La ópera cómica , a veces conocida como ópera ligera , es una obra dramática cantada de carácter ligero o cómico, normalmente con un final feliz y que a menudo incluye diálogos hablados.
Las formas de ópera cómica se desarrollaron por primera vez a finales del siglo XVII en Italia. En la década de 1730, surgió un nuevo género operístico, la ópera buffa , como alternativa a la ópera seria . Rápidamente llegó a Francia, donde se convirtió en ópera cómica y, finalmente, en el siglo siguiente, en opereta francesa , con Jacques Offenbach como su practicante más destacado.
La influencia de las formas italiana y francesa se extendió a otras partes de Europa. Muchos países desarrollaron sus propios géneros de ópera cómica, incorporando los modelos italiano y francés junto con sus propias tradiciones musicales. Los ejemplos incluyen el singspiel alemán , la opereta vienesa , la zarzuela española , la ópera cómica rusa, la balada inglesa y la ópera de Saboya , la opereta norteamericana y la comedia musical .
A finales del siglo XVII en Italia, se empezaron a ofrecer obras musicales alegres como alternativa a la ópera seria (ópera italiana del siglo XVII basada en la mitología clásica ). Il Trespolo tutore (1679) de Alessandro Stradella fue uno de los primeros precursores de la ópera buffa . La ópera tiene una trama ridícula, y los personajes del ridículo guardián Trespolo y la criada Despina son prototipos de personajes muy utilizados posteriormente en el género de la ópera bufa .
La forma comenzó a florecer en Nápoles con Il trionfo dell'onore (1718) de Alessandro Scarlatti . Escritas inicialmente en dialecto napolitano, estas obras se "italianizaron" con las óperas de Scarlatti, Pergolesi ( La serva padrona , 1733), Galuppi ( Il filosofo di campagna , 1754), Piccinni ( La Cecchina , 1760), Paisiello ( Nina , 1789), Cimarosa ( Il matrimonio segreto , 1792), y luego las grandes óperas cómicas de Mozart y, más tarde, Rossini y Donizetti .
Al principio, las óperas cómicas se presentaban generalmente como intermedios entre actos de obras más serias. La ópera cómica napolitana y luego italiana creció hasta convertirse en una forma independiente y se convirtió en la forma más popular de entretenimiento escénico en Italia aproximadamente entre 1750 y 1800. En 1749, trece años después de la muerte de Pergolesi, su La serva padrona se extendió por Italia y Francia, evocando los elogios de figuras de la Ilustración francesa como Rousseau .
En 1760, Niccolò Piccinni escribió la música de La Cecchina sobre un texto del gran dramaturgo veneciano Carlo Goldoni . Ese texto se basó en la popular novela inglesa de Samuel Richardson , Pamela o Virtue Rewarded (1740). Muchos años después, Verdi llamó a La Cecchina la "primera verdadera ópera cómica italiana", es decir, lo tenía todo: estaba en italiano estándar y no en dialecto; ya no era simplemente un intermezzo, sino una pieza independiente; tenía una historia real que gustaba a la gente; tenía variedad dramática; y, musicalmente, tenía melodías fuertes e incluso fuertes partes orquestales de apoyo, incluida una fuerte obertura "independiente" (es decir, incluso se podía disfrutar de la obertura como una pieza orquestal independiente). Verdi también estaba entusiasmado porque la música era de un italiano del sur y el texto de un norteño, lo que apelaba a la visión panitaliana de Verdi.
El género fue desarrollado aún más en la primera mitad del siglo XIX por Gioachino Rossini en sus obras como El barbero de Sevilla (1816) y La Cenerentola (1817) y por Gaetano Donizetti en L'elisir d'amore (1832) y Don Pasquale (1843), pero decayó a mediados del siglo XIX, a pesar de que Falstaff de Giuseppe Verdi se representó en 1893.
Los compositores franceses aprovecharon con entusiasmo el modelo italiano y lo hicieron suyo, llamándolo ópera comique . Los primeros defensores incluyeron al italiano Egidio Duni , François-André Philidor , Pierre-Alexandre Monsigny , André Grétry , François-Adrien Boïeldieu , Daniel François Auber y Adolphe Adam . Aunque originalmente estaba reservado para obras menos serias, el término opéra comique pasó a referirse a cualquier ópera que incluyera diálogo hablado, incluidas obras como Médée de Cherubini y Carmen de Bizet que no son "cómicas" en ningún sentido de la palabra.
A Florimond Hervé se le atribuye el mérito de ser el inventor de la ópera bouffe u opérette francesa . [1] Trabajando sobre el mismo modelo, Jacques Offenbach rápidamente lo superó, escribiendo más de noventa operetas . Mientras que las óperas cómicas francesas anteriores tenían una mezcla de sentimiento y humor, las obras de Offenbach estaban destinadas únicamente a divertir. Aunque en general está bien elaborado y lleno de sátiras humorísticas y parodias de grandes óperas, las tramas y personajes de sus obras eran a menudo intercambiables. Dado el ritmo frenético con el que trabajaba, Offenbach utilizó en ocasiones el mismo material en más de una ópera. Otro francés que adoptó esta forma fue Charles Lecocq .
El singspiel se desarrolló en la Viena del siglo XVIII y se extendió por Austria y Alemania. Como en la opéra comique francesa , el singspiel era una ópera con diálogo hablado y generalmente un tema cómico, como Die Entführung aus dem Serail (1782) y La flauta mágica (1791) de Mozart . Singspiels posteriores , como Fidelio (1805) de Beethoven y Der Freischütz (1821) de Weber , conservaron la forma, pero exploraron temas más serios.
La opereta vienesa del siglo XIX se construyó basándose tanto en el singspiel como en el modelo francés. Franz von Suppé es recordado principalmente por sus oberturas. Johann Strauss II , el "rey del vals", contribuyó con Die Fledermaus (1874) y El barón gitano (1885). Carl Millöcker, director del Theatre an der Wien desde hace mucho tiempo , también compuso algunas de las operetas vienesas más populares de finales del siglo XIX, incluidas Der Bettelstudent (1882), Gasparone (1884) y Der arme Jonathan (1890).
Después del cambio de siglo XX, Franz Lehár escribió La viuda alegre (1905); Oscar Straus proporcionó Ein Walzertraum ("Un sueño de vals", 1907) y El soldado de chocolate (1908); y Emmerich Kálmán compuso Die Csárdásfürstin (1915).
La zarzuela , introducida en España en el siglo XVII, tiene sus raíces en el teatro musical tradicional popular español. Alterna escenas habladas y cantadas, incorporando estas últimas danzas, con números corales y escenas humorísticas que suelen ser duetos. Estas obras son relativamente breves y los precios de las entradas suelen ser bajos para atraer al público en general. Hay dos formas principales de zarzuela : la zarzuela barroca ( c. 1630 –1750), el estilo más antiguo, y la zarzuela romántica ( c. 1850 –1950), que se puede dividir en los dos subgéneros de género grande y género chico .
Pedro Calderón de la Barca fue el primer dramaturgo en adoptar el término zarzuela para su obra titulada El golfo de las sirenas ("El golfo de las sirenas", 1657). Lope de Vega pronto escribió una obra titulada La selva sin amor, drama con orquesta ("La selva sin amor, un drama con orquesta"). Los instrumentos de la orquesta estaban ocultos al público, los actores cantaban en armonía y la composición musical en sí estaba destinada a evocar una respuesta emocional. Algunas de estas primeras piezas se perdieron, pero Los celos hacen estrellas de Juan Hidalgo y Juan Vélez, que se estrenó en 1672, sobrevive y nos da una idea de cómo era el género en el siglo XVII.
En el siglo XVIII, el estilo operístico italiano influyó en la zarzuela . Pero a partir del reinado del rey Borbón Carlos III , el sentimiento antiitaliano aumentó. La zarzuela volvió a sus raíces en la tradición popular española en obras como los sainetes (o Entr'actes) de Don Ramón de la Cruz. La primera obra de este autor en este género fue Las segadoras de Vallecas ("Los segadores de Vallecas", 1768), con música de Rodríguez de Hita .
Las zarzuelas de un solo acto se clasificaron como género chico (el "pequeño género" o "pequeña forma") y las zarzuelas de tres o más actos fueron género grande (el "gran género" o "gran forma"). Zarzuela grande siguió batallando en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, pero con escaso éxito y escasa asistencia. Pese a ello, en 1873 se inauguró un nuevo teatro, el Teatro Apolo , para zarzuela grande , que compartió los fracasos del Teatro de la Zarzuela, hasta que se vio obligado a cambiar su programación al género chico .
La primera ópera presentada en Rusia , en 1731, fue una ópera cómica (o "commedia per musica"), Calandro , del compositor italiano, Giovanni Alberto Ristori . Le siguieron las óperas cómicas de otros italianos, como Galuppi , Paisiello y Cimarosa , y también del compositor belga - francés Grétry .
La primera ópera cómica rusa fue Anyuta (1772). El texto fue escrito por Mijaíl Popov , con música de compositor desconocido, compuesto por una selección de canciones populares especificadas en el libreto. Otra ópera cómica de éxito, El molinero que era mago, tramposo y casamentero , texto de Alexander Ablesimov (1779), sobre un tema que se asemeja al Devin de Rousseau , se atribuye a Mikhail Sokolovsky . Ivan Kerzelli , Vasily Pashkevich y Yevstigney Fomin también escribieron una serie de exitosas óperas cómicas en el siglo XVIII.
En el siglo XIX, la ópera cómica rusa fue desarrollada aún más por Alexey Verstovsky , quien compuso más de 30 óperas-vaudevilles y 6 grandes óperas (la mayoría de ellas con diálogos hablados). Más tarde, Modest Mussorgsky trabajó en dos óperas cómicas, La feria de Sorochyntsi y Zhenitba ("El matrimonio"), que dejó inconclusas (no se completaron hasta el siglo XX). Pyotr Tchaikovsky escribió una ópera cómica, Cherevichki (1885). Nikolai Rimsky-Korsakov compuso La noche de mayo de 1878-1879 y El gallo de oro de 1906-1907.
En el siglo XX, los mejores ejemplos de ópera cómica de compositores rusos fueron Mavra (1922) y El progreso del libertino (1951) de Igor Stravinsky , El amor por tres naranjas (1919) y Los esponsales en un monasterio (1940) de Sergey Prokofiev . –1941, puesta en escena en 1946), y La nariz, de Dmitri Shostakovich (1927-1928, puesta en escena en 1930). Al mismo tiempo, los géneros de música ligera , opereta , comedia musical y, más tarde, ópera rock , fueron desarrollados por compositores como Isaak Dunayevsky , Dmitri Kabalevsky , Dmitri Shostakovich (Opus 105: Moscú, Cheryomushki , opereta en 3 actos, (1958)) , Tikhon Khrennikov , y más tarde por Gennady Gladkov , Alexey Rybnikov y Alexander Zhurbin .
El siglo XXI en la ópera cómica rusa comenzó con los ruidosos estrenos de dos obras cuyo género podría describirse como "ópera-farsa": Tsar Demyan ( Царь Демьян ) – Una representación de ópera espantosa . La obra fue escrita por un proyecto colectivo de cinco autores: Leonid Desyatnikov y Vyacheslav Gaivoronsky de San Petersburgo , Iraida Yusupova y Vladimir Nikolayev de Moscú , y el colectivo creativo "Kompozitor", que es un seudónimo del conocido crítico musical Pyotr Pospelov. El libreto es de Elena Polenova, basado en un drama popular, Tsar Maksimilyan , y la obra se estrenó el 20 de junio de 2001 en el Teatro Mariinski de San Petersburgo. Premio “Máscara de Oro, 2002” y “Sofito de Oro, 2002”.
Los hijos de Rosenthal ( Дети Розенталя ), ópera en dos actos de Leonid Desyatnikov , con libreto de Vladimir Sorokin . Esta obra fue un encargo del teatro Bolshoi y se estrenó el 23 de marzo de 2005. La puesta en escena de la ópera estuvo acompañada de un jugoso escándalo; sin embargo fue un enorme éxito.
Inglaterra remonta su tradición de ópera ligera a la ópera balada , típicamente una obra cómica que incorpora canciones con melodías populares. La ópera del mendigo de John Gay fue la primera y más popular de ellas. La dueña (1775) de Richard Brinsley Sheridan , con partitura de Thomas Linley , fue descrita expresamente como "una ópera cómica". [2] [3]
En la segunda mitad del siglo XIX, el escenario musical de Londres estaba dominado por la pantomima y el burlesque musical , así como por operetas continentales obscenas y mal traducidas, que a menudo incluían "ballets" de interés lascivo, y visitar el teatro se volvió desagradable para el respetable público, especialmente mujeres y niños. El señor y la señora Thomas German Reed , a partir de 1855, y varios otros británicos, deploraron el estado atrevido del teatro musical e introdujeron óperas cómicas breves diseñadas para ser más familiares y elevar el nivel intelectual de los entretenimientos musicales. Jessie Bond escribió:
El escenario estaba en su punto más bajo, las glorias isabelinas y las artificialidades georgianas se habían desvanecido en el pasado, la tragedia forzada y la farsa vulgar eran todo lo que los aspirantes a espectadores tenían para elegir, y el teatro se había convertido en un lugar de mala reputación para los justos. Jefe de familia británico.... Un primer esfuerzo para cerrar la brecha fue realizado por los Reed Entertainers alemanes. [4]
Sin embargo, una producción de 1867 de La gran duquesa de Gerolstein de Offenbach (siete meses después de su estreno en Francia) encendió el apetito inglés por las óperas ligeras con libretos y partituras más cuidadosamente elaborados, y las operetas de Europa continental continuaron siendo extremadamente populares en Gran Bretaña en las décadas de 1860 y 1860. Década de 1870, incluidos Les Cloches de Corneville , Madame Favart y otros hasta la década de 1880, a menudo adaptados por HB Farnie y Robert Reece . [3] FC Burnand colaboró con varios compositores, incluido Arthur Sullivan en Cox y Box , para escribir varias óperas cómicas sobre temas ingleses en las décadas de 1860 y 1870.
En 1875, Richard D'Oyly Carte , uno de los empresarios que pretendía establecer una escuela inglesa de ópera ligera familiar de compositores como Frederic Clay y Edward Solomon como contramedida a las operetas continentales, encargó al colaborador de Clay, WS Gilbert , y El joven y prometedor compositor Arthur Sullivan escribió una breve ópera en un acto que serviría como pieza final de La Périchole de Offenbach . El resultado fue Juicio por Jurado ; su éxito lanzó la asociación Gilbert y Sullivan . La "Compañía de Ópera Bouffe del Sr. R. D'Oyly Carte" llevó a Trial de gira, interpretándola junto con obras francesas de Offenbach y Alexandre Charles Lecocq . Deseoso de liberar el escenario inglés de las atrevidas influencias francesas y envalentonado por el éxito de Trial by Jury , Carte formó un sindicato en 1877 para interpretar "ópera ligera de tipo legítimo". [5] Gilbert y Sullivan recibieron el encargo de escribir una nueva ópera cómica, The Sorcerer , iniciando la serie que llegó a ser conocida como las óperas Savoy (llamadas así por el Teatro Savoy , que Carte construyó más tarde para estas obras) que incluía al HMS Pinafore , Los Piratas de Penzance y El Mikado , que se hicieron populares en todo el mundo. La D'Oyly Carte Opera Company continuó interpretando a Gilbert and Sullivan casi continuamente hasta que cerró en 1982.
El estilo de Gilbert y Sullivan fue ampliamente imitado por sus contemporáneos (por ejemplo, en Dorothy ), y los propios creadores escribieron obras en este estilo con otros colaboradores en la década de 1890. Ninguno de ellos, sin embargo, tuvo una popularidad duradera, lo que dejó a las Óperas de Saboya como prácticamente los únicos representantes del género que sobreviven en la actualidad. Sólo recientemente, algunas de estas otras óperas ligeras inglesas han comenzado a ser exploradas por los estudiosos y a recibir representaciones y grabaciones.
En Estados Unidos, Victor Herbert fue uno de los primeros en adoptar el estilo familiar de ópera ligera que Gilbert y Sullivan habían hecho popular, aunque su música también estuvo influenciada por los compositores de opereta europeos. Sus primeras piezas, comenzando con el príncipe Ananías en 1894, fueron denominadas "óperas cómicas", pero sus obras posteriores fueron descritas como "extravagancia musical", "comedia musical", "obra musical", "farsa musical" e incluso "ópera cómica". ". Sus dos piezas de mayor éxito, entre más de media docena de éxitos, fueron Babes in Toyland (1903) y Naughty Marietta (1910). [6]
Otros que escribieron en una línea similar incluyeron a Reginald de Koven , John Philip Sousa , Sigmund Romberg y Rudolf Friml . El musical estadounidense moderno incorporó elementos de las óperas ligeras británicas y estadounidenses, con obras como Show Boat y West Side Story , que exploraron temas más serios y presentaron una estrecha integración entre libro, movimiento y letra.
En Canadá, Oscar Ferdinand Telgmann y George Frederick Cameron compusieron en el estilo de ópera ligera de Gilbert y Sullivan. Leo, the Royal Cadet se representó por primera vez el 11 de julio de 1889 en la Martin's Opera House en Kingston, Ontario .
Es difícil trazar la línea entre la ópera ligera y otras formas recientes. Varias obras reciben el nombre de operetas o musicales, como Candide y Sweeney Todd , según se representen en teatros de ópera o en teatros. Además, algunos musicales estadounidenses y británicos recientes utilizan, por ejemplo, una estructura operística que contiene motivos recurrentes e incluso pueden cantarse sin diálogo. Los que tienen partituras orquestales suelen denominarse "musicales", mientras que los que se tocan con instrumentos electrónicos suelen denominarse óperas rock .