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El arte serbio se refiere a las artes visuales de los serbios y su estado-nación Serbia . El patrimonio medieval incluye el arte bizantino , preservado en la arquitectura, frescos e íconos de los numerosos monasterios ortodoxos serbios. En el período moderno temprano, las artes visuales serbias comenzaron a recibir la influencia del arte occidental, culminando en la monarquía de los Habsburgo a fines del siglo XVIII. El comienzo del arte serbio moderno se ubica en el siglo XIX. Muchos monumentos y obras de arte serbios se han perdido para siempre debido a varias guerras y marginaciones en tiempos de paz. [1]
En Serbia se ha descubierto la civilización más antigua de Europa , concretamente la cultura de Lepenski Vir y Vinča . En Serbia, los sitios arqueológicos de importancia excepcional (Serbia) son numerosos y tienen el mayor nivel de protección estatal según la Ley de Patrimonio Cultural. Véase: Sitios prehistóricos en Serbia y Prehistoria del sudeste de Europa para ver los artefactos y esculturas encontrados en los sitios arqueológicos de Lepenski Vir.
Geográficamente, Serbia siempre fue parte del Imperio Romano, ya fuera gobernado desde Roma o desde Bizancio . Las ruinas romanas se encuentran por toda la península de los Balcanes .
Sabemos poco sobre la vida de los pintores, artesanos ( grabadores , orfebres , tallistas ), constructores/arquitectos de la Serbia medieval, sobre sus estudios, sus escuelas y sus encargos. Sin embargo, poco a poco vamos aprendiendo. Pero a lo largo de siglos de experiencia en la pintura de frescos, miniaturas, iconos e iconostasios , sin duda surgieron talleres de arte y artesanía donde una generación más joven de pintores y artesanos expertos pudo aprender las técnicas de los maestros.
La arquitectura eclesiástica se desarrolló bajo el patrocinio del estado medieval serbio. La pieza más distintiva de la arquitectura medieval serbia fue el monasterio de Studenica, fundado por Stefan Nemanja , el fundador de la dinastía Nemanjić en 1166. Este monasterio también contaba con importantes obras de arte, incluidas sus pinturas al fresco de estilo bizantino . Su iglesia también cuenta con extensas esculturas basadas en los Salmos y la Dormición de la Theotokos . La UNESCO añadió este monasterio a su lista de sitios del Patrimonio Cultural de la Humanidad en 1986. Fue el modelo para otros monasterios en Mileševa , Sopoćani y Visoki Dečani . La influencia del arte bizantino se hizo más influyente después de la captura de Constantinopla en 1204 en la Cuarta Cruzada , cuando muchos artistas griegos huyeron a Serbia. Su influencia se puede ver en la Iglesia de la Ascensión en Mileševa, así como en las pinturas murales de la Iglesia de los Santos Apóstoles en Peć y en el Monasterio de Sopoćani. Los iconos y frescos también formaban una parte importante del arte eclesiástico. En aquella época , Stefan Vladislav fundó en Raška un monasterio y una iglesia en Mileševa, donde tres de sus pintores de la corte -Demetrius , George y Theodore- trabajaron en la pintura mural al margen de la estricta tradición del derecho canónico. [2] La influencia de la arquitectura bizantina alcanzó su apogeo después de 1300, incluida la reconstrucción de Nuestra Señora de Ljeviš (ca. 1306-1307) y San Jorge en Staro Nagoričane , así como el monasterio de Gračanica . Las pinturas decorativas de las iglesias y las artes y artesanías religiosas también se desarrollaron aún más en este período. Los pintores más destacados de la época fueron Miguel Astrapas y Eutiquio (fl. 1294-1317), Grigorije (1333), Jovan Teorijan (fl. 1345-1350), el monje Markarije (fl. 1366-1378) y antes de ellos, el diácono Jovan (fl. 1266-1271), Rufin (fl. 1271) [3]
El icono de la Santísima Virgen Pelagonitissa , que data de 1421, se considera uno de los últimos logros destacados de la pintura de iconos, una representación de la iconografía bizantina aún viva en ese momento. Su autor Makarije Zograf (1380-1422) trabajó en el icono de la Iglesia de la Transfiguración en el monasterio del pueblo de Zrze , cerca de Prilep , y muchos otros monasterios serbios durante el siglo XV. Makarije Zograf y su hermano, el metropolitano Jovan Zograf (1380-1422) cuidaron la dotación del monasterio hasta que fue transferida a Constantino, el jefe del pueblo ( kmet ). [4] También estaban Aleksije (fl. 1350), el hieromonje Grigorije (1380-1420), el monje Joanikije (fl. 1410), pero muchos no firmaron sus obras, pero no son difíciles de identificar debido a su calidad inigualable que no se puede confundir con otra escuela.
El monasterio Visoki Dečani en Metohija fue construido entre 1330 y 1350. A diferencia de otros monasterios serbios de la época, fue construido con características románicas por maestros constructores bajo el monje Vito de Kotor . Sus frescos presentan 1000 retratos que representan todos los temas principales del Nuevo Testamento. La catedral cuenta con iconostasio , trono del hegumen y sarcófago real tallado. En 2004, la UNESCO incluyó el monasterio Dečani en la Lista del Patrimonio Mundial. [5]
A finales del siglo XIV, cuando el estado serbio se incorporó a la cuenca del río Morava, se produjo otra oleada de construcción de iglesias. El príncipe Stefan Lazarević, poeta y mecenas de las artes, fundó la iglesia de Resava , en el río Morava, con pinturas murales que representan parábolas de Cristo y personas representadas con trajes feudales serbios.
Los manuscritos fueron otra característica significativa del arte medieval serbio. El Evangelio de Miroslav presenta una caligrafía y miniaturas lujosas y es una obra de arte significativa, así como una obra literaria notable. El Salterio de Chludov, que data del siglo XIV, está bellamente decorado y probablemente fue propiedad de un noble de alto rango. Los príncipes serbios eran bien conocidos en el siglo XV por apoyar los manuscritos empleando escribas y artistas para crear manuscritos además de iconos y frescos. Lovro Dobričević (1420-1478) de Kotor fue un pintor veneciano de origen serbio, aunque católico romano de confesión, que comenzó a pintar en el monasterio ortodoxo serbio de Savina en Zeta y el Despotado Serbio (ahora Montenegro ) a mediados del siglo XV. [6]
Más tarde, en el siglo XIX, el arte medieval serbio sirvió de inspiración al notable arquitecto Andrey Damyanov , quien, entre 1835 y 1878, a lo largo de los valles de Vardar y Morava y Bosnia, construyó alrededor de 40 iglesias y otros edificios. [7] Adaptándose a la demanda social de sus patrocinadores serbios, Damyanov combinó simultáneamente elementos tradicionales de la escuela Morava del siglo XV con elementos barrocos occidentales encontrados al norte del río Sava. [7]
Se debe agradecer al científico de campo y académico Gabriel Millet, quien fue el primero en llevar el arte serbio a la atención de Occidente en 1919, [8] junto con el científico serbio-estadounidense Michael Pupin , quien reunió a un equipo internacional de académicos y figuras públicas para apoyar la preservación del patrimonio arquitectónico durante y después de la Gran Guerra . En 1918, Sir Thomas Graham Jackson , en "Serbian Orthodox Church" de Pupin sobre las iglesias serbias medievales, refutó la noción de que el arte serbio no era nada más que una rama del arte bizantino y demostró que el arte serbio tenía un carácter original propio. [9] [10]
En este período se creó una gran cantidad de iconos de valor artístico.
La pintura al fresco ortodoxa representa la cumbre del arte medieval serbio. Su nacimiento coincidió con la creación y el desarrollo del Estado serbio medieval, pero a diferencia de este último, no dejó de existir durante la ocupación otomana. Si bien la arquitectura serbia ha recibido influencias mixtas de los estados bizantinos y de los estados medievales italianos , la pintura al fresco y la pintura de iconos se mantuvieron profundamente arraigadas en la tradición bizantina oriental.
Los frescos se pintaban bajo el patrocinio de los gobernantes serbios, como la forma más alta de decoración religiosa. Tras la expansión política y el crecimiento militar, los siglos XIII y XIV se destacan como el período en el que se decoró la mayor cantidad de santuarios nuevos o existentes, en su mayoría por artistas desconocidos. El monasterio de Studenica se construyó en 1196 bajo el patrocinio de Stefan Nemanja , el fundador de la dinastía Nemanjić , y desde entonces disfrutó del cuidado de los descendientes de Stefan como archimodelo . Su fresco más representativo, La Crucifixión , se realizó doce años más tarde, en 1208, sobre el fondo azul que contrasta con el amarillo dorado del cuerpo desnudo crucificado de Cristo. En la segunda mitad del siglo XIV, un artista desconocido pintó la monumental Dormición de la Virgen en el monasterio de Sopoćani, que sigue siendo el logro supremo de la tradición pictórica bizantina.
Sin embargo, el fresco medieval serbio más famoso es Las portadoras de mirra (o el "Ángel Blanco") [11] del monasterio de Mileševa , pintado en 1235, en la pared sur de la iglesia. Representa al arcángel Gabriel sentado sobre la tumba de Cristo. Se desconoce la identidad de su autor. En el siglo XVI, el Ángel Blanco fue repintado con otro fresco, por lo que estuvo oculto hasta el siglo XX, cuando se restauró el fresco. [12] Este fresco fue enviado como mensaje en la primera señal de transmisión por satélite de Europa a América después de la Crisis de los Misiles de Cuba , como símbolo de paz y civilización . [13] Más tarde, la misma señal, que contenía al Ángel Blanco, fue transmitida al espacio en un intento de comunicarse con formas de vida extraterrestres . [14] [15]
Otra mención notable es el fresco de la reina serbia Simonida , en el monasterio de Gračanica , hoy ubicado en el territorio disputado de Kosovo . Nacida como Simonis Palaiologina, era hija del emperador bizantino Andrónico II Paleólogo (r. 1282-1328) e Irene de Montferrato , y la cuarta esposa del rey serbio Stefan Milutin (r. 1282-1321). Dos célebres poemas serbios se inspiraron en la belleza del fresco. Dos manchas oscuras en los lugares donde se suponía que estaban los ojos de la reina crearon una creencia común de que sus ojos estaban siendo tallados por albaneses , de ahí la famosa estrofa de Milan Rakić :
Tus ojos fueron arrancados, oh bella imagen,
sobre una pilastra al acercarse la noche,
sabiendo que nadie presenciaría el saqueo,
el cuchillo de un albanés te robó la vista. [16]
Sin embargo, entre 1971 y 1976, durante las obras de conservación del monasterio, se descubrió que durante siglos los ojos de la reina se encontraban bajo una capa gris (dañada intencionadamente sin éxito). Una vez eliminadas las manchas, Simonida fue mostrada a los medios de comunicación con los ojos de color azul claro. [17]
La conquista otomana de Serbia durante el siglo XV tuvo un impacto negativo en las artes visuales. Los serbios pasaron a formar parte de la comunidad cristiana y fueron considerados una clase baja ( rayah ). La nobleza serbia no se integró en el sistema estatal otomano y el gobierno otomano abolió la iglesia. Como la nobleza y la iglesia eran las principales fuentes de mecenazgo para los arquitectos y artistas, el período moderno temprano se considera un período artísticamente menos productivo en el arte serbio. A pesar de la tendencia general, se construyeron monumentos notables. Hubo cierta reanudación del esfuerzo artístico después de la restauración del Patriarcado Serbio en 1557. Zograf Longin (1530-1600) y Georgije Mitrofanović fueron los pintores más destacados de finales del siglo XVI y principios del XVII, junto con Zograf Jovan, Andrija Raičević , Zograf Radul , Sava Krabulević , Kozma Damjanović , Tripo Kokolja , Zograf Dimitrije, Strahinja de Budimlje , Kyr Georgije y Kyr Kozma . El trabajo de Mitrofanović en la iglesia del Monasterio de Morača se considera uno de sus mejores. Entre los pintores de iconos que trabajaron en la tradición bizantina en Eslavonia estaban Nikola Klisur (mediados del siglo XVII) [18] y Ostoja Mrkojević a finales del siglo XVII. [19]
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El arte tradicional serbio comenzó a mostrar algunas influencias barrocas a finales del siglo XVIII, como lo demuestran las obras de Nikola Nešković, Teodor Kračun y Jakov Orfelin. La pintura del Barroco temprano no creó un grupo homogéneo de pintores, sino que se desarrolló sobre la base ruso-ucraniana y de los Balcanes meridionales y las influencias que habían llegado lentamente desde los centros artísticos de Europa occidental. La primera generación de pintores barrocos se nutrió de los conocimientos de los pintores rusos Vasilije Romanovich y Jov Vasilijevich , entonces aprendiz de la Academia de pintura de Kiev, Dimitrije Bačević , Vasa Ostojić , Joakim Marković , Jovan Popović , Amvrosije Janković , Dimitrije Popović , Teodor Stefanov Gologlavac , Hadži-Ruvim Nenadović y Stefan Tenecki . [20] La obra de los pintores de iconos balcánicos en la monarquía de los Habsburgo a lo largo del siglo XVIII. Teodor Simonov (nacido en Moschopolis) trabajó para el Metropolitano Ortodoxo Serbio de Karlovci durante la octava década del siglo XVIII. Simonov pintó las paredes del monasterio de la iglesia en Stolni Beograd, hoy Székesfehérvár en Hungría. Las obras de Jovan Četirević Grabovan, que completó parte de su educación en la Rusia imperial , y regresó a la monarquía de los Habsburgo para establecerse en Osijek en Eslavonia , donde desarrolló una rica actividad de pintura de iconos. Las obras de otros que también vinieron originalmente de las partes meridionales de los Balcanes (antes conocidas como la Antigua Serbia ), como Hristofor Žefarović y Janko Halkozović , crearon en el espíritu del barroco del Levante, apoyándose en la experiencia transferida del arte renacentista italiano y la tradición bizantina, lo que dio como resultado un modelo distintivo de iconos barrocos. El creador de la rotación más directa en los modelos centroeuropeos fue Joakim Marković, cuyo trabajo está vinculado a los primeros retratos y naturalezas muertas , y en la pintura eclesiástica de composiciones históricas y representaciones heráldicas. [21]
El arte del Alto Barroco se reflejó en una orientación cultural más firme hacia Viena, así como en reformas de la iglesia y la escuela. Los cambios son visibles en las obras de Teodor Kračun , quien con su obra representa un paso significativo hacia la comprensión del arte centroeuropeo actual. La herencia ortodoxa retrospectiva confrontó la emocionalidad enfatizada y el movimiento como elemento fundamental de la expresión artística. Las escenas están ubicadas en el mundo real, Cristo y María están representados según las reglas de la iconografía secular gobernante y se basan en plantillas gráficas de las Biblias ilustradas populares. El grupo de representantes del Alto Barroco incluye a Mojsije Subotić , Grigorije Davidović-Obšić , Grigorije Jezdimirović y Lazar Serdanović . [22]
El surgimiento y desarrollo de la pintura del Barroco tardío estuvo determinado por los cambios culturales y políticos de la época de José II. Los cambios conceptuales en la era del hombre ilustrado y erudito - la Ilustración - marcaron la última década del siglo XVIII. El artista erudito, viajando por las capitales europeas del arte, acepta y pone en práctica las ideas de las reformas de la Ilustración. Entre los artistas que adoptaron la pintura serbia de formulación del Barroco tardío centroeuropeo, destacan Jakov Orfelin y Teodor Ilić Češljar . A ellos se unen los maestros talladores de madera Marko Gavrilović y sus hijos, Arsenije y Aksentije Marković y Marko Vujatović . El neoclasicismo como estilo de la nueva era, basado en las ideas de la Ilustración, no pondría en peligro la concepción dominante del Barroco tardío en las primeras décadas del siglo siguiente. Esta secuencia se identifica en las obras de los pintores Stefan Gavrilović , Jovan Isailović Sr., Georgije Mišković y Mihajlo Živković. [23]
Entre los pintores importantes se encontraban Nikola Nešković , Teodor Kračun , Teodor Ilić Češljar , Pavel Đurković , Dimitrije Bačević , Georgije Bakalović , Stefan Gavrilović , Jovan Četirević Grabovan , Jovan Pačić , Jovan Stergević y otros.
Las revistas impresas con grabados se convirtieron en un método popular de comunicación a través del arte, tanto de temas religiosos como no religiosos. La impresión de grabados de figuras de gobernantes serbios prominentes encajaba con las ideas de continuidad del estado serbio. Los monasterios de Fruška Gora y otros de la metrópoli de Karlovci publicaban revistas grabadas en las que se representaban a los santos protectores de los monasterios. [24] Las artes gráficas del siglo XVIII eran los documentos de primera clase sobre el aspecto y el estado de los edificios monásticos antes de las fotografías. En las últimas décadas del siglo XVIII, la palabra escrita sustituyó a las artes visuales como principal actividad de comunicación en las revistas religiosas, y las artes gráficas se empezaron a utilizar cada vez más en los libros ilustrados. [25]
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En las primeras décadas del siglo XIX, la nueva técnica gráfica de la litografía experimentó un verdadero auge en los países de Europa occidental. Los artistas serbios la introdujeron gradualmente en la historia de las artes nacionales en el siglo XIX. A diferencia de los modestos intentos de algunos pocos, la litografía se convirtió en una rama importante del arte serbio solo con la aparición de Anastas Jovanović . Las revistas impresas independientes sobre temas religiosos que prevalecieron en el siglo XVIII se volvieron más escasas en el siglo XIX y solo representaban una parte de la producción gráfica. Como medio muy adecuado para difundir ideas políticas, la litografía domina con temas histórico-nacionales. Los retratos a lápiz y las plantillas para litografía fueron utilizados por muchos pintores serbios: Jovan Isailović Jr. , Jovan Popović , Uroš Knežević , Pavle Simić , Pavle Čortanović , Adam Stefanović , Steva Todorović , Đorđe Krstić , mientras que varios litógrafos los realizaron técnicamente en Pest y Viena. A finales del siglo XIX, aparecen las oleografías populares, las primeras reproducciones de obras populares, la mayoría de las veces con motivos de la vida popular y representaciones de personajes y acontecimientos históricos. [26]
Bajo la influencia de las ideas de la Ilustración y el racionalismo , a finales del siglo XVIII y principios del XIX, el arte serbio abandonó la poética pictórica barroca y adoptó los ideales estéticos de la Academia de Bellas Artes de Viena , caracterizados por un eclecticismo de diferentes expresiones estilísticas, desde el barroco tardío hasta el neoclásico. Además de la pintura religiosa, que todavía era dominante, el retrato adquiere cada vez más importancia. Los retratos completan el cuadro de la nueva sociedad creada en esa época y apuntan a la idea de un recuerdo permanente de los individuos dentro de la familia o la comunidad en general. La galería de personajes, además de los prelados y sacerdotes de la iglesia, los altos funcionarios, los lugares significativos los ocupan miembros eminentes de la sociedad civil de las primeras décadas del siglo XIX: abogados, profesores universitarios, escritores, comerciantes adinerados y sus esposas, el estatus demostrado por la ropa y las joyas marcadas. Los rasgos estilísticos de las pinturas de esa época: composición equilibrada, modelado preciso, dibujo académico riguroso, color de registro reducido, expresados en las obras de Arsenije Teodorović , Pavel Đurković , Georgije Bakalović , Jeftimije Popović , Nikola Aleksić , Konstantin Danil , Jovan Isailović Jr. , Katarina Ivanović , Dimitrije Avramović y otros. [27]
En la década de 1830, la escena artística serbia se vio acompañada por una generación de pintores que trasladaron los estilos Biedermeier y Nazareno de Europa Central. Como expresión estilística que caló profundamente en el arte serbio de la época, el Biedermeier era el más adecuado para las amplias capas de ciudadanos que se preocupaban por sí mismos, su familia y su hogar. En las circunstancias sociales cambiantes en las que la clase media se había convertido en portadora de los cambios sociales, la familia se convirtió en la unidad básica de la sociedad moderna y el escenario principal de la vida privada. La conciencia de la familia se confirma y se visualiza en los retratos familiares, en grupos o de algunos de sus miembros. Los retratos familiares representan el estatus social de la familia, pero al mismo tiempo tienen un carácter privado y forman parte de un culto familiar estrecho. Además de los retratos, la pintura Biedermeier también se centra en el arte de género y la naturaleza muerta . Los representantes más importantes de la expresión Biedermeier en la pintura serbia son Konstantin Danil , Katarina Ivanović , Dimitrije Avramović y Nikola Aleksić . [28] [29]
A mediados del siglo XIX, la creación artística serbia se caracterizó por la adopción de un estilo de diseño y contenido propio de las obras civiles (Biedermeier), pero al mismo tiempo por el desarrollo de un programa historicista. Para la penetración de las concepciones románticas, fueron decisivos la formación y las estancias de los pintores serbios en Viena y Múnich, así como los viajes a Italia. Las condiciones sociales y políticas contribuyeron a que la expresión romántica en el arte serbio alcanzara sus máximos logros a finales de la década de 1860 y principios de la de 1870. Desde el punto de vista estilístico y temático, el Romanticismo aportó notables innovaciones: mayor libertad de trazos y composición, colores cálidos complementados con juegos de luces y sombras. La mayoría de los artistas serbios de ese período reflejaron un contenido histórico-nacional en las composiciones pictóricas, sin embargo, las necesidades del cliente mantuvieron la popularidad de la iconografía y la pintura de retratos. [30] Algunos ejemplos de pintores románticos notables incluyen a Katarina Ivanović (1811–1882), Đura Jakšić (1832–1878), Pavle Simić (1818–1876), Novak Radonić (1826–1890), Aksentije Marodić , Đura Jakšić , Steva Todorović (1832–1925) y el hijo trotamundos de Sava Petrović , Pavel Petrović cuya famosa obra se encuentra en Lima, Perú .
De acuerdo con las ideas generales del historicismo, como características dominantes de la cultura del siglo XIX en el contexto europeo, el papel principal en el proceso de constitución de la identidad nacional lo desempeñaron los acontecimientos y las personalidades de la historia nacional. Representaban un representante de la edad de oro de la nación, que en la cultura serbia del siglo XIX se equiparaba con el período del gobierno de la dinastía Nemanjić . La idealización de un pasado glorioso, independientemente de si se basaba en hechos reales o en mitos, fue la principal herramienta en la constitución y la homogeneización de la nación. Este pasado idealizado estaba directamente al servicio de la glorificación del presente, que enfatizaba la idea de reconstruir la antigua gloria serbia. Estas ideas se reflejan directamente en el arte visual de la época: las composiciones históricas, pero también las escenas patrióticas que ilustran los acontecimientos del pasado reciente están ganando cada vez más importancia. Ensalzan a la nación a través de la idealización de acontecimientos y personalidades, convirtiéndose al mismo tiempo en un medio de comunicación activo con el objetivo de despertar sentimientos nacionales y patrióticos. [31] Algunos ejemplos de pintores historicistas notables incluyen a Đura Jakšić (1832-1878) y Pavle Simić (1818-1876). El período más productivo de las artes visuales realizadas siguiendo las tendencias del historicismo en el arte serbio fue el de 1848-1878. [32]
En las últimas décadas del siglo XIX, los pintores serbios comenzaron a establecerse en Múnich como centro de educación y en su Academia de Bellas Artes, que en comparación con la vienesa era más vanguardista y progresista. Sin embargo, la mayoría de ellos se mantuvo fiel a la Academia de Viena, donde el sistema educativo todavía se basaba en la educación constitucional, las prácticas tradicionales y las habilidades técnicas. El nivel más alto de academicismo en la pintura serbia de finales del siglo XIX son los retratos de Paja Jovanović (1859-1957) y Uroš Predić (1857-1953). [33]
El orientalismo indica el interés por las escenas orientales en las artes visuales del siglo XIX. La campaña de Napoleón en Egipto, la conquista de Argelia, así como los libros de viajes y otras descripciones literarias, alentaron el entusiasmo y la imaginación de los artistas. Los países islámicos de la península Arábiga y el norte de África se habían convertido en el destino de viaje preferido de muchos artistas. Escenas de plazas, bazares, harenes y diversos eventos folclóricos entraron en la pintura europea. El orientalismo rara vez tuvo un carácter puramente documental y más a menudo representó el entusiasmo de los europeos por la belleza, la viveza y el encanto del mundo desconocido y exótico. La naturaleza salvaje y las costumbres inusuales, combinadas con hermosos colores y luz, se habían convertido en una gran inspiración para los artistas europeos. Durante un largo período de educación, Paja Jovanović , [34] junto con las clases en la Academia de Bellas Artes de Viena, asistió a la Escuela de pintura histórica de Leopold Müller , famosa por sus motivos orientales. No hay duda de que las lecciones cruciales de Miller determinaron su preferencia por la pintura. Al observar el creciente interés de Europa por los acontecimientos de los Balcanes, durante las vacaciones viajó a Albania, Montenegro, Dalmacia, Bosnia y Herzegovina y Serbia, recopilando bocetos y estudios sobre la vida de los pueblos de los Balcanes. Precisamente estos temas le dieron a Paja Jovanović fama y popularidad en todo el mundo. [35]
En las últimas décadas del siglo XIX, con la llegada de los pintores serbios a la Academia de Bellas Artes de Múnich, el realismo entró en la escena artística serbia. Desde el punto de vista estilístico, los realistas, que sucedieron a la agitación romántica, aportaron calma y orden a la pintura. En la pintura serbia, el realismo nunca arraigó en el verdadero sentido, en la simbiosis de temáticas y técnicas. Los pintores serbios, formados artísticamente para expresarse de una forma nueva, volvieron a enfrentarse a los difíciles problemas de adaptación a las condiciones de un entorno económica, social y culturalmente subdesarrollado, que no estaba dispuesto a aceptar los nuevos temas sociales que propugnaba el realismo europeo. Por ello, los pintores serbios siguen pintando retratos y composiciones religiosas e históricas. [36]
El simbolismo, fenómeno artístico formulado a escala europea, también estuvo presente en la escena artística de Múnich, donde se formaron algunos pintores serbios. Los representantes del simbolismo proclamaron el abandono del modo de expresión indirecto, asociativo y sugestivo. Utilizaron símbolos mitológicos, sueños e imaginación como lenguaje visual del alma. Stevan Aleksić es el representante más destacado de este período. [37]
En términos de periodización, los monumentos se pueden dividir en aquellos del período del Principado , período del Reino de Serbia , los monumentos del período del Reino de Yugoslavia, así como aquellos construidos en la República Federativa Socialista de Yugoslavia y la actual República de Serbia. [1]
El arte aplicado y el diseño a través de los siglos han evolucionado en Serbia a través de la artesanía. La riqueza de formas, la variedad de materiales con esquemas de colores fuertes y la ornamentación del arte popular representaron un fuerte estímulo para la afirmación del arte aplicado, que en la segunda mitad del siglo XIX, recibe a sus primeros artistas en Serbia. El final del siglo XIX y el comienzo del XX estuvieron marcados por el trabajo de personalidades individuales, cada una de ellas hizo una contribución significativa al desarrollo y la historia del arte aplicado en Serbia. Se trataba de personas de diferentes profesiones y algunos de ellos incluyen: Mihailo Valtrović , Vladislav Titelbah , Dragiša Milutinović , Dragutin Inkiostri Medenjak .
Kiril Kutlik fundó la primera escuela de arte en Serbia en 1895. Muchos de sus alumnos fueron a estudiar a Europa occidental, especialmente a Francia y Alemania, y trajeron estilos de vanguardia. Nadežda Petrović fue influenciada por el fauvismo mientras que Sava Šumanović trabajó en el cubismo . Otros artistas conocidos del movimiento de vanguardia de 1900 a 1918 fueron: Anastas Bocarić , Steva Todorović , Paja Jovanović , Marko Murat , Beta Vukanović , Đorđe Krstić , Paško Vučetić , Leon Koen , Svetislav Jovanović , Živko Jugović , Vasa Pomorišac , Adam Stefanović y otros.
Después de la Primera Guerra Mundial, se desarrolló en la capital la Escuela de Pintura de Belgrado , con algunos miembros como Milan Konjović trabajando en un estilo fauvista, mientras que otros como Marko Čelebonović trabajando en un estilo llamado Intimisme basado en el uso de colores.
Algunos artistas decidieron emigrar de Serbia y Yugoslavia . Dragoslav Stoyanovitch (1891-1978) participó en el apogeo del arte del cartel en París en 1910, mientras que Yovan Radenkovitch (1901-1979) dejó Belgrado para ir a París en la década de 1930. Radenkovitch se hizo amigo de Matisse y Vlaminck y adoptó un estilo inspirado en el fauvismo , antes de finalmente dejar Europa para trabajar en Nueva York y establecerse en Waterbury , Connecticut , donde varias de sus pinturas aún se conservan en el Museo Mattatuck . Stoyanovitch fue uno de los primeros diseñadores de carteles para la Gaumont Film Company y continuó con su prolífica carrera como pintor mucho después. Su cartel de guerra, creado en 1916, titulado "Filmando con las tropas" cuelga en el Museo Imperial de la Guerra en Londres , [38] y otros están en los archivos de la Gaumont Film Company. A pesar de su productiva carrera, la contribución de Stoyanovitch al arte ha sido muy pasada por alto.
El socialismo fue la escuela dominante después de la Segunda Guerra Mundial con el ascenso al poder del Partido Comunista de Yugoslavia bajo el mando de Josip Broz Tito . Sin embargo, ese período no duró mucho: durante la década de 1960, los artistas serbios comenzaron a liberarse de las restricciones de los comunistas liderados por figuras como Petar Lubarda y Milo Milunović . El grupo Mediala, en el que aparecía Vladimir Veličković, se formó en la década de 1970 para promover la pintura figurativa surrealista . El arte serbio se dividió entre aquellos que basaban sus obras en las tradiciones del trabajo serbio, como los frescos y la iconografía, y aquellos que exploraban estilos internacionales.
El arte naif se hizo prominente en la segunda mitad del siglo XX, con muchos artistas notables provenientes de la provincia de Vojvodina . [39] Los pintores de arte naif serbios incluyen a Dušan Jevtović y Milosav Jovanović .
La primera parte del siglo XXI, con jóvenes artistas como Jovanka Sanijenovic o Simonida Rajčević , marca un predominio de un arte figurativo vinculado al realismo – un realismo «donde todo es real y nada es real – considerando el tiempo contemporáneo como necesitado de un retorno a lo que es real y concreto, y al mismo tiempo social y existencial». [40] El logotipo de los Derechos Humanos fue creado por el diseñador gráfico serbio Predrag Stakić. [41]
A principios de la década de 1980 se estableció en Belgrado el movimiento de pintura "Nueva Imagen" con Milovan Destil Marković y Vlasta Volcano Mikić (Žestoki), seguido más tarde por (grupo Alter imago) Nada Alavanja, Tahir Lušić, Vladimir Nikolić y más tarde Mileta Prodanović.
Maga Magazinović , filósofa y coreógrafa, fue una de las figuras más importantes de la práctica física contemporánea en Serbia antes de la Segunda Guerra Mundial. La emancipación del cuerpo en su trabajo se realizó a través de la aplicación de la gimnasia, la danza y la educación física. Durante los años 1960 y 1970, la historia de la danza contemporánea se desarrolló en el marco del arte de la performance , el arte corporal y los happennings . Sobre el estado del cuerpo se puede reflexionar en las obras de Marina Abramović y Katalin Ladik . El arte de la performance de los años ochenta estuvo marcado por una actitud específica hacia la ideología. Esta actitud se manifiesta en el trabajo en el contexto del uso de la iconografía socialista utópica. Durante los años 1990, el arte de la performance se centró en la lucha contra el régimen. [42]
Marina Abramović es la artista de performance serbia más destacada. Activa desde hace más de tres décadas, se la ha descrito como la "abuela del arte de performance". Fue pionera en una nueva noción de identidad al incorporar la participación de sus observadores. Su arte se centra en el tema de "enfrentarse al dolor, la sangre y los límites físicos del cuerpo", a la vez que se basa en el alcance de estas incomodidades en función de las acciones de los miembros de su audiencia. [43]
Otros artistas de performance incluyen a Gabrijel Savić Ra, Nela Antonović, Lidija Antonović, Predrag Radovančević.
