Zabela no fue muy bien ya que sus padres estaban confundidos por la diferencia de edad (él tenía 40 años y ella 28). Incluso la propia Nadezhda estaba familiarizada con el hecho de que "Vrubel bebe, es muy errático con el dinero, lo desperdicia, tiene ingresos irregulares e inestables". [115] Sin embargo, el 28 de julio participaron en la Catedral de la Exaltación de la Santa Cruz en Ginebra, Suiza. La pareja pasó su luna de miel en una casa de huéspedes en Lucerna . Luego Vrubel continuó su trabajo en el panel del gabinete gótico de Morozov. En el momento de su compromiso, Vrubel estaba completamente arruinado e incluso tuvo que ir a pie desde la estación hasta la casa de Nadezhda. [116]
Para el otoño de 1896, Nadezhda Zabela Vrubel tenía un contrato breve con la ópera de Jarkov. Sin embargo, Vrubel no hizo muchos encargos en la ciudad y tuvo que vivir del dinero de su esposa. Esto lo impulsó a recurrir a la pintura teatral y al diseño de vestuario. Según las memorias de sus conocidos, Vrubel comenzó a diseñar disfraces para Nadezhda y rehació el vestuario de Tatiana Larina. [117] Como señaló Dmitrieva, Vrubel debe la fecundidad del período de Moscú a Nadezhda y su admiración por Nikolai Rimsky-Korsakov . [118] Se conocieron personalmente en 1898 cuando Nadezhda fue invitada a la ópera privada de Moscú . [119] Zabela recordó que Vrubel escucha la ópera "Sadko" en la que cantó el papel de la Princesa de Volkhov no menos de 90 veces. Cuando ella le preguntó si estaba cansado, él respondió: “Puedo escuchar la orquesta sin cesar, especialmente la parte del mar. Cada vez que encuentro en él una nueva maravilla, veo unos tonos fantásticos. [120]
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Durante su estancia en San Petersburgo en enero de 1898, Ilya Repin aconsejó a Vrubel que no destruyera el panel Morning , rechazado por el comisario, sino que intentara exponerlo en cualquier otra exposición. Como resultado, el panel se exhibió en la exposición de pintores rusos y finlandeses organizada por Sergei Diaghilev en el museo de la Academia de Arte e Industria de San Petersburgo . [121]
En 1898, durante una estancia de verano en Ucrania, Vrubel experimentó varios síntomas de su futura enfermedad. Sus migrañas se volvieron tan fuertes que el pintor tuvo que tomar fenacetina en grandes cantidades (según su cuñada, hasta 25 granos o más). Mikhail comenzó a experimentar una intensa ansiedad, especialmente si alguien no estaba de acuerdo con su opinión sobre una obra de arte. [122]
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En los últimos años del siglo XIX, Vrubel se refirió a tramas de la mitología de hadas, en particular Bogatyr , Pan , Tsarevna-Lebed .
En el cuadro 'Pan' de 1899, Vrubel utilizó una figura mitológica para mostrar la unidad orgánica del hombre y la naturaleza. La figura no se parece a la imagen erótica de la eterna juventud que se conoce en Occidente: se parece a una figura del folclore ruso conocida como 'leshiy', que es el espíritu ruso del bosque. [123] La criatura tiene una barba espesa, una figura fuerte y voluminosa y es conocida por ser traviesa. Se dice que esta figura es tan alta como los árboles y en las historias se sabe que engaña a los viajeros, pero sólo como juego porque es de buen carácter. [124] El descaro de la criatura brilla en sus ojos. La criatura se sitúa dentro de un crepúsculo, que insinúa el despertar de fuerzas misteriosas en la naturaleza, que se mantienen gracias a la rica vegetación y su manifestación: Pan. Pan sirve como símbolo de la naturaleza; la abundancia y viveza de la naturaleza. Este símbolo también se visualiza en la representación del cuerpo de la figura: su cuerpo parece crecer a partir de un tocón y los rizos de su cabello y sus dedos curvados parecen los nudos y nudos de un roble. [125] El rayo que Vrubel eligió incorporar y que brilla ligeramente sobre la figura crea una atmósfera misteriosa. La luna pálida pintada realza este sentimiento. [126] Los ojos de la figura cuentan una historia, revelan la “vida psíquica de las figuras”. [127] Parecen mirar directamente al espectador, como si el creador tuviera conciencia profética: Sentidos que los mortales no tienen, están fuera de este mundo. Los ojos azules de la criatura reflejan el agua del pantano detrás de él.
El pintor pudo terminar Pan en un día mientras se encontraba en la mansión de Tenisheva en Talashkino . La trama la trazó en un lienzo en el que previamente había comenzado a pintar el retrato de su esposa . La pintura se inspiró en la novela literaria "Saint Satyr" de Anatole France . [128] Con gran dificultad, pudo exponer sus pinturas en la exposición de Diaghilev. Fue después de que sus pinturas fueran expuestas en la exposición de la Asociación de Artistas de Moscú, donde no recibieron atención. [129]
En 1898, Vrubel pintó "El Caballero" o "El Bogatyr". En este cuadro, Vrubel representa a un héroe del antiguo folclore ruso, que se diferencia de los caballeros occidentales prerrafaelitas en que son predominantemente elegantes y refinados. [130] Esta figura es pesada y fuerte, con barba y manos ásperas, que está lista para arar los campos y luchar. Esta pintura probablemente esté inspirada en la famosa figura épica rusa 'Ilya de Murom', de quien se dice que derrotó a monstruos sobrenaturales y cuya pareja de caballos salta más alto que los árboles más altos y solo un poco más bajo que las nubes en el cielo. [131] En el bylina en el que se describe la historia de Ilya de Murom se lee: “Mientras descansaba en la tierra, el poder de Ilia creció tres veces”. [132] Vrubel se ha referido a Byliny, que son antiguos cuentos eslavos sobre varios héroes famosos, en otros trabajos de decoración de interiores que realizó durante su estancia en Abramtsevo. [133] En Rusia, Ilya Muromet se asocia con una increíble fuerza física y poder espiritual e integridad, cuyo principal objetivo en la vida es la protección de la patria rusa y su gente. [134] Los patrones visibles en el caftán, la cota de malla y las botas del bogatyr se parecen a los de los santos de la guerra en los antiguos iconos rusos. [135] El paisaje de la pintura tiene cualidades ornamentales que recuerdan a producciones de Bakst como 'La tarde con el fauno'. [136] La figura del héroe también está representada en 'Bogatyrs' del pintor romántico Vasnetov. Sin embargo, esta pintura carece de las cualidades espirituales y fantásticas que posee la pintura de Vrubel. Vrubel no sólo quería expresar el poder de la tierra rusa, como Vasnetov, sino también "la encantadora atmósfera de metamorfosis silenciosa: la arcaica "pertenencia a la tierra" a imagen del héroe". [137] La figura del héroe en la pintura de Vrubel puede interpretarse como una representación de la naturaleza convertida en humana, al menos se siente como una parte íntima de ella. [138] El héroe es nativo de su entorno. Vrubel intentó hacer que la figura del héroe y el fondo fueran un todo. Para Vrubel, la unificación del fondo y los símbolos era típica. [139] El bogatyr es parte del poder abundante y la cualidad espiritual de la naturaleza; la naturaleza que a menudo se poetiza en el folclore. [140]
Existe la opinión generalizada de que el cuadro "La princesa cisne" ("Tsarevna-Lebed") se inspiró en la puesta en escena de la ópera. Sin embargo, el lienzo se terminó en primavera, mientras que los ensayos de El cuento del zar Saltan se llevaron a cabo en otoño y se estrenó el 21 de diciembre de 1900. [141] El mérito de esta pintura fue ampliamente debatido ya que no todos los críticos la reconocieron como un obra maestra. [142] Dmitrieva caracterizó esta obra de la siguiente manera: "Hay algo alarmante en esta pintura: no en vano era la pintura favorita de Alexander Blok . En el creciente crepúsculo con una franja carmesí del atardecer, la princesa flota en la oscuridad. y sólo por última vez se volvió para hacer su extraño gesto de advertencia. Es poco probable que este pájaro con cara de virgen se convierta en la obediente esposa de Guidon, y su triste mirada de despedida no promete nada. persona completamente diferente, aunque Zabela también desempeñó este papel en "El cuento del zar Saltan" [143] Nicolai Prakhov encontró en el rostro de Tsarevna-Lebed un parecido con su hermana Elena Prakhova . probablemente se originó en una imagen de colección del primer amor de Vrubel, Emily Prakhova, Nadezhda Vrubel y, presumiblemente, de alguna otra persona [144] .
A mediados del verano de 1900, Mikhail Vrubel se enteró de que había recibido la medalla de oro en la Exposición Universal por la chimenea "Volga Svyatoslavich y Mikula Selyaninovich". Además de Vrubel, las medallas de oro fueron para Korovin y Filipp Malyavin , mientras que Serov ganó el Gran Premio. En la exposición, las obras de Vrubel (principalmente cerámica aplicada y mayólica) se exhibieron en el Palacio del Mobiliario y la Decoración. [145] Posteriormente, el artista reprodujo la chimenea "Volga Svyatoslavich y Mikula Selyaninovich" cuatro veces; sin embargo, sólo uno de ellos en la Casa de Bazhanov se utilizó para el uso previsto. En esos mismos años, Vrubel trabajó como artista invitado en la fábrica de porcelana Dulyovo . Su pintura de porcelana más famosa fue el plato "Sadko". [146]
Diez años más tarde, Vrubel volvió al tema del demonio, como se desprende de su correspondencia con Nikolai Rimsky-Korsakov a finales de 1898. A partir del año siguiente, el pintor se debatió entre las pinturas "El demonio volador " y " El demonio abatido ". Como resultado, eligió la primera variante, pero el cuadro quedó inacabado. La pintura y varias ilustraciones se inspiraron en las tramas entrelazadas de El demonio de Lermontov y "El profeta" de Pushkin. [147]
En el cuadro vemos al Demonio arrojado a las montañas, rodeado de un caos de colores arremolinados. El cuerpo del Demonio está roto, pero sus ojos todavía nos miran fijamente, como si estuvieran invictos. [148] El cuerpo alargado del Demonio casi parece deformado, ya que el cuerpo está representado en proporciones inusuales y antinaturales. Esto da la impresión de que el cuerpo sufre y se ve afectado por el poder de la naturaleza que lo rodea. [149] La pintura recuerda la desesperación: el caos que rodea al Demonio, el rostro 'cenizo' del Demonio y los tonos descoloridos. [150] Esta pintura parece una representación del mundo interior de Vrubel y su próxima locura. [151]
En 'Demon Cast Down', parece que Vrubel se refiere a figuras religiosas. El Demonio porta algo que puede interpretarse como una corona de espinas, que podría hacer referencia a la pasión de Cristo y al sufrimiento que soportó. [152] Aquí Vrubel mezcla la figura del Demonio, que a menudo se asocia con el mal, con Cristo, que es peculiar. El polvo metálico que utilizó Vrubel se asemeja a los mosaicos bizantinos que lo inspiraron. [153] Además, la intención de Vrubel era exhibir su Demon cast Down bajo el título 'Icono', [154] refiriéndose directamente al arte religioso bizantino y, por lo tanto, debe leerse en consecuencia: Como su objetivo principal es llevar al espectador a un nivel superior. mundo espiritual.
El 1 de septiembre de 1901, Nadezhda dio a luz a un hijo llamado Savva. El bebé nació fuerte con músculos bien desarrollados pero tenía una fisura orofacial . La hermana de Nadezhda, Ekaterina Ge, sugirió que Mikhail tenía "un gusto particular, por lo que podía encontrar belleza en cierta irregularidad. Y este niño, a pesar de sus labios, era tan lindo con sus grandes ojos azules que sus labios sorprendían a la gente sólo en el primer momento". y entonces todos se olvidarían de ello". [155] Mientras trabajaba en "Demon", el pintor creó el gran retrato en acuarela de un niño de seis meses sentado en un cochecito de bebé. Como recordó más tarde Nikolai Tarabukin :
El rostro asustado y triste de esta pequeña criatura brilló como un meteoro en este mundo y estaba lleno de una expresividad inusual y cierta sabiduría infantil. Sus ojos, como proféticamente, captaron todo el trágico destino de su fragilidad. [155]
El nacimiento de Savva supuso un cambio dramático en la rutina de la familia. Nadezhda Vruble decidió hacer una pausa en su carrera y se negó a contratar una niñera. Por tanto, Mikhail Vrubel tuvo que mantener a su familia. A partir de septiembre-octubre de 1901, Vrubel experimentó los primeros síntomas de depresión debido al drástico aumento del número de horas de trabajo. A partir de noviembre dejó de trabajar en "The Demon Downcast". El biógrafo de Vrubel escribió más tarde:
Durante todo el invierno, Vrubel trabajó muy intensamente. A pesar de las habituales 3 o 4 horas, trabajó hasta 14 horas, y a veces incluso más, con un destello de luz artificial, sin salir nunca de la habitación y apenas despegándose del cuadro. Una vez al día se ponía el abrigo, abría la ventana y respiraba un poco de aire frío, y lo llamaba su "paseo". Inmerso en pleno trabajo, se volvió intolerante a cualquier molestia, no quería recibir invitados y apenas hablaba con la familia. El Demonio estuvo muchas veces casi terminado, pero Vrubel lo volvió a pintar una y otra vez. [156]
Como señaló Dmitrieva: "Esta no es su mejor pintura. Es inusualmente espectacular y, aún más, impactó en su creación cuando la corona rosa brillaba, las plumas de pavo real parpadeaban y brillaban (después de unos años, los colores deslumbrantes comenzaron a brillar). oscurecerse, secarse y ahora casi ennegrecerse). Este efecto decorativo exagerado priva a la pintura de profundidad real, el artista, que ya había perdido su equilibrio emocional, traicionó su “culto a la naturaleza profunda” . Demon Dawncast , desde el punto de vista puramente formal, más que cualquier otra pintura de Vrubel, fue pintada en el estilo moderno". [157]
La salud mental de Vrubel siguió empeorando. Comenzó a sufrir de insomnio, día a día su ansiedad aumentaba y el pintor se volvió inusualmente seguro de sí mismo y verboso. El 2 de febrero de 1902, la fallida exposición de "El demonio abatido" en Moscú (el pintor esperaba que el cuadro fuera comprado para la Galería Tretyakov) coincidió con el suicidio de Alexander Rizzoni tras una crítica incorrecta en el "Mir isskusstva". [158]
Luego, el cuadro fue llevado a San Petersburgo, donde Vrubel continuó pintándolo constantemente. Sin embargo, según sus amigos, sólo lo dañó. Debido a la ansiedad del pintor, sus amigos lo llevaron al famoso psiquiatra Vladimir Bekhterev, quien le diagnosticó a Vrubel una parálisis progresiva e incurable o sífilis terciaria . Mikhail Vrubel viajó a Moscú sin conocer el diagnóstico donde su estado sólo empeoró. [159] Su pintura fue comprada por 3 000 rublos por el famoso coleccionista Vladimir von Meck . A juzgar por la correspondencia entre Nadezhda Zabela y Rimsky-Korsakov, Vrubel se volvió loco , bebió mucho, desperdició dinero y rápidamente rompió por cualquier motivo. Su esposa y su hijo intentaron escapar de él y corrieron hacia sus familiares en Riazán, pero él los siguió. A principios de abril, Vrubel fue hospitalizado en un hospital privado dirigido por Savvy Magilevich. [160]
La locura de Vrubel atrajo la atención de la prensa; sin embargo, las críticas fueron en su mayoría negativas. Por ejemplo, en un folleto del periódico ruso se publicó el artículo "Mental Decadents", que dio lugar a una declaración oficial de desmentido. Pronto, los pintores consagrados comenzaron a publicar artículos en los que afirmaban que The Demon Downcast tiene algo que debe estar en toda composición artística verdadera . [161] Alexandre Benois también cambió su opinión sobre las pinturas de Vrubel; incluso añadió un pasaje emotivo sobre la verdadera naturaleza poética de las pinturas de Vrubel a su libro "Historia del arte ruso del siglo XIX". [162] Entonces, Benois y Diaghilev decidieron demostrar la cordura de Vrubel al público, y en 1902 organizaron la exposición de 36 obras, incluidas sus tres "Demonios". Esta exposición fue un punto de inflexión en la definición de las actitudes del público hacia el arte de Vrubel; sin embargo, no muchos creían en su potencial recuperación. Los autores de los artículos de "Mir Isskustva" incluso escribieron sobre Vrubel en tiempo pasado, como si ya hubieran resumido su carrera artística. [163]
De abril a agosto de 1902, la salud mental de Vrubel fue tan mala que ni siquiera a su hermana y su esposa se les permitió visitarlo. Era salvaje y necesitaba supervisión constante. En los momentos en que la enfermedad remitía, podía hablar con coherencia e intentaba pintar. Sin embargo, todos sus dibujos de este período presentaban "pornografía primitiva". Además, sus delirios de grandeza también se fortalecieron. Uno de los principales síntomas de su enfermedad era un deseo constante de romper la ropa y la ropa interior. En septiembre de 1902, la condición de Vrubel había mejorado un poco, e incluso dejó de pinchar micrófonos y se volvió cortés dibujar pornografía. Así, se decidió trasladarlo al Centro Serbsky de la Universidad de Moscú dirigido por Vladimir Serbsky . [164] En la clínica, la salud de Vrubel mejoró en general a pesar de que a su familia todavía se le prohibía visitarlo. El pintor empezó a escribirle a su esposa, principalmente en un tono autocrítico. Serbsky confirmó el diagnóstico de "parálisis progresiva debido a una infección sifilítica" de Vladimir Bekhterev e incluso descubrió que la contaminación tuvo lugar en 1892. Después de que a Vrubel le recetaran medicamentos con mercurio y sedantes, su comportamiento se volvió más predecible. Mikhail comenzó a recibir invitados, entre ellos Vladimir von Meck y Pyotr Konchalovsky . Sin embargo, el pintor evitaba las conversaciones sobre arte y se mostraba constantemente sombrío. El único resultado esperado era la degradación física y mental. [165]
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En febrero de 1903, Vrubel fue dado de alta de la clínica. Estaba letárgico y distraído, todos los intentos de pintar no condujeron a nada. Los médicos aconsejaron enviarlo a Crimea , pero en abril su apatía se transformó en una fuerte depresión y el pintor tuvo que regresar a Moscú. Vladimir von Meck invitó a la familia Vrubel a pasar el verano en su mansión de la gobernación de Kiev . Esto de alguna manera animó a Vrúbel y Nadezhda también se alegró. Justo antes de partir, Savva Vrubel, de dos años, enfermó. En Kiev, su enfermedad se agravó y el 3 de mayo el niño murió. Vrubel pasó de la apatía al dolor y comenzó a planificar activamente el funeral. Intentó parecer alegre y apoyar a su esposa, que no dijo una palabra. [166] Savva fue enterrada en el cementerio de Baikove . Después de perder a su único hijo, los cónyuges acudieron a von Meck porque no sabían qué hacer a continuación ni cómo comportarse. En la mansión, la salud mental de Vrubel empeoró significativamente, y una semana después dijo categóricamente: "Por favor, llévenme a algún lugar; de lo contrario, les causaré problemas". Sin embargo, tenía mucho miedo de la clínica del Monasterio de San Cirilo . [166]
Siguiendo el consejo del doctor Tilling, cercano a ellos, se decidió llevar al pintor a Riga , donde fue destinado a la institución rural. Vrubel estaba en una fuerte depresión y quería suicidarse, por lo que se negó a ingerir alimentos. Los síntomas eran completamente diferentes a los de la crisis anterior: en lugar de ilusiones grandiosas, Vrubel experimentó delirios de humillación y alucinaciones. Sin embargo, el médico local no confirmó el diagnóstico de Bekhterev y Serbsky, afirmando que Vrubel es un artista melancólico y necesita trabajar. Así, Vrubel volvió a su antigua obra "La jungla de Pascua", que fue repintada en "Azrail". [167] Nadezhda Vrubel le escribió a Anna Vrubel que Mikhail tiene falta de sueño y que nuevamente no está satisfecho con la cara que vuelve a dibujar continuamente. El trabajo no mejoró su salud mental. Además, el pintor quedó tan débil que sólo podía moverse en silla de ruedas mientras la gripe que lo padecía le provocaba reumatismo . Su familia y amigos pensaron que no sobreviviría la primavera siguiente. Sin embargo, el pintor sobrevivió y en el verano, siguiendo el consejo de Serbsky, el 9 de julio de 1904, Vrubel fue internado en la clínica sanitaria de Fedor Usoltsev en el parque Petrovsky. [168]
El doctor Usoltsev diagnosticó a Vrubel con Tabes dorsalis , que es una forma de sífilis terciaria cuando el treponema pallidum afecta sólo la médula espinal , no el cerebro. Al mismo tiempo, las alucinaciones de Vrubel fueron causadas por un trastorno bipolar común entre los artistas. [169] Debido a los métodos progresivos aplicados en la clínica de Usoltsev y las frecuentes visitas de Nadezhda y Anna Vrubel (alquilaron una casa cercana y visitaban a Mikhail diariamente), Vrubel se rehabilitó casi por completo. A veces incluso lo dejaban pasar varias horas a solas con su esposa. La idea de la rehabilitación en la clínica Usoltsev era que los pacientes se sintieran como en casa, por eso la clínica estaba en la casa privada del doctor Usoltsev, donde él y su familia vivían junto con los pacientes. El médico invitaba constantemente a artistas y cantantes a conciertos organizados en casa. Los pacientes asistieron a eventos nocturnos junto con el personal médico. [166] Usoltsev valoró el arte de Vrubel y, de todas las formas posibles, alentó sus actividades creativas. En ese período, un famoso psiquiatra y uno de los primeros investigadores de enfermos mentales Pavel Karpov se comunicó activamente con el pintor. [170] La terapia mejoró significativamente la salud del pintor. En uno de los dibujos hechos en la clínica, Vrubel escribió: "A mi querido y estimado Fedor Arsenievich del resucitado Vrubel". [163]
Una de las partes más importantes del legado de Vrubel que se conserva son los dibujos a lápiz. En ese momento, el pintor dibujaba principalmente retratos de médicos, enfermeros, pacientes, conocidos, jugadores de cartas y ajedrez, bocetos de paisajes. También dibujó los rincones de su habitación y algunos objetos sencillos, como sillas, un vestido tirado sobre una silla, una cama arrugada (seria "Insomnia"), un candelabro, una jarra, una rosa en un vaso. Quizás, al volver al arte, sintió la necesidad de "estudiar el dibujo de figuras con dureza y humildad". En lugar de estilización, el pintor aplicó una "transmisión ingenua de las impresiones de la vida más detalladas". [163] Entre otros, Vrubel pintó al doctor Usoltsev, su esposa y un hermano estudiante. Se conserva el retrato inacabado del doctor Usoltsev sobre un icono dorado. El pintor supo reflexionar sobre la textura estampada del fondo y las luces de la imagen con un solo lápiz negro sin color, y "salvó" el rostro en estos pequeños detalles. [171]
En el verano de 1904, Nadezhda Zabela recibió una oferta del Teatro Mariinsky . Como Vrubel no podía imaginar su vida sin ella y el doctor Usoltsev no insistió en que permaneciera en la clínica; Los cónyuges se mudaron a San Petersburgo. Poco después, Nadezhda se dio cuenta de que su voz había perdido su tono anterior debido a los acontecimientos vividos. Por lo tanto, ya no pudo actuar en la ópera y finalmente se encontró en la música de cámara . En ese período, Vrubel pintó una gran cantidad de retratos que representan a Nadezhda en diferentes escenas. Una de estas pinturas es un lienzo de dos metros "Después de un concierto", que representa a Zabela con un vestido creado según el diseño de Vrubel. [172]
La opinión del público y de los críticos sobre el arte de Vrubel cambió significativamente. Un número doble de la revista "Mir Isskustva" (números 10-11, 1903) estuvo totalmente dedicado a Vrubel y su legado. En el número se publicaron reproducciones de sus cuadros y muchos críticos renunciaron públicamente a las críticas negativas publicadas anteriormente. Una de las razones de un cambio tan drástico fue el reconocimiento del impresionismo y el simbolismo entre los círculos artísticos europeos. Así, se puso de moda un particular simbolismo, emotividad y figurativismo de las pinturas de Vrubel. [173]
En la exposición de la Unión de Artistas Rusos que tuvo lugar en 1905, se exhibió el cuadro de Vrubel "La concha de perla". Al igual que con las ilustraciones de las obras de Lermontov, Vrubel creó muchos bocetos gráficos tratando de captar y resolver el problema del "color blanco y negro". Sin embargo, la versión final tenía figuras de la princesa del mar, de las cuales Vrubel le contó más tarde a Prájov:
Después de todo, no tenía intención de pintar ninguna "princesa del mar" en mi "Perla". Quería transmitir el dibujo con toda la realidad a partir del cual se construye el juego de perlas, y sólo después de que hice varios dibujos con lápiz y carboncillo, vi a estas princesas cuando comencé a pintar con colores". [174]
Al mismo tiempo, Dmitrieva no apreció este enfoque: "Figuras que inesperadamente puso en una concha de perla, difícilmente dignas de una gruta tan mágica. Estas lindas figuras recuerdan demasiado a sus muchas hermanas de pelo largo del arte típico. La decoración nouveau; el propio artista lo sintió vagamente: no estaba satisfecho con sus náyades ". Posteriormente Vrubel siguió viendo en sus figuras algo obsceno que aparecía en el cuadro contra su propia voluntad. [174]
En febrero de 1905, Vrubel volvió a tener síntomas de psicosis . Nadezhda llamó a Usoltsev desde Moscú para que cuidara de su paciente. Mikhail Vrubel entendió todo y no se resistió. Antes de partir hacia Moscú el 6 de marzo, comenzó a despedirse de sus amigos y familiares, fue a ver a Pavel Chistyakov a la Academia de las Artes y visitó el Teatro Panaevsky, donde vio a su esposa por primera vez. [175]
Vera Usoltseva, la esposa del doctor Usoltsev, describió el estado de Vrubel a Nadezhda Vrubel de la siguiente manera:
La condición de Mikhail no cambió. Su sueño pareció ser un poco más largo. Por lo general, duerme toda la noche durante cinco horas, y es raro el día en que no duerme al menos tres horas. Come bien y a su debido tiempo. Pero, lamentablemente, desgarró su nuevo abrigo de verano y sus pantalones. Fingió estar tranquilo, se fue a la cama, se cubrió con una manta y comenzó a tirar de la tela que había debajo y a rasgarla en tiras antes de que el sirviente se diera cuenta... Su fuerza física es alta, lo cual es raro en una persona inteligente... Preguntaste , ¿deberías escribirle o no? No, no deberías. No presta atención a las cartas y no las escribe él mismo. A menudo está en manos del engaño…. el amor hacia ti es un hilo rojo que es visible en todas sus conversaciones… Entonces, me explicó que el abrigo y los pantalones te serían útiles si metieras trozos de materia multicolor en los agujeros…. [176]
Sólo después de medio año Vrubel comenzó a mostrar más o menos adecuadamente su capacidad de respuesta al entorno físico. Sin embargo, sus cartas a Zabela están llenas de humillación y arrepentimiento. A pesar de las "voces" que lo atormentaban, volvió al tema del Profeta, comenzó a escribir el "Serafín de seis alas", y abordó el tema de la visión del profeta Ezequiel . Sin embargo, el cuadro quedó inacabado ya que a principios de 1906 su visión comenzó a disminuir drásticamente, lo que demuestra el diagnóstico de parálisis progresiva. Además, al pintor le diagnosticaron una neuropatía óptica . [177] Mikhail permaneció en la clínica casi exclusivamente a expensas de su esposa, lo cual no fue una tarea fácil porque un mes de estancia en la clínica de Usoltsev costaba entre 100 y 150 rublos. Por el contrario, la clínica universitaria dirigida por Serbsky cuesta sólo 9 rublos. La administración del teatro comprendió la dificultad de la situación de Nadezhda. La mantuvo en la compañía con un salario de 3.600 rublos al año, suficiente para cubrir los gastos. [178]
Continuó el creciente reconocimiento del arte de Vrubel. El 28 de noviembre de 1905 se le concedió el título de Académico de Pintura "por su fama en el campo artístico". [179] Después de eso, el editor de "Zolotoe runo " Nicolai Ryabushinsky visitó a Vrubel en la clínica con la oferta de pintar a Valery Bryusov . La idea era publicar una serie de retratos de escritores contemporáneos famosos. Se suponía que estos retratos fueron pintados por los pintores más reconocidos del campo. Por ejemplo, a Serov le ofrecieron pintar a Konstantin Balmont . Ryabushinsky pagó por adelantado 300 rublos por el retrato y además compró el autorretrato "Cabeza del profeta" por 100 rublos. [180] Bryusov describió más tarde el trabajo en el retrato de la siguiente manera:
La puerta se abrió y entró Vrubel. Entró con paso pesado y equivocado, como si arrastrara los pies. A decir verdad, me sorprendí cuando vi a Vrubel. Era una persona frágil y enferma con una camisa sucia y arrugada. Tenía el rostro rojizo y ojos de ave rapaz; pelo que sobresale en lugar de barba. Primera impresión: ¡una locura! <...> En la vida real, todos los pequeños movimientos de Vrubel reflejaban su desorden. Sin embargo, cuando su mano tomaba un lápiz o un trozo de carbón, se volvía muy firme y segura. Las líneas que dibujó eran infalibles.
Su fuerza artística sobrevivió a todo lo demás en él. El humano murió, fue destruido, pero el maestro siguió viviendo.
Durante la primera sesión ya estaba terminado el primer borrador. Lamento mucho que a nadie se le haya ocurrido tomarle una foto a este dibujo oscuro. Era casi incluso más notable en términos de interpretación, expresión facial y similitud que el retrato posterior pintado con lápices de colores. [181]
Luego, Ryabushinsky encargó a Serov que pintara el retrato de Vrubel. Organizaron el trabajo, de modo que Vrubel pudiera pintar a Bruysov por las mañanas, mientras que Serov pintaba a Vrubel por las tardes. [182] Aunque a Nadezhda Zabela le preocupaba si Vrubel podría soportar tal estrés, Usoltsev dijo categóricamente que "como artista, estaba sano y profundamente sano". El primer número de "Zolotoe runo" se publicó el 1 de febrero de 1906, abriendo el número el poema de Bryusov "A MA Vrubel". Doce días después, Vrubel se quejó con su esposa de que no sabía leer ni pintar. En pocos días quedó completamente ciego. [183]
A principios de febrero de 1906, Anna Vrubel visitó a su hermano Mikhail. Posteriormente se convirtió en su enfermera y también en su guía. Después de consultar con Usoltsev, se decidió traer a Vrubel de regreso a San Petersburgo, ya que necesitaba tratamiento médico y sólo el apoyo de familiares y seres queridos. Anna y Nadezhda se instalaron en el mismo apartamento, mientras que Mikhail Vrubel fue internado en la excelente clínica dirigida por el doctor Konasevich, donde el pintor celebró su 50 aniversario. Sin embargo, la clínica estaba lejos de casa y tenía órdenes estrictas respecto al régimen. Por lo tanto, se decidió trasladar a Vrubel al hospital de Adolf Bari, que estaba ubicado en la línea 4-5 de la isla Vasilyevsky, cerca de la Academia de las Artes y tenía un régimen completamente libre. [184] Serov se dirigió a la Academia de las Artes con una solicitud para pagarle a Vrubel una asignación mensual que cubriría algunos gastos hospitalarios. La solicitud fue aprobada y Vrubel comenzó a recibir 75 rublos en los meses de verano y 100 rublos en los meses de invierno. [185]
Después de que Vrubel perdió la vista, sus ataques violentos ocurrieron con mucha menos frecuencia. Nadezhda lo visitaba regularmente y, en ocasiones, incluso organizaba conciertos en casa. Anna Vrubel visitaba a su hermano todos los días, caminaba con él y le leía. Especialmente a menudo releen la poesía en prosa de Ivan Turgenev y la novela La estepa de Anton Chejov, sobre la base de la cual Vrubel pintó una vez un cuadro. Ekaterina Ge recordó más tarde:
... Mikhail Alexandrovich se dedicaba mucho a la lectura y no soportaba sólo los finales tristes, y siempre componía uno nuevo, uno más feliz... a veces estaba tan encerrado en sí mismo que no podía escuchar ni la lectura ni las canciones y contaba algo así como cuentos de hadas sobre sus ojos esmeralda, la vida en el mundo antiguo y cómo realizó todas las famosas obras del Renacimiento . [184]
En sus últimos años de vida, Vrubel tenía alucinaciones casi constantemente y, a menudo, contaba sus visiones a los demás. Algunos días experimentó una iluminación y luego se quejó de la desgracia que le había sucedido. Además, siguió prácticas ascéticas que prometían recuperarle la vista perdida: se negó a comer y permaneció toda la noche ante la cama. Vrubel ni siquiera pudo reconocer a sus viejos amigos, por ejemplo, Polenov. [186] Más tarde Anna Vrubel recordó que en el último año su hermano decía que estaba cansado de vivir. En el duro mes de febrero de 1910, permaneció deliberadamente inactivo cerca de él con una ventana abierta y provocó una neumonía que se convirtió en una tuberculosis pasajera . Al mismo tiempo, mantuvo su estética inherente hasta el último minuto. Ekaterina Ge recordó que "tomaba quinina casi con gusto, y cuando vio el salicilato de sodio , dijo: "Esto es tan feo". Incluso antes, el médico Usoltsev escribió que "con él era diferente que con cualquier otro paciente". que suelen perder primero el sentido más fino o estético porque para ellos son los últimos; El sentido estético de Vrubel murió el último porque para él era el primero". [187]
En vísperas de su muerte, el 1 (14) de abril de 1910, Vrubel se puso en orden, se lavó con colonia y por la noche le dijo a la enfermera que lo cuidaba: “Nikolay, me basta con estar aquí acostado; ve a la Academia”. De hecho, al día siguiente el ataúd con Vrubel fue colocado en la Academia de las Artes. El acta de defunción indica que Vrubel "murió de parálisis progresiva". [188]
Ekaterina Ge se encargó del funeral y ordenó confeccionar la máscara mortuoria. [187] El 3 de abril, el funeral tuvo lugar en el cementerio Novodevichy de San Petersburgo. [189] [190] Alexander Block pronunció un discurso, llamando al pintor el "mensajero de otros mundos" que "nos dejó sus Demonios como lanzadores de hechizos contra el mal violeta, contra la noche. Sólo puedo temblar ante las cosas que a Vrubel y a otros les gustan". revela a la humanidad una vez por siglo. No vemos los mundos que ellos ven". [191]
Todos los que conocieron a Vrubel notaron las especificidades de su personalidad; sin embargo, sus rasgos de carácter inherentes eran tan peculiares que luego fueron repensados a través del prisma de su enfermedad mental. Según Dmitrieva, el mejor retrato de Vrubel lo hizo su amigo y colega Konstantin Korovin, quien capturó con precisión hasta los rasgos más pequeños del carácter del pintor. [192] Así recordaba Korovin a Vrubel:
Apreciaba a Dmitry Levitzky , Vladimir Borovikovsky , Vasily Tropinin , Alexander Andreyevich Ivanov , Karl Bryullov y a todos los académicos mayores... Una vez mi amigo Pavel Tuchkov le preguntó sobre la servidumbre en Rusia .
– Sí, los malentendidos se produjeron en todas partes, incluido Occidente. ¿Qué, el derecho de permanencia es mejor? Y antes de eso, ¿la Inquisición ? Esto, al parecer, no estaba realmente presente en Rusia. Pero es una lástima que la gente haya dejado a sus creadores de belleza sin comprenderlo. Después de todo, no sabemos nada sobre Pushkin, y si lo leen, es una cantidad muy pequeña de personas. Es una pena…
Una vez alguien dijo delante de Vrubel que la embriaguez está muy extendida en Rusia.
– No es cierto – respondió Vrubel – en el extranjero se bebe mucho más. Pero no le hacen caso y la policía se lleva a los borrachos enseguida.
Un verano, Vrubel, que vivía conmigo en el estudio de la calle Dolgorukovskaya, se estaba quedando sin dinero. Por eso me pidió prestados 25 rublos y se fue. Regresó pronto, tomó una palangana grande y un balde de agua y vertió en el agua un poco de colonia de una hermosa botella de François Coty . Se desvistió y se paró en una palangana, sirviéndose de un cubo. Luego encendió la estufa de hierro y puso dentro cuatro huevos, que luego comió con una hogaza de pan horneado. Pagó 20 rublos por un frasco de perfume...
– Ah, genial – le dije – ¿Qué estás haciendo, Misha…?
Él no entendió. Como si fuera imprescindible. Una vez vendió un maravilloso dibujo de Don Juan de "El invitado empedrado" por tres rublos. Sólo a alguien. Y se compró unos guantes de cabritilla blancos. Después de ponérselos una vez, lo tiró con palabras: “Qué vulgar”. [193]
Nadezhda Zabela-Vrubel murió el 20 de junio de 1913, a la edad de 45 años, inmediatamente después del concierto en el que participó. Fue enterrada cerca con su marido. El escultor ruso Leonid Sherwood decidió construir la lápida sobre sus tumbas, pero en 1913 sólo pudo colocar el pedestal de granito negro. Después de la Revolución Rusa , el cementerio Novodevichy sufrió graves daños y muchas tumbas fueron destruidas. En la década de 1930, se organizó un museo de necrópolis en Alexander Nevsky Lavra . Luego comenzaron a trasladar las tumbas de artistas famosos del cementerio Novodévichi a un nuevo museo, pero el traslado quedó inconcluso debido a la falta de financiación y al posterior comienzo de la guerra . Tampoco se produjo una supuesta transferencia de cenizas de Vrubel. [194] En 2015, el público inició el establecimiento de la nueva lápida en la tumba de Vrubel, pero las autoridades locales rechazaron la instalación. [195] [196]
Las obras de Vrubel se exhiben en la Galería Estatal Tretyakov de Moscú, el Museo Ruso de San Petersburgo, el Museo Vrubel de Bellas Artes de Omsk, la Galería de Arte de Kiev, el Museo de Arte de Odessa , el Museo Nacional de Arte de Bielorrusia y otros lugares. [197] Muchos lugares y objetos conmemorativos llevan el nombre de Vrubel en Omsk, Kiev, Voronezh, Moscú, Saratov y Odessa.
Muchos investigadores y críticos evaluaron de diferentes maneras el impacto que Vrubel tuvo en el arte ruso y mundial. Según Dmitrieva, su papel era "exclusivo y separado". [198] Ella no consideraba a Vrubel como un representante típico del Art Nouveau, principalmente porque "coincidía con el Art Nouveau en sus lejos de ser mejores características". [198] Según Dmitrieva, el Art Nouveau no era lo suficientemente orgánico para Vrubel, mucho menos que para Léon Bakst o Valentin Serov, ya que Vrubel seguía el "culto a una naturaleza profunda" que no era "moderna" en su naturaleza. [199]
Según Vladimir Lenyashin , Mikhail Vrubel pudo implementar el simbolismo como un sistema estético y filosófico armonioso en las artes visuales. Al mismo tiempo, como creador, se suponía que debía estar solo haciendo la evolución de "ermitaño, alquimista, alienígena de otro espacio esotérico" a profeta. [200] P. Klimov, que deliberadamente consideró el arte de Vrubel en el contexto del Art Nouveau ruso, lo reconoció como un representante del hilo revolucionario de la modernidad rusa. Klimov también señaló que la posición y la importancia de Vrubel en ese entorno cultural sólo eran comparables al lugar de Alexander Andreyevich Ivanov en el neoclasicismo . Esto se debió a una combinación del don natural de Vrubel y su posterior familiarización con el mundo artístico ruso en general. [201]
Klimov sugirió que Vrubel comenzó a expresar características específicas del Art Nouveau ya en las pinturas del "período de Kiev", como la estilización como principio fundamental de la interpretación de las formas, la aspiración a la síntesis, el énfasis en el papel de la silueta, la coloración fría, el simbolismo. de humor. [202]
La rápida evolución del estilo de Vrubel podría explicarse por su desapego de los principales movimientos artísticos de la época, como el neoclasicismo o los Peredvizhniki. Por lo tanto, no trató de superar las doctrinas. Vrubel percibió el academicismo como un punto de partida para su propio avance, como una combinación de habilidades profesionales esenciales. [202] En términos de personalidad y pensamiento artístico, Mikhail era un individualista pronunciado; era ajeno a las ideas de justicia social, colegialidad o unidad ortodoxa que inspiraron a otros artistas de su generación. Además, la soledad de Vrubel puede explicarse puramente por su entorno social, ya que siendo una forma de arte burguesa, el Art Nouveau de la década de 1880 aún no había tenido seguidores en Rusia. Vrubel tuvo que esperar a que aparecieran sus admiradores, clientes y mecenas hasta mediados de la década de 1890. [203]
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