Helen Frankenthaler (12 de diciembre de 1928 - 27 de diciembre de 2011) fue una pintora expresionista abstracta estadounidense . Fue una importante contribuyente a la historia de la pintura estadounidense de posguerra. Habiendo exhibido su trabajo durante más de seis décadas (principios de la década de 1950 hasta 2011), abarcó varias generaciones de pintores abstractos mientras continuaba produciendo nuevos trabajos vitales y en constante cambio. [1] Frankenthaler comenzó a exhibir sus pinturas expresionistas abstractas a gran escala en museos y galerías contemporáneos a principios de la década de 1950. Fue incluida en la exposición Post-Painterly Abstraction de 1964 curada por Clement Greenberg que presentó una generación más nueva de pintura abstracta que llegó a conocerse como color field . Nacida en Manhattan , estuvo influenciada por las pinturas de Greenberg, Hans Hofmann y Jackson Pollock . Su obra ha sido objeto de varias exposiciones retrospectivas, incluida una retrospectiva en 1989 en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, y se ha exhibido en todo el mundo desde la década de 1950. En 2001, recibió la Medalla Nacional de las Artes .
Frankenthaler tenía una casa y un estudio en Darien, Connecticut . [2]
Helen Frankenthaler nació el 12 de diciembre de 1928 en la ciudad de Nueva York . [3] Su padre era Alfred Frankenthaler , un juez de la Corte Suprema del Estado de Nueva York . [3] Su madre, Martha (Lowenstein), había emigrado con su familia de Alemania a los Estados Unidos cuando era una niña. [4] Las dos hermanas de Helen, Marjorie y Gloria , eran seis y cinco años mayores, respectivamente. Al crecer en el Upper East Side de Manhattan , Frankenthaler absorbió el entorno privilegiado de una familia intelectual judía culta y progresista que alentó a las tres hijas a prepararse para carreras profesionales. Su sobrino es el artista/fotógrafo Clifford Ross . [5]
Frankenthaler estudió en la Escuela Dalton con el muralista Rufino Tamayo y también en el Bennington College en Vermont. [3] Mientras estaba en Bennington, Frankenthaler estudió bajo la dirección de Paul Feeley , a quien se le atribuye haberla ayudado a comprender la composición pictórica, así como haber influido en su temprano estilo derivado del cubismo. [6] Tras su graduación en 1949, estudió en forma privada con el pintor australiano Wallace Harrison, [7] y con Hans Hofmann en 1950. [8] [9] Conoció a Clement Greenberg en 1950 y tuvo una relación de cinco años con él. [4] Se casó con el pintor Robert Motherwell en 1958; la pareja se divorció en 1971. [10] Ambos nacidos de padres ricos, eran conocidos como "la pareja de oro" y por su fastuoso entretenimiento. [4] Tuvo dos hijastras de él, Jeannie Motherwell y Lise Motherwell. [4] Jeannie Motherwell estudió pintura en el Bard College y en la Art Students League de Nueva York y realizó varias exposiciones.
En 1994, Frankenthaler se casó con Stephen M. DuBrul, Jr., un banquero de inversiones que sirvió en la administración de Gerald Ford . [4]
Frankenthaler, activa como pintora durante casi seis décadas, pasó por muchas fases y cambios estilísticos. [11] Inicialmente asociada con el expresionismo abstracto [12] debido a su enfoque en las formas latentes en la naturaleza, Frankenthaler se identifica con el uso de formas fluidas, masas abstractas y gestos líricos. [8] [13] Hizo uso de grandes formatos en los que pintó, generalmente, composiciones abstractas simplificadas. [14] Su estilo es notable por su énfasis en la espontaneidad, como la propia Frankenthaler afirmó: "Una imagen realmente buena parece como si hubiera sucedido de inmediato". [6]
La carrera artística oficial de Frankenthaler se inició en 1952 con la exposición Montañas y mar . [15] A lo largo de la década de 1950, sus obras tendieron a ser composiciones centradas. [11] En 1957, Frankenthaler comenzó a experimentar con formas lineales y formas más orgánicas, similares al sol y redondeadas. [8] En la década de 1960, su estilo cambió hacia la exploración de pinturas simétricas, ya que comenzó a colocar tiras de colores cerca de los bordes de sus pinturas. Su estilo se volvió más simplificado. [11] Comenzó a hacer uso de manchas individuales y borrones de color sólido contra fondos blancos, a menudo en forma de formas geométricas. [8] A partir de 1963, Frankenthaler comenzó a utilizar pinturas acrílicas en lugar de pinturas al óleo porque permitían tanto opacidad como nitidez cuando se colocaban sobre el lienzo. [9] En la década de 1970, había abandonado por completo la técnica de la mancha de remojo y prefería una pintura más espesa que le permitía emplear colores brillantes que recordaban casi al fauvismo . A lo largo de la década de 1970, Frankenthaler exploró la unión de áreas del lienzo mediante el uso de tonos modulados y experimentó con formas abstractas de gran tamaño. [11] Su obra en la década de 1980 se caracterizó por ser mucho más tranquila, con su uso de colores apagados y pinceladas relajadas. [8] "Una vez que el verdadero talento comienza a surgir, uno es más libre en cierto modo, pero menos libre en otro, ya que uno es cautivo de esta necesidad y de este profundo impulso". [16]
En 1960, el término pintura de campos de color se utilizó para describir la obra de Frankenthaler. [17] En general, este término se refiere a la aplicación de grandes áreas, o campos, de color al lienzo. Este estilo se caracterizaba por el uso de tonos que eran similares en tono o intensidad, así como por grandes formatos y composiciones simplificadas, todas las cuales son cualidades descriptivas de la obra de Frankenthaler a partir de la década de 1960. [14] Los artistas de campos de color se diferenciaban de los expresionistas abstractos en su intento de borrar el contenido emocional, mítico y religioso. [18]
Frankenthaler solía pintar sobre lienzos sin imprimación con pinturas al óleo que diluía abundantemente con trementina, una técnica que ella llamaba "mancha de remojo". Esto permitía que los colores se absorbieran directamente en el lienzo, creando un efecto licuado y translúcido que se parecía mucho a la acuarela. También se decía que la mancha de remojo era la fusión definitiva de la imagen y el lienzo, llamando la atención sobre la planitud de la pintura en sí. [6] Sin embargo, la principal desventaja de este método es que el aceite de las pinturas acabará haciendo que el lienzo se decolore y se pudra. [19] [20] La técnica fue adoptada por otros artistas, en particular Morris Louis (1912-1962) y Kenneth Noland (1924-2010), y dio inicio a la segunda generación de la escuela de pintura de campos de color. [21] Frankenthaler solía trabajar colocando su lienzo en el suelo, una técnica inspirada en Jackson Pollock . [6]
Frankenthaler prefería pintar en privado. Si había asistentes presentes, prefería que pasaran desapercibidos cuando no los necesitaba. [22]
Una de sus influencias más importantes fue Clement Greenberg (1909-1994), un crítico de arte y literatura con quien mantuvo una amistad personal y que la incluyó en la exposición Post-Painterly Abstraction que él mismo comisarió en 1964. [10] [23] A través de Greenberg se introdujo en la escena artística de Nueva York. Bajo su guía pasó el verano de 1950 estudiando con Hans Hofmann (1880-1966), catalizador del movimiento expresionista abstracto .
La primera exposición de Jackson Pollock que vio Frankenthaler fue en la galería Betty Parsons en 1950. Esto es lo que dijo sobre haber visto las pinturas de Pollock Autumn Rhythm, Number 30, 1950 (1950) y Number One, 1950 (Lavender Mist) (1950):
Todo estaba allí. Yo quería vivir en esa tierra. Tenía que vivir allí y dominar el idioma.
Algunas de sus reflexiones sobre la pintura:
Una imagen realmente buena parece como si hubiera ocurrido de inmediato. Es una imagen inmediata. En mi propio trabajo, cuando una imagen parece trabajada y exagerada, y se puede leer en ella: bueno, ella hizo esto y luego hizo aquello, y luego hizo aquello, hay algo en ella que para mí no tiene nada que ver con el arte bello. Y suelo descartarlas, aunque creo que muy a menudo se necesitan diez de esos esfuerzos exagerados para producir un movimiento de muñeca realmente hermoso que esté sincronizado con la cabeza y el corazón, y lo logras, y por lo tanto parece como si hubiera nacido en un minuto.
— En Barbara Rose , Frankenthaler (Nueva York: Harry N. Abrams, Inc. 1975, pág. 85)
John Elderfield escribió que las acuarelas de Paul Cézanne y John Marin fueron importantes influencias tempranas:
La acuarela... amplía el brillo y la planitud de la pintura al aire libre porque revela visiblemente estas cualidades en la blancura de su soporte, que siempre hace sentir su presencia debido a la insustancialidad de su cobertura. Marin y Cézanne fueron importantes para Frankenthaler no sólo por sus acuarelas o por la ligereza de su trabajo, sino, más importante aún, porque ambos habían liberado sus pinturas al óleo tratándolas como acuarelas, que fue lo que Frankenthaler comenzó a hacer... En el caso de Cézanne, esta transposición de técnicas también lo animó a dejar áreas de lienzo blanco sin cubrir entre parches de óleo diluido. Esto también fue especialmente interesante para Frankenthaler. [24]
En Montañas y mar , su primera obra expuesta profesionalmente, Frankenthaler utilizó la técnica de la mancha de remojo. La obra en sí fue pintada después de un viaje a Nueva Escocia, lo que cuestiona en parte el alcance de su condición no figurativa. Aunque Montañas y mar no es una representación directa de la costa de Nueva Escocia, los elementos de la obra sugieren una especie de paisaje marino o paisajístico, como los trazos de azul que se unen con áreas de verde. Al igual que Montañas y mar , Paisaje vasco (1958) de Frankenthaler parece referirse a un entorno externo muy específico, pero también es abstracto. [11] Lo mismo puede decirse de Lorelei (1956), una obra basada en un viaje en barco que Frankenthaler realizó por el Rin. [25]
El lago de los cisnes n.° 2 (1961) muestra una gran superficie de pintura azul sobre el lienzo, con interrupciones en el color que quedan en blanco. Un cuadrado marrón rectilíneo envuelve el azul, equilibrando tanto los tonos fríos del azul con la calidez del marrón, como el manejo gestual de la pintura con la marcada linealidad del cuadrado. [11]
Edén , de 1956, es un paisaje interior, es decir, que representa las imágenes de la imaginación de la artista. Edén cuenta la historia de un mundo interior abstracto, idealizado de maneras que un paisaje nunca podría serlo. La obra es casi enteramente gestual, salvo por la incorporación del número "100" dos veces en el centro de la imagen. Cuando se le preguntó sobre el proceso de creación de esta obra, Frankenthaler afirmó que comenzó pintando los números, y que de ahí surgió una especie de jardín simbólico e idealizado. [25]
Frankenthaler reconoció la necesidad de desafiarse continuamente para desarrollarse como artista. Por este motivo, en 1961, comenzó a experimentar con el grabado en Universal Limited Art Editions (ULAE), un taller litográfico en West Islip, Long Island. Frankenthaler colaboró con Tatyana Grosman en 1961 para crear sus primeros grabados. [6]
En 1976, Frankenthaler comenzó a trabajar en el medio de los grabados en madera. Colaboró con Kenneth E. Tyler . La primera pieza que crearon juntos fue Essence of Mulberry (1977), un grabado en madera que utilizó ocho colores diferentes. Essence of Mulberry se inspiró en dos fuentes: la primera fue una exposición de grabados en madera del siglo XV que Frankenthaler vio en exhibición en el Museo Metropolitano de Arte , la segunda fue una morera que creció fuera del estudio de Tyler. En 1995, la pareja colaboró de nuevo, creando The Tales of Genji , una serie de seis grabados en madera. Para crear xilografías con una resonancia similar al estilo pictórico de Frankenthaler, pintó sus planos sobre la propia madera, haciendo maquetas. The Tales of Genji tardó casi tres años en completarse. Frankenthaler luego pasó a crear Madame Butterfly , un grabado que empleó ciento dos colores diferentes y cuarenta y seis bloques de madera. [6]
Frankenthaler recibió la Medalla Nacional de las Artes en 2001. [26] Trabajó en el Consejo Nacional de las Artes del Fondo Nacional para las Artes de 1985 a 1992. [27] Otros premios que recibió incluyen el Primer Premio de Pintura en la primera Bienal de París (1959); Medalla de Oro del Temple , Academia de Bellas Artes de Pensilvania , Filadelfia (1968); Premio de Honor del Alcalde de la Ciudad de Nueva York para las Artes y la Cultura (1986); y Premio al Artista Distinguido por los Logros de Toda una Vida, Asociación de Arte Universitario (1994). [28] En 1990, fue elegida miembro asociada de la Academia Nacional de Diseño y se convirtió en académica de pleno derecho en 1994.
Frankenthaler no se consideraba feminista: "Para mí, ser una 'pintora' nunca fue un problema. No me molesta ser pintora. No lo exploto. Pinto". [29] La pieza feminista de Mary Beth Edelson Some Living American Women Artists / Last Supper (1972) se apropió de La última cena de Leonardo da Vinci , con las cabezas de artistas mujeres notables, incluida Frankenthaler, pegadas sobre las cabezas de Cristo y sus apóstoles. Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía religiosa e histórica del arte en la subordinación de las mujeres, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ". [30] [31]
En 1953, Kenneth Noland y Morris Louis vieron su Montañas y mar , que, según dijo Louis más tarde, era un "puente entre Pollock y lo que era posible". [32] Por otro lado, algunos críticos calificaron su obra de "simplemente hermosa". [33] El obituario de Grace Glueck en The New York Times resumió la carrera de Frankenthaler:
Los críticos no han elogiado unánimemente el arte de Frankenthaler. Algunos lo han considerado superficial en cuanto a su contenido, descontrolado en su método, demasiado dulce en cuanto a su colorido y demasiado "poético". Pero ha sido mucho más propenso a cosechar admiradores como la crítica Barbara Rose, que escribió en 1972 sobre el don de Frankenthaler para "la libertad, la espontaneidad, la apertura y la complejidad de una imagen, no exclusivamente del estudio o de la mente, sino explícita e íntimamente ligada a la naturaleza y a las emociones humanas". [4]
La Fundación Helen Frankenthaler, con sede en Nueva York, establecida y dotada por la artista durante su vida, se dedica a promover un mayor interés público y comprensión de las artes visuales. [34] [35] En 2021, la fundación creó la Iniciativa Climática Frankenthaler . [36] En julio de 2021, la fundación otorgó la primera ronda de subvenciones por un total de $ 5,1 millones. Los beneficiarios incluyeron el Museo de Arte de Ponce , el Museo y Centro Cultural Indígena de Santa Rosa, el Studio Museum en Harlem y el Centro de Artes de la Universidad de Yale. [37]
En una demanda de 2023 presentada en la Corte Suprema de Nueva York , el sobrino de Frankenthaler, Frederick Iseman, afirmó que Clifford Ross y otros miembros de la familia en la junta explotaron la Fundación Helen Frankenthaler "para promover sus propios intereses y carreras personales" y se comprometieron a cerrar completamente la fundación en un futuro cercano. [38]
La primera exposición individual de Frankenthaler tuvo lugar en la Galería Tibor de Nagy , Nueva York, en el otoño de 1951. Su primera gran muestra en un museo, una retrospectiva de su obra de los años 50 con un catálogo del crítico y poeta Frank O'Hara , curador del Museo de Arte Moderno, fue en el Museo Judío en 1960. Las exposiciones individuales posteriores incluyen "Helen Frankenthaler", Museo Whitney de Arte Americano , Nueva York (1969; viajó a la Galería Whitechapel , Londres; Orangerie Herrenhausen , Hanover; y Kongresshalle , Berlín), y "Helen Frankenthaler: una retrospectiva de pintura", Museo de Arte Moderno de Fort Worth (1989-90; viajó al Museo de Arte Moderno , Nueva York; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles ; y el Instituto de Artes de Detroit ). [39] Miles McEnery Gallery, una galería de arte contemporáneo con sede en Nueva York que exhibió pinturas de Color-Field y expresionistas abstractos, mostró una variedad de su trabajo en 2009 "Helen Frankenthaler", 10 de diciembre de 2009 - 23 de enero de 2010). [40] [41] En 2016, su trabajo fue incluido en la exposición Women of Abstract Expressionism organizada por el Denver Art Museum . [42] El 6 de octubre de 2019, Frankenthaler fue incluida en Sparkling Amazons: Abstract Expressionist Women of the 9th St. Show en el Katonah Museum of Art en el condado de Westchester, Nueva York. [43] que duró hasta el 26 de enero de 2020; *2019: "Postwar Women: alumnae of the Art Students League of New York 1945-1965", Phyllis Harriman Gallery, Art Students League of NY; curada por Will Corwin.; [44] 2020: “9th Street Club”, Gazelli Art House, Londres; comisariada por Will Corwin [45]
En 2021, una década después de su muerte, el Museo de Arte Estadounidense de New Britain montó una exposición de sus obras en papel de las etapas finales de su obra titulada "Helen Frankenthaler; Obras tardías 1990 - 2003". [46]
En 2023 su obra fue incluida en la exposición Action, Gesture, Paint: Women Artists and Global Abstraction 1940-1970 en la Whitechapel Gallery de Londres. [47]
Cada sonido es una forma de tiempo , una exposición grupal centrada en las colecciones en el Museo de Arte Pérez de Miami , Florida, mostró el trabajo de Frankenthaler en la colección junto a Julie Mehretu, Jules Olitski y Louis Morris, entre otros. [48]
Fue designada por el presidente para el Consejo Nacional de las Artes, que asesora al presidente de la NEA. En The New York Times en 1989, argumentó que la financiación gubernamental para las artes "no era parte del proceso democrático" y estaba "comenzando a generar un monstruo del arte". [50] Según Los Angeles Times , "Frankenthaler adoptó una postura muy pública durante las 'guerras culturales' de finales de la década de 1980 que finalmente llevaron a profundos recortes presupuestarios para el Fondo Nacional para las Artes y una prohibición de las subvenciones a artistas individuales que aún persiste. En un comentario de 1989 para The New York Times , escribió que, si bien "la censura y la interferencia del gobierno en las direcciones y los estándares del arte son peligrosas y no forman parte del proceso democrático", las controvertidas subvenciones a Andrés Serrano , Robert Mapplethorpe y otros reflejaban una tendencia en la que la NEA estaba apoyando un trabajo "de calidad cada vez más dudosa". ¿El consejo, que alguna vez fue una mano amiga, ahora está comenzando a generar un monstruo del arte? ¿Perdemos el arte... con el pretexto de apoyar la experimentación?" [51] [52]
Frankenthaler murió el 27 de diciembre de 2011, a la edad de 83 años en Darien, Connecticut, después de una enfermedad larga y no revelada. [53]
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