El arte francés del siglo XX se desarrolló a partir del impresionismo y el posimpresionismo que dominaron el arte francés a fines del siglo XIX. La primera mitad del siglo XX en Francia fue testigo de los experimentos aún más revolucionarios del cubismo , el dadaísmo y el surrealismo , movimientos artísticos que tendrían un gran impacto en el arte occidental y, con el tiempo, mundial. Después de la Segunda Guerra Mundial, mientras los artistas franceses exploraban tendencias como el tachismo , el fluxus y el nuevo realismo , la preeminencia de Francia en las artes visuales se vio progresivamente eclipsada por los desarrollos en otros lugares (Estados Unidos en particular).
Los primeros años del siglo XX estuvieron dominados por el neoimpresionismo y el divisionismo , experimentos en color y contenido que habían desatado el impresionismo , el postimpresionismo y el simbolismo . Los productos del lejano oriente también aportaron nuevas influencias. Les Nabis exploraron un arte decorativo en planos planos con un enfoque gráfico de impresión japonesa. A partir de 1904 Les Fauves explotaron en color (de manera muy similar al expresionismo alemán ).
La influencia de las máscaras tribales africanas llevó a Pablo Picasso a sus Demoiselles d'Avignon de 1907. Picasso y Georges Braque (trabajando de forma independiente) retomaron y refinaron la forma de Cézanne de entender racionalmente los objetos en un medio plano; pero sus experimentos en el cubismo también los llevarían a integrar todos los aspectos de la vida cotidiana: periódicos, instrumentos musicales, cigarrillos, vino. Picasso y Braque exhibieron su cubismo analítico bajo un contrato de exclusividad en la galería de Daniel-Henry Kahnweiler , ubicada en una tranquila calle detrás de La Madeleine en el distrito 8 de París . Al mismo tiempo, Jean Metzinger , Albert Gleizes , Henri Le Fauconnier , Robert Delaunay y Fernand Léger exhibieron formas alternativas del cubismo en el Salón de los Independientes y el Salón de Otoño ; exposiciones masivas que llevaron el cubismo a la atención del público general. Estos artistas no tenían intención de analizar y describir objetos mundanos de la vida diaria (un cuenco de fruta, una pipa, un violín o una guitarra), sino que eligieron temas de vastas proporciones, de provocativo significado social y cultural, que expresaban las cualidades dinámicas de la vida urbana moderna. [1] El cubismo en todas sus fases y diversos estilos dominaría Europa y América durante los siguientes diez años.
La Primera Guerra Mundial no detuvo la dinámica creación artística en Francia. En 1916 un grupo de descontentos se reunió en un bar de Zúrich (el Cabaret Voltaire ) y crearon el gesto más radical posible: el antiarte del Dadaísmo . Al mismo tiempo, Francis Picabia y Marcel Duchamp exploraban nociones similares. En una exposición de arte en Nueva York en 1917, Duchamp presentó un urinario de porcelana blanca firmado por R. Mutt como obra de arte, convirtiéndose en el padre del " readymade ".
Los campos de exterminio de la guerra (casi una décima parte de la población masculina adulta francesa había muerto o resultado herida) habían hecho que muchos vieran lo absurdo de la existencia. Éste fue también el período en el que se afianzó la Generación Perdida : los estadounidenses ricos disfrutaron de las libertades de la Francia libre de la Prohibición en los años 1920 y los soldados pobres que viajaron al extranjero por primera vez. París también estaba, para los afroamericanos , sorprendentemente libre de las restricciones raciales que se encontraban en Estados Unidos ( James Baldwin , Richard Wright , Josephine Baker ).
Cuando el dadaísmo llegó a París, fue acogido con avidez por un grupo de jóvenes artistas y escritores fascinados por los escritos de Sigmund Freud y, en particular, por la noción de la mente inconsciente . El espíritu provocador del dadaísmo se vinculó a la exploración de la mente inconsciente mediante el uso de la escritura automática , las operaciones aleatorias y, en algunos casos, los estados alterados. Los surrealistas rápidamente se volcaron a la pintura y la escultura. El impacto de elementos inesperados, el uso del frottage , el collage y la calcomanía , la representación de paisajes misteriosos y paisajes oníricos se convertirían en las técnicas clave durante el resto de la década de 1930.
La Segunda Guerra Mundial puso fin a la fiesta. Muchos surrealistas como Yves Tanguy , Max Ernst , André Breton y André Masson huyeron de la Francia ocupada hacia Nueva York y los Estados Unidos (Duchamp ya estaba en los Estados Unidos desde 1936), pero la cohesión y la vitalidad se perdieron en la ciudad estadounidense.
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El término " Escuela de París " (en francés: École de Paris) designa a los artistas franceses y emigrados que estuvieron activos en París durante la primera mitad del siglo XX. En lugar de representar un movimiento o institución artística singular, subraya la importancia de París como centro del arte occidental desde principios del siglo XX hasta 1940, atrayendo a artistas de todo el mundo y emergiendo como un punto focal para los esfuerzos artísticos. Acuñado por André Warnod , la Escuela de París describe una comunidad vagamente conectada, particularmente artistas no franceses, que se congregaban en cafés, salones, espacios de trabajo compartidos y galerías, especialmente de Montparnasse . [2] [3] Muchos artistas de ascendencia judía desempeñaron un papel notable en la Escuela de París, ejerciendo posteriormente una influencia sustancial en el arte de Israel .
Entre la Primera y la Segunda Guerra Mundial, los artistas de París se involucraron en estilos experimentales como el cubismo, el orfismo, el surrealismo y el dadaísmo. Tanto artistas franceses como extranjeros participaron en este entorno creativo, incluidas figuras como Jean Arp, Joan Miró, Constantin Brâncuși, Raoul Dufy, Tsuguharu Foujita, los artistas bielorrusos Michel Kikoine y Pinchus Kremegne , los artistas lituanos Jacques Lipchitz y Arbit Blatas , quienes documentaron ampliamente figuras clave de la Escuela de París, así como los artistas polacos Marek Szwarc y Morice Lipsi , y el príncipe nacido en Rusia Alexis Arapoff . [4] [5] Muchos de los artistas vivían en La Ruche , que significa colmena en francés, era un complejo de apartamentos tipo estudio donde vivían varios artistas de la escuela de París cuando llegaron por primera vez a París. [4]
Los artistas de ascendencia judía desempeñaron un papel importante en la École de Paris, atraídos a la capital mundial del arte, París, desde Europa del Este para escapar de la persecución y los pogromos. [6] Montparnasse se convirtió en un centro para muchos de estos artistas, incluidos pintores notables como Marc Chagall , Jules Pascin , Chaïm Soutine , Isaac Frenkel Frenel , Amedeo Modigliani y Abraham Mintchine . [7] [8] [9] Estos artistas a menudo representaban temas judíos, infundiendo su trabajo con emociones intensas. [10] Acuñado en 1925 por André Warnod, el término "l'École de Paris" tenía como objetivo contrarrestar la xenofobia hacia los artistas extranjeros, muchos de los cuales eran judíos europeos del este. [6] La ocupación nazi provocó la trágica pérdida de varios artistas judíos prominentes durante el Holocausto, lo que contribuyó al declive de la Escuela Judía de París, y algunos artistas se trasladaron a Israel o los EE. UU. [6] [11] [12] [13]
La escena artística francesa inmediatamente después de la guerra tomó varias direcciones. Algunos continuaron los experimentos artísticos de los años 1930 y 1940, especialmente el surrealismo y la abstracción geométrica , y otros se asociaron con la abstracción lírica , el tachismo , el nuagismo , el informalismo y el paysagismo abstracto (modos de expresión en líneas similares al expresionismo abstracto o la pintura de acción de Nueva York). Estos artistas incluyeron a Wols , Jean Fautrier , Hans Hartung , Jean-Paul Riopelle , Jean Degottex , Gérard Ernest Schneider , Pierre Soulages , Jean Messagier y Georges Mathieu . [14]
Al mismo tiempo, Jean Dubuffet dominó los primeros años de la posguerra mientras exploraba dibujos infantiles, grafitis y caricaturas en una variedad de medios en lo que él llamó "Art Brut" (ver Arte marginal ). Mientras tanto, François Fiedler buscaba la combinación perfecta de color y textura entre las múltiples capas de pintura que encontraba en sus lienzos.
En 1960, Pierre Restany e Yves Klein fundaron el movimiento Nuevo Realismo (en francés: Nouveau Réalisme ), y una declaración conjunta fue firmada el 27 de octubre de 1960 por nueve personas: Yves Klein, Arman , Francois Dufrêne, Raymond Hains , Martial Raysse , Pierre Restany , Daniel Spoerri , Jean Tinguely y Jacques de la Villeglé ; en 1961 a estos se unieron César , Mimmo Rotella , luego Niki de Saint Phalle y Gérard Deschamps . El artista Christo se unió al grupo en 1963. Los miembros del grupo veían el mundo como una imagen, de la cual tomarían partes y las incorporarían a sus obras. Buscaban acercar la vida y el arte, y a menudo se los ha comparado con el Pop Art . Yves Klein hizo que mujeres desnudas se revolcaran en pintura azul y se arrojaran sobre lienzos; Niki de Saint-Phalle creó figuras plásticas hinchadas y vibrantes; Arman reunió objetos encontrados en conjuntos en cajas o recubiertos de resina; César Baldaccini produjo una serie de grandes esculturas-objetos comprimidos (similares a los automóviles aplastados de Chamberlain); Daniel Spoerri utilizó comidas y alimentos como material artístico.
Asociados de diversas maneras con el Nuevo Realismo, los artistas del movimiento internacional Fluxus –bautizado y organizado de forma vaga en 1962 por George Maciunas (1931-78), un artista estadounidense nacido en Lituania– promovieron una estética del "hazlo tú mismo" y valoraron la simplicidad por encima de la complejidad. Al igual que el dadaísmo antes, Fluxus incluía una fuerte corriente de anticomercialismo y una sensibilidad antiarte , menospreciando el mundo del arte convencional impulsado por el mercado en favor de una práctica creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus preferían trabajar con cualquier material que tuvieran a mano y creaban su propia obra o colaboraban en el proceso de creación con sus colegas. La externalización de parte del proceso creativo a fabricantes comerciales no era por lo general parte de la práctica de Fluxus. El artista francés más importante de Fluxus, Ben Vautier, incorporó grafitis y objetos encontrados a su obra.
Otros artistas de este período fueron Victor Vasarely , que inventó el Op-Art diseñando sofisticados patrones ópticos.
En mayo de 1968, el movimiento juvenil radical, a través de su taller popular , produjo una gran cantidad de carteles de protesta contra las políticas moribundas del presidente Charles de Gaulle .
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A muchos artistas contemporáneos los horrores de la guerra y el espectro del holocausto siguen atormentándolos. Las desgarradoras instalaciones de Christian Boltanski sobre lo perdido y lo anónimo son particularmente impactantes.
La obra de su esposa Annette Messager , que representó a Francia en la Bienal de Venecia de 2005, aborda cuestiones de identidad y feminismo.
La obra de la fotógrafa, artista de instalaciones y artista conceptual Sophie Calle se distingue por el uso de conjuntos arbitrarios de restricciones y evoca el movimiento literario francés de los años 60 conocido como Oulipo . Su obra retrata con frecuencia la vulnerabilidad humana y examina la identidad y la intimidad. Es reconocida por su capacidad detectivesca para seguir a extraños e investigar sus vidas privadas. Su trabajo fotográfico a menudo incluye paneles de texto de su propia escritura.
A partir de la década de 1980, el movimiento de la Figuración Libre se constituyó en torno a figuras francesas como Rémi Blanchard , François Boisrond , Robert Combas , Hervé Di Rosa , Richard Di Rosa y Louis Jammes . Entre 1982 y 1985, estos artistas expusieron en varias ocasiones con sus homólogos estadounidenses: Keith Haring , Jean-Michel Basquiat , Kenny Scharf , Tseng Kwong Chi y, entre otros, Crash (exposiciones en Nueva York, Londres, Pittsburgh y París). La Figuración Libre se inscribe en la prolongación de artistas y movimientos históricos cuya especificidad fue la apertura a formas de expresión marginalizadas, como el cubismo se había abierto con el arte africano y el arte oceánico (entre otras influencias), y el " art brut " con los dibujos infantiles, el pop art con la publicidad y las tiras cómicas.
Pierre et Gilles (Pierre Commoy y Gilles Blanchard) son una pareja romántica y artística francesa homosexual. Producen fotografías muy estilizadas , construyen sus propios decorados y vestuario y retocan las fotografías. Su trabajo a menudo incluye imágenes de la cultura popular , la cultura gay , incluido el porno (especialmente James Bidgood ) y la religión .
Otros artistas franceses contemporáneos importantes incluyen a Jean-Pierre Raynaud, Orlan , Ernest Pignon-Ernest , Daniel Buren , Jean-Marc Bustamante , Pierre Huyghe , Valérie Mréjen.
"L'École de Paris es un término acuñado por el crítico de arte André Warnod en 1925, en la revista Comœdia, para definir al grupo formado por pintores extranjeros en París. La École de Paris no designa un movimiento o una escuela en el sentido académico del término, sino un hecho histórico. En la mente de Warnod, este término pretendía contrarrestar una xenofobia latente más que establecer un enfoque teórico.
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