Ellsworth Kelly (31 de mayo de 1923 – 27 de diciembre de 2015) fue un pintor, escultor y grabador estadounidense asociado con la pintura de bordes duros , la pintura de campo de color y el minimalismo . Sus obras demuestran técnicas sencillas que enfatizan la línea, el color y la forma, similares al trabajo de John McLaughlin y Kenneth Noland . Kelly solía emplear colores brillantes. Vivió y trabajó en Spencertown, Nueva York .
Kelly nació como el segundo hijo de tres hijos de Allan Howe Kelly y Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly en Newburgh, Nueva York , aproximadamente a 60 millas al norte de la ciudad de Nueva York. [1] Su padre era un ejecutivo de una compañía de seguros de ascendencia escocesa-irlandesa y alemana. Su madre era una ex maestra de escuela de origen galés y alemán de Pensilvania. Su familia se mudó de Newburgh a Oradell, Nueva Jersey , una ciudad de casi 7.500 habitantes. Su familia vivía cerca del embalse de Oradell , donde su abuela paterna le inició en la ornitología cuando tenía ocho o nueve años.
Allí desarrolló su pasión por la forma y el color. John James Audubon tuvo una influencia particularmente fuerte en el trabajo de Kelly a lo largo de su carrera. El autor Eugene Goossen especuló que las pinturas de dos y tres colores (como Three Panels: Red Yellow Blue, I 1963) por las que Kelly es tan conocido se remontan a su observación de aves y su estudio de los dos y tres colores. pájaros de colores que veía con tanta frecuencia a una edad temprana. Kelly dijo que a menudo estaba solo cuando era niño y se volvió algo así como un "solitario". Tenía un ligero tartamudeo que persistió hasta su adolescencia. [1]
Kelly asistió a una escuela pública, donde las clases de arte hacían hincapié en los materiales y buscaban desarrollar la "imaginación artística". Este plan de estudios era típico de la tendencia más amplia en la escolarización que había surgido de las teorías de la educación progresista promulgadas por el Teacher's College de la Universidad de Columbia , en la que había enseñado el pintor modernista estadounidense Arthur Wesley Dow . [1] Aunque sus padres se mostraron reacios a apoyar la formación artística de Kelly, su maestra de escuela, Dorothy Lange Opsut, lo animó a ir más allá. [2] Como sus padres sólo pagarían por la formación técnica, Kelly estudió primero en el Instituto Pratt de Brooklyn , al que asistió desde 1941 hasta que ingresó en el ejército el día de Año Nuevo de 1943. [3]
Al ingresar al servicio militar estadounidense en 1943, Kelly solicitó ser asignado al 603.º Batallón de Camuflaje de Ingenieros, que acogió a muchos artistas. Fue admitido en Fort Dix, Nueva Jersey y enviado a Camp Hale, Colorado , donde entrenó con tropas de esquí de montaña . Nunca antes había esquiado. Seis a ocho semanas después, fue trasladado a Fort Meade, Maryland . [1] Durante la Segunda Guerra Mundial , sirvió con otros artistas y diseñadores en el Ghost Army , una unidad de engaño del ejército de los Estados Unidos que utilizaba tanques inflables, camiones y otros elementos de subterfugio para engañar a las fuerzas del Eje sobre la dirección y disposición de las fuerzas aliadas. . [4] Su exposición al camuflaje militar durante el tiempo que sirvió se convirtió en parte de su formación artística básica. [1] Kelly sirvió en la unidad desde 1943 hasta el final de la fase europea de la guerra. El Ejército Fantasma recibió la Medalla de Oro del Congreso el 21 de marzo de 2024, en una ceremonia en el Salón de la Emancipación del Capitolio de Estados Unidos . [5]
Kelly utilizó el GI Bill para estudiar entre 1946 y 1947 en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston , donde aprovechó las colecciones del museo, y luego en la École nationale supérieure des Beaux-Arts de París. Mientras estuvo en Boston, expuso en su primera exposición colectiva en la Galería Boris Mirski e impartió clases de arte en el Norfolk House Center en Roxbury . [6] Mientras estaba en París, Kelly estableció su estética. [7] Asistió a clases con poca frecuencia, pero se sumergió en los ricos recursos artísticos de la capital francesa. [8] Había escuchado una conferencia de Max Beckmann sobre el artista francés Paul Cézanne en 1948 y se mudó a París ese año. [9] Allí conoció a sus compatriotas John Cage y Merce Cunningham , experimentando con la música y la danza, respectivamente; el artista surrealista francés Jean Arp ; y el escultor abstracto Constantin Brâncuși , cuya simplificación de las formas naturales tuvo un efecto duradero en él. [10] La experiencia de visitar a artistas como Alberto Magnelli , Francis Picabia , Alberto Giacometti y Georges Vantongerloo en sus estudios fue transformadora. [11]
Después de estar en el extranjero durante seis años, el francés de Kelly todavía era pobre y sólo había vendido un cuadro. En 1953 fue desalojado de su estudio y regresó a Estados Unidos al año siguiente. [12] Se interesó después de leer una reseña de una exposición de Ad Reinhardt , un artista con cuyo trabajo sentía que estaba relacionado. A su regreso a Nueva York, encontró el mundo del arte "muy duro". [1] Aunque Kelly ahora es considerado un innovador y contribuyente esencial al movimiento artístico estadounidense, fue difícil para muchos encontrar la conexión entre el arte de Kelly y las tendencias estilísticas dominantes. [7] En mayo de 1956, Kelly tuvo su primera exposición en la ciudad de Nueva York en la galería Betty Parsons . Su arte era considerado más europeo de lo que era popular en Nueva York en ese momento. Expuso nuevamente en su galería en el otoño de 1957. Tres de sus piezas: Atlantic , Bar y Painting in Three Panels, fueron seleccionadas y exhibidas en la exposición del Whitney Museum of American Art , "Young America 1957". Sus piezas fueron consideradas radicalmente diferentes de las obras de los otros veintinueve artistas. Se destacó especialmente la pintura en tres paneles, por ejemplo; En ese momento los críticos cuestionaron que creara una obra a partir de tres lienzos. [1] Por ejemplo, Michael Plante dijo que, la mayoría de las veces, las piezas de paneles múltiples de Kelly estaban apretadas debido a las restricciones de instalación, lo que reducía la interacción entre las piezas y la arquitectura de la habitación. [13]
Kelly finalmente se mudó de Coenties Slip , donde a veces había compartido estudio con su colega artista y amiga Agnes Martin , al noveno piso del estudio/cooperativo de gran altura Hotel des Artistes en 27 West 67th Street. [14]
Kelly dejó la ciudad de Nueva York para ir a Spencertown en 1970 y allí se unió a su socio, el fotógrafo Jack Shear, en 1984. [15] Desde 2001 hasta su muerte, Kelly trabajó en un estudio de 20.000 pies cuadrados en Spencertown reconfigurado y ampliado por el arquitecto. Richard Gluckman ; El estudio original había sido diseñado por los arquitectos Werner Feibes y James Schmitt, con sede en Schenectady , a cambio de una pintura específica del sitio que Kelly creó para ellos. [16] Kelly y Shear se mudaron en 2005 a la residencia que compartieron hasta la muerte del pintor, una casa colonial revestida de madera construida alrededor de 1815. [15] Shear se desempeña como directora de la Fundación Ellsworth Kelly. [11] En 2015, Kelly donó su concepto de diseño de edificio para un sitio de contemplación al Museo de Arte Blanton de la Universidad de Texas en Austin. Titulado Austin , el edificio de piedra de 2715 pies cuadrados, que cuenta con ventanas de vidrio de colores, una escultura totémica de madera y paneles de mármol blanco y negro, es el único edificio que diseñó Kelly y es su obra más monumental. [17] Austin , que Kelly diseñó treinta años antes, se inauguró en febrero de 2018. [18]
Kelly murió en Spencertown, Nueva York, el 27 de diciembre de 2015, a los 92 años. [19]
Mientras estaba en París, Kelly continuó pintando la figura, pero en mayo de 1949 realizó sus primeras pinturas abstractas. [2] Observando cómo la luz se dispersaba en la superficie del agua, pintó Sena (1950), compuesto por rectángulos blancos y negros dispuestos al azar. En 1951 inició una serie de ocho collages titulada Spectrum Colors Arranged by Chance I to VIII . Lo creó utilizando tiras de papel numeradas; cada uno se refería a un color, uno de los dieciocho tonos diferentes que se colocarían en una cuadrícula de 40 por 40 pulgadas. Cada uno de los ocho collages empleó un proceso diferente. [20]
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El descubrimiento de Kelly en 1952 de la última obra de Monet le infundió una nueva libertad de expresión pictórica: comenzó a trabajar en formatos extremadamente grandes y exploró los conceptos de serialidad y pinturas monocromáticas. [21] Como pintor trabajó a partir de entonces de forma exclusivamente abstracta. A finales de la década de 1950, su pintura enfatizaba la forma y las masas planas (a menudo asumiendo formatos no rectilíneos). Su trabajo de este período también proporcionó un puente útil desde la abstracción geométrica estadounidense de vanguardia de los años 1930 y principios de los 1940 hasta el minimalismo y el arte reduccionista de mediados de los años 1960 y 1970. [2] El cuadro en relieve de Kelly Blue Tablet (1962), por ejemplo, se incluyó en la exposición fundamental de 1963, Hacia una nueva abstracción , en el Museo Judío . [22]
Durante la década de 1960 empezó a trabajar con lienzos con ángulos irregulares. Yellow Piece (1966), el primer lienzo moldeado del artista, representa la ruptura fundamental de Kelly con el soporte rectangular y su redefinición de la relación figura/fondo de la pintura. Con sus esquinas curvas y su color único que lo abarca todo, el lienzo mismo se convierte en la composición, transformando la pared detrás de él en el fondo de la imagen. [23]
En la década de 1970 añadió formas curvas a su repertorio. [21] Green White (1968) marca la primera aparición del triángulo en la obra de Kelly, una forma que reaparece a lo largo de su carrera; La pintura se compone de dos lienzos monocromáticos con formas distintas, que se instalan uno encima del otro: un trapezoide verde invertido de gran escala se coloca verticalmente sobre un triángulo blanco más pequeño, formando una nueva composición geométrica. [24]
Después de dejar la ciudad de Nueva York para ir a Spencertown en 1970, alquiló un antiguo teatro en la cercana ciudad de Chatham, lo que le permitió trabajar en un estudio más espacioso que cualquiera que hubiera ocupado anteriormente. Después de trabajar allí durante un año, Kelly se embarcó en una serie de 14 pinturas que se convertiría en la Serie Chatham . Cada obra toma la forma de un codo invertido y está compuesta por dos lienzos unidos, cada lienzo monocromático de un color diferente. Las obras varían en proporción y paleta de una a otra; Se prestó especial atención al tamaño de cada panel y al color seleccionado para lograr equilibrio y contraste entre los dos. [25]
Gray, una serie más amplia de doce obras que Kelly comenzó en 1972 y no completó hasta 1983, fue concebida originalmente como una declaración contra la guerra y está vacía de color. [26] En 1979 utilizó curvas en pinturas bicolores hechas de paneles separados. [2]
En pinturas posteriores, Kelly destiló su paleta e introdujo nuevas formas. En cada obra partía de un lienzo rectangular que pintaba cuidadosamente con muchas capas de pintura blanca; Encima se coloca un lienzo moldeado, en su mayor parte pintado de negro. [27]
En referencia a su propio trabajo, Kelly dijo en una entrevista en 1996: "Creo que lo que todos queremos del arte es una sensación de fijeza, una sensación de oposición al caos de la vida diaria. Esto es una ilusión, por supuesto. El lienzo se pudre. Pintura cambia de color, pero sigues intentando congelar el mundo como si pudieras hacerlo durar para siempre. En cierto sentido, lo que he intentado capturar es la realidad del flujo, mantener el arte como una situación abierta e incompleta, llegar al final. arrobamiento de ver." [28]
Kelly comentó: "Me di cuenta de que no quería componer imágenes... quería encontrarlas. Sentí que mi visión era elegir cosas que había en el mundo y presentarlas. Para mí, la investigación de la percepción era de gran interés. Allí Había mucho que ver y todo me pareció fantástico". [28]
Kelly presentó dibujos de plantas y flores desde finales de la década de 1940 en adelante. [29] Ailanthus (1948) es el primer dibujo de plantas que realizó en Boston, Hyacinth (1949) fue el primero que hizo cuando estuvo en París. [30] A partir de 1949, mientras vivía en París (e influenciado en esta elección del tema por Henri Matisse y Jean Arp ), comenzó a dibujar formas simples de plantas y algas. [31] Los estudios de plantas son, en su mayor parte, dibujos de contornos de hojas, tallos y flores realizados con trazos limpios de lápiz o bolígrafo y centrados en la página. [32]
Se dedicó al grabado de manera concertada a mediados de la década de 1960, cuando produjo su Suite de veintisiete litografías (1964-1966) con Maeght Éditeur en París. Fue entonces cuando creó su primer grupo de litografías vegetales. [31] A partir de 1970 colaboró principalmente con Gemini GEL. Su serie inicial de 28 litografías por transferencia, titulada Suite of Plant Lithographs , marcó el comienzo de un corpus que crecería hasta 72 grabados e innumerables dibujos de follaje. [33] En 1971, completó cuatro ediciones de grabados y una edición del múltiple Mirrored Concorde en Gemini GEL [34] Su Púrpura/Rojo/Gris/Naranja (1988), con cinco metros y medio de largo, puede ser el más grande de un solo ejemplar. Litografía en hoja jamás realizada. [35] Sus ediciones recientes, The River , States of the River y River II , reflejan la fascinación por el agua que Kelly poseía desde sus primeros días en París. [36] En 1975, Kelly fue el primer artista en exponer para la serie MATRIX del Museo de Arte Wadsworth Atheneum. La exposición mostró la serie de dibujos Corn Stalk de Kelly y dos de sus esculturas de acero corte-diez de 1974. [37]
Aunque Kelly puede ser más conocido por sus pinturas, también trabajó en escultura a lo largo de su carrera. En 1958, Kelly concibió una de sus primeras esculturas de madera, Concorde Relief I (1958), un relieve de pared de modesta escala en olmo, que explora el juego visual y el equilibrio entre dos formas rectangulares superpuestas, la superior con su parte superior. -Se eliminaron las esquinas derecha e inferior izquierda. Realizó 30 esculturas en madera a lo largo de su carrera. [38] A partir de 1959, creó esculturas plegadas independientes. [39] La serie Rocker comenzó en 1959 después de la conversación informal de Kelly con Agnes Martin , que vivía debajo de él en Coenties Slip en el Bajo Manhattan. Jugando con la tapa de papel de una taza de café para llevar, Kelly cortó y dobló una sección del objeto redondo, que luego puso sobre la mesa y lo meció hacia adelante y hacia atrás. Poco después, construyó su primera escultura circular, Pony . El título hace referencia a un caballo de juguete para niños con balancines curvos. [40]
En 1973, Kelly comenzó a realizar esculturas al aire libre a gran escala con regularidad. Kelly renunció a las superficies pintadas y optó por acero, aluminio o bronce sin barnizar, [41] a menudo en configuraciones tipo tótem, como la Curva XXIII (1981). Si bien las formas totémicas de sus esculturas independientes pueden medir hasta 15 pies de alto, los relieves de sus paredes pueden abarcar más de 14 pies de ancho. [38] La escultura de Kelly "se basa en su adhesión a la absoluta simplicidad y claridad de forma". [42] Para sus esculturas de la década de 1980, durante este período de su estancia en Spencertown, el artista dedicó por primera vez tanta energía a sus esculturas como a su pintura, y en el proceso produjo más del sesenta por ciento de sus 140 esculturas totales. [40] Kelly creó sus piezas utilizando una sucesión de ideas en diversas formas. Podría haber comenzado con un dibujo, mejorarlo para crear una impresión, tomar la impresión y crear una pieza independiente, que luego se convirtió en una escultura. Sus esculturas pretenden ser completamente simples y pueden verse rápidamente, a menudo con solo un vistazo. El espectador observa superficies lisas, planas y aisladas del espacio que las rodea. Esta sensación de planitud y minimalismo hace que sea difícil distinguir entre el primer plano y el fondo. [42] El Disco Azul de Kelly se incluyó en la exposición fundamental de 1966 en el Museo Judío de Nueva York titulada Estructuras Primarias , junto con muchos artistas mucho más jóvenes que recién comenzaban a trabajar con formas mínimas. [ cita necesaria ]
William Rubin señaló que "el desarrollo de Kelly había estado decididamente dirigido hacia adentro: ni una reacción al expresionismo abstracto ni el resultado de un diálogo con sus contemporáneos". [43] Muchas de sus pinturas consisten en un solo color (generalmente brillante), y algunos lienzos tienen formas irregulares, a veces llamados " lienzos con forma ". La calidad de las líneas que se ven en sus pinturas y en la forma de sus lienzos moldeados es muy sutil e implica perfección. Así lo demuestra en su obra Block Island Study (1959). [ cita necesaria ]
Se ha sugerido que la experiencia de Kelly en el ejército es una fuente de la seriedad de sus obras. [1] Mientras cumplía condena en el ejército, Kelly estuvo expuesto e influenciado por el camuflaje con el que trabajaba su batallón específico. Esto le enseñó sobre el uso de la forma y la sombra, así como sobre la construcción y deconstrucción de lo visible. Fue fundamental para su educación temprana como artista. Ralph Coburn, un amigo de Kelly de Boston, le presentó la técnica del dibujo automático durante una visita a París. Kelly adoptó esta técnica de crear una imagen sin mirar la hoja de papel. Estas técnicas ayudaron a Kelly a relajar su estilo de dibujo y ampliaron su aceptación de lo que él creía que era arte. [1] Durante su último año en París, Kelly estuvo enfermo y también sufrió depresión; Sims pensó que eso influyó en su uso predominante del blanco y negro durante ese período. [42]
La admiración de Kelly por Henri Matisse y Pablo Picasso es evidente en su obra. Se entrenó a sí mismo para ver las cosas de diversas maneras y trabajar en diferentes medios debido a su inspiración. [7] Piet Mondrian influyó en las formas no objetivas que utilizó tanto en sus pinturas como en sus esculturas. [7] Kelly fue influenciado por primera vez por el arte y la arquitectura de las épocas románica y bizantina mientras estudiaba en París. Su introducción al surrealismo y al neoplasticismo influyó en su obra y le llevó a probar la abstracción de las formas geométricas. [7]
En 2014, Kelly organizó una exposición de dibujos de Matisse en el Museo de Arte de Mount Holyoke College en South Hadley, Massachusetts . [44] En 2015, fue curador de "Monet/Kelly" en el Clark Art Institute . [45]
En 1990, Kelly fue curador de la exposición "Artist's Choice: Ellsworth Kelly Fragmentation and the Single Form", en el Museo de Arte Moderno.
En 1956 conoció a Robert Indiana , quien se mudó al mismo edificio y se convirtieron en socios. Kelly se convirtió en su mentora. Se separaron alrededor de 1964. Una de las razones fue el uso de palabras por parte de Indiana en sus pinturas y Kelly consideraba que esa técnica no era digna de un gran arte. [46]
Desde 1984 hasta su muerte, Kelly vivió con su marido, el fotógrafo Jack Shear, quien se desempeña como director de la Fundación Ellsworth Kelly. [47] [48] [49]
La primera exposición individual de Kelly se llevó a cabo en la Galerie Arnaud, París, en 1951. Su primera exposición individual en Nueva York se llevó a cabo en la Galería Betty Parsons en 1956. En 1957, mostró obras en una exposición colectiva en la Galería Ferus , Los Ángeles. . [51] En 1959 fue incluido en la innovadora exposición del Museo de Arte Moderno , Dieciséis americanos. [52] Kelly fue invitado a exponer en la Bienal de São Paulo en 1961. Su trabajo se incluyó posteriormente en la documenta en 1964, 1968, 1977, 1992. Se incluyó una sala de sus pinturas en la Bienal de Venecia de 2007 .
La primera retrospectiva de Kelly se celebró en el Museo de Arte Moderno en 1973. Desde entonces, su trabajo ha sido reconocido en numerosas exposiciones retrospectivas, incluida una exposición de escultura en el Museo Whitney de Arte Americano , Nueva York, en 1982; una exposición de obras sobre papel y una muestra de sus obras impresas que viajaron extensamente por los Estados Unidos y Canadá entre 1987 y 1988; y una retrospectiva de su carrera en 1996 organizada por el Museo Solomon R. Guggenheim , que viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, la Tate Gallery de Londres y la Haus der Kunst de Munich. Desde entonces, se han realizado exposiciones individuales de la obra de Kelly en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (1998), el Museo de Arte Fogg de Cambridge (1999), el Museo de Arte Moderno de San Francisco (1988/2002), el Museo de Arte de Filadelfia ( 2007) y Museo de Arte Moderno de Nueva York (2007). [53]
En 1993 la Galerie nationale du Jeu de Paume de París montó la exposición "Ellsworth Kelly: The French Years, 1948–54", basada en la relación del artista con la ciudad, que viajó a la Galería Nacional de Arte , Washington DC; En 2008, el Museo de Orsay rindió homenaje a Kelly con la exposición "Correspondencias: Paul Cézanne Ellsworth Kelly". [54] Haus der Kunst exhibió la primera retrospectiva completa de las obras en blanco y negro de Kelly en 2012. [55]
Con motivo del 90 cumpleaños del artista en 2013, la Galería Nacional de Arte de Washington montó una exposición de sus grabados; la Fundación Barnes de Filadelfia reunió cinco esculturas en una exposición; la Colección Phillips de Washington expuso sus pinturas sobre tabla; y el Museo de Arte Moderno inauguró una muestra de la "Serie Chatham". [56]
En 2023, el Museo Glenstone en Potomac, Maryland, organizó una retrospectiva titulada "Ellsworth Kelly at 100" y estaba previsto que viajara a París y Doha . [57]
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En 1957, Kelly recibió el encargo de producir una escultura mural de 65 pies de largo para el edificio de transporte del Penn Center en Filadelfia, su obra más grande hasta esa fecha. En gran parte olvidada, la escultura titulada Escultura para un gran muro (1957) fue finalmente desmantelada. Desde entonces, Kelly ha ejecutado muchos encargos públicos, incluido Wright Curve (1966), una escultura de acero diseñada para su instalación permanente en el Teatro Peter B. Lewis del Guggenheim; [58] un mural para la sede de la UNESCO en París en 1969; Curva XXII (Lo haré) en Lincoln Park en Chicago en 1981; un encargo de 1985 de IM Pei para el edificio Raffles City en Singapur; el Tríptico de Houston , planos verticales de bronce montados sobre una altura de hormigón en el Museo de Bellas Artes de Houston , en 1986; Totem (1987), escultura para el Parc de la Creueta del Coll , Barcelona; los Dallas Panels (Blue Green Black Red) (1989) para el Centro Sinfónico Morton H. Meyerson , Dallas; [59] una escultura de 1989 para la sede de Nestlé en Vevey , Suiza; [34] Galia (1993), una escultura monumental encargada por el Instituto de Arte Contemporáneo, Nimes, Francia; un monumento en dos partes para el Museo Conmemorativo del Holocausto de los Estados Unidos , Washington, DC, en 1993; y paneles de Berlín a gran escala para el Deutscher Bundestag , Berlín, en 1998. Para el Palacio de Justicia de los Estados Unidos John Joseph Moakley (diseñado por Henry N. Cobb ) en Boston diseñó The Boston Panels, 21 paneles de aluminio de colores brillantes instalados en la rotonda central. como una sola obra en todo el edificio. [60]
En 2013, a Ellsworth Kelly se le encargó la obra "Spectrum VIII" (terminada en 2014), una pintura de varios paneles a gran escala que sirve como telón para el Auditorio diseñado por Frank Gehry en la Fundación Louis Vuitton , París. Véase "Ellsworth Kelly", Francesca Pietropaolo ed., Cahiers de la Fondation, n.º 1, (París: Fondation Louis Vuitton, 2014).
Blue Black (2001), de dos paneles de Kelly , de 28 pies de alto y hecho de aluminio pintado en forma de panal, fue encargado para la Pulitzer Arts Foundation , St. Louis, [61] y el bronce a gran escala Sin título (2005) fue encargado específicamente para la Patio de la Colección Phillips . [62] En 2005, Renzo Piano le encargó a Kelly el único trabajo específico para el ala moderna del Instituto de Arte de Chicago . Creó White Curve, la escultura de pared más grande que jamás haya hecho, que se exhibe desde 2009. [63] Kelly instaló Berlin Totem , una escultura de acero inoxidable de 40 pies, en el patio de la Embajada de los Estados Unidos en Berlín . en 2008. [64]
En 1986, Kelly concibió su primer edificio independiente para un coleccionista privado, pero nunca se realizó. Recién en 2015, el Museo de Arte Blanton adquirió su diseño para un edificio de piedra de 2,715 pies cuadrados, que incluye 14 paneles de mármol blanco y negro y ventanas de vidrio de colores, y planea construirlo en los terrenos del museo en la Universidad de Texas. Austin . [65] El edificio se abrió al público el 18 de febrero de 2018. Una obra de arte y arquitectura, Austin , se considera la culminación de la carrera de Kelly. [66]
Kelly recibió el encargo de crear una gran escultura al aire libre en 1968 para la Colección de Arte Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza en Albany, Nueva York. La escultura titulada Yellow Blue se inspiró en el entorno del Empire State Plaza y es la escultura en pie más grande de Kelly, con nueve pies de alto y casi dieciséis pies de ancho. Yellow Blue fue su primera escultura en acero y sigue siendo la única hasta la fecha en acero pintado. [67]
En 1957, el Museo Whitney de Arte Americano compró un cuadro, Atlántico , que representaba dos arcos blancos en forma de ondas contra un negro sólido; fue la primera compra de Kelly en un museo. [68] Hoy en día, su obra se encuentra en muchas colecciones públicas, incluidas las del Centro Pompidou , París, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid, la Colección de Arte Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza , Albany, Nueva York, The Hyde Collection , Glens Falls, Nueva York, y Tate Modern , Londres. En 1999, el Museo de Arte Moderno de San Francisco anunció que había comprado 22 obras, pinturas, relieves murales y esculturas, de Ellsworth Kelly. Han sido valorados en más de 20 millones de dólares. [69] En 2003, la Colección Menil recibió la Tableta de Kelly, 188 obras enmarcadas en papel, incluidos bocetos, dibujos de trabajo y collages. [70] Los coleccionistas privados notables incluyen, entre otros, Eli Broad y Gwyneth Paltrow . [14]
Kelly también ha recibido numerosos títulos honoríficos, entre otros, del Bard College (1996), Annandale-on-Hudson, Nueva York; [73] Real Colegio de Arte , Londres (1997); [34] Universidad de Harvard , Cambridge (2003); y Williams College (2005). [74]
El Servicio Postal de los Estados Unidos anunció en enero de 2019 que en 2019 se emitiría un conjunto de sellos en honor a la obra de arte de Kelly. El comunicado de prensa del USPS reconoce el liderazgo de Kelly en un "estilo distintivo de abstracción basado en elementos reales reducidos a sus formas esenciales". Están representadas diez obras, entre ellas Yellow White, Colors for a Large Wall, Blue Red Rocker, Spectrum I, South Ferry, Blue Green, Orange Red Relief (para Delphine Seyrig), Meschers, Red Blue y Gaza. [75] [76] El juego de sellos fue emitido el 31 de mayo de 2019. [77]
La marchante Betty Parsons le ofreció por primera vez una exposición individual en 1956. En 1965, después de casi una década con Parsons, comenzó a exponer en la Sidney Janis Gallery . [68] En las décadas de 1970 y 1980, su trabajo fue realizado conjuntamente por Leo Castelli y Blum Helman en Nueva York. [68] En 1992, se unió a la Matthew Marks Gallery , Nueva York y Los Ángeles, y a la Anthony d'Offay Gallery en Londres. La fachada de la galería de Marks en Los Ángeles se inspiró en Study for Black and White Panels , un collage que hizo mientras vivía en París en 1954, y en una pintura, Black Over White . [78] A partir de 1964 produjo grabados y editó esculturas en Gemini GEL en Los Ángeles y Tyler Graphics Ltd cerca de la ciudad de Nueva York.
En 2014, el cuadro Red Curve (1982) de Kelly se vendió en una subasta por 4,5 millones de dólares en Christie's Nueva York. [79] Ese récord de subasta para una obra de Ellsworth Kelly lo estableció la pintura de 13 partes Spectrum VI (1969), que se vendió por 5,2 millones de dólares en la venta de la Noche de Arte Contemporáneo de Sotheby's en Nueva York, el 14 de noviembre de 2007. [80]
En noviembre de 2019, Christie's estableció un récord en una subasta para el artista con la obra Red Curve VII , vendida por 9,8 millones de dólares. [81]
