Diamond Dogs es el octavo álbum de estudio del músico inglés David Bowie , lanzado el 24 de mayo de 1974 a través de RCA Records . Bowie produjo el álbum y lo grabó a principios de 1974 en Londres y los Países Bajos, tras la disolución de su banda de acompañamiento Spiders from Mars y la salida del productor Ken Scott . Bowie tocó la guitarra principal en el disco en ausencia de Mick Ronson . Diamond Dogs contó con el regreso de Tony Visconti , quien no había trabajado con Bowie durante cuatro años; los dos colaborarían durante el resto de la década. Musicalmente, fue el último álbum de Bowie en el género glam rock , aunque algunas canciones estaban influenciadas por el funk y el soul , que Bowie adoptó en su siguiente álbum, Young Americans (1975).
Concebido durante un período de incertidumbre sobre el rumbo de su carrera, Diamond Dogs es el resultado de múltiples proyectos que Bowie imaginó en ese momento: un musical descartado basado en Ziggy Stardust (1972); una adaptación de la novela Nineteen Eighty-Four (1949) de George Orwell ; y un escenario apocalíptico urbano basado en los escritos de William S. Burroughs . La canción principal presenta un nuevo personaje llamado Halloween Jack. El artista belga Guy Peellaert pintó la controvertida portada que representa a Bowie como un híbrido mitad hombre, mitad perro, basándose en fotos tomadas por el fotógrafo Terry O'Neill .
Precedido por el sencillo principal « Rebel Rebel », Diamond Dogs fue un éxito comercial, alcanzando el número uno en el Reino Unido y el número cinco en los Estados Unidos. Ha recibido críticas mixtas desde su lanzamiento, muchos criticando su falta de cohesión; los biógrafos de Bowie lo consideran uno de sus mejores trabajos y, en 2013, NME lo clasificó como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Bowie apoyó el álbum en el Diamond Dogs Tour , que presentó piezas elaboradas y costosas. Retrospectivamente, Diamond Dogs ha sido citado como una influencia en la revolución punk en los años posteriores a su lanzamiento. Ha sido reeditado varias veces y fue remasterizado en 2016 para el box set Who Can I Be Now? (1974-1976) .
[Bowie y yo] habíamos hecho cuatro álbumes juntos y probablemente ambos habíamos llegado a ese punto en el que necesitábamos trabajar con otras personas para aprender. [1]
—Ken Scott sobre separarse de Bowie
David Bowie lanzó su séptimo álbum de estudio Pin Ups en el verano de 1973. En ese momento, no estaba seguro de hacia dónde llevar su carrera. [2] Como no quería que Ziggy Stardust lo definiera, disolvió su banda de acompañamiento Spiders from Mars y se separó del productor Ken Scott . Según el biógrafo David Buckley, la partida de Scott marcó el final del "período 'pop' clásico" de Bowie y lo llevó a un territorio más experimental y "posiblemente a una mayor osadía musical". [1]
Durante las sesiones de Pin Ups , dijo a los periodistas que quería crear un musical, utilizando varios títulos como Momentos trágicos y venganza, o El mejor corte de pelo que he tenido . Su guitarrista Mick Ronson recordó: "[Bowie] tenía todos estos pequeños proyectos... [y] no estaba muy seguro de lo que quería hacer". [2] Cuando Ronson comenzó a trabajar en su álbum en solitario Slaughter on 10th Avenue , Bowie y su esposa Angie decidieron mudarse del Haddon Hall de Beckenham, debido al acoso de los fanáticos. Inicialmente se mudaron a un apartamento en Maida Vale , que les alquiló la actriz Diana Rigg , antes de mudarse a una casa más grande en Oakley Street, Chelsea . [2] [1] Según Buckley, el mánager de David Bowie, Tony Defries, impidió esta mudanza inicialmente, citando la casa como "demasiado extravagante". A pesar de que RCA Records estima que las ventas de álbumes y sencillos de Bowie en el Reino Unido superaron los dos millones de copias en conjunto, Defries dijo que las ventas no le proporcionaron a Bowie suficientes ingresos para pagar la casa. [1] A pesar de Defries, Bowie compró la casa y fue aquí donde los Bowie pasaron tiempo con Rod Stewart y Ronnie Wood de The Faces , Mick Jagger y su entonces esposa Bianca , y la cantante y modelo estadounidense Ava Cherry , con quien Bowie supuestamente tuvo un romance durante este tiempo. [2] [1]
Además de grabar Pin Ups , Bowie participó en otras aventuras musicales en 1973. Coprodujo y tocó en la grabación de Lulu de " The Man Who Sold the World ", que se lanzó como sencillo en enero de 1974, [3] [4] contribuyó a Now We Are Six de Steeleye Span , [2] y formó un trío llamado Astronettes, compuesto por Cherry, Jason Guess y Geoff MacCormack . [5] El grupo grabó sesiones en Olympic Studios en Londres, pero el proyecto finalmente se archivó en enero; un álbum recopilatorio titulado People from Bad Homes (más tarde The Astronettes Sessions ) fue lanzado en 1995. Bowie reelaboró canciones de estas sesiones en los años posteriores. [2] [a] Buckley escribe que las canciones que grabó presentaban una mezcla de glam rock y soul , que resultó ser la dirección que Bowie tomó en 1974. [1]
Según el biógrafo Chris O'Leary, Diamond Dogs es una combinación de numerosos proyectos que Bowie imaginó en ese momento. [4] En noviembre de 1973, Bowie realizó una entrevista con el escritor William S. Burroughs para Rolling Stone . Publicada en febrero de 1974, la entrevista dio una idea de las ambiciones actuales de Bowie. Admirador de los métodos de trabajo de Burroughs y su novela de 1964 Nova Express , Bowie reveló que había comenzado a usar la técnica de "corte" de Burroughs como una forma de inspiración. Habló de un musical basado en Ziggy Stardust , diciendo: "Cuarenta escenas en él y sería bueno si los personajes y los actores aprendiéramos las escenas y todos las barajáramos en un sombrero la tarde de la actuación y simplemente las representáramos a medida que salieran las escenas". También mencionó casualmente la adaptación de la novela de George Orwell de 1949 Nineteen Eighty-Four , una de las favoritas de Bowie, para la televisión. [2] Había querido crear una producción teatral de la novela y comenzó a escribir material después de completar las sesiones para Pin Ups . [7] Ninguno de estos proyectos llegó a buen término. [4]
El musical de Ziggy Stardust , considerado un «paso retrógrado» por el biógrafo Nicholas Pegg , fracasó, pero Bowie rescató dos canciones para Diamond Dogs que había escrito para él: « Rebel Rebel » y « Rock 'n' Roll with Me ». [2] A finales de 1973, la viuda de George Orwell, Sonia Orwell , le negó a Bowie los derechos para utilizar la novela. [7] El rechazo molestó a Bowie, quien la criticó por ello en la revista Circus unos años más tarde. [8] Ella se negó a permitir cualquier adaptación de la obra de su difunto esposo por el resto de su vida. No fue posible ninguna adaptación hasta después de su muerte en 1980. Incapaz de adaptar la novela, Bowie decidió crear su propio escenario apocalíptico inspirado en las obras de Burroughs. Las canciones de este escenario incluyeron lo que se convertiría en la canción principal del álbum y « Future Legend ». [2] [4] [9]
Buckley escribe que el álbum fue la primera vez que Bowie usó un estudio de grabación como instrumento . [1] Con la partida de Scott, Bowie produjo el álbum él mismo. Keith Harwood , que había trabajado previamente con los Rolling Stones en numerosas sesiones y en Houses of the Holy de Led Zeppelin , se encargó de las tareas de ingeniería. [2] [1] Pegg escribe que a pesar de las colaboraciones previas de Bowie y Harwood en All the Young Dudes de Mott the Hoople y la versión original de « John, I'm Only Dancing » (ambas de 1972), Diamond Dogs fue el primer crédito de Harwood en un álbum de Bowie. Bowie describió estar «asombrado» por Harwood debido a su trabajo con los Stones. Con la partida de Spiders from Mars, Bowie se encargó de las tareas de guitarra principal. Recordó en 1997 que practicaba todos los días sabiendo que «la ejecución de la guitarra tenía que ser más que aceptable». [2] Esto sorprendió a los críticos de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray , produciendo lo que describieron como un "sonido rasposo, estridente y semi-amateur que le dio al álbum mucho de su sabor característico". [10] El pianista Mike Garson y el baterista Aynsley Dunbar regresaron de las sesiones de Pin Ups , Tony Newman también tocó la batería mientras que Herbie Flowers , que había tocado previamente en Space Oddity (1969), fue reclutado para tocar el bajo. Alan Parker de Blue Mink tocó la guitarra invitada en "1984" y "aumentó" el riff de Bowie en "Rebel Rebel", aunque solo fue acreditado por "1984". [11] El viejo amigo de Bowie, Geoff MacCormack, ahora conocido como Warren Peace , cantó coros. [1] [2] Diamond Dogs fue un hito en la carrera de Bowie, ya que lo reunió con Tony Visconti , quien proporcionó arreglos de cuerdas y ayudó a mezclar el álbum en su estudio en Londres. Visconti continuaría coproduciendo gran parte del trabajo de Bowie durante el resto de la década. [7]
Antes de que el proyecto Nineteen Eighty-Four fuera rechazado, Bowie trabajó en « 1984 » grabándolo el 19 de enero de 1973 durante las sesiones de Aladdin Sane . [12] El trabajo inicial en Diamond Dogs comenzó a fines de octubre de 1973 en Trident Studios en Londres, donde Bowie y Scott grabaron «1984» en un medley con «Dodo», titulado «1984/Dodo»; una vez que mezclaron la pista, esta sesión marcó la última vez que los dos trabajaron juntos. [2] [1] Según O'Leary, esta sesión también fue la última vez que Bowie trabajó con Ronson y Bolder. [4] El medley ya había hecho su debut público en el programa de televisión estadounidense The 1980 Floor Show grabado en Londres del 18 al 20 de octubre de 1973. [13] Una versión de « Growin' Up » de Bruce Springsteen , con Ronnie Wood en la guitarra principal, también se grabó durante este tiempo. [14] La grabación del álbum en Olympic comenzó oficialmente a principios de 1974. Bowie había comenzado a trabajar en "Rebel Rebel" durante una sesión en solitario en Trident después de Navidad de 1973. [b] [15] El día de Año Nuevo, el grupo grabó " Candidate " y "Take It In Right", [16] una versión temprana de "Can You Hear Me" de Young Americans (1975). [17] Después de las sesiones finales con los Astronettes, la grabación continuó del 14 al 15 de enero, con el grupo grabando "Rock 'n' Roll with Me", "Candidate", " Big Brother ", "Take It In Right" y la canción principal. Al día siguiente, Bowie grabó "We Are the Dead", después de lo cual contactó a Visconti para pedirle consejos sobre la mezcla. [16] "Rebel Rebel" se terminó en esta época. [4] La grabación se terminó en los estudios Ludolph en los Países Bajos, donde los Stones acababan de terminar de grabar It's Only Rock 'n Roll (1974). [18]
Diamond Dogs fue el último álbum de Bowie en el género glam rock. [2] Buckley escribe: "En el tipo de movimiento que definiría su carrera, Bowie se alejó del glam rock justo a tiempo, antes de que se convirtiera en una parodia en blanco de sí mismo". [19] El álbum a menudo ha sido considerado como un disco de " proto-punk inglés ", según el académico de estudios culturales Jon Stratton , quien lo llama "post-glam". [20] El erudito en cultura pop Shelton Waldrep lo describe como "proto-punk maravillosamente oscuro", [21] mientras que el periodista musical CM Crockford dice que es "el lugar tonto y abrasivo donde el punk y el art-rock se encuentran, bailan un poco y se separan". [22] En opinión de Adam Sweeting de The Guardian , si bien "la música todavía tiene un pie en el campo del glam rock", el álbum marca el punto en la carrera de Bowie en el que "comenzó a explorar una especie de música soul de Weimar con un empaque teatral lujoso", presentando baladas al estilo de Broadway como "Big Brother" y "Sweet Thing". [23] Pegg describe el álbum como que tiene "alternancias maníacas entre rock de garaje cargado de potencia y baladas apocalípticas sofisticadas y cargadas de sintetizadores". [2] El biógrafo Christopher Sandford escribe que más allá del concepto general, muchas de las canciones se adentran en el R&B . [24] Barry Walters de Pitchfork escribió que aunque el álbum sigue siendo principalmente glam rock, también contiene elementos de "funk y soul de Blaxploitation, ópera rock, canción de arte europea y Broadway". [25]
En realidad, todos eran pequeños Johnny Rottens y Sid Viciouses . Y, en mi mente, no había ningún medio de transporte... Así que había bandas de matones chillones, patinadores, con cuchillos Bowie y pieles encima, y todos estaban delgados porque no habían comido lo suficiente, y todos tenían el pelo de colores raros. En cierto modo, fue un precursor del movimiento punk. [26]
—David Bowie describiendo a los Diamond Dogs
La canción de apertura, "Future Legend", es una pista hablada que describe un paisaje urbano postapocalíptico. [27] Los escritos de Burroughs, especialmente The Wild Boys (1971) inspiran las visiones de decadencia. El autor Peter Doggett señala que a diferencia de la apertura de Ziggy Stardust , que anuncia que el mundo terminará en cinco años , el apocalipsis de "Future Legend" podría suceder en cualquier momento. [4] [28] [29] Bowie comienza la canción principal anunciando: "Esto no es rock'n'roll, esto es genocidio ". La canción presenta al personaje más nuevo de Bowie, Halloween Jack, descrito como "un gato realmente genial" que "vive en la cima de Manhattan Chase" en el páramo urbano representado en "Future Legend". [26] Él gobierna a los "perros de diamante", a quienes O'Leary describe como "manadas de niños salvajes acampados en techos de edificios altos, corriendo en patines, aterrorizando las calles sembradas de cadáveres sobre las que viven". [4] Aunque Jack es comúnmente identificado como una de las "identidades" de Bowie como Ziggy Stardust y Aladdin Sane, Doggett señala que Jack ocupa "poco más que un papel secundario". [29] El riff y el saxofón están inspirados en los Rolling Stones. [26] El biógrafo Marc Spitz señala que es la misma "voz de comentarista hastiado" que Bowie había usado en Aladdin Sane . [18]
Varios biógrafos citan la suite de "Sweet Thing/Candidate/Sweet Thing (Reprise)" como el punto culminante del álbum. [30] [28] [4] Pegg describe la interpretación vocal de Bowie, que cree que es una de las mejores, [30] como un canturreo. [18] [31] "Sweet Thing" pinta imágenes de decadencia, con el sexo como una "mercancía similar a las drogas", mientras que "Candidate" contiene referencias a Charles Manson y Muhammad Ali , con Bowie siendo "consumido por la falsedad de sus propias creaciones escénicas". [32] "Rebel Rebel", citada por Pegg como la canción más versionada de Bowie, se basa en un riff de guitarra distintivo que recuerda a los Rolling Stones y fue su despedida de la era del glam rock. [15] [33] La canción cuenta con la participación de Alan Parker como guitarrista invitado , quien, según Pegg, "agregó las tres notas descendentes al final de cada loop del riff". [15] Presenta a un personaje que es anterior al punk rock de los años 70 y a las letras que cambian de género ("Tienes a tu madre en un torbellino / No está segura de si eres un niño o una niña"). [27] [28] Algunos comentaristas elogiaron la canción en sí, pero sintieron que no contribuía al tema general del álbum. [27] [34] Doggett, sin embargo, escribe que la canción actúa como la "continuación musical" de la suite "Sweet Thing". [31]
Bowie y MacCormack coescribieron «Rock 'n' Roll with Me»; [4] fue el primer crédito de coescritura de Bowie en uno de sus propios álbumes. [35] MacCormack dijo que su contribución fue mínima: tocó la secuencia de acordes en el piano. [28] Una balada poderosa , [27] la canción explora la relación entre la audiencia y un actor. Cuando se le preguntó si los fanáticos lo consideraban un líder, Bowie describió «Rock 'n' Roll with Me» como su respuesta, diciendo: «¡Me lo estás haciendo a mí, detente!». [4] [29] Buckley escribe que la canción presagiaba la dirección soul que Bowie tomaría en Young Americans . [28] La letra de «We Are the Dead» refleja el amor mutuo de los personajes de Nineteen Eighty-Four , Winston y Julia . Establecen un mundo lleno de peligros que refleja el resto del álbum. [36] Buckley describe la letra como "gótica" y la música como "espeluznante". [28] Aunque cita directamente a Nineteen Eighty-Four , O'Leary y James Perone sostienen que la canción debe más a los escritos de Burroughs. [4] [27]
"1984" fue el número insignia de la adaptación planeada de Bowie de Nineteen Eighty-Four . [37] Se ha interpretado como una representación del encarcelamiento e interrogatorio de Winston Smith por parte de O'Brien . [13] La letra también tiene algunas similitudes con la canción anterior de Bowie " All the Madmen " (1970): "Te partirán el cráneo bonito y lo llenarán de aire". [37] Donald A. Guarisco de AllMusic escribió: "La grabación de Bowie de "1984" realiza plenamente el potencial cinematográfico de la canción con un arreglo dramático que utiliza cuerdas deslizantes y una línea de guitarra wah-wah palpitante que refleja de manera efectiva los ritmos recortados y militaristas de la canción". [38] Originalmente grabada durante las sesiones de Aladdin Sane , [12] la guitarra wah-wah de la regrabación recuerda a " Theme from Shaft " de Isaac Hayes . [28] [39] Guarisco y Pegg sintieron que la naturaleza funk y soul de la canción predijo completamente la dirección que Bowie tomaría en Young Americans . [37] [38]
Según Pegg, el tema de «Big Brother» es «el peligroso carisma del poder absoluto y la facilidad con la que las sociedades sucumben a las soluciones finales del totalitarismo». [40] Era un posible candidato para cerrar la adaptación de Bowie de Nineteen Eighty-Four . [4] Con sintetizadores y saxofones, [40] la pista va construyendo hasta un clímax que Buckley considera reminiscente de The Man Who Sold the World . [28] La pista pasa a «Chant of the Ever Circling Skeletal Family», una variación de «Two Minutes Hate» de Nineteen Eighty-Four . [41] [4] Es un canto en compás de 5/4 y 6/4, con un loop de guitarra distorsionado. En el LP original, la palabra hermano se repite en un «efecto de aguja atascada», similar al final de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) de los Beatles . [42]
[Bowie] me engañó para que hiciera la portada. Recién cuando estábamos en la sesión me preguntó si podía pintarle un cuadro. La idea era tan interesante que no pude resistirme. [43]
—Guy Peellaert sobre la realización de la portada, 2000
La portada muestra a Bowie como un grotesco mitad hombre, mitad perro . Luce su corte de pelo Ziggy Stardust y dos perros de "espectáculo de fenómenos" lo rodean con un fondo de la ciudad de Nueva York. [2] [43] La obra de arte se originó a partir de una sesión de fotos con el fotógrafo Terry O'Neill . Bowie optó por no utilizar ninguno de sus fotógrafos de portada anteriores y, en su lugar, solicitó los servicios del artista belga Guy Peellaert , cuyo catálogo Rock Dreams publicado recientemente , que presenta numerosas fotografías retocadas y explotadas, estaba creciendo en popularidad. Bowie invitó a Peellaert a la sesión de fotos donde posó como un perro y con un gran danés llevado a la sesión. [2] [43] Bowie le preguntó a Peellaert si le gustaría desarrollar una pintura para la obra de arte, basada en una idea de guión gráfico donde aparecía como mitad hombre, mitad perro, estilísticamente similar a la obra de arte de Peellaert para It's Only Rock 'n Roll de los Rolling Stones . Peellaert estuvo de acuerdo y basó el telón de fondo en un libro que tenía sobre Pleasure Park en Coney Island . Los dos perros detrás de Bowie se basaron en las intérpretes del espectáculo de variedades Cavalcade de la isla, Alzoria Lewis (conocida como "la chica tortuga") y Johanna Dickens (conocida como "la chica oso"). [2] [43]
La obra de arte fue controvertida ya que la imagen completa en la funda desplegable mostraba los genitales del híbrido. RCA hizo que los genitales fueran retocados con aerógrafo de la funda utilizada para la mayoría de los lanzamientos. Algunas copias originales sin censura llegaron a circular en el momento del lanzamiento del álbum. [2] [43] Según las guías de precios de la publicación para coleccionistas de discos Goldmine , estos álbumes han estado entre los coleccionables de discos más caros de todos los tiempos, vendiéndose por miles de dólares estadounidenses por una sola copia. [44] Otros cambios en la obra de arte incluyeron la sustitución de la insignia del espectáculo de fenómenos "Alive" por la palabra "Bowie"; Bowie fue acreditado simplemente como "Bowie", continuando la convención establecida con Pin Ups . [2] [43] Rykodisc / EMI restauró el arte original sin censura de Peelaert para el relanzamiento del álbum en 1990. Las reediciones posteriores incluyeron una imagen rechazada de la portada interior que muestra a Bowie con un sombrero cordobés sosteniendo un perro hambriento con una copia de la novela de Walter Ross, El inmortal, a sus pies. [2] [43]
En el Reino Unido, RCA lanzó el sencillo principal , «Rebel Rebel», el 15 de febrero de 1974, respaldado por la canción de Hunky Dory « Queen Bitch ». [4] El mismo día, Bowie grabó una interpretación sincronizada de «Rebel Rebel» en el Avro Studio 2 de Hilversum para el programa de televisión holandés Top Pop . Transmitido dos días después, mostró a Bowie vistiendo lo que Pegg llama su efímera «imagen de pirata»: un parche en el ojo y un pañuelo de lunares. Bowie cambió este traje después de la actuación a favor de los «trajes de raya hacia atrás y cruzados» del Diamond Dogs Tour. [15] Para su lanzamiento en Estados Unidos, Bowie grabó una nueva mezcla en abril de 1974. Apodada «Latin dub mix» por Doggett, [31] esta mezcla fue lanzada en Nueva York en mayo de 1974, con « Lady Grinning Soul » como lado B. [45] El sencillo fue un éxito comercial, alcanzando el puesto número 5 en la lista de sencillos del Reino Unido y el número 64 en el Billboard Hot 100 de los Estados Unidos . [46] [47] Además, se convirtió en un himno glam, el equivalente femenino del éxito anterior de Bowie para Mott the Hoople , " All the Young Dudes ". [48] Sin embargo, como sencillo principal, la canción dio poca indicación de la atmósfera y los temas oscuros del resto de su álbum original. [15]
RCA lanzó Diamond Dogs el 24 de mayo de 1974 con el número de catálogo APLI 0576. [49] [c] El álbum fue un éxito comercial, alcanzando el número uno en la lista de álbumes del Reino Unido y el número cinco en la lista Billboard Top LPs & Tape de EE. UU. [52] [53] Una campaña publicitaria de $ 400,000 que incluía vallas publicitarias en Times Square y Sunset Boulevard , anuncios en revistas, carteles del metro que declaraban "El año de los Diamond Dogs" y un comercial de televisión, uno de los primeros de su tipo para un álbum pop según Pegg, impulsó sus ventas en los EE. UU. [2] En Canadá, repitió su éxito en la cima de las listas británicas, alcanzando el número uno en la lista de álbumes nacionales RPM 100 en julio de 1974, permaneciendo allí durante dos semanas. [54] RCA lanzó el segundo sencillo, "Diamond Dogs", el 14 de junio de 1974, con una versión regrabada del sencillo de Bowie de 1971 " Holy Holy " como lado B. [50] [55] Fue el sencillo menos exitoso de Bowie en dos años, alcanzando el puesto número 21 en la lista de sencillos del Reino Unido y sin entrar en las listas de los EE. UU. [4] [26] "1984" fue lanzado como el tercer sencillo en los EE. UU. y Japón, pero no llegó a las listas. [37] Al reseñar el sencillo en agosto de 1974, Billboard describió "1984" como el "corte más comercial de Bowie ... en mucho tiempo". [56]
Bowie promocionó el álbum en la gira Diamond Dogs Tour, cuya primera etapa duró del 14 de junio al 20 de julio de 1974. Co-diseñada y construida por Chris Langhart, contó con elaboradas escenografías y costó 250.000 dólares. Metropolis (1927) de Fritz Lang y El gabinete del doctor Caligari (1920) de Robert Wiene influyeron en el diseño de la gira, principalmente debido al interés de Bowie en el expresionismo alemán . [57] La segunda etapa de la gira, del 2 de septiembre al 1 de diciembre de 1974, ha sido apodada Soul Tour, debido a la influencia de la música soul que Bowie había comenzado a grabar para Young Americans en agosto. Los shows fueron alterados en gran medida y ya no presentaron elaboradas escenografías, en parte porque Bowie se había cansado del diseño y quería explorar el nuevo sonido que estaba creando. Bowie eliminó canciones de la etapa anterior, mientras que agregó otras nuevas, algunas de Young Americans . [58]
A principios de septiembre, el director Alan Yentob filmó un documental que retrata a Bowie en la gira en Los Ángeles, utilizando una mezcla de secuencias filmadas en limusinas, hoteles y secuencias de conciertos, la mayoría de las cuales fueron tomadas de un espectáculo en el Universal Amphitheatre el 2 de septiembre. [59] Emitido por la BBC1 en el Reino Unido el 26 de enero de 1975, Cracked Actor es notable como una fuente principal de imágenes de la gira Diamond Dogs, y por mostrar el estado mental en declive de Bowie durante este período debido a su creciente adicción a la cocaína. [59] Aunque Cracked Actor nunca ha recibido un lanzamiento oficial, Pegg lo llama "posiblemente el mejor documental realizado sobre David Bowie". Después de ver una proyección anticipada de la película, el director Nicolas Roeg contactó inmediatamente a Bowie para discutir un papel en The Man Who Fell to Earth (1976). [59]
Bowie tocó todas las canciones del álbum excepto "We Are the Dead" en la gira, [60] cuyas interpretaciones se han publicado en tres álbumes en vivo: David Live (1974), Cracked Actor (2017) y I'm Only Dancing (The Soul Tour 74) (2020). [61] [62] [63] "Rebel Rebel" apareció en casi todas las giras posteriores de Bowie, [15] "Diamond Dogs" se interpretó para los tours Isolar , Outside y A Reality , [26] y "Big Brother/Chant of the Ever Circling Skeletal Family" fue resucitada en 1987 para el Glass Spider Tour , [42] que a su vez estuvo fuertemente influenciado por la gira Diamond Dogs. [64] El Diamond Dogs Tour ha tenido un legado duradero. Sandford dice que la gira convirtió a Bowie de un "acto novedoso" en una "superestrella". [65] Spitz escribe que fue muy influyente en futuras giras con grandes y elaboradas piezas escénicas, incluyendo la gira Mothership Connection de Parliament-Funkadelic , el período de Las Vegas de Elvis Presley , las giras de los años 90 de U2 y Madonna , y 'N Sync , los Backstreet Boys , Britney Spears y el Glow in the Dark Tour de 2008 de Kanye West . [66]
El álbum recibió críticas mixtas de los críticos musicales en su lanzamiento. [24] La revista Disc comparó el álbum con "el muy subestimado" The Man Who Sold the World , creyendo que contiene algunas de las canciones mejor escritas de Bowie y "sin duda el mejor [LP] que ha hecho hasta ahora", mientras que Rock Magazine lo encontró "un álbum fuerte y efectivo, y ciertamente el trabajo más impresionante que Bowie ha completado desde Ziggy Stardust ". [2] Martin Kirkup de Sounds escribió: "donde Aladdin Sane parecía una serie de instantáneas de Instamatic tomadas desde ángulos extraños, Diamond Dogs tiene la calidad provocadora de una pintura pensada que se basa en todos los colores más profundos". [1] Billboard vio un "Bowie más sutil y estético" que sus discos anteriores en un álbum "que debería reforzar su presencia musical en los años 70". [67] Peter Harvey de Record Mirror estaba decepcionado por la ausencia de los Spiders y deseaba que los temas líricos fueran más optimistas, pero predijo que el disco sería una buena producción escénica. [68]
Chris Charlesworth de Melody Maker calificó el álbum como "realmente bueno" y ofreció elogios adicionales, comparándolo con el método de producción Wall of Sound de Phil Spector y notando el nivel similar de emoción y elogios que los álbumes de Bowie comenzaban a recibir como lo hicieron los Beatles en los años 60. [69] Robert Christgau fue más crítico en Creem , sugiriendo que Bowie realiza una pálida imitación del "vocalismo teatral" de Bryan Ferry . También descartó el contenido lírico como "pesimismo escapista inventado desde una cúpula de placer: come, esnifa y folla a niñas pequeñas, porque mañana seremos personas , pero esta noche ¿qué tal $ 6.98 por este pedazo de plástico? Di que no". [70] Ken Emerson de Rolling Stone le dio al álbum una crítica extremadamente negativa, llamándolo "el peor álbum de Bowie en seis años". Criticó la elección de dirección de Bowie, la ausencia de Ronson, describiendo la forma de tocar la guitarra de Bowie como "cursi" y añadiendo que "la música ejerce tan poco atractivo que es difícil preocuparse de qué se trata". [71] A pesar de la recepción mixta del álbum, John Rockwell de The New York Times lo encontró inofensivo y "surrealista-nihilista". [72]
El estilo de guitarra crudo de Diamond Dogs y sus visiones de caos urbano, niños carroñeros y amantes nihilistas ("Compraremos algunas drogas y veremos una banda / Luego saltaremos a un río tomados de la mano") han sido acreditados con la anticipación de la revolución punk que tendría lugar en los años siguientes. [13] Según el escritor de Rolling Stone Mark Kemp , el "nihilismo resignado" del álbum inspiró una interesante tristeza y pesimismo de actos góticos e industriales posteriores como Bauhaus y Nine Inch Nails ". [73] O'Leary escribe que la aparición de Bowie en el video promocional de "Rebel Rebel" proporcionó inspiración sobre los estilos y actitudes de los punks futuros. Continúa diciendo que los punks británicos iniciales eran antiguos fanáticos de Bowie y Roxy Music , y "Rebel Rebel" se erige como la despedida de Bowie y un tributo a ellos. [4] Crockford reconoce además la influencia del álbum en el punk, afirmando: "La forma violenta y amateur de tocar la guitarra de Bowie aquí se reflejaría en las bandas post-punk de finales de los años 70 y el concepto de Diamond Dogs de bandas callejeras vagando por Londres se hizo eco en el nihilismo alegre de los Sex Pistols ". [22] Teniendo en cuenta la dirección de Bowie después a través de las eras punk y disco , Derek Miller de Stylus Magazine dice: " Diamond Dogs debería ser recordado no solo como uno de los últimos grandes álbumes de larga duración del glam, sino más importante aún como un disco gap que de alguna manera logra crear un guión gráfico coherente del crudo surrealismo conceptual de Bowie al mismo tiempo que expande su sonido". [74]
Las valoraciones retrospectivas han sido mixtas. Stephen Thomas Erlewine de AllMusic dijo que, debido a que Bowie no retiró por completo el personaje de Ziggy Stardust, Diamond Dogs sufre de que no está seguro de cómo seguir adelante. Aunque elogió "Rebel Rebel", criticó aún más la exclusión de Ronson y finalmente concluyó que "es el primer disco desde Space Oddity donde el alcance de Bowie excede su alcance". [34] Greg Kot del Chicago Tribune le dio al álbum una crítica mixta, llamándolo "un álbum conceptual sobreproducido inspirado en 1984 de Orwell ". [76] Eduardo Rivadavia también fue mezclado en Ultimate Classic Rock , cuestionando la presencia de Ziggy, a quien Bowie supuestamente retiró el año anterior. A pesar del éxito comercial del álbum, Rivadavia concluyó: "con décadas de retrospectiva, Diamond Dogs ahora parece más como la puerta de entrada de la era de Ziggy Stardust a su período de soul de ojos azules de Thin White Duke , y más allá". [83]
El disco ha recibido críticas positivas. Barry Walters de Pitchfork describió el álbum como "un fastidio, un mal viaje, 'No Fun' - un trabajo sostenido de decadencia y pavor que transforma la corrosión en celebración". También creía que presagiaba la personalidad de Bowie como Thin White Duke. [25] Para punknews.org, CM Crockford escribió que Diamonds Dogs es el "trabajo absolutamente más distintivo de Bowie: melodramático, crudo, desafiante y ambicioso incluso cuando está repleto de canciones pegadizas". Crockford finalmente lo llamó uno de los lanzamientos esenciales de Bowie y argumentó que "nunca volvería a hacer un álbum que fuera tan obviamente suyo". [22] En una encuesta de lectores de 2013 para Rolling Stone , Diamond Dogs fue votado como el quinto mejor álbum de Bowie. [84]
En las décadas posteriores, los biógrafos de Bowie han descrito a Diamond Dogs como una de las mejores obras de Bowie. [2] Cann escribe: " Podría decirse que Diamond Dogs es el álbum más significativo [de Bowie], un trabajo fundamental y el álbum más 'solista' que ha hecho jamás". [43] Aunque Spitz lo llama "nada divertido", afirma que fue el disco "más complejo y con mejor sonido de Bowie hasta la fecha, y todavía te lleva a su mundo romántico y condenado tres décadas y media después". [18] Trynka lo llama "un hermoso desastre", [85] mientras que Buckley dice que el álbum demostró que Bowie todavía podía producir un trabajo de "calidad real" sin Scott o los Spiders. [86] Doggett escribe que anticipó la "audacia sónica" de Low y "Heroes" , mientras que simultáneamente "volcó el barco del rock clásico". [87] Perone sostiene que "Chant of the Ever Circling Skeletal Family" fue anterior a la exploración de Talking Heads de los ritmos africanos y la experimentación a fines de la década de 1970. [27] Pegg escribe que con temas como "We Are the Dead", "Big Brother" y la suite "Sweet Thing", el álbum contiene "algunos de los sonidos más sublimes y notables en los anales de la música rock". Además, afirma que la nueva voz de Bowie en el disco, un " bajo profundo ", particularmente evidente en "Sweet Thing" y "Big Brother", fue una gran influencia en las bandas de rock gótico en la década de 1980. [2] Ocupó el puesto número 447 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de NME . [ 88 ] [89]
Diamond Dogs ha sido reeditado varias veces. Aunque los lanzamientos originales de vinilo de 1974 presentaban una cubierta desplegable, [90] algunas versiones de LP posteriores, como la reedición estadounidense de RCA de 1980, presentaron el álbum en una funda estándar sin cubierta desplegable. [91] [92] El álbum fue lanzado por primera vez en CD a mediados de la década de 1980 por RCA, con una portada censurada. Los másters alemán (para el mercado europeo) y japonés (para el mercado estadounidense), provenientes de diferentes cintas, no son idénticos. [93] Dr. Toby Mountain en Northeastern Digital, en Southborough, Massachusetts , [94] remasterizó Diamond Dogs a partir de las cintas maestras originales para Rykodisc en 1990, lanzado con dos pistas adicionales y la obra de arte original, sin censura. [95] Fue remasterizado nuevamente en 1999 por Peter Mew en Abbey Road Studios para EMI y Virgin Records , y una vez más lanzado sin pistas adicionales. [96]
En 2004, EMI/Virgin lanzó una versión de 2 discos. [97] El tercero de una serie de ediciones de 2 CD del 30.º aniversario (junto con Ziggy Stardust y Aladdin Sane ), este lanzamiento incluyó una versión remasterizada del álbum en el primer disco. El segundo disco contiene ocho pistas, cinco de las cuales habían sido lanzadas previamente con el box set Sound + Vision en 1989 o como pistas adicionales en las reediciones de Rykodisc/EMI de 1990-92. [2] En 2016, el álbum fue remasterizado para el box set Who Can I Be Now? (1974-1976) . [98] Fue lanzado en CD y vinilo, y en formatos digitales, tanto como parte de esta compilación como por separado. [99]
Todas las pistas fueron escritas por David Bowie , excepto "Rock 'n' Roll with Me", letra de Bowie; música de Bowie y Geoff MacCormack . [100]
Lado uno
Lado dos
Adaptado de las notas del álbum Diamond Dogs y del biógrafo Nicholas Pegg. [2] [100]
Técnico
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