Lost in Translation es unapelícula de comedia dramática romántica de 2003 [nota 1] escrita y dirigida por Sofia Coppola . Bill Murray interpreta a Bob Harris, una estrella de cine estadounidense en decadencia que está atravesando una crisis de mediana edad cuando viaja a Tokio para promocionar el whisky Suntory . Allí, se hace amigo de otra estadounidense distanciada llamada Charlotte ( Scarlett Johansson ), una mujer joven y recién graduada de la universidad. Giovanni Ribisi , Anna Faris y Fumihiro Hayashi también aparecen. La película explora temas de alienación y desconexión en un contexto de desplazamiento cultural en Japón. Desafía las convenciones narrativas dominantes y es atípica en su representación del romance. [4]
Coppola comenzó a escribir la película después de pasar un tiempo en Tokio y encariñarse con la ciudad. Comenzó a formar una historia sobre dos personajes que experimentaban una "melancolía romántica" [5] en el Park Hyatt Tokyo , donde se hospedó mientras promocionaba su primer largometraje, el drama de 1999 Las vírgenes suicidas . Coppola imaginó a Murray interpretando el papel de Bob Harris desde el principio e intentó reclutarlo durante un año, enviándole incansablemente mensajes telefónicos y cartas. Si bien Murray finalmente aceptó interpretar el papel, no firmó un contrato; Coppola gastó una cuarta parte del presupuesto de 4 millones de dólares de la película sin saber si realmente aparecería para el rodaje. Cuando Murray finalmente llegó, Coppola describió sentimientos de alivio significativo.
La fotografía principal comenzó el 29 de septiembre de 2002 y duró 27 días. Coppola mantuvo un horario flexible durante el rodaje con un equipo reducido y un equipamiento mínimo. El guion era breve y Coppola solía permitir una cantidad significativa de improvisación durante el rodaje. El director de fotografía de la película , Lance Acord , utilizó la luz disponible con la mayor frecuencia posible y se utilizaron muchos lugares de negocios y áreas públicas japonesas como localizaciones para el rodaje. Tras 10 semanas de edición, Coppola vendió los derechos de distribución para Estados Unidos y Canadá a Focus Features , y la empresa promocionó la película generando comentarios positivos de boca en boca antes de su estreno en cines.
Lost in Translation se estrenó el 29 de agosto de 2003 en el Festival de Cine de Telluride y se distribuyó en los cines estadounidenses el 12 de septiembre de 2003 con un gran éxito comercial, recaudando 118 millones de dólares en todo el mundo y recibiendo elogios de la crítica, con elogios para las actuaciones de Murray y Johansson, así como el guión y la dirección de Coppola; se dieron críticas menores a la representación de la película de Japón y el pueblo japonés. [6] En la 76.ª edición de los Premios Óscar , Lost in Translation le valió a Coppola el premio al mejor guion original , y la película también fue nominada a mejor película , mejor director (Coppola) y mejor actor (Murray). Otros galardones ganados incluyen tres Globos de Oro y tres Premios de Cine de la Academia Británica .
Bob Harris es una estrella de cine estadounidense en decadencia que llega a Tokio para aparecer en anuncios lucrativos del whisky Hibiki de Suntory . Se aloja en el lujoso Park Hyatt Tokyo y se siente miserable debido a los problemas que sufre en su matrimonio de 25 años y a una crisis de mediana edad .
Charlotte, otra estadounidense que se aloja en el hotel, es una joven licenciada en filosofía por Yale que acompaña a su marido John mientras éste trabaja como fotógrafo de famosos. Charlotte se siente igualmente desencantada, se cuestiona su matrimonio y está ansiosa por su futuro. Además, ambas luchan contra el jet lag y el choque cultural en Tokio y pasan el tiempo deambulando por el hotel. Charlotte también prueba el ikebana por casualidad.
Charlotte se siente repelida por una actriz de Hollywood vacía llamada Kelly, que también está en el hotel promocionando una película. Se encuentra con Charlotte y John, que hablan efusivamente de las sesiones de fotografía que ha hecho anteriormente con él. Bob y Charlotte se cruzan con frecuencia en el hotel y, finalmente, se presentan en el bar del hotel.
Después de varios encuentros, cuando John está de misión fuera de Tokio, Charlotte invita a Bob a la ciudad para que conozca a algunos amigos locales. Se unen durante una velada en Tokio, donde experimentan juntos la vida nocturna de la ciudad y terminan cantando en un karaoke . En los días siguientes, Bob y Charlotte pasan más tiempo juntos y su amistad se fortalece. Una noche, mientras miran televisión y beben sake , mientras ninguno puede dormir, los dos comparten una conversación íntima sobre las incertidumbres personales de Charlotte y sus vidas de casados.
Bob tiene una conversación fría con su esposa y luego pasa la noche con una cantante de jazz del bar del hotel. Charlotte escucha a la mujer cantando en la habitación de Bob a la mañana siguiente, lo que genera tensión entre Bob y Charlotte durante un almuerzo de shabu-shabu juntos más tarde ese día. La pareja se reencuentra por la noche y Bob revela que se irá de Tokio al día siguiente.
Bob y Charlotte se reconcilian y expresan cuánto se extrañarán, haciendo una última visita al bar del hotel. A la mañana siguiente, cuando Bob se va del hotel, él y Charlotte comparten una despedida sincera pero insatisfactoria. En el viaje en taxi de Bob al aeropuerto, ve a Charlotte en una calle concurrida, detiene el auto y camina hacia ella. Luego la abraza y le susurra algo al oído. Los dos comparten un beso y se despiden antes de que Bob se vaya, y él finalmente sonríe por primera vez.
Estaba atrapado ... Cuando vas a un país extranjero, verdaderamente extranjero, sientes un gran shock de conciencia cuando ves que, "Oh Dios, estoy solo aquí". No hay nadie, ni vecinos, ni amigos, ni llamadas telefónicas, solo servicio de habitaciones.
—Bill Murray, hablando de Bob Harris [14]
La guionista y directora de la película, Sofia Coppola , ha descrito Lost in Translation como una historia sobre "cosas que se desconectan y buscan momentos de conexión", [15] una perspectiva que ha sido compartida por críticos y académicos. En un sentido cultural, Bob y Charlotte están desorientados por sentimientos de jet lag y choque cultural como resultado de un viaje al extranjero a Japón. Bob está desconcertado por sus interacciones con un director comercial japonés a quien no puede entender, dándose cuenta de que el significado de su comunicación se "pierde en la traducción" por un intérprete. [16] [nota 3] Además, ambos no pueden dormir debido a un cambio de zona horaria y eligen lidiar con su vigilia haciendo visitas nocturnas al bar del hotel. Tales sentimientos provocan una sensación de extrañamiento de su entorno, pero también exacerban experiencias más profundas de alienación y desconexión en sus vidas. [4] Bob y Charlotte tienen matrimonios en problemas y enfrentan crisis de identidad similares; Charlotte no está segura de qué hacer con su vida y se pregunta qué papel debería asumir en el mundo, mientras que Bob recuerda invariablemente su decadente estatura como estrella de cine y se siente disociado de la identidad por la que ya está definido. [18]
Estas experiencias se intensifican por el contacto de los personajes con el entorno urbano de Tokio. Bob se siente alienado al ver su imagen utilizada en un anuncio mientras es conducido desde el aeropuerto a su hotel, y el colorido paisaje urbano se presenta como un entorno frenético que lo abruma. [19] [nota 4] Charlotte se siente a la deriva mientras intenta encontrar un significado mientras deambula por Tokio, [20] y se siente aislada mientras mira la ciudad desde la ventana de su habitación de hotel. [21] El Park Hyatt Tokyo ofrece cualidades herméticas que aíslan a los personajes de la ciudad y es el sitio que Bob elige para buscar refugio de sus dolencias. [22] Estas impresiones compartidas de alienación crean un terreno común para que Bob y Charlotte cultiven una conexión personal. [4] Cuando Charlotte invita a Bob a experimentar la vida nocturna de Tokio, reduce su sensación de distancia de la ciudad [4] y los dos desarrollan una conexión basada en pequeños momentos juntos. En el poco tiempo que tienen juntos, cada uno se da cuenta de que no está solo en la búsqueda de un sentido de algo más profundo en sus vidas. [23] Coppola, hablando de la brevedad de su encuentro, comentó: "Para todos, hay momentos en los que pasas días maravillosos con alguien con quien no te lo esperabas. Luego tienes que volver a tu vida real, pero te deja una impresión. Es lo que lo hace tan maravilloso y agradable". [24]
Geoff King, un académico que escribió un libro sobre la película, comenta que las experiencias de los personajes centrales son un factor que hace que Lost in Translation sea objeto de diversas interpretaciones por parte de los académicos. [25] Todd McGowan lee la película desde una perspectiva psicoanalítica lacaniana , argumentando que la película fomenta la aceptación de la "ausencia" en la vida y las relaciones de uno. [26] Describe la representación de Coppola de Tokio "como una ciudad que rebosa de excesos", que ofrece una promesa vacía de gratificación. [27] En su opinión, tanto Bob como Charlotte reconocen que no pueden encontrar significado en las atracciones de Tokio, por lo que se unen por su sensación compartida de vacío en ellas. [27] Lucy Bolton ofrece una lectura feminista, argumentando que Lost in Translation evoca el pensamiento de la filósofa feminista Luce Irigaray al destacar cuestiones de la feminidad joven. Argumenta que la película ofrece un retrato complejo de la subjetividad femenina de Charlotte y una representación optimista de la búsqueda del personaje por la expresión individual. [28]
La estructura narrativa de Lost in Translation ha sido ampliamente analizada, y los comentaristas señalan que contiene pocos eventos de trama en comparación con las películas de Hollywood. Los eventos narrativos se centran principalmente en el desarrollo de la relación de Bob y Charlotte, [29] con pocos obstáculos "externos" que afecten a los personajes centrales. [30] King señala que "se dedica más tiempo a evocar las impresiones, sentimientos y experiencias de los personajes centrales", [31] lo que representa "un cambio en la disposición jerárquica de [los elementos de la película]" que prioriza las experiencias de los personajes sobre la trama. [32] El crítico literario Steve Vineberg sostiene que "los vínculos de la historia están ahí, pero no son las típicas conexiones de causa y efecto. Están formados por las emociones que se acumulan al final de un episodio y se vierten en el siguiente". [33] King sostiene que si bien la trama avanza según una causalidad lineal básica, [29] "si la calidad episódica a menudo parece predominar, esto se debe en parte al ritmo de las secuencias individuales que, a menudo, son pausadas y están dedicadas al establecimiento o desarrollo del estado de ánimo y la atmósfera". [31] Coppola dijo que quería que la historia enfatizara las cualidades de un momento íntimo y no quería imponer dispositivos narrativos grandiosos a los personajes como "una guerra que los mantiene separados". [34] [nota 5]
Lost in Translation también se ha destacado por desafiar las convenciones de las películas románticas convencionales. La historiadora de cine Wendy Haslem escribe que la comedia romántica clásica asegura al público que la pareja tiene un futuro, pero Coppola desafía las expectativas al negarse a unir a los personajes centrales. [4] Señala elementos como la falta de consumación sexual de Bob y Charlotte como un factor que oscurece si su pareja es más romántica o platónica. Al escribir sobre la secuencia final en la que los personajes se despiden por última vez, Haslem sostiene: "Convencionalmente en el cine convencional, el beso ... significa resolución al reforzar el mito del amor romántico. Pero en esta nueva ola de romance antirromántico contemporáneo, el beso significa ambigüedad". [4] El académico Nicholas YB Wong sostiene que la falta de "conexiones conmovedoras y (re)uniones melodramáticas entre personajes" en la película representa un retrato posmoderno del amor, y escribe que Lost in Translation "trata sobre el no amor, el predominio de las aventuras amorosas y las complejidades de la intimidad. Los personajes vacilan entre enamorarse y desenamorarse. No están comprometidos con nadie ni emocionalmente desvinculados". [19] Coppola dijo que la relación de Bob y Charlotte "se supone que es romántica, pero al límite ... Un poco más que amigos, pero no un romance real ... Para mí, es bastante poco sexual entre ellos: inocente y romántico, y una amistad". [36]
La toma inicial de la película, una toma de 36 segundos de la parte baja de la espalda y las nalgas de Charlotte mientras está acostada en una cama con unas bragas rosas semitransparentes y un suéter gris con una camiseta blanca debajo, mientras comienzan a aparecer los créditos, ha sido otro punto de discusión entre críticos y académicos. Está basada en las pinturas fotorrealistas de John Kacere [39] y a menudo se ha comparado con la aparición inicial de Brigitte Bardot en la película El desprecio de 1963. [nota 7]
El crítico de Slate, David Edelstein, calificó la escena como la única "que te deja perplejo" en la película, que por lo demás apreció: [40]
El significado de esta imagen es menos transparente que el atuendo de Johansson, pero supongo que Coppola quiere que veamos toda la película como el sueño vagamente erótico de una joven alienada. Quiere que el desapego de esta mujer de esta cultura y de su propio cuerpo sea hipnóticamente sexy y que el anhelo de conexión humana se transmita a través de la sangre desde el primer fotograma. Pero yo estaba pensando sobre todo en la raja del trasero.
Se la ha descrito como un presagio de un romance entre Bob y Charlotte, [nota 8] pero otros escritores tienen una interpretación diferente. En consecuencia, la académica Maria San Filippo sostiene que "[Coppola] no parece estar haciendo ninguna declaración en absoluto más allá de una especie de respaldo a la belleza por la belleza misma". [41] King señala que la imagen contiene un atractivo tanto "sutil" como "obvio" en su combinación de cualidades estéticas y eróticas, lo que significa que Lost in Translation se sitúa entre el cine convencional y el independiente . [42]
Mientras que el estudioso de cine Todd Kennedy lo interpreta en términos de la concepción de la mirada masculina de la teórica feminista del cine Laura Mulvey , argumentando que la toma "dura tanto que se vuelve incómoda, obligando al público a tomar conciencia (y potencialmente incluso a cuestionar) su participación en la mirada", [43] otros críticos lo ven como inherentemente subvirtiendo la cosificación de Charlotte. Haslem sostiene que "la intención de Coppola con esta toma inicial parece ser desafiar los tabúes y socavar las expectativas en torno a lo que podría considerarse la 'toma de dinero' en el cine tradicionalmente más explotador". [4] Bolton señala que el "estado de desnudez de Charlotte no está diseñado para ser visto por nadie más, ya que está sola en la habitación. Su estado solitario y meditativo desexualiza su apariencia al naturalizar su apariencia como el estado de desnudez que una mujer probablemente adoptaría si estuviera sola". [44] Fiona Handyside profundiza en la noción de Kennedy de que la quietud de la imagen reduce su atractivo voyeurista y "el peso mismo del tiempo aleja [a Charlotte] de su condición de puro espectáculo icónico vacío y la lleva a la materia material de la historia misma". [45]
"No tengo una buena razón para ello", dijo Coppola cuando se le pidió que explicara la toma. "Es simplemente como quería comenzar la película. Me gustó tener una pista del personaje -una jovencita dulce esperando en su habitación de hotel- y luego entrar en la historia". [46] Suzanne Ferriss, una estudiosa del cine que ha escrito extensamente sobre el trabajo de Coppola, señala que en el guion original, la película comenzaba con la llegada de Harris y luego pasaba a Charlotte en el hotel. Debido a este cambio, el comentario de Coppola desmiente la complejidad de la toma. Ferriss observa que los primeros 10 segundos llevan al público a creer que podría estar mirando una imagen fija, hasta que Charlotte mueve la parte superior de su pierna: [47]
... [vinculando] imágenes fijas y en movimiento, lo que demuestra una conciencia de la tradición de las bellas artes y un reconocimiento de que el cine es, de hecho, una serie de imágenes fijas proyectadas a 24 fotogramas por segundo. En segundo lugar, destaca la capacidad única del cine para crear significado a través del montaje... La apertura de la película es una afirmación audaz del estatus del cine como arte, como la pintura a la que hace referencia, o la literatura, que también depende de la participación imaginativa del público para encontrar significado...
Después de abandonar la universidad a los veinte años, [48] Coppola viajó a menudo a Tokio, probando una variedad de trabajos en moda y fotografía. [49] Sin estar segura de qué hacer como carrera, describió este período como una "especie de crisis" [48] en la que deambuló por la ciudad contemplando su futuro. [46] Llegó a encariñarse con Tokio, notando una cualidad de otro mundo que le produjo ser una extranjera lidiando con sentimientos de desfase horario en un entorno desconocido. [50] Después de muchos años, se decidió por una carrera en el cine y regresó a la ciudad, alojándose en el Park Hyatt Tokyo para promocionar su primer largometraje, el drama de 1999 Las vírgenes suicidas . [24] [nota 9]
Coppola comenzó a escribir Lost in Translation después de regresar a casa de esta gira de prensa. [15] Habiendo sido influenciada por su pasado en Tokio, decidió escribir un guion ambientado allí [24] [nota 10] y comenzó a formar una historia sobre dos personajes que experimentaban una "melancolía romántica" en el Park Hyatt Tokyo. [5] Coppola se sintió atraída durante mucho tiempo por los letreros de neón de la ciudad e imaginó que Tokio adquiriría una "sensación de ensueño" en la película. [49] Reclutó a su amigo Brian Reitzell , quien finalmente sirvió como productor musical de la película, para crear mezclas recopilatorias de dream pop que escuchó mientras escribía para ayudar a establecer este estado de ánimo. [52]
Coppola no escribió inicialmente el guion en formato de guion tradicional, citando la dificultad de trazar una trama completa. [5] En cambio, optó por escribir "pequeños párrafos" basados principalmente en impresiones y experiencias dispares de su vida en Tokio, que luego adaptó a un guion. [5] Entre las primeras imágenes que incluyó estaba la de su amigo Fumihiro Hayashi interpretando una versión de karaoke de " God Save the Queen " de Sex Pistols , que Coppola lo vio interpretar durante el tiempo que trabajó en Tokio. [46] Después de escribir las primeras 20 páginas con la ayuda de su hermano, Roman Coppola , regresó a Tokio en busca de más inspiración. [15] Allí, grabó en vídeo todo lo que pudiera utilizar como ayuda adicional para escribir. [36]
Coppola imaginó a Murray interpretando el papel de Bob desde el principio, queriendo mostrar "su lado más sensible" [36] y sintiéndose divertida por la imagen de él vestido con un kimono . [24] Describió sus imágenes mentales de Murray como una fuente importante de inspiración para la historia. [7] Para el personaje de Charlotte, Coppola se inspiró en sus propios sentimientos de desorientación de principios de los veinte, citando la tensión en su relación con su entonces esposo Spike Jonze como una influencia para la relación entre Charlotte y John. [53] También se inspiró en el personaje de JD Salinger, Franny en Franny y Zooey , encontrando atractivo en "la idea de una chica preppy que tiene una crisis nerviosa". [48]
A medida que desarrollaba la relación entre Bob y Charlotte, Coppola se sintió atraída por la yuxtaposición de los personajes que tenían crisis internas similares en diferentes etapas de sus vidas. [54] Citó la dinámica entre Humphrey Bogart y Lauren Bacall en El sueño eterno como fuente de inspiración para su relación. [15] Coppola informó que hizo poca reescritura del guion, [23] que tardó seis meses en completarse [15] y culminó en 75 páginas, mucho más corto que el guion promedio de un largometraje. [55] [nota 11] A pesar de preocuparse de que el guion fuera demasiado corto e "indulgente" para incluir una variedad de sus experiencias personales, decidió comenzar la producción de la película. [48]
Coppola sostuvo que no habría hecho Lost in Translation sin Murray. [39] Murray tenía un número 800 para posibles clientes interesados en contratarlo, pero tenía reputación de ser un recluso con el que era difícil ponerse en contacto. [57] Coppola lo persiguió implacablemente y le envió mensajes telefónicos y cartas durante meses. [54] También buscó personas en su red profesional que pudieran ayudarla a establecer contacto. [38] Reclutó al guionista Mitch Glazer , que era amigo de Murray desde hacía mucho tiempo, para que aceptara una versión temprana del guion y tratara de persuadirlo. [53] Glazer quedó impresionado con la historia y dijo que llamaba a Murray con frecuencia, diciéndole: "Tienes que leer esto", [57] pero él no le daba una respuesta. [53] Después de hasta un año de engatusamientos, Murray finalmente aceptó reunirse con Coppola en un restaurante para discutir la película. [53] Luego aceptó el papel y dijo que "ella pasó mucho tiempo intentando convencerme de que fuera el chico indicado. Al final, sentí que no podía decepcionarla". [38]
A pesar del acuerdo de Murray, Coppola tuvo que tomarle la palabra, ya que no firmó un contrato formal. [15] Ella describió esto como "estresante", preguntándose si se presentaría a filmar en Tokio. [15] Ella discutió el tema con el director Wes Anderson , quien había trabajado previamente con Murray y la alentó, diciendo: "Si dice que lo va a hacer, se presentará". [15] Para la coprotagonista de Murray, a Coppola le gustó la actuación de Johansson en Manny & Lo , recordándola "como una linda niña con esa voz ronca". [24] Luego invitó a Johansson a un restaurante para discutir el papel. [37] Inicialmente preocupada de que Johansson, de 17 años, pudiera ser demasiado joven para interpretar a un personaje de veintitantos, Coppola concluyó que parecía mayor y podría interpretar el papel de manera convincente. [58] Coppola le ofreció a Johansson el papel sin una audición, que ella aceptó. [37]
Coppola, que sentía una inversión personal en el proyecto, quería mantener el privilegio de la versión final y temía que un acuerdo de distribución con un estudio norteamericano amenazara su influencia. [15] También era poco probable que un estudio le brindara tal respaldo, dada la corta duración del guion y la falta de participación formal de Murray. [59] En cambio, ella y su agente optaron por vender los derechos de distribución en el extranjero a una variedad de empresas para financiar los costos de producción de 4 millones de dólares. [15] Primero llegó a un acuerdo con Tohokushinsha Film de Japón , luego con distribuidores en Francia e Italia, y finalmente con el brazo internacional de Focus Features para el mercado extranjero restante. [15] Al juntar la financiación de múltiples distribuidores, Coppola redujo la influencia de un solo financista. [59] Aún sin saber si Murray aparecería en Tokio, Coppola gastó un millón de dólares del presupuesto, [15] sabiendo que su ausencia condenaría la producción. Cuando finalmente llegó, días antes del rodaje, expresó un alivio significativo. [60]
La idea de que el personaje de Bill Murray hiciera una campaña publicitaria para Suntory surgió del anuncio de whisky Suntory del padre de Coppola, Francis Ford Coppola , y del director Akira Kurosawa de la década de 1970. En 2023, para el centenario de Suntory, y 20 años después de la aparición de Lost in Translation , se le pidió que dirigiera el video homenaje al aniversario de la compañía protagonizado por Keanu Reeves , con una mezcla que incluía escenas de su película junto con imágenes de su padre y el anuncio original de Kurosawa. [61] [62]
La fotografía principal comenzó el 29 de septiembre de 2002, [64] y duró 27 días. [24] Con un cronograma ajustado y un presupuesto limitado de $4 millones, la filmación se realizó seis días a la semana, sin permisos, [65] marcada por un enfoque de "correr y disparar": Coppola estaba ansiosa por mantenerse móvil con un equipo pequeño y un equipo mínimo. [36] Realizó pocos ensayos y mantuvo un horario flexible, a veces descartando los planes de filmación para filmar algo que notó en el lugar si pensó que servía mejor a la historia. [17] [nota 12] Dado que el guion era escaso, los detalles faltantes a menudo se abordaron durante el rodaje, y Coppola permitió una cantidad significativa de improvisación en el diálogo, especialmente de Murray. [23] Un ejemplo incluye la escena en la que Bob está siendo fotografiado para el whisky Suntory; Coppola alentó a Murray a reaccionar ante el fotógrafo de manera espontánea mientras susurraba nombres para que el hombre los repitiera a Murray como diálogo no ensayado, como " Roger Moore ". [23] [7] [nota 13]
Aunque los miembros clave del equipo eran estadounidenses a los que Coppola invitó a Tokio, la mayoría del equipo fue contratado localmente. [17] Esto resultó ser un desafío para la producción, ya que la mayoría del equipo japonés no podía comunicarse con Coppola en inglés, por lo que ambas partes dependieron de las traducciones de un asistente de dirección bilingüe y un jefe de iluminación . [36] La producción encontró retrasos frecuentes mientras se realizaban las traducciones y sufrió malentendidos culturales ocasionales; en un ejemplo, Coppola describió un rodaje en un restaurante que se retrasó entre 10 y 15 minutos, algo que dijo que era normal en un rodaje estadounidense, [24] pero provocó que el dueño del restaurante se sintiera irrespetado; posteriormente desconectó las luces del equipo y el gerente de locaciones japonés de la película renunció. [15] A pesar de esto, Coppola dijo que trabajó para adaptarse a un estilo japonés de realización cinematográfica, no queriendo imponer un enfoque al que su equipo no estaba acostumbrado. [36]
Coppola trabajó en estrecha colaboración para visualizar la película con su director de fotografía , Lance Acord. Le mostró a él y a otros miembros clave del equipo un libro de fotografías que creó que representaban el estilo visual que quería transmitir en la película. [23] Para evocar una sensación de aislamiento en Bob, Coppola y Acord utilizaron tomas fijas en el hotel y evitaron movimientos de cámara llamativos. [66] También tuvieron numerosas discusiones sobre filmar en video , pero finalmente decidieron que la película se adaptaba mejor a los matices románticos de la historia. [36] Coppola comentó: "La película da un poco de distancia, lo que se siente más como un recuerdo para mí. El video es más tiempo presente". [36] Acord creía que las nuevas películas reducirían la necesidad de iluminación excesiva, y finalmente utilizó Kodak Vision 500T 5263 de 35 mm para exteriores nocturnos y Kodak Vision 320T 5277 a la luz del día. [67] La mayor parte de la película se filmó con una cámara Aaton 35-III . Para algunas locaciones confinadas donde la Aaton hubiera sido demasiado ruidosa, se utilizó una Moviecam Compact . [67]
Con películas de alta velocidad, Acord optó por utilizar la luz disponible tan a menudo como fuera posible, [68] complementando con luces artificiales solo cuando fuera necesario. [67] Informó que "nunca" manipuló realmente las luces para exteriores nocturnos, confiando en la luz natural de las calles de la ciudad de Tokio. [67] Para las secuencias interiores en el Park Hyatt Tokyo, confió principalmente en las fuentes de iluminación prácticas del hotel, filmando con un f-stop completamente abierto y cortando fuertemente la luz para eliminar los reflejos en la ventana del hotel. [69] Acord dijo que escuchó objeciones sobre la iluminación de algunos de los electricistas japoneses, que no estaban acostumbrados a depender tanto de la luz disponible y estaban preocupados de que la exposición no fuera suficiente. [70] Acord, seguro de que las películas resistirían una iluminación más baja, finalmente filmó gran parte de la película con dos pasos de subexposición. [68]
Muchos de los lugares de rodaje fueron lugares de negocios locales y áreas públicas en el momento de la filmación, incluidas habitaciones, bar y piscina en el Park Hyatt Tokyo [71] y Shibuya Crossing en Tokio. [72] [73] El rodaje también tuvo lugar en Jōgan-ji (Nakano, Tokio) . [74] [75] La escena de apertura se realizó en Yasukuni-dōri en Kabuki-chō . [76] El viaje de Charlotte en el metro se realizó en la estación Omote-sando en la plataforma de las líneas Hanzōmon y Ginza. [77] La escena de persecución después del bar y a través del salón de Pachinko " Botan " fue alrededor de la estación Naka-Meguro . [78] [11] También se filmaron escenas breves en Kioto en el Santuario Heian , [63] y Nanzen-ji . [74] La escena del hospital fue en la Universidad Médica de Tokio . [79] La última escena se realizó en Chūō-dōri (35°41'21.8"N 139°41'50.3"E) en Nishi-Shinjuku, cerca de la estación de tren de Shinjuku. [80]
En las calles públicas y en el metro, la producción no consiguió permisos de rodaje [39] y dependió de transeúntes de la ciudad como extras ; [36] Coppola describió el rodaje como "estilo documental" [24] y a veces le preocupaba que la detuviera la policía, por lo que mantuvo un equipo mínimo. [36] En el hotel, a la producción no se le permitió rodar en áreas públicas hasta la 1 o las 2 a. m. para evitar molestar a los huéspedes. [81] En la secuencia final de la película en la que Bob y Charlotte se despiden por última vez, Coppola informó que no estaba contenta con el diálogo que había escrito, por lo que Murray improvisó el susurro en el oído de Johansson. [23] Demasiado silencioso para ser comprensible, Coppola consideró doblar el audio en la escena, pero finalmente decidió que era mejor que "se quedara entre los dos". [23] Una vez concluida la producción, Coppola supervisó 10 semanas de edición por Sarah Flack en la ciudad de Nueva York. [35]
![Piedras escalonadas en los jardines del Santuario Heian, Kioto[85]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/45/Heian-jingu_shinen_IMG_5748_0-25.JPG/1280px-Heian-jingu_shinen_IMG_5748_0-25.JPG)
La banda sonora de la película fue lanzada por Emperor Norton Records el 9 de septiembre de 2003. [86] Contiene 15 pistas, en su mayoría de los géneros shoegaze y dream pop del indie y el rock alternativo . La banda sonora fue supervisada por Brian Reitzell y contiene canciones de artistas y grupos como Death in Vegas , Phoenix , Squarepusher , Sébastien Tellier y Happy End . La canción de The Jesus and Mary Chain « Just Like Honey » y « Sometimes » de My Bloody Valentine aparecen, y cuatro pistas originales fueron escritas para Lost in Translation por el líder de esta última banda, Kevin Shields . [87] Otras pistas producidas para la película incluyen dos coescritas por Reitzell y Roger Joseph Manning Jr. , y una por Air . [87] Las canciones que aparecen en la película y que no están en la banda sonora incluyen interpretaciones de karaoke de la versión de Elvis Costello de " (What's So Funny 'Bout) Peace, Love, and Understanding " y " Brass in Pocket " de The Pretenders . Otra interpretación de Murray de " More Than This " de Roxy Music se incluye como pista adicional. [nota 14]
Durante la etapa de escritura del guion, Coppola habló con Reitzell sobre las cualidades "tempranas" y "melancólicas" que quería que la música transmitiera en la película, así como lo que Reitzell entendía que era la "rareza extraña, flotante y provocada por el desfase horario" que definiría a los personajes centrales. [52] Coppola dijo que quería que la banda sonora "fuera menos como una banda sonora" y más como las mezclas de dream-pop que Reitzell hizo para ayudarla a escribir la película. [24] Si bien Shields había lanzado poca música desde el lanzamiento de Loveless en 1991, [88] por sugerencia de Reitzell, él y Coppola lo reclutaron para ayudar a escribir la música original para la película; [89] Reitzell creía que Shields "podría capturar ese tipo de sentimiento hermoso, zumbante y oscilante que queríamos". [52] Luego se unió a Shields en Londres durante unos dos meses [90] de sesiones de grabación nocturnas, y utilizaron el guion y los diarios de producción como inspiración mientras trabajaban en las canciones para la película. [52] Shields comentó sobre el desafío que sintió al escribir canciones para una película, diciendo "Apenas era consciente del lenguaje de la música que no es esencialmente solo para tus oídos. ... Al final, solo el movimiento físico de la película, eso era una delicadeza. Y supongo que es por eso que terminé haciendo cosas que eran tan delicadas". [87]
King sostiene que la música a menudo juega el papel más importante en la creación del estado de ánimo y el tono de la película, escribiendo que es sustancial "en la evocación de las impresiones oníricas, narcotizadas y semidesconectadas del jet-lag", así como sentimientos más amplios de alienación y desconexión, "haciendo lo que probablemente sea la mayor contribución individual a la comprensión generalizada de la película como una 'pieza de estado de ánimo'". [91] Señala el uso de "Girls" de Death in Vegas, que aparece en la primera secuencia en la que Bob es llevado desde el aeropuerto al hotel, argumentando que "juega un papel igual o dominante al de las imágenes ..., creando una calidad flotante, etérea y algo onírica que captura con precisión las impresiones de disyunción temporal y espacial". [92] También señala el uso de pistas "frescas y distantes" como "Tommib", utilizada en la secuencia extendida que presenta a Charlotte observando Tokio mientras está sentada en la ventana de su habitación de hotel, como un papel importante en el establecimiento de sentimientos de aislamiento y desorientación en el personaje. [93] En opinión de King, algunas secuencias presentan combinaciones de música y elementos visuales de modo de funcionar como " piezas audiovisuales ", que ofrecen distintos puntos de atractivo en la película para su público objetivo. [94]
Coppola no vendió los derechos de distribución para Estados Unidos y Canadá hasta que ella y Flack terminaron de editar la película. [55] En febrero de 2003, la directora mostró la película a los principales ejecutivos de la división nacional de Focus Features, [55] la compañía a la que ya había vendido la mayor parte de la distribución extranjera. El contrato previo resultó ser significativo para Focus, ya que recibió acceso privilegiado a la película mientras que los compradores de la competencia se quejaron de que estaban restringidos a la visualización de un avance de tres minutos en las oficinas de Focus en el American Film Market . [95] Coppola inicialmente ofreció los derechos de distribución nacional por $ 5 millones, pero decidió venderlos a Focus por $ 4 millones, citando su aprecio por los acuerdos internacionales que la compañía había conseguido para la película. [55]
Una vez que Focus se involucró, comenzó a promocionar la película empleando una campaña de marketing convencional de "estilo indie ". [96] La estrategia implicó generar un boca a boca positivo para la película mucho antes de su estreno en septiembre de 2003. [97] El distribuidor organizó proyecciones de prensa anticipadas durante todo el verano de 2003 y combinó esto con una campaña publicitaria en revistas. [97] [nota 15] Los carteles y los avances enfatizaron la presencia estelar reconocible de Murray, destacando su actuación en las secuencias cómicas de la película, lo que favoreció el atractivo para una audiencia más amplia. [98] Inmediatamente antes de su estreno, Focus colocó Lost in Translation en festivales de cine y organizó "proyecciones íntimas para los medios" que incluyeron paneles de preguntas y respuestas con Coppola y Murray. [55] Muchas de estas tácticas de marketing fueron diseñadas para promover la película a un costo mínimo, un cambio con respecto a las estrategias más costosas que a menudo se emplean en la corriente principal de Hollywood, como la publicidad televisiva importante. [96]
Lost in Translation se estrenó el 29 de agosto de 2003 en el Festival de Cine de Telluride en los Estados Unidos. [3] Durante la semana siguiente, apareció en los festivales de cine de Venecia y Toronto . [3] Se estrenó al público en un lanzamiento limitado el 12 de septiembre de 2003 en 23 cines de las principales ciudades de los Estados Unidos. [99] La película ya había generado especulaciones sobre la contienda por los Oscar a partir de proyecciones anticipadas y se destacó por estrenarse varias semanas antes de lo esperado para una película independiente que competía por premios, con el riesgo de que estrenarse demasiado pronto pudiera hacer que la película fuera olvidada para cuando se hicieran las nominaciones a premios importantes como los Premios de la Academia. [97] [100] Los copresidentes de Focus Features, James Schamus y David Linde, comentaron que la compañía eligió una fecha de estreno temprana sobre la base de factores que incluían la calidad de la película y la campaña de marketing temprana, así como la falta de competencia de otras películas. [97] La estrategia tenía como objetivo darle a Lost in Translation más tiempo para dominar el mercado. [101]
La película recaudó 925.000 dólares en su primer fin de semana y la semana siguiente se estrenó en 23 salas y se estrenó en 183 [97] en los 25 mercados más importantes del país. [99] Allí, recaudó más de 2,62 millones de dólares durante el fin de semana [103] y casi pagó el presupuesto total de la película. Se estrenó en gran escala el 3 de octubre, [nota 16] su cuarto fin de semana, alcanzando el séptimo puesto en la lista de taquilla; [102] una semana después, se estrenó en unas 882 salas, la mayor cantidad de salas de la película durante su trayectoria. [102] Lost in Translation recaudó un total estimado de 18,5 millones de dólares hasta el 13 de octubre [102] y The Hollywood Reporter señaló que ha tenido un buen desempeño incluso "en mercados pequeños y medianos donde el público no siempre responde a este tipo de material de alta calidad". [97] Después de esta actuación, Lost in Translation vio una disminución gradual en la presencia en los cines a medida que avanzaba el nuevo año, [102] aunque se expandió nuevamente después de que la película recibiera nominaciones para los 76.º Premios de la Academia . [ 104] La película se amplió de un mínimo de fines de diciembre de 117 salas a un estimado de 632 a fines de enero, y finalmente terminó su presentación en los Estados Unidos y Canadá el 25 de marzo y ganó $ 44.6 millones. [102] Su estreno internacional recaudó $ 74.1 millones, para un total mundial de $ 118.7 millones. [102]
El DVD de Lost in Translation se lanzó el 3 de febrero de 2004, [105] e incluye escenas eliminadas, un featurette detrás de escena, una conversación sobre la película con Murray y Coppola, y un video musical de " City Girl ", [106] una de las canciones originales compuestas para la película por Kevin Shields. Queriendo capitalizar la publicidad que rodeó la presencia de Lost in Translation en los Premios de la Academia, Focus Features tomó la inusual decisión de lanzar la película en medios domésticos mientras aún se proyectaba en los cines, inmediatamente después de que se anunciaran sus nominaciones al Oscar. [104] La estrategia fue vista como arriesgada, ya que la industria estaba generalmente preocupada de que los ingresos de las salas de cine pudieran verse perjudicados por un lanzamiento temprano en video doméstico. [104] Lost in Translation finalmente ganó casi $ 5 millones de dólares en sus primeros cinco días de alquiler de videos y vendió un millón de copias minoristas durante su primera semana de lanzamiento. [107] Los primeros resultados mostraron que fue el segundo DVD más vendido durante este período [107] mientras que la película se proyectó en 600 salas de cine y los ingresos de taquilla cayeron un 19% con respecto a la semana anterior, lo que Variety describió como "relativamente modesto". [108] Focus atribuyó el desempeño al boca a boca positivo y citó el marketing de la película en ambos medios como útil para cualquier plataforma que los consumidores eligieran. [108]
Lost in Translation se lanzó más tarde en el ahora obsoleto formato HD DVD el 29 de mayo de 2007, [109] y en Blu-ray el 7 de diciembre de 2010. [110] En junio de 2023, Kino Lorber anunció que lanzaría la película en Ultra HD Blu-ray , con un nuevo escaneo 4K de la película. [111]
Lost in Translation recibió elogios generalizados de la crítica, en particular por la actuación de Murray y por la dirección y el guion de Coppola. [112] En Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 95 % basado en 232 reseñas, con una calificación promedio de 8,4/10. El consenso crítico del sitio dice: "Equilibrando eficazmente el humor y el patetismo sutil, Sofia Coppola crea una historia conmovedora y melancólica que sirve como escaparate tanto para Bill Murray como para Scarlett Johansson". [113] En Metacritic , que asigna una calificación normalizada a las reseñas, la película tiene una puntuación promedio de 91 sobre 100 basada en 44 reseñas, lo que indica "aclamación universal". [114]
Los críticos elogiaron ampliamente la actuación de Murray como Bob, elogiando su manejo de un papel más serio que se combinó con la personalidad cómica por la que ya era ampliamente conocido. Edelstein argumentó que era "la actuación de Bill Murray que estábamos esperando", y agregó que "sus dos mitades nunca se han unido como lo hacen aquí, de una manera que conecta ese distanciamiento hilarante con el profundo y permanente sentido de aislamiento que debe haberlo engendrado". [40] Lisa Schwarzbaum de Entertainment Weekly consideró la actuación de Murray como digna de un Oscar y la elogió como su "más vulnerable y descortés" hasta la fecha; elogió su tratamiento de un papel más delicado, así como sus improvisaciones en las secuencias cómicas de la película. [115] Roger Ebert le dio a Lost in Translation cuatro de cuatro estrellas y la nombró la segunda mejor película del año, describiéndola como "dulce y triste al mismo tiempo que sardónica y divertida". [116] El crítico del New York Times Elvis Mitchell tuvo elogios similares, llamando a Lost in Translation "la película del Sr. Murray" y remarcando que el actor "ofrece el tipo de actuación que parece tan completamente realizada y sin esfuerzo que puede confundirse fácilmente con no actuar en absoluto". [117] [nota 17]
Coppola recibió un nivel similar de elogios por su guion y dirección. Kenneth Turan , del Los Angeles Times, comentó que Lost in Translation era "agria y dulce, inequívocamente divertida y excepcionalmente bien observada, [lo que] marca ... a Coppola como un talento maduro con una sensibilidad distintiva y los medios para expresarla". [118] Gran parte de los elogios se dirigieron específicamente a su atención a las cualidades de sutileza y atmósfera; David Rooney de Variety elogió la película como "una pieza de humor", agregando que su "hábil equilibrio de humor y patetismo la convierte en una experiencia placentera y melancólica". [119] Del mismo modo, la crítica de Salon Stephanie Zacharek elogió a Coppola como una "dramaturga sigilosa" cuyo estilo narrativo discreto logró una representación ingeniosa de la emoción; elogió a Lost in Translation como una historia íntima que marca a Coppola como una cineasta excepcional. [120]
En su reseña para The New York Observer , Andrew Sarris llamó a la película "esa rareza de rarezas, un romance adulto basado en la represión deliberada de la gratificación sexual... cuando las películas independientes están explotando con imágenes eróticas que se acercan cada vez más a la pornografía absoluta, la Sra. Coppola y sus colegas han reemplazado la facilidad sexual con el anhelo emocional, sin ser demasiado tímidos o autocomplacientes en el proceso". [121] USA Today le dio a la película tres estrellas y media de cuatro y escribió que "ofrece humor tranquilo en lugar de los contundentes ataques directos que la mayoría de las comedias infligen en estos días". [122] Richard Corliss de Time elogió la actuación de Murray: "No encontrarás una actuación más sutil, más divertida o más conmovedora este año que este giro silenciosamente asombroso". [123] Su actuación ha sido comparada con la personalidad sardónica de WC Fields . [124] [125] En su reseña para The Observer , Philip French escribió: "Si bien Lost in Translation es profundamente triste y tiene un fuerte sabor antonioniano , también es una comedia romántica tenue con poca trama y algunos momentos cómicos bien observados". [126] En The Guardian , Joe Queenan elogió la película de Coppola como "una de las pocas películas de Hollywood que he visto este año que tiene cerebro; pero más que eso, tiene alma". [127] Peter Travers de Rolling Stone le dio cuatro de cuatro estrellas y escribió: "Antes de despedirse, se susurran algo que el público no puede oír. Coppola mantiene su película tan silenciosa e íntima como ese susurro. Lost in Translation es oro encontrado. Es curioso cómo un fragmento de película de un fragmento de chica puede acabar contigo". [128] J. Hoberman , en su reseña para el Village Voice , escribió: " Lost in Translation es un encuentro breve tan agridulce como cualquier otro en las películas estadounidenses desde Antes del amanecer, la igualmente romántica de Richard Linklater . Pero Lost in Translation es la ensoñación más conmovedora. Coppola evoca la intensidad emocional de una aventura de una noche lejos de casa, pero lo que realmente consigue es la magia de las películas". [129]
También se elogió la actuación de Johansson como Charlotte; Rooney comentó que ella "da una actuación inteligente y contenida como una mujer observadora y cuestionadora con una rica vida interior", [119] y Turan agregó que Johansson "hace que lo que podría haber sido una caracterización demasiado familiar cobre completamente vida". [118]
Lost in Translation fue catalogada como una de las mejores películas del año por más de 235 críticos [130] y ha aparecido en otras listas de "lo mejor de" en los años posteriores a su estreno. Paste la ubicó en el puesto número siete en su lista de "Las 50 mejores películas de la década de 2000", [131] Entertainment Weekly la ubicó en el puesto número nueve en su lista de las diez mejores de la década, [132] y la película ocupó el puesto número 22 en una lista de 2016 de las 100 mejores películas del siglo XXI de la BBC , basada en una encuesta a 177 críticos. [ 133] En 2021, el Writers Guild of America clasificó el guion de la película como el 19.º mejor del siglo XXI hasta el momento. [134]
La Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y la Sociedad Nacional de Críticos de Cine votaron a Bill Murray como mejor actor del año. [135] [136] El Círculo de Críticos de Cine de Nueva York también votó a Murray como mejor actor y a Sofia Coppola como mejor directora. [137] Coppola recibió un premio por logros cinematográficos especiales de la Junta Nacional de Revisión . [138] Lost in Translation también apareció en las diez mejores listas de varios críticos para 2003. [139] Roger Ebert la agregó a su lista de "grandes películas" en su sitio web. [116] Paste Magazine la nombró una de las 50 mejores películas de la década (2000-2009), clasificándola en el puesto número 7. [140] Entertainment Weekly la nombró una de las mejores películas de la década, escribiendo: "Seis años después, todavía no tenemos idea de lo que Bill Murray le susurró al oído a Scarlett Johansson. Y no queremos saberlo. ¿Por qué estropear una película perfecta?" [141] El director Quentin Tarantino incluyó Lost in Translation en su lista de las 20 mejores películas estrenadas desde 1992, cuando comenzó su carrera como cineasta. [142]
Lost in Translation recibió algunas acusaciones de estereotipos raciales orientalistas . [6] El cineasta E. Koohan Paik argumentó que su comedia está "arraigada en la "otredad del pueblo japonés", y que la historia no ofrece caracterizaciones equilibradas de los japoneses. Paik escribió que es "la evasión de la responsabilidad de retratarlos como seres humanos completos, ya sea negativos o positivos, lo que constituye discriminación o racismo". [143] El artista Kiku Day escribió en The Guardian : "No hay ninguna escena en la que se les conceda a los japoneses una pizca de dignidad. El espectador es obligado a reírse a martillazos de estas personas pequeñas y amarillas y de sus formas divertidas". [144]
Los distribuidores japoneses estaban preocupados por cómo sería recibida. [145] El crítico Yoshiro Tsuchiya de Yomiuri Shimbun escribió que la representación de Japón por parte de Coppola era "escandalosamente parcial y banal". [146] Las percepciones de estereotipos también llevaron a una campaña por parte de una organización asiático-estadounidense que instó a los miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas a votar en contra en la 76.ª edición de los Premios de la Academia. [147]
El estudioso del cine Homay King sostiene que, si bien la película hace poco por contrarrestar los estereotipos orientalistas, no logra establecer la perspectiva desde la que se hacen las representaciones japonesas, y escribe que "la película [no] aclara suficientemente que su tema real no es Tokio en sí, sino las percepciones occidentales de Tokio ... Cuando Japón parece superficial, inapropiadamente erótico o ininteligible, nunca estamos completamente seguros de si esta visión pertenece a Coppola, a sus personajes o simplemente a un imaginario cinematográfico de Hollywood". [148] King escribió que, si bien representaciones como la alienación de Charlotte de experiencias como el ikebana son evidencia de que la película se abstiene de la "mitología orientalista de la tradición japonesa como fuente de consuelo", la película a menudo sitúa a Japón como una fuente de "diferencia" para los personajes al confiar en chistes crudos y estereotipos de los japoneses como "locos" o "extremos". [149]
Coppola se sorprendió por las críticas y dijo: "Creo que si todo se basa en la verdad, puedes divertirte, reírte un poco, pero también ser respetuoso con una cultura. Me encanta Tokio y no soy mezquina... Creo que todo lo que haces puede ofender a la gente, a menos que solo intentes ser amable con todos". Dijo que la película "surgió de la experiencia" y dio el ejemplo de la confusión entre los sonidos L y R , que aparecían en las hojas de llamadas diarias . [50]
Lost in Translation recibió premios y nominaciones en una variedad de categorías, particularmente por la dirección y el guion de Coppola, así como por las actuaciones de Murray y Johansson. En la 76.ª edición de los Premios Óscar, ganó el premio al Mejor guion original (Coppola) y la película recibió tres nominaciones más a Mejor película , Mejor director (Coppola) y Mejor actor (Murray). [150] La película obtuvo tres Globos de Oro de cinco nominaciones: Mejor película musical o comedia , Mejor actor en una película musical o comedia y Mejor guion . [151] En la 57.ª edición de los Premios Óscar , Lost in Translation ganó tres premios: Mejor actor en un papel principal , Mejor actriz en un papel principal (Johansson) y Mejor montaje . [152]
Lost in Translation también recibió premios de varias ceremonias de premios extranjeras, festivales de cine y organizaciones de críticos. Estos incluyen Mejor Película Estadounidense en los Premios Bodil , [153] Mejor Película Extranjera en los Premios César , [154] y Mejor Película Extranjera en el Círculo de Críticos de Cine de Australia , [155] Sindicato Francés de Críticos de Cine , [156] y Deutscher Filmpreis , [157] así como el Nastro d'Argento al Mejor Director Extranjero. [158] La película también ganó el Premio Independent Spirit a la Mejor Película , [159] Mejor Película - Comedia o Musical en los Premios Satellite , [160] y dos premios en el Festival Internacional de Cine de Venecia . [161] [3] De las organizaciones de críticos, Lost in Translation recibió premios en la categoría de Mejor Película del Círculo de Críticos de Cine de San Francisco , [162] la Asociación de Críticos de Cine de Toronto , [163] y el Círculo de Críticos de Cine de Vancouver . [164]
Con la última película de Coppola se revisan las convenciones y, en consecuencia, se desafían las expectativas de la audiencia.
![Yasukuni-dōri en Kabuki-chō, con la tienda Donki en la esquina[82]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/69/Shinjuku-Kabukicho-Tokyo.jpg/1280px-Shinjuku-Kabukicho-Tokyo.jpg)
![Bar del Park Hyatt[83][84]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/41/New_York_Bar_Unplugged,_Park_Hyatt_Tokyo_(8376387540).jpg/1280px-New_York_Bar_Unplugged,_Park_Hyatt_Tokyo_(8376387540).jpg)
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