Los historiadores del arte y los filósofos del arte llevan mucho tiempo discutiendo sobre si una determinada forma cultural o una determinada obra de arte debe clasificarse como arte . Hoy en día, siguen existiendo disputas sobre qué se considera arte y qué no. [1]
Definir el arte puede ser difícil. Los esteticistas y los filósofos del arte a menudo se involucran en disputas sobre cómo definir el arte. En su definición original y más amplia, el arte (del latín ars , que significa "habilidad" u " arte ") es el producto o proceso de la aplicación efectiva de un cuerpo de conocimiento, generalmente utilizando un conjunto de habilidades; este significado se conserva en frases como " artes liberales " y " artes marciales ". Sin embargo, en el uso moderno de la palabra, que adquirió importancia después de 1750, "arte" se entiende comúnmente como la habilidad utilizada para producir un resultado estético (Hatcher, 1999).
Britannica Online lo define como "el uso de la habilidad o la imaginación en la creación de objetos estéticos, entornos o experiencias que pueden compartirse con otros". [2] Pero la mejor definición del término "arte" hoy en día es un tema de mucha controversia; se han publicado muchos libros y artículos de revistas que discuten incluso sobre los conceptos básicos de lo que queremos decir con el término "arte" (Davies, 1991 y Carroll, 2000). Theodor Adorno afirmó en 1969: "Es evidente que nada relacionado con el arte es evidente ya". No está claro quién tiene el derecho a definir el arte. Artistas, filósofos, antropólogos y psicólogos utilizan la noción de arte en sus respectivos campos y le dan definiciones operativas que no son muy similares entre sí.
El segundo sentido, más estricto y más reciente, de la palabra "arte" es, más o menos, una abreviatura de arte creativo o " bellas artes ". Aquí queremos decir que la habilidad se utiliza para expresar la creatividad del artista o para atraer la sensibilidad estética del público. A menudo, si la habilidad se utiliza para crear objetos con un uso práctico, en lugar de pinturas o esculturas sin otra función práctica que la de ser una obra de arte , se considerará que cae dentro de clasificaciones como las artes decorativas , las artes aplicadas y la artesanía en lugar de las bellas artes. Del mismo modo, si la habilidad se utiliza de forma comercial o industrial, se considerará diseño en lugar de arte. Algunos pensadores han argumentado que la diferencia entre las bellas artes y las artes aplicadas tiene más que ver con los juicios de valor que se hacen sobre el arte que con cualquier diferencia de definición clara (Novitz, 1992). La distinción moderna no funciona bien para períodos más antiguos, como el arte medieval , donde los medios artísticos más valorados en ese momento eran a menudo la metalistería , las gemas grabadas , los textiles y otras "artes aplicadas", y el valor percibido de las obras de arte a menudo reflejaba el costo de los materiales y la gran cantidad de tiempo empleado en crear la obra, al menos tanto como el aporte creativo del artista.
En la dinastía Zhou de la antigua China, se esperaba que el junzi (君子), o "caballero perfecto", como lo definieron filósofos como Confucio , tuviera excelencia en las liù yì (六藝), o " seis artes " . Debido a que estas artes abarcaban tanto los aspectos civiles como los militares de la vida, para sobresalir en las seis se requería que un erudito fuera muy polifacético y polifacético . Las seis artes eran las siguientes:
Más tarde, en la historia de la China imperial, las Seis Artes se redujeron, creándose un sistema similar de cuatro artes para que la casta de eruditos y funcionarios aprendiera y siguiera:
Otro intento de definir sistemáticamente el arte como una agrupación de disciplinas en la antigüedad está representado por las Musas de la antigua Grecia . Cada una de las nueve Musas estándar simbolizaba y encarnaba una de las nueve ramas de lo que los griegos llamaban techne , un término que significa aproximadamente "arte" pero que también se ha traducido como "artesanía" o "artesanía", y la definición de la palabra también incluía disciplinas más científicas. Estas nueve ramas tradicionales eran:
En la Europa cristiana medieval , las universidades enseñaban un conjunto estándar de siete artes liberales , definidas por filósofos medievales tempranos como Boecio y Alcuino de York y, como tales, centradas en la filosofía. Las definiciones de estas materias y su práctica se basaban en gran medida en el sistema educativo de Grecia y Roma. Estas siete artes se dividían a su vez en dos categorías:
En esa época, y después del Renacimiento , la palabra "arte" en inglés y sus afines en otros idiomas aún no habían alcanzado su significado moderno. Uno de los primeros filósofos que habló del arte en el marco que entendemos hoy fue Georg Wilhelm Friedrich Hegel , quien describió en sus Lecciones de estética una clasificación de las cinco artes principales, desde la más material hasta la más expresiva:
La lista de las artes de Hegel se popularizó particularmente en Francia y, con modificaciones continuas, la lista ha seguido siendo relevante y un tema de debate en la cultura francesa hasta el siglo XXI. Esta clasificación fue popularizada por Ricciotto Canudo , uno de los primeros estudiosos del cine que escribió el "Manifiesto del séptimo arte" en 1923. Los epítetos que se dan a cada disciplina por su ubicación en la lista se utilizan a menudo para referirse a ellas mediante paráfrasis, en particular al llamar al cine "el séptimo arte". El Ministerio de Cultura francés a menudo participa en la toma de decisiones para definir un "nuevo" arte. [3] Las diez artes se dan generalmente de la siguiente manera:
La disputa sobre cuál debería ser la próxima forma de arte se ha librado durante más de un siglo. Actualmente, hay una variedad de contendientes para el arte le onzième , muchos de los cuales son disciplinas más antiguas cuyos practicantes sienten que su medio está subestimado como arte. Un contendiente particularmente popular para el 11.º es el multimedia , que pretende reunir las diez artes, tal como Canudo sostuvo que el cine era la culminación de las primeras seis artes. El arte de la performance , como algo separado de las artes escénicas, se ha llamado le douzième , o arte "duodécimo". [5]
Las clasificaciones occidentales tradicionales desde el Renacimiento han sido variantes de la jerarquía de géneros basada en el grado en que la obra muestra el aporte imaginativo del artista, utilizando una teoría artística que se remonta al mundo antiguo. Este tipo de pensamiento recibió cierto impulso con la estética del Romanticismo . Un marco teórico similar se aplicó en el arte tradicional chino ; por ejemplo, tanto en la tradición occidental como en la del Lejano Oriente de la pintura de paisajes (véase pintura literaria ), a los paisajes imaginarios se les concedió un estatus superior al de las representaciones realistas de una vista de paisaje real; en Occidente, se los relegó a " vistas topográficas ".
Muchos han argumentado que es un error intentar siquiera definir el arte o la belleza, que no tienen esencia y, por lo tanto, no pueden tener una definición. A menudo, se dice que el arte es un conjunto de conceptos relacionados en lugar de un concepto único. Ejemplos de este enfoque incluyen a Morris Weitz y Berys Gaut . Basándose en Ludwig Wittgenstein , Weitz sostuvo que el arte es un " concepto abierto " cuyos componentes y criterios de inclusión podrían cambiar con el tiempo; [6] también trató de distinguir los usos puramente "descriptivos" de los "evaluativos" del término arte. [7]
Otro enfoque es decir que el "arte" es básicamente una categoría sociológica, que todo aquello con lo que las escuelas de arte, los museos y los artistas se salen con la suya se considera arte, independientemente de las definiciones formales. Esta teoría institucional del arte ha sido defendida por George Dickie . La mayoría de la gente no consideraba que un urinario comprado en una tienda o una representación escultórica de una caja de Brillo fueran arte hasta que Marcel Duchamp y Andy Warhol (respectivamente) los colocaron en el contexto del arte (es decir, la galería de arte ), lo que luego proporcionó la asociación de estos objetos con los valores que definen el arte.
Los procedimentalistas a menudo sugieren que lo que hace que una obra de arte sea arte es el proceso mediante el cual se crea o se ve, no cualquier característica inherente de un objeto o lo bien que sea recibido por las instituciones del mundo del arte después de su introducción a la sociedad en general. Para John Dewey , por ejemplo, si el escritor pretendía que una pieza fuera un poema, lo es, independientemente de que otros poetas lo reconozcan o no. Mientras que si un periodista escribiera exactamente el mismo conjunto de palabras, con la intención de que fueran notas abreviadas que lo ayudaran a escribir un artículo más largo más adelante, no serían un poema.
Por otra parte, León Tolstoi , en su texto seminal ¿Qué es el arte?, afirma que lo que hace que algo sea arte o no es la forma en que lo experimenta su público, no la intención de su creador. [8] Los funcionalistas, como Monroe Beardsley, sostienen que si una pieza cuenta como arte depende de la función que cumple en un contexto particular. Por ejemplo, el mismo jarrón griego puede cumplir una función no artística en un contexto (llevar vino) y una función artística en otro contexto (ayudarnos a apreciar la belleza de la figura humana).
El filósofo David Novitz ha sostenido que los desacuerdos sobre la definición del arte rara vez son el núcleo del problema, sino que más bien "las preocupaciones e intereses apasionados que los humanos depositan en su vida social" son "una parte muy importante de todas las disputas clasificatorias sobre el arte" (Novitz, 1996). Según Novitz, las disputas clasificatorias son más a menudo disputas sobre nuestros valores y hacia dónde tratamos de llegar con nuestra sociedad que sobre la teoría propiamente dicha.
Por otra parte, Thierry de Duve [9] sostiene que las disputas sobre la definición de arte son una consecuencia necesaria de la presentación que hace Marcel Duchamp del readymade como obra de arte. En su libro de 1996 Kant después de Duchamp reinterpreta la Crítica del juicio de Kant intercambiando la frase "esto es bello" por "esto es arte", utilizando la estética kantiana para abordar el arte postduchampiano.
La obra del artista francés Marcel Duchamp de las décadas de 1910 y 1920 allanó el camino para los conceptualistas, proporcionándoles ejemplos de obras prototípicamente conceptuales (los readymades , por ejemplo) que desafiaban las categorizaciones anteriores. El arte conceptual surgió como movimiento durante la década de 1960. La primera ola del movimiento de "arte conceptual" se extendió aproximadamente desde 1967 hasta 1978. Los primeros artistas "conceptuales" como Henry Flynt , Robert Morris y Ray Johnson influyeron en el movimiento posterior, ampliamente aceptado, de artistas conceptuales como Dan Graham , Hans Haacke y Douglas Huebler .
Más recientemente, los " Young British Artists " (YBAs), liderados por Damien Hirst , cobraron prominencia en la década de 1990 y su trabajo se considera conceptual, aunque se basa en gran medida en el objeto artístico para generar su impacto. El término se utiliza en relación con ellos sobre la base de que el objeto no es la obra de arte, o es a menudo un objeto encontrado , que no ha necesitado habilidad artística en su producción. Tracey Emin es vista como una destacada YBA y una artista conceptual, aunque ella ha negado serlo y ha enfatizado la expresión emocional personal.
Charles Saatchi financia la obra de Damien Hirst . Al año siguiente, la Galería Saatchi expone La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo , un tiburón en formol en una vitrina.
Vanessa Beecroft realiza una performance en Milán , Italia . En ella, unas jóvenes actúan como segunda audiencia de la exposición de su diario de comidas.
Tracey Emin está nominada al premio Turner . Su obra My Bed (Mi cama) muestra su cama desordenada, rodeada de desechos como condones, bragas manchadas de sangre, botellas y sus zapatillas de dormitorio.
Martin Creed gana el Premio Turner por su obra The Lights Going On and Off , titulada acertadamente , en la que las luces se encienden y se apagan en una habitación que por lo demás estaba vacía. [10]
Miltos Manetas confronta la Bienal del Whitney con su Whitneybiennial.com. [11]
Simon Starling gana el Premio Turner por Shedboatshed . Starling presentó un cobertizo de madera que había convertido en un barco, que había flotado por el Rin y que luego había reconvertido en cobertizo. [12]
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El grupo de artistas Stuckist , fundado en 1999, se autoproclamó «pro-pintura figurativa contemporánea con ideas y anti-arte conceptual, principalmente por su falta de conceptos». También lo calificaron de pretencioso, «poco destacable y aburrido» y el 25 de julio de 2002, en una manifestación , depositaron un ataúd en el exterior de la galería White Cube , marcado «La muerte del arte conceptual». [13] [14] En 2003, la Galería Stuckism International exhibió un tiburón preservado bajo el título A Dead Shark Isn't Art , haciendo clara referencia a la obra de Damien Hirst (ver disputas más arriba). [15]
En un programa de BBC2 Newsnight del 19 de octubre de 1999 presentado por Jeremy Paxman , en el que Charles Thomson atacaba el Premio Turner de ese año y el artista Brad Lochore lo defendía, Thomson estaba mostrando pinturas de Stuck, mientras que Lochore había llevado consigo una botella de detergente de plástico sobre un pedestal de cartón. En un momento dado, Lochore afirma: "si la gente dice que es arte, es arte". Paxman pregunta: "Entonces, ¿puede decir que cualquier cosa es arte?" y Lochore responde: "Podría decir que todo es arte..." En ese momento se puede escuchar a Thomson, fuera de la pantalla, decir: "¿Mi zapato es arte?" mientras que al mismo tiempo su zapato aparece delante de Lochore, quien observa: "Si usted dice que lo es. Tengo que juzgarlo en esos términos". La respuesta de Thomson es: "Nunca antes había oído nada tan ridículo en mi vida". [16]
En 2002, Ivan Massow , presidente del Instituto de Arte Contemporáneo, calificó el arte conceptual de "baratija pretenciosa, autocomplaciente y sin habilidad" y de estar en "peligro de desaparecer por su propio culo... liderado por zares culturales como Sir Nicholas Serota de la Tate ". [17] En consecuencia, Massow se vio obligado a dimitir. A finales de año, la ministra de Cultura, Kim Howells , graduada de la escuela de arte, denunció el Premio Turner como "una mierda fría, mecánica y conceptual". [18]
En octubre de 2004, la Galería Saatchi dijo a los medios que "la pintura sigue siendo la forma más relevante y vital que los artistas eligen para comunicarse". [19] Después de esto, Charles Saatchi comenzó a vender obras destacadas de su colección YBA ( Young British Artists ).
Los videojuegos se remontan a 1947, aunque no llegaron a un gran público hasta la década de 1970. Sería difícil y extraño negar que los videojuegos y los juegos de ordenador incluyen muchos tipos de arte (teniendo en cuenta, por supuesto, que el concepto "arte" en sí mismo está, como se ha indicado, abierto a una variedad de definiciones). Los gráficos de un videojuego constituyen arte digital , arte gráfico y probablemente videoarte ; la banda sonora original de un videojuego constituye claramente música . Sin embargo, es un punto de debate si el videojuego en su conjunto debe considerarse una obra de arte de algún tipo, tal vez una forma de arte interactivo o arte participativo .
El crítico de cine Roger Ebert , por ejemplo, afirmó públicamente que los videojuegos no son arte y que, por razones estructurales, siempre serán inferiores al cine, pero luego admitió su falta de conocimiento en el área cuando afirmó que "nunca jugaré a un videojuego cuando haya un buen libro para leer o una buena película para ver". [20] El diseñador de videojuegos Hideo Kojima ha argumentado que jugar a un videojuego no es arte, pero los juegos tienen un estilo artístico e incorporan arte. [21] [22] [23] El diseñador de videojuegos Chris Crawford sostiene que los videojuegos son arte. [24] El columnista de Esquire Chuck Klosterman también sostiene que los videojuegos son arte. [25]
Han surgido debates sobre si un token no fungible (NFT) puede considerarse arte en sí mismo, o simplemente la representación de una obra de arte. [26] En este sentido, se han citado debates de Wikipedia en la página de discusión de la Lista de las obras de arte más caras de artistas vivos . [27]
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