.jpg/1280px-Jasper_Johns,_Flag_(detail).jpg)
Jasper Johns (nacido el 15 de mayo de 1930) es un pintor, escultor, dibujante y grabador estadounidense . Considerado una figura central en el desarrollo del arte estadounidense de posguerra, se lo ha asociado de diversas maneras con el expresionismo abstracto , el neodadaísmo y los movimientos de arte pop . [1] [2]
Johns nació en Augusta, Georgia , y se crió en Carolina del Sur. Se graduó como mejor alumno de la Edmunds High School en 1947 y estudió brevemente arte en la Universidad de Carolina del Sur antes de mudarse a la ciudad de Nueva York y matricularse en la Parsons School of Design . Su educación se vio interrumpida por el servicio militar durante la Guerra de Corea . Después de regresar a Nueva York en 1953, trabajó en Marboro Books y comenzó a asociarse con figuras clave del mundo del arte, incluido Robert Rauschenberg , con quien tuvo una relación romántica hasta 1961. [3] [4] Los dos también fueron colaboradores cercanos, y Rauschenberg se convirtió en una profunda influencia artística. [5]
La carrera artística de Johns dio un giro decisivo en 1954 cuando destruyó sus obras de arte existentes y comenzó a crear pinturas de banderas , mapas , objetivos , letras y números por las que se hizo más reconocido. Estas obras, caracterizadas por su incorporación de símbolos familiares, marcaron un alejamiento del individualismo del estilo expresionista abstracto y plantearon preguntas sobre la naturaleza de la representación . Su uso de imágenes familiares, como la bandera estadounidense , jugó con la ambigüedad de los símbolos , y esta exploración temática continuó a lo largo de su carrera en varios medios, incluida la escultura y el grabado.
Entre otros honores, Johns recibió el León de Oro en la Bienal de Venecia en 1988, la Medalla Nacional de las Artes en 1990 y la Medalla Presidencial de la Libertad en 2011. [6] Fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras en 1973 y de la Sociedad Filosófica Estadounidense en 2007. [7] Ha apoyado a la Merce Cunningham Dance Company y ha contribuido significativamente a la colección de grabados de la Galería Nacional de Arte . Johns también es cofundador de la Fundación para las Artes Contemporáneas . Actualmente vive y trabaja en Connecticut. En 2010, su pintura de 1958 Bandera se vendió por una suma reportada de $ 110 millones en una transacción privada, convirtiéndose en la obra de arte más cara vendida por un artista vivo . [8] [9]
Nacido en Augusta , Georgia, Jasper Johns pasó su juventud en Allendale , Carolina del Sur, con sus abuelos paternos después de que sus padres se divorciaran. Comenzó a dibujar a los tres años y supo desde muy temprano que quería ser artista, a pesar de tener poca exposición a las artes donde creció. La primera esposa de su abuelo paterno, Evalina, pintó paisajes que colgaban en las casas de varios miembros de la familia. Estas pinturas fueron las únicas obras de arte que Johns recuerda haber visto en su juventud. [10] Después de la muerte de su abuelo en 1939, Johns pasó un año viviendo con su madre y su padrastro en Columbia , Carolina del Sur, y luego seis años viviendo con su tía Gladys en Lake Murray , Carolina del Sur. Pasó las vacaciones de verano con su padre, Jasper, Sr., y su madrastra, Geraldine Sineath Johns, quien alentó su arte comprándole materiales para dibujar y pintar. Se graduó como mejor alumno de la clase de 1947 de Edmunds High School (ahora Sumter High School ) en Sumter , Carolina del Sur, donde vivió una vez más con su madre y su familia. [11]
Johns estudió arte durante un total de tres semestres en la Universidad de Carolina del Sur en Columbia, de 1947 a 1948. [12] Alentado por sus profesores, luego se mudó a la ciudad de Nueva York y se inscribió brevemente en la Escuela de Diseño Parsons en 1949. [12] En 1951, Johns fue reclutado en el ejército durante la Guerra de Corea , sirviendo durante dos años, primero en Fort Jackson, Carolina del Sur, y luego en Sendai , Japón. [12]
Al regresar a Nueva York en el verano de 1953, Johns trabajó en Marboro Books y comenzó a conocer a algunos de los artistas que serían formativos en su carrera temprana. Estos incluyeron a Sari Dienes , Rachel Rosenthal y Robert Rauschenberg , con quien Johns comenzó una relación romántica y artística que duraría hasta 1961. [3] [13] [14] Durante el mismo período, Johns fue fuertemente influenciado por el coreógrafo Merce Cunningham y su socio, el compositor John Cage . [15] [16] Trabajando juntos exploraron la escena del arte contemporáneo y comenzaron a compartir sus ideas sobre el arte. [12]
En marzo de 1957, mientras visitaba el estudio de Rauschenberg, el dueño de la galería Leo Castelli pidió ver el arte de Johns. [12] Como recordó Castelli: “Así que bajamos. Era justo el piso de abajo. Había una exhibición fantástica de banderas y objetivos. Ya sabes, el objetivo con los ojos de plástico, el de las caras. El objetivo verde estaba en el Museo Judío, pero había una gran bandera blanca, una bandera blanca más pequeña, números, el alfabeto, cualquier cosa, todas esas grandes obras maestras”. [17] Castelli le ofreció inmediatamente a Johns una exposición. Su primera muestra individual en la Galería Leo Castelli, celebrada a principios de 1958, fue bien recibida; se vendieron todas menos dos de las dieciocho obras en exhibición. Alfred H. Barr Jr. , el director fundador del Museo de Arte Moderno de Nueva York , compró tres pinturas de la muestra, que fueron las primeras obras de Johns en ingresar a una colección de museo. [18]
Johns ha vivido y trabajado en varias casas y estudios en la ciudad de Nueva York a lo largo de su carrera y, de 1973 a 1987, mantuvo una casa de campo rústica de la década de 1930 con un estudio con paredes de vidrio en Stony Point, Nueva York . Comenzó a visitar la isla caribeña de Saint Martin a fines de la década de 1960, compró una propiedad allí en 1972 y, más tarde, construyó una casa y un estudio, para los cuales Philip Johnson fue el diseñador principal. [19] Johns actualmente vive y trabaja en Sharon, Connecticut.
Tras su muerte, el artista planea transformar su propiedad de 170 acres en Sharon, Connecticut, en una residencia para artistas. Ha vivido allí desde los años 90. Ofrecerá un espacio de trabajo y vivienda para entre 18 y 24 artistas a la vez y estará abierto a artistas visuales, poetas, músicos y bailarines. [20] [21]
En 1954, Johns destruyó todas sus obras de arte anteriores que aún estaban en su posesión y comenzó las pinturas por las que es más conocido: representaciones de banderas, mapas, objetivos, letras y números. [22] [23] Su uso de tales símbolos diferenció sus pinturas de la abstracción gestual de los expresionistas abstractos , cuyas obras a menudo se entendían como expresivas de la personalidad individual o la psicología del artista. [24] [25] Con motivos conocidos importados a su arte, sus pinturas podrían leerse tanto como figurativas (una bandera, un objetivo) como abstractas (rayas, círculos). [23] [12] Algunos historiadores de arte y museos caracterizan su elección de temas como una liberación de decisiones sobre la composición. [23] Johns ha comentado: "Lo que me resulta interesante es el hecho de que no está diseñado, sino tomado. No es mío", [26] o que estos motivos son "cosas que la mente ya sabe". [12]
Su temprana pintura encáustica Flag (1954-55), pintada después de haber soñado con ella, marca el comienzo de este nuevo período. [22] El motivo le permitió a Johns crear una pintura que no era completamente abstracta porque representa un símbolo (la bandera estadounidense), pero llama la atención sobre el diseño del símbolo en sí. La obra evade lo personal porque representa un símbolo nacional y, sin embargo, mantiene una sensación de lo hecho a mano en las pinceladas de cera de Johns; no es ni una bandera literal ni una pintura puramente abstracta. [27] [12] [22] La obra, por lo tanto, plantea una serie de preguntas complejas sin respuestas claras a través de su combinación de símbolo y medio. [12] [28] [29] De hecho, Alfred H. Barr no pudo convencer a los fideicomisarios del Museo de Arte Moderno de adquirir directamente la pintura de la primera exposición individual de Johns, ya que temían que su ambigüedad pudiera conducir al boicot o al ataque de grupos patrióticos durante el clima de Guerra Fría de fines de la década de 1950. [1] [30] Sin embargo, Barr logró que el arquitecto Philip Johnson comprara la pintura y luego la donara al museo en 1973. [10] La bandera sigue siendo uno de los motivos más perdurables de Johns; la historiadora de arte Roberta Bernstein relata que "entre 1954 y 2002, empleó prácticamente toda su gama de materiales y técnicas en veintisiete pinturas, diez esculturas individuales o editadas, cincuenta dibujos y dieciocho ediciones impresas que representan la bandera como imagen principal". [10]
Johns también es conocido por incluir objetos tridimensionales en sus pinturas. Estos objetos pueden encontrarse (la regla en Painting with Ruler and “Gray”, 1960) o fabricarse específicamente (los relieves de yeso en Target with Four Faces , 1955). Esta práctica desafía la concepción típica de la pintura como un reino bidimensional. [31] [32] El uso temprano y duradero de Johns del medio de la encáustica también presentó la oportunidad de experimentar con la textura. Una técnica antigua, la encáustica es un proceso mediante el cual se aplica cera derretida mezclada con pigmento y se “quema” en un soporte. El método le permitió a Johns preservar la calidad discreta de las pinceladas individuales, incluso cuando se superponen, creando superficies texturizadas pero, a veces, transparentes. [33] [10] La obra Slice de Johns de 2020 reproduce un dibujo de una rodilla de Jéan-Marc Togodgue, un jugador de baloncesto estudiantil emigrado camerunés que asistió a la Escuela Salisbury cerca de la finca de Johns en Sharon. [34] El uso que Johns hizo de la obra de arte de Togodgue sin notificarle primero dio lugar a una disputa que se resolvió amistosamente. [35] [34] [36]
Johns realizó su primera escultura, Linterna I , en 1958. Muchas de sus primeras esculturas son objetos individuales, independientes, modelados a partir de un material llamado Sculp-metal, un medio metálico flexible que se podía aplicar y manipular de forma muy similar a la pintura o la arcilla. [37] Durante este período, también empleó técnicas de fundición para hacer objetos de yeso y bronce. Algunos de estos objetos están pintados para sugerir una cierta sensación de verosimilitud; Bronce pintado (1960), por ejemplo, representa una lata pintada con la etiqueta de Savarin Coffee. Llena de pinceles fundidos, la obra recuerda a un objeto que uno podría encontrar en la mesa del estudio de un artista.
Numbers (2007), que representa su ahora clásico patrón de números estampados repetidos en una cuadrícula, es el bronce individual más grande que Johns ha hecho hasta la fecha. [38] Otra escultura de este período, un relieve de doble cara titulado Fragmento de una carta (2009), incorpora parte de una carta de Vincent van Gogh a su amigo, el artista Émile Bernard . En un lado del relieve, Johns presionó cada letra de las palabras de van Gogh en el modelo de cera. En el otro lado, deletreó cada letra en el alfabeto del lenguaje de señas estadounidense utilizando sellos que diseñó. Johns firmó el modelo de cera con impresiones de su propia mano, su nombre deletreado con los dedos en dos filas verticales. [39]
Johns comenzó a experimentar con técnicas de grabado en 1960, cuando Tatyana Grosman , la fundadora de Universal Limited Art Editions, Inc. (ULAE), lo invitó a su estudio de grabado en Long Island. Comenzando con litografías que exploran los objetos y motivos comunes por los que es más conocido, como Target (1960), Johns continuó trabajando estrechamente con ULAE, publicando más de 180 ediciones en una variedad de técnicas de grabado para investigar y desarrollar composiciones existentes. [40] Inicialmente, la litografía se adaptó a Johns y le permitió crear versiones impresas de representaciones icónicas de banderas, mapas y objetivos que llenaron sus pinturas. En 1971, Johns se convirtió en el primer artista de ULAE en utilizar la prensa litográfica offset de alimentación manual, lo que dio como resultado Decoy , una imagen realizada como litografía antes de convertirse en un dibujo o pintura.
Johns ha trabajado con otros grabadores a lo largo de su carrera, produciendo litografías y relieves de plomo en Gemini GEL en Los Ángeles; [41] serigrafías con Hiroshi Kawanishi en Simca Prints en Nueva York de 1973 a 1975; [42] y grabados calcográficos publicados por Petersburg Press en Atelier Crommelynck en París de 1975 a 1990, incluida una colaboración con el autor Samuel Beckett que resultó en Foirades/Fizzles (1976), un libro de cinco fragmentos de texto de Beckett en francés e inglés y 33 grabados calcográficos de Johns. [43] Produjo Cup 2 Picasso como litografía offset para la edición de junio de 1973 de la revista XXe siècle y, en 2000, completó una edición de 26 linograbados impresos por Grenfell Press y publicados por Z Press para acompañar a Sun on 6 de Jeff Clark . [44] [45] Para la edición de mayo de 2014 de Art in America , creó una litografía offset en blanco y negro sin numerar que representa muchos de sus motivos característicos. [46]
En 1995, Johns contrató al maestro impresor John Lund y comenzó a construir su propio estudio de grabado en su propiedad en Sharon, Connecticut. Low Road Studio se fundó oficialmente en 1997 como el sello editorial de Johns. [18]
Durante décadas, Johns trabajó con otros para recaudar fondos y atención para la Compañía de Danza de Merce Cunningham . Ayudó a Robert Rauschenberg en algunos de sus diseños de los años 1950 para los decorados y vestuario de Cunningham. En la primavera de 1963, Johns y John Cage cofundaron la Fundación para las Artes Escénicas Contemporáneas (ahora la Fundación para las Artes Contemporáneas), para recaudar fondos en el campo de la actuación. [47] Johns continuó su apoyo a la Compañía de Danza de Merce Cunningham y se desempeñó como asesor artístico de 1967 a 1980. En 1968, Cunningham realizó una pieza de teatro inspirada en Duchamp , Walkaround Time , para la cual el diseño de escenografía de Johns replica elementos de la obra de Duchamp El gran vidrio (1915-23). [48] Anteriormente, Johns también escribió letras neo-dada para The Druds , una banda de música noise de vanguardia de corta duración que contó con miembros destacados de la comunidad de arte proto-conceptual y arte minimalista de Nueva York . [49] [50] La Galería Nacional de Arte , Washington, DC, posee el retrato a gran escala de Johns realizado por Chuck Close . [51] A fines de la década de 1960, el trabajo de Johns se publicó en la revista 0 to 9 , una revista de vanguardia que experimentó con el lenguaje y la creación de significados.
En 1963, el arquitecto Philip Johnson encargó a Johns que hiciera una obra para lo que ahora es el Teatro David H. Koch en el Lincoln Center . [10] Numbers (1964), una cuadrícula de números de 9 por 7 pies, debutó en 1964 y, después de presidir el vestíbulo del teatro durante 35 años, se suponía que el centro la vendería por unos 15 millones de dólares en 1979. Numbers es históricamente importante porque es la obra más grande del motivo Numbers del artista, y cada una de sus unidades de Sculp-metal y collage está en un lienzo separado. [10] En respuesta a las críticas generalizadas, la junta del Lincoln Center decidió abandonar sus planes de vender la obra, que fue el primer y único encargo público de Johns. [52]
El trabajo de Johns a veces se agrupa con el neo-Dada y el arte pop : utiliza símbolos en la tradición dadaísta de los readymades de Marcel Duchamp , pero a diferencia de muchos artistas pop como Andy Warhol , no se involucra con la cultura de las celebridades. [53] [30] Otros académicos y museos posicionan a Johns y Rauschenberg como predecesores del arte pop. [54] [30]
En 1980, el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York pagó un millón de dólares por Three Flags (1958), el precio más alto pagado jamás por la obra de un artista vivo. [19] En 1988, False Start (1959) de Johns se vendió en una subasta en Sotheby's a Samuel I. Newhouse Jr. por 17,05 millones de dólares, estableciendo un récord en ese momento como el precio más alto pagado por una obra de un artista vivo en una subasta , y el segundo precio más alto pagado por una obra de arte en una subasta en los EE. UU. [55] En 1998, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York compró White Flag (1955) de Johns, la primera pintura del artista en ingresar a la colección del Met. Si bien el museo no reveló cuánto se pagó, el New York Times informó que "los expertos estiman el valor [de la pintura] en más de 20 millones de dólares". [56] En 2006, False Start (1959) de Johns volvió a hacer historia. Los coleccionistas privados Anne y Kenneth Griffin (fundador del fondo de cobertura con sede en Chicago Citadel LLC ) compraron la obra a David Geffen por 80 millones de dólares, lo que la convirtió en la pintura más cara de un artista vivo. [19] En 2010, Flag (1958), se vendió de forma privada al multimillonario de fondos de cobertura Steven A. Cohen por un valor de 110 millones de dólares (en ese momento 73 millones de libras esterlinas; 81,7 millones de euros). El vendedor fue Jean-Christophe Castelli, hijo de Leo Castelli, el comerciante de Johns, que había fallecido en 1999. Si bien las partes no revelaron el precio, el New York Times informó que Cohen pagó alrededor de 110 millones de dólares. [57] El 11 de noviembre de 2014, una versión de 1983 de Flag se subastó en Sotheby's en Nueva York por 36 millones de dólares, lo que estableció un nuevo récord de subasta para Johns. [58]
Johns ha recibido muchos premios a lo largo de su carrera. El único título honorífico que ha aceptado es el de Doctor Honoris Causa en Letras Humanitarias, que la Universidad de Carolina del Sur le confirió en 1969. En 1984, fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias , Boston. [59] En 1988, recibió el máximo honor en la 43.ª Bienal de Venecia —el León de Oro— por su exposición en el pabellón de los Estados Unidos. Johns fue elegido miembro honorario de la Real Academia de las Artes en 1989. [60] En 1990, fue galardonado con la Medalla Nacional de las Artes . [61] Ese año también fue elegido académico nacional asociado de la Academia Nacional de Diseño (ahora Museo y Escuela de la Academia Nacional), ascendiendo a académico nacional en 1994. [62] En 1993, recibió el Praemium Imperiale de pintura, un premio a la trayectoria de la Asociación de Arte de Japón. [63] En 1994 fue galardonado con la Medalla Edward MacDowell . [64] Fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras en 1973 y de la Sociedad Filosófica Estadounidense en 2007. El 15 de febrero de 2011, recibió la Medalla Presidencial de la Libertad del presidente Barack Obama , convirtiéndose en el primer pintor o escultor en recibir una Medalla Presidencial de la Libertad desde Alexander Calder en 1977. [65]
En 2007, la National Gallery of Art adquirió alrededor de 1.700 grabados de Johns, lo que la convirtió en la galería que alberga el mayor número de obras de Johns en posesión de una sola institución.
, que en 1963 era más conocido que Warhol, y Jasper Johns eran ambos artistas pop prototípicos y, además, hombres homosexuales; también eran amantes.
Después de que él y Weil se divorciaran en 1953, Rauschenberg tuvo una breve aventura con Twombly, que posteriormente derivó en un romance con su colaborador, Jasper Johns, de 1954 a 1961.
Rauschenberg y Jasper Johns fueron amantes durante este período de colaboración de seis años, y su relación tuvo un profundo impacto en su arte.
Conoció a Jasper Johns en 1954. Él y el artista más joven, ambos destinados a convertirse en mundialmente famosos, se convirtieron en amantes e influyeron mutuamente en el trabajo. Según el libro Lives of the Great 20th Century Artists, Rauschenberg le dijo al biógrafo Calvin Tomkins que "Jasper y yo literalmente intercambiamos ideas. Él decía: 'Tengo una idea estupenda para ti', y luego yo tenía que encontrar una para él".
Cuando el artista Jasper Johns estaba de luto por el fin de su relación con Robert Rauschenberg, tomó una de sus famosas pinturas de banderas, la pintó de negro y colgó un tenedor y una cuchara juntos de la parte superior. Los símbolos ocultos en "In Memory of My Feelings" de Johns cuentan parte de la historia, dijeron los curadores. El color de la relación ha desaparecido. Un tenedor y una cuchara en otras partes de la pintura están separados. Aquí tenemos una visión codificada de una relación de seis años que rara vez fue reconocida incluso en el obituario de Rauschenberg de 2008. La Galería Nacional de Retratos del Smithsonian está descifrando esa historia a partir de pinturas abstractas y retratos en la primera gran exhibición de un museo que muestra cómo la orientación sexual y la identidad de género han dado forma al arte estadounidense.
Fuente citada: The Prints of Jasper Johns 1960 – 1993, A Catalogue Raisonné, introducción
Número de acceso 2008.27.7
El término Neo-Dada, popularizado por primera vez en un grupo de artículos de Barbara Rose a principios de la década de 1960, se ha aplicado a una amplia variedad de obras artísticas, incluidas las combinaciones y ensamblajes pre-Pop de Robert Rauschenberg y Jasper Johns...
{{cite news}}: CS1 maint: nombres numéricos: lista de autores ( enlace )
