Faith Ringgold (nacida Faith Willi Jones ; 8 de octubre de 1930 - 12 de abril de 2024) fue una pintora estadounidense que pintó sobre diferentes materiales, incluidos telas, autora, escultora de técnicas mixtas , artista de performance y activista interseccional , quizás mejor conocida por sus colchas narrativas. . [1] [2] [3] [4]
Ringgold nació en Harlem y obtuvo su licenciatura y maestría en el City College de Nueva York . Fue profesora de arte en el sistema escolar público de la ciudad de Nueva York. Como artista multimedia, sus obras exploraron temas de familia, raza, clase y género. Su serie de colchas de cuentos, diseñadas a partir de la década de 1980, capturó las experiencias de los afroamericanos y se convirtió en su forma de arte distintiva. Durante su carrera, promovió el trabajo de los artistas negros y se manifestó contra su marginación por parte de los museos de arte. Escribió e ilustró más de una docena de libros para niños. El arte de Ringgold se ha exhibido en todo el mundo y se encuentra en las colecciones permanentes del Guggenheim , el Museo Metropolitano de Arte , el Museo de Arte y Diseño , el Museo de Arte de Filadelfia y el Centro Schomburg para la Investigación de la Cultura Negra .
Faith Willi Jones nació como la menor de tres hermanos el 8 de octubre de 1930 en el Hospital de Harlem , Nueva York. [5] : 24 Sus padres, Andrew Louis Jones y Willi Posey Jones, eran descendientes de familias de clase trabajadora desplazadas por la Gran Migración . La madre de Ringgold era diseñadora de moda y su padre, además de realizar diversos trabajos, era un ávido narrador. [6] La criaron en un ambiente que fomentaba su creatividad. Después del Renacimiento de Harlem , la casa de la infancia de Ringgold en Harlem quedó rodeada de una próspera escena artística, donde figuras como Duke Ellington y Langston Hughes vivían a la vuelta de la esquina. [5] : 27 Su amigo de la infancia, Sonny Rollins , que se convirtió en un destacado músico de jazz, visitaba a menudo a su familia y practicaba el saxofón en sus fiestas. [5] : 28
Debido a su asma crónica , Ringgold exploró el arte visual como un pasatiempo importante gracias al apoyo de su madre, y a menudo experimentaba con crayones cuando era niña. [5] : 24 También aprendió de su madre a coser y trabajar creativamente con telas. [7] Ringgold sostuvo que a pesar de su educación en Harlem, en la época de la Gran Depresión , 'esto no significaba que [ella] fuera pobre y oprimida': estaba 'protegida de la opresión y rodeada de una familia amorosa'. [5] : 24 Con todas estas influencias combinadas, la futura obra de arte de Ringgold se vio muy afectada por la gente, la poesía y la música que experimentó en su infancia, así como por el racismo, el sexismo y la segregación con los que se enfrentó en su vida cotidiana. [5] : 9
En 1948, [8] debido a la presión de su familia, Ringgold se matriculó en el City College de Nueva York para especializarse en arte, pero se vio obligada a especializarse en educación artística, ya que el City College solo permitía que las mujeres se matricularan en ciertas especialidades. [9] [10] : 134 En 1950, se casó con un pianista de jazz llamado Robert Earl Wallace y tuvo dos hijos, Michele y Barbara Faith Wallace, en 1952. [8] Ringgold y Wallace se separaron cuatro años después debido a su adicción a la heroína . [11] : 54 Mientras tanto, estudió con los artistas Robert Gwathmey y Yasuo Kuniyoshi . [12] También conoció al grabador Robert Blackburn , con quien colaboraría en una serie de grabados 30 años después. [5] : 29
En 1955, Ringgold recibió su licenciatura en el City College y poco después enseñó en el sistema escolar público de la ciudad de Nueva York. [13] En 1959, recibió su maestría en el City College y se fue con su madre y sus hijas en su primer viaje a Europa. [13] Mientras viajaba al extranjero en París, Florencia y Roma, Ringgold visitó muchos museos, incluido el Louvre . Este museo en particular inspiró su futura serie de pinturas sobre colchas conocida como The French Collection (1991-1997). Sin embargo, este viaje se vio interrumpido abruptamente debido a la prematura muerte de su hermano en 1961. Ringgold, su madre y sus hijas regresaron a los Estados Unidos para su funeral. [11] : 141 Se casó con Burdette Ringgold el 19 de mayo de 1962. [13]
Ringgold visitó África Occidental dos veces: una en 1976 y otra en 1977. Estos viajes influyeron profundamente en su fabricación de máscaras, pintura de muñecas y esculturas. [14]
La práctica artística de Ringgold fue extremadamente variada: desde pintura hasta colchas, desde esculturas y artes escénicas hasta libros para niños. Como educadora, enseñó tanto en el sistema de escuelas públicas de la ciudad de Nueva York como a nivel universitario. En 1973, dejó la enseñanza en una escuela pública para dedicarse a la creación de arte a tiempo completo. En 1995, ACA Galleries se acercó a ella para obtener representación exclusiva y estuvo representada por ellos por el resto de su vida. [15]
Ringgold comenzó su carrera pictórica en la década de 1950 después de graduarse. [13] Sus primeros trabajos están compuestos con figuras y formas planas. Se inspiró en los escritos de James Baldwin y Amiri Baraka , el arte africano , el impresionismo y el cubismo para crear las obras que realizó en la década de 1960. Aunque recibió mucha atención con estas imágenes, muchas de sus primeras pinturas se centraron en el racismo subyacente en las actividades cotidianas; [16] lo que dificultó las ventas e inquietó a galerías y coleccionistas. [5] : 41 Estas obras también tenían una base política y reflejaban sus experiencias mientras crecía durante el Renacimiento de Harlem, temas que maduraron durante el Movimiento por los Derechos Civiles y el movimiento de mujeres . [17] : 8
Inspirándose en el artista Jacob Lawrence y el escritor James Baldwin , Ringgold pintó su primera colección política llamada American People Series en 1963, que retrata el estilo de vida estadounidense en relación con el Movimiento por los Derechos Civiles. American People Series ilustra estas interacciones raciales desde un punto de vista femenino y cuestiona las cuestiones raciales básicas en los Estados Unidos de América. [11] : 145 En un artículo de 2019 con la revista Hyperallergic , Ringgold explicó que su elección de una colección política proviene de la atmósfera turbulenta que la rodeaba: "(...) eran los años 1960 y no podía actuar como si todo estuviera bien. No podía pintar paisajes en la década de 1960; estaban sucediendo demasiadas cosas. Esto es lo que inspiró la serie American People ". [18] Esta revelación se debió a que su trabajo fue rechazado por Ruth White, propietaria de una galería en Nueva York. [6] Pinturas al óleo como Sólo para miembros , Vecinos , Observando y esperando y El triángulo de los derechos civiles también encarnan estos temas.
En 1972, como parte de una comisión patrocinada por el Programa de Servicio Público de Artistas Creativos, Ringgold instaló For the Women's House [19] en el Centro para Mujeres en Rikers Island . El mural a gran escala es una obra anticarcelaria , compuesta por representaciones de mujeres en roles profesionales y funcionarias públicas, que representan alternativas positivas al encarcelamiento. Las mujeres retratadas están inspiradas en extensas entrevistas que Ringgold realizó con reclusas, y el diseño divide los retratos en secciones triangulares, haciendo referencia a los textiles Kuba de la República Democrática del Congo . Fue su primer encargo público y ampliamente considerado como su primer trabajo feminista. [20] Posteriormente, el trabajo inspiró la creación de Art Without Walls, una organización que lleva el arte a las cárceles. [6]
Alrededor de la inauguración de su desfile para American People , Ringgold también trabajó en su colección llamada America Black (también llamada Black Light Series ), en la que experimentó con colores más oscuros. Esto fue impulsado por su observación de que "el arte occidental blanco se centraba en el color blanco y la luz/contraste/ claroscuro , mientras que las culturas africanas, en general, usaban colores más oscuros y enfatizaban el color en lugar de la tonalidad para crear contraste". Esto la llevó a perseguir "una estética negra más afirmativa". [11] : 162–164 Su serie American People concluyó con murales de mayor escala, como The Flag is Bleeding , [21] Sello postal estadounidense que conmemora el advenimiento del Black Power People y Die . [22] Estos murales le brindaron una perspectiva más fresca y más fuerte a su futura obra de arte.
Su pieza, Black Light Series #10: Flag for the Moon: Die Nigger, 1969, que fue creada en respuesta a la primera imagen del alunizaje del Apolo 11 [23] , iba a ser comprada por el Chase Manhattan Bank , después de la de Ringgold. El trabajo llamó la atención de David Rockefeller , el director ejecutivo del banco. Envió a un par de representantes a comprar una pieza y se dieron cuenta, sólo después de que la artista sugirió que leyeran el texto de su obra, que las barras y estrellas de la bandera estadounidense representada también incorporaban ópticamente la frase "DIE NIGGER". [24] En cambio, los representantes compraron Black Light #9: American Spectrum. [24] En 2013, Black Light Series #10: Flag for the Moon: Die Nigger se mostró en la exposición individual del artista en ACA Galleries en Nueva York, donde fue destacada por la artista y crítica Paige K. Bradley en el primer solo. mostrar la cobertura que Ringgold había recibido de Artforum [23] hasta entonces, antes de la propia reseña de Beau Rutland dos meses después. [25] La pieza Black Light #1: Big Black , de 1967, está incluida en la colección permanente del Pérez Art Museum Miami . [26]
En The French Collection , una serie de varios paneles que aborda las verdades y mitologías del modernismo , Ringgold exploró una solución diferente para superar el doloroso legado histórico de mujeres y hombres de ascendencia africana. Como Francia era el hogar del arte moderno en ese momento, también se convirtió en la fuente para que los artistas afroamericanos encontraran su propia identidad "moderna". [17] : 2
Durante la década de 1970 también hizo un diseño de cartel "Free Angela" para los Black Panthers . [7] Aunque nunca se produjo ampliamente, Ringgold declaró que le había dado una copia del diseño a la propia Angela Davis . [27]
En cuanto al lugar de la pintura en el conjunto de su práctica, la artista la consideró su "principal medio de expresión", como señaló en una entrevista con motivo de una retrospectiva en el New Museum de Nueva York, de 2022. Continuó señalando: "Mi trabajo es siempre autobiográfico; trata sobre lo que está sucediendo en ese momento. Siempre hago lo que es honesto para mí. Creo que todos los artistas deberían intentar tener conocimientos sobre el mundo y expresar sentimientos sobre lo que están haciendo. observando, lo que es importante para ellos es: encuentren su voz y no se preocupen por lo que piensen los demás". [28]
Ringgold afirmó que pasó de la pintura a la tela para alejarse de la asociación de la pintura con las tradiciones de Europa occidental. [29] De manera similar, el uso de colchas le permitió defender el movimiento feminista, ya que podía simplemente enrollar sus colchas para llevarlas a la galería, negando así la necesidad de cualquier ayuda de su marido. [24]
En 1972, Ringgold viajó a Europa en el verano de 1972 con su hija Michele. Mientras Michele iba a visitar a unos amigos a España, Ringgold continuaba hacia Alemania y los Países Bajos. En Ámsterdam, visitó el Rijksmuseum , que se convirtió en una de las experiencias más influyentes que afectó su trabajo de madurez y, posteriormente, la condujo al desarrollo de sus pinturas sobre colchas. En el museo, Ringgold encontró una colección de pinturas tibetanas y nepalíes de los siglos XIV y XV , que la inspiraron a producir bordes de tela alrededor de su propio trabajo. [30]
Cuando regresó a Estados Unidos nació una nueva serie de pinturas: The Slave Rape Series . En estas obras, Ringgold adoptó la perspectiva de una mujer africana capturada y vendida como esclava. Su madre, Willi Posey, colaboró con ella en este proyecto, ya que Posey era una popular diseñadora de ropa y costurera de Harlem durante la década de 1950 [31] y le enseñó a Ringgold a hacer colchas según la tradición afroamericana. [32] Esta colaboración finalmente condujo a su primera colcha, Echoes of Harlem , en 1980. [5] : 44–45 A Ringgold también le enseñó el arte de acolchar en un estilo afroamericano su abuela, [6] quien había A su vez lo aprendió de su madre, Susie Shannon, que era esclava. [6]
Ringgold acolchó sus historias para ser escuchadas, ya que en ese momento nadie quería publicar la autobiografía en la que había estado trabajando; haciendo de su obra un carácter tanto autobiográfico como artístico. En una entrevista con el Museo de Arte Crocker , afirmó: "En 1983, comencé a escribir historias en mis edredones como alternativa. De esa manera, cuando colgaban mis edredones para verlos o los fotografiaban para un libro, la gente aún podía leer mis edredones. cuentos." [33] Su primera historia sobre colchas ¿Quién teme a la tía Jemima? (1983) describe la historia de la tía Jemima como una matriarca restauradora y revisa ficticiamente "el estereotipo femenino negro más difamado". [34] Otro artículo, titulado Change: Faith Ringgold's Over 100 Pounds Weight Loss Performance Story Quilt (1986), aborda el tema de "una mujer que quiere sentirse bien consigo misma, luchando por [las] normas culturales de belleza, una persona cuya inteligencia y sensibilidad política le permiten ver las contradicciones inherentes a su posición, y alguien que se inspira para llevar todo el dilema a una obra de arte". [17] : 9
La serie de edredones de cuentos de la colección francesa de Ringgold (1991-1997) se centra en mujeres afroamericanas históricas que se dedicaron a cambiar el mundo ( Sunflowers Quilting Bee at Arles ). [35] También llama y redirige la mirada masculina , e ilustra el poder inmersivo de la fantasía histórica y la narración imaginativa infantil. Muchas de sus colchas inspiraron los libros infantiles que realizó más tarde, como Dinner at Aunt Connie's House (1993) publicado por Hyperion Books , basado en The Dinner Quilt (1988). [36]
Ringgold siguió a The French Collection con The American Collection (1997), una serie de colchas que continúa la narrativa de The French Collection . [37]
En 1973, Ringgold comenzó a experimentar con la escultura como un nuevo medio para documentar su comunidad local y eventos nacionales. Sus esculturas van desde máscaras disfrazadas hasta esculturas blandas colgantes e independientes, que representan personajes reales y ficticios de su pasado y presente. Comenzó a hacer máscaras disfrazadas de técnica mixta después de escuchar a sus alumnos expresar su sorpresa de que ella no incluyera máscaras en su práctica artística. [11] : 198 Las máscaras eran piezas de lienzo de lino que estaban pintadas, adornadas con cuentas y tejidas con rafia para el cabello, y piezas rectangulares de tela para los vestidos con calabazas pintadas para representar los senos. Finalmente hizo una serie de once disfraces de máscaras, llamada Witch Mask Series , en una segunda colaboración con su madre. Estos disfraces también se podrían usar, pero le darían al usuario características femeninas, como senos, vientre y caderas. En sus memorias Volamos sobre el puente, Ringgold también señaló que en los rituales africanos tradicionales, los portadores de la máscara eran hombres, a pesar de los rasgos femeninos de la máscara. [11] : 200 En esta serie, sin embargo, quería que las máscaras tuvieran una "identidad espiritual y escultórica", [11] : 199 El doble propósito era importante para ella: las máscaras se podían usar y no eran únicamente decorativas. .
Después de la Serie de máscaras de bruja , en 1973 pasó a otra serie de 31 máscaras, la Serie de máscaras de familia de mujeres , que conmemoraba a mujeres y niños que había conocido desde niña. Más tarde comenzó a hacer muñecas con cabezas de calabazas pintadas y disfraces (también hechos por su madre, lo que posteriormente la llevó a realizar esculturas blandas de tamaño natural). La primera de esta serie fue su pieza, Wilt , un retrato escultórico de 7'3" del jugador de baloncesto Wilt Chamberlain . Comenzó con Wilt como respuesta a algunos comentarios negativos que Chamberlain hizo sobre las mujeres afroamericanas en su autobiografía. Wilt presenta tres figuras, el jugador de baloncesto con una esposa blanca y una hija mestiza, ambos personajes de ficción, tenían cabezas de cáscara de coco horneadas y pintadas , cuerpos de espuma y goma anatómicamente correctos cubiertos con ropa y colgados del techo con hilos de pescar invisibles . 38] Sus esculturas suaves evolucionaron aún más hasta convertirse en "máscaras de retrato" de tamaño natural, [39] que representan personajes de su vida y sociedad, desde habitantes desconocidos de Harlem hasta Martin Luther King Jr. Tallaba caras de espuma en retratos que luego eran pintados con aerosol. —Sin embargo, en sus memorias describió cómo los rostros luego comenzaron a deteriorarse y tuvieron que ser restaurados. Lo hizo cubriéndolos con tela, moldeándolos cuidadosamente para preservar el parecido [40] .
Como muchas de las esculturas de máscaras de Ringgold también podían usarse como disfraces, su transición de la fabricación de máscaras al arte escénico fue una "progresión natural" que ella misma describió. [11] : 206 Aunque las piezas de arte abundaban en las décadas de 1960 y 1970, Ringgold se inspiró en la tradición africana de combinar narraciones, danza, música, disfraces y máscaras en una sola producción. [11] : 238 Su primera pieza que involucra estas máscaras fue The Wake and Resurrection of the Bicentennial Negro . La obra fue una respuesta a las celebraciones del Bicentenario Americano de 1976; una narrativa de la dinámica del racismo y la opresión de la drogadicción. Expresó la opinión de muchos otros afroamericanos: "no había razón para celebrar los doscientos años de la independencia estadounidense... durante casi la mitad de ese tiempo estuvimos en esclavitud ". [11] : 205 La pieza fue realizada en mimo con música y duró treinta minutos, e incorporó muchas de sus pinturas, esculturas e instalaciones pasadas. Más tarde pasó a producir muchas otras piezas escénicas, incluida una actuación autobiográfica en solitario llamada Being My Own Woman: An Autobiographical Masked Performance Piece , una actuación de una historia enmascarada ambientada durante el Renacimiento de Harlem llamada The Bitter Nest (1985), y una pieza para celebrar. su pérdida de peso se tituló Cambio: colcha de la historia del desempeño de pérdida de peso de más de 100 libras de Faith Ringgold (1986). Cada una de estas piezas era multidisciplinaria e incluía máscaras, disfraces, colchas, pinturas, narraciones, canciones y danzas. Muchas de estas actuaciones también fueron interactivas, ya que Ringgold animó a su audiencia a cantar y bailar con ella. Ella describió en su autobiografía, Volamos sobre el puente , que sus piezas escénicas no estaban destinadas a sorprender, confundir o enojar, sino más bien "simplemente otra forma de contar mi historia". [11] : 238
Ringgold escribió e ilustró 17 libros para niños . [41] Su primero fue Tar Beach , publicado por Crown en 1991, basado en su historia sobre la colcha del mismo nombre. [42] Por ese trabajo ganó el premio Ezra Jack Keats New Writer Award [43] y el premio Coretta Scott King de ilustración. [44] También quedó en segundo lugar de la Medalla Caldecott , el principal premio de la Asociación Estadounidense de Bibliotecas por la ilustración de libros ilustrados. [42] En sus libros ilustrados, Ringgold abordó cuestiones complejas del racismo de manera sencilla y esperanzadora, combinando fantasía y realismo para crear un mensaje edificante para los niños. [32]
Ringgold fue activista durante gran parte de su vida, participando en varias organizaciones feministas y antirracistas . En 1968, la artista Poppy Johnson y la crítica de arte Lucy Lippard fundaron el Comité de Arte de Mujeres Ad Hoc con Ringgold y protestaron contra una importante exposición de arte modernista en el Museo Whitney de Arte Americano . Los miembros del comité exigieron que las mujeres artistas representaran el cincuenta por ciento de los expositores y crearon disturbios en el museo cantando, haciendo sonar silbatos, gritando sobre su exclusión y dejando huevos crudos y toallas sanitarias en el suelo. No sólo se excluyó a las mujeres artistas de esta muestra, sino que tampoco estuvo representado ningún artista afroamericano. Incluso Jacob Lawrence , artista de la colección permanente del museo, fue excluido. [5] : 41 Después de participar en más actividades de protesta, Ringgold fue arrestado el 13 de noviembre de 1970. [5] : 41
Ringgold y Lippard también trabajaron juntos durante su participación en el grupo Women Artists in Revolution (WAR). En 1970, Ringgold y su hija Michele Wallace fundaron Mujeres Estudiantes y Artistas para la Liberación del Arte Negro (WSABAL). [45] Alrededor de 1974, Ringgold y Wallace fueron miembros fundadores de la Organización Nacional Feminista Negra . Ringgold también fue miembro fundador de "Where We At" Black Women Artists, un colectivo de arte de mujeres con sede en Nueva York asociado con el Movimiento de las Artes Negras . El espectáculo inaugural de "Where We At" presentó comida para el alma en lugar de cócteles tradicionales, lo que demuestra una aceptación de las raíces culturales. La muestra se presentó por primera vez en 1971 con ocho artistas y se había ampliado a 20 en 1976. [46]
En 1972, Ringgold habló sobre una próxima exposición de WSABAL en una entrevista con Doloris Holmes para Archives of American Art , describiéndola como "definitivamente la primera exposición femenina negra en Nueva York... tenemos esta exposición como resultado de nuestra insistencia, y como resultado del trabajo que inició WSABAL." [47]
Ringgold habló sobre la representación negra en las artes en 2004 y dijo:
"Cuando estaba en la escuela primaria solía ver en mis libros de texto reproducciones de la pintura de Horace Pippin de 1942 llamada John Brown Going to His Hang . No sabía que Pippin era una persona negra. Nadie me dijo eso. Yo era mucho, mucho mayor antes de descubrir que había al menos un artista negro en mis libros de historia. Sólo uno. Eso no me ayudó. Eso no fue lo suficientemente bueno para mí. del poder? Es importante. Por eso soy un artista negro. Es exactamente por eso que digo quién soy". [5] : 62
En 1988, Ringgold cofundó los Proyectos Nacionales de Mujeres Artistas de Color de Costa a Costa con Clarissa Sligh . [48] De 1988 a 1996, esta organización exhibió las obras de mujeres afroamericanas en todo Estados Unidos. [49] En 1990, Sligh fue una de las tres organizadoras de la exposición Coast to Coast: A Women of Color National Artists' Book Project, celebrada del 14 de enero al 2 de febrero de 1990 en la Galería Flossie Martin y más tarde en el Centro Eubie Blake. y la Galería Artemesia. Ringgold escribió la introducción del catálogo titulada "Historia de costa a costa". Se incluyeron más de 100 mujeres artistas de color. El catálogo incluía breves declaraciones de los artistas y fotografías de los libros de los artistas, incluidas obras de Sligh, Ringgold, Emma Amos , Beverly Buchanan , Elizabeth Catlett , Martha Jackson Jarvis , Howardena Pindell , Adrian Piper , Joyce Scott y Deborah Willis . [50]
A lo largo de la década de 1970, Ringgold dio conferencias en el Pratt Institute , el Banks Street College of Education y el Wagner College . [51] En 1987, Ringgold aceptó un puesto de profesor en el Departamento de Artes Visuales de la Universidad de California, San Diego . [52] Continuó enseñando hasta 2002, cuando se jubiló. [7]
En 1995, Ringgold publicó su primera autobiografía, Volamos sobre el puente . El libro es una memoria que detalla su viaje como artista y los acontecimientos de su vida, desde su infancia en Harlem y Sugar Hill , hasta sus matrimonios e hijos, su carrera profesional y sus logros como artista. En 1997, recibió títulos honoríficos del Wheelock College de Boston (un Doctorado en Educación) y del Molloy College de Nueva York (un Doctorado en Filosofía). [13]
Ringgold recibió más de 80 premios y distinciones y 23 doctorados honoris causa . [53] Fue entrevistada para la película de 2010 ! Women Art Revolution . [54]
Ringgold residió con su segundo marido Burdette "Birdie" Ringgold, con quien se casó en 1962, en una casa en Englewood, Nueva Jersey , donde vivió y mantuvo una práctica de estudio constante desde 1992. [6] [55] Burdette murió el 1 de febrero , 2020. [56]
Ringgold murió en su casa de Englewood, Nueva Jersey , el 12 de abril de 2024, a los 93 años .
Ringgold fue el demandante en un importante caso de derechos de autor , Ringgold contra Black Entertainment Television . [57] Black Entertainment Television (BET) había emitido varios episodios de la serie de televisión Roc en los que se mostró un cartel de Ringgold en nueve ocasiones durante un total de 26,75 segundos. "Ringgold demandó por infracción de derechos de autor" . El tribunal declaró responsable a BET, rechazando una defensa de minimis planteada por BET, que había argumentado que el uso de la obra protegida por derechos de autor de Ringgold era tan mínimo que no constituía una infracción. [57]
La primera exposición individual de Ringgold, American People , se inauguró el 19 de diciembre de 1967 en Spectrum Gallery. [61] La muestra incluyó tres de sus murales: La bandera está sangrando , Sello postal estadounidense que conmemora el advenimiento del poder negro y Morir . [61] Ella quería que la inauguración no fuera "otra inauguración totalmente blanca" sino un "asunto de arte negro refinado". [61] Había música y sus hijos invitaron a sus compañeros de clase. [61] Más de 500 personas asistieron a la inauguración, incluidos los artistas Romare Bearden , Norman Lewis y Richard Mayhew . [61]
En 2019, las Serpentine Galleries de Londres organizaron una importante retrospectiva del trabajo de Ringgold , del 6 de junio al 8 de septiembre. [62] Esta fue la primera exposición de Ringgold en una institución europea. [63] La primera retrospectiva de su carrera en su ciudad natal se inauguró en el New Museum de Nueva York en 2022 antes de viajar al De Young Museum de San Francisco . [64] De allí se trasladó al Museo Picasso de París y luego, en noviembre de 2023, al Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. [sesenta y cinco]
En 2020, el trabajo de Ringgold apareció en Polyphonic: Celebrating PAMM's Fund for African American Art, una exposición colectiva en el Pérez Art Museum Miami que destaca a los artistas de la colección del museo adquirida a través del PAMM Fund for African American Art, una iniciativa creada en 2013. Junto con Ringgold, los artistas expositores incluyeron a Tschabalala Self , Xaviera Simmons , Romare Bearden , Juana Valdez , Edward Clark , Kevin Beasley y otros. [66]
Ringgold se incluyó en la exposición de 2022 Mujeres pintando mujeres en el Museo de Arte Moderno de Fort Worth . [67]
