Una cultura teatral floreció en la antigua Grecia desde el año 700 a.C. En su centro estaba la ciudad-estado de Atenas , que se convirtió en un importante lugar cultural, político y religioso durante este período, y allí se institucionalizó el teatro como parte de un festival llamado Dionisio , que honraba al dios Dioniso . La tragedia (finales del 500 a. C.), la comedia (490 a. C.) y la obra satírica fueron los tres géneros dramáticos que surgieron allí. Atenas exportó el festival a sus numerosas colonias. El teatro occidental moderno proviene, en gran medida, del teatro de la antigua Grecia, del que toma prestada la terminología técnica, la clasificación en géneros y muchos de sus temas , personajes comunes y elementos argumentales.
La palabra τραγῳδία , tragoidia , de la que se deriva la palabra " tragedia ", es un compuesto de dos palabras griegas : τράγος , tragos o "cabra" y ᾠδή , oda que significa "canción", de ἀείδειν , aeidein , 'cantar'. [1]
Esta etimología indica un vínculo con las prácticas de los antiguos cultos dionisíacos . Es imposible, sin embargo, saber con certeza cómo estos rituales de fertilidad se convirtieron en la base de la tragedia y la comedia . [2]
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Los griegos valoraban el poder de la palabra hablada y era su principal método de comunicación y narración. Bahn y Bahn escriben: "Para los griegos, la palabra hablada era algo vivo e infinitamente preferible a los símbolos muertos de una lengua escrita". El propio Sócrates creía que una vez que algo se escribe, pierde su capacidad de cambio y crecimiento. Por estas razones, entre muchas otras, la narración oral floreció en Grecia. [4]
La tragedia griega, tal como se la conoce actualmente, se creó en Atenas alrededor del año 532 a. C., cuando Tespis fue el primer actor registrado. Al ser ganador del primer concurso teatral celebrado en Atenas, fue el exarcón , o líder, [5] de los ditirambos representados en el Ática y sus alrededores, especialmente en las Dionisias Rurales . En la época de Tespis, el ditirambo había evolucionado muy lejos de sus raíces de culto. Bajo la influencia de la épica heroica, la lírica coral dórica y las innovaciones del poeta Arión , se había convertido en un género narrativo parecido a una balada. Debido a esto, a Tespis a menudo se le llama el "inventor de la tragedia"; sin embargo, se discute su importancia, y Tespis a veces figura en el puesto 16 en el orden cronológico de los trágicos griegos; al estadista Solón , por ejemplo, se le atribuye la creación de poemas en los que los personajes hablan con su propia voz, y las representaciones habladas de las epopeyas de Homero a cargo de rapsodas eran populares en los festivales anteriores al 534 a.C. [6] Por lo tanto, la verdadera contribución de Tespis al drama no está clara en el mejor de los casos, pero a su nombre se le ha dado una vida más larga, en inglés, como un término común para intérprete, es decir, "actor".
Las representaciones dramáticas eran importantes para los atenienses, como lo demuestra la creación de un concurso y festival de tragedia en la ciudad Dionysia (o Gran Dionysia). Ésta se organizó posiblemente para fomentar la lealtad entre las tribus del Ática (recientemente creada por Clístenes ). El festival se creó aproximadamente alrededor del 508 a.C. Si bien no existen textos dramáticos del siglo VI a. C., se conocen los nombres de tres competidores además de Tespis: Choerilus, Pratinas y Phrynichus . A cada uno se le atribuyen diferentes innovaciones en el campo.
Se conoce alguna información sobre Phrynichus. Ganó su primera competición entre el 511 a.C. y el 508 a.C. Produjo tragedias sobre temas y temas posteriormente explotados en el Siglo de Oro como las Danaidas , las Mujeres Fenicias y Alcestis . Fue el primer poeta que conocemos que utilizó un tema histórico: su Caída de Mileto , escrita en 493-492, narra el destino de la ciudad de Mileto después de que fuera conquistada por los persas. Heródoto informa que "los atenienses dejaron claro su profundo dolor por la toma de Mileto de muchas maneras, pero especialmente en ésta: cuando Frínico escribió una obra titulada La caída de Mileto y la representó, todo el teatro se echó a llorar; multaron a Frínico con una mil dracmas por recordar una calamidad que los afectó tan personalmente y les prohibió para siempre la representación de esa obra". [7] También se cree que es el primero en utilizar personajes femeninos (aunque no intérpretes femeninas). [8]
Hasta el período helenístico , todas las tragedias eran piezas únicas escritas en honor a Dioniso y representadas una sola vez; Lo que hoy se conserva principalmente son las piezas que todavía se recordaban lo suficientemente bien como para haber sido repetidas cuando se puso de moda la repetición de viejas tragedias (los accidentes de la supervivencia, así como los gustos subjetivos de los bibliotecarios helenísticos más adelante en la historia griega, también jugaron un papel importante). papel en lo que sobrevivió de este período).
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Después de la destrucción aqueménida de Atenas en 480 a. C., la ciudad y la acrópolis fueron reconstruidas, y el teatro se formalizó y se convirtió en una parte aún mayor de la cultura y el orgullo cívico ateniense. Este siglo se considera normalmente como la Edad de Oro del drama griego. La pieza central del Dionysia anual , que tenía lugar una vez en invierno y otra en primavera, era un concurso entre tres dramaturgos trágicos en el Teatro de Dionisio . Cada uno presentó tres tragedias, además de una obra satírica (una versión cómica y burlesca de un tema mitológico). A partir de un primer concurso en el año 486 a. C., cada dramaturgo presentó una comedia. [9] Aristóteles afirmó que Esquilo añadió el segundo actor ( deuteragonista ), y que Sófocles introdujo el tercero ( tritagonista ). Al parecer los dramaturgos griegos nunca utilizaron más de tres actores según lo que se sabe sobre el teatro griego. [10]
La tragedia y la comedia se consideraban géneros completamente separados y ninguna obra fusionó aspectos de los dos. Las obras de sátiro trataban el tema mitológico de las tragedias, pero de una manera puramente cómica.
El poder de Atenas decayó tras su derrota en la Guerra del Peloponeso contra Esparta . A partir de ese momento, el teatro volvió a representar viejas tragedias. Aunque sus tradiciones teatrales parecen haber perdido su vitalidad, el teatro griego continuó en el período helenístico (el período que siguió a las conquistas de Alejandro Magno en el siglo IV a. C.).
La principal forma teatral helenística no fue la tragedia sino la comedia nueva , episodios cómicos sobre la vida de ciudadanos corrientes. El único dramaturgo que se conserva de la época es Menandro . Una de las contribuciones más importantes de la Comedia Nueva fue su influencia en la comedia romana, influencia que se puede ver en las obras supervivientes de Plauto y Terencio .
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La mayoría de las ciudades griegas antiguas se encontraban sobre colinas o cerca de ellas, por lo que los asientos generalmente se construían en la ladera de una colina, produciendo un área de observación natural conocida como theatron ( literalmente "lugar de observación"). En las ciudades sin colinas adecuadas se amontonaron bancos de tierra. [11] Al pie de la colina había un espacio de actuación aplanado, generalmente circular, con un diámetro promedio de 78 pies (24 m), [ cita necesaria ] conocida como la orquesta (literalmente "lugar de baile"), [11] donde Un coro formado normalmente por entre 12 y 15 personas [12] interpretó obras en verso acompañadas de música. A menudo había entradas altas y arqueadas llamadas parodoi o eisodoi , a través de las cuales los actores y miembros del coro entraban y salían de la orquesta. En algunos teatros, detrás de la orquesta, había un telón de fondo o muro escénico conocido como skené .
El término teatro finalmente llegó a significar toda el área de theatron , orquesta y skené .
El teatro era la zona de asientos, construida en una colina para crear un espacio de observación natural. Los primeros asientos en los teatros griegos (además de sentarse en el suelo) eran de madera, pero alrededor del 499 a. C. se volvió más común la práctica de incrustar bloques de piedra en la ladera de la colina para crear asientos permanentes y estables. Se llamaban prohedria y estaban reservadas a los sacerdotes y a unos pocos ciudadanos muy respetados. El diazoma separaba las zonas de asientos superior e inferior.
Después del 465 a. C., los dramaturgos comenzaron a utilizar un telón de fondo o pared escénica, llamado skené (de donde deriva la palabra escena ), que colgaba o se colocaba detrás de la orquesta, y que también servía como zona donde los actores podían cambiarse de vestuario. Después del 425 a. C., un muro de piedra, llamado paraskenia , se convirtió en un complemento común del skené . La paraskenia era una pared larga con lados salientes, que pudo haber tenido puertas de entrada y salida. Justo detrás de la paraskenia estaba el proskenion ("frente a la escena"), que es similar al proscenio moderno . El piso superior se llamaba episkenion . Algunos teatros también tenían un lugar elevado para hablar en la orquesta llamado logeion . A finales del siglo V a.C., en la época de la Guerra del Peloponeso, el skené tenía dos pisos de altura.
La muerte de un personaje siempre se escuchaba detrás del skené , pues se consideraba inapropiado mostrar una matanza a la vista del público. [ cita necesaria ] Por el contrario, existen argumentos académicos de que la muerte en la tragedia griega se retrató fuera del escenario principalmente debido a consideraciones dramáticas, y no a la mojigatería o sensibilidad de la audiencia. [13]
Un templo cercano, especialmente en el lado derecho del escenario, casi siempre forma parte del complejo del teatro griego. Esto podría justificar, como transposición, la recurrencia del frontón con la posterior escena de piedra solidificada. [14]
La orquesta era un terreno circular al pie del teatro donde actuaban el coro y los actores; la palabra significa "espacio de baile", ya que el coro también bailaba en las primeras épocas. [15] El teatro griego, que originalmente no estaba elevado, incorporaría más tarde un escenario elevado para facilitar la visualización. Esta práctica se volvería común después de la llegada de la "Comedia Nueva", que incorporaba representaciones dramáticas de personajes individuales. El corifeo era el jefe del coro, que podía entrar en la historia como un personaje capaz de interactuar con los personajes de una obra de teatro. Las obras a menudo comenzaban por la mañana y duraban hasta la noche.
Los teatros se construyeron a gran escala para dar cabida a un gran número de personas en el escenario y entre el público: hasta catorce mil [ ¿cuáles? ] . La física y las matemáticas jugaron un papel importante en la construcción de estos teatros, ya que sus diseñadores debían poder crear en ellos una acústica tal que las voces de los actores pudieran escucharse en todo el teatro, incluida la fila superior de asientos. La comprensión de la acústica por parte de los griegos se compara muy favorablemente con el estado actual de la técnica [ dudoso ] .
Había varios elementos escénicos comúnmente utilizados en el teatro griego:
El término griego antiguo para máscara es prosopon (literalmente, "rostro"), [16] y fue un elemento importante en la adoración de Dioniso en Atenas , probablemente utilizado en ritos ceremoniales y celebraciones. Muchas máscaras adoraban al poder superior, los dioses, por lo que las máscaras también eran muy importantes para la religión. La mayor parte de la evidencia proviene sólo de unas pocas pinturas de vasijas del siglo V a. C., como una que muestra una máscara del dios suspendida de un árbol con una túnica decorada colgando debajo y bailando y el jarrón Pronomos , [17] que representa a actores preparándose. para una obra de sátiro . [18] No tenemos ninguna evidencia física disponible, ya que las máscaras estaban hechas de materiales orgánicos y no se consideraban objetos permanentes, y finalmente se dedicaban en el altar de Dioniso después de las representaciones. Sin embargo, se sabe que la máscara se ha utilizado desde la época de Esquilo y se considera una de las convenciones icónicas del teatro griego clásico. [19]
También se hicieron máscaras para los miembros del coro, que participan en la acción y comentan los acontecimientos en los que se ven envueltos. Aunque hay doce o quince miembros del coro trágico, todos llevan la misma máscara porque se considera que representan a un personaje.
Las ilustraciones de máscaras teatrales del siglo V muestran máscaras en forma de casco, que cubren toda la cara y la cabeza, con agujeros para los ojos y una pequeña abertura para la boca, así como una peluca integrada. Estas pinturas nunca muestran máscaras reales de los actores en la actuación; La mayoría de las veces se los muestra siendo manipulados por los actores antes o después de una actuación. Esto demuestra la forma en que la máscara debía "fundirse" en el rostro y permitir que el actor desapareciera en el papel. [20] Efectivamente, la máscara transformó al actor tanto como la memorización del texto. Por tanto, la actuación en la antigua Grecia no distinguía al actor enmascarado del personaje teatral.
Los fabricantes de máscaras eran llamados skeuopoios o "fabricantes de accesorios", lo que sugiere que su función abarcaba múltiples deberes y tareas. Lo más probable es que las máscaras estuvieran hechas de materiales orgánicos livianos como lino rígido, cuero, madera o corcho, y la peluca estaba hecha de cabello humano o animal. [21] Debido a las restricciones visuales impuestas por estas máscaras, era imperativo que los actores escucharan para orientarse y equilibrarse. Así, se cree que las orejas estaban cubiertas por cantidades sustanciales de pelo y no por el casco-máscara en sí. La apertura de la boca era relativamente pequeña, lo que impedía que se viera durante las actuaciones. Vervain y Wiles postulan que este pequeño tamaño desalienta la idea de que la máscara funcionara como un megáfono, tal como se presentó originalmente en la década de 1960. [18] El fabricante de máscaras griego Thanos Vovolis sugiere que la máscara sirve como resonador para la cabeza, mejorando así la acústica vocal y alterando su calidad. Esto conduce a una mayor energía y presencia, permitiendo una metamorfosis más completa del actor en su personaje. [22]
En un gran teatro al aire libre, como el Teatro de Dioniso en Atenas , las máscaras clásicas eran capaces de crear una sensación de pavor en el público creando pánico a gran escala, especialmente porque tenían rasgos y expresiones faciales intensamente exageradas. [22] Permitieron que un actor apareciera y reapareciera en varios roles diferentes, evitando así que la audiencia identificara al actor con un personaje específico. Sus variaciones ayudan al público a distinguir sexo, edad y estatus social, además de revelar un cambio en la apariencia de un personaje en particular, por ejemplo, Edipo después de cegarse. [23] También se crearon máscaras únicas para personajes y eventos específicos de una obra, como las Furias en Euménides de Esquilo y Penteo y Cadmo en Las Bacantes de Eurípides . Usadas por el coro, las máscaras crearon una sensación de unidad y uniformidad, al tiempo que representaban una persona de múltiples voces u organismo único y simultáneamente fomentaban la interdependencia y una mayor sensibilidad entre cada individuo del grupo. Sólo se permitían subir al escenario de 2 a 3 actores a la vez, y las máscaras permitían transiciones rápidas de un personaje a otro. Sólo había actores masculinos, pero las máscaras les permitían interpretar personajes femeninos.
El método moderno de interpretar un papel cambiando entre unos pocos personajes simples se remonta al cambio de máscaras en el teatro de la antigua Grecia. [24]
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Los actores de estas obras que tenían papeles trágicos llevaban botas llamadas cothurnus ( buskin ), que los elevaban por encima de los demás actores. Los actores con papeles cómicos sólo llevaban un zapato de suela fina llamado soccus o calcetín. Por esta razón, al arte dramático a veces se le llama " calcetín y cotorro ".
Los actores masculinos que interpretaban papeles femeninos llevaban una estructura de madera en el pecho ( posterneda ) para imitar el aspecto de los senos y otra estructura en el estómago ( progastreda ) para hacerlos parecer más suaves y femeninos. También usarían medias blancas debajo de sus disfraces para que su piel pareciera más clara.
La mayoría de los detalles del vestuario provienen de pinturas de cerámica de esa época, ya que los disfraces y máscaras se fabricaban con material desechable, por lo que hay pocos o ningún resto de trajes de esa época. La mayor fuente de información es el jarrón Pronomos, donde se pinta a los actores en la fiesta posterior al espectáculo.
El vestuario emitiría una sensación de carácter, como género, edad, estatus social y clase. Por ejemplo, los personajes de clase alta estarían vestidos con ropa más bonita, aunque todos vestían bastante bien. Contrariamente a la creencia popular, no se vestían sólo con harapos y sandalias, ya que querían impresionar. Algunos ejemplos de vestuario teatral griego incluyen túnicas largas llamadas quitones que llegaban hasta el suelo para los actores que interpretaban a dioses, héroes y ancianos. Los actores que interpretaban a diosas y personajes femeninos que tenían mucho poder vestían de color púrpura y dorado. Los actores que interpretaban a reinas y princesas vestían capas largas que se arrastraban por el suelo y estaban decoradas con estrellas doradas y otras joyas, y los guerreros vestían una variedad de armaduras y llevaban cascos adornados con plumas. Se suponía que los disfraces debían ser coloridos y obvios para que todos los asientos del público los vieran fácilmente. [ cita necesaria ]
