Sean Scully RA (nacido el 30 de junio de 1945) es un artista nacido en Irlanda y residente en Estados Unidos que trabaja como pintor, grabador , escultor y fotógrafo. Su obra se conserva en colecciones de museos de todo el mundo y ha sido nominado dos veces al Premio Turner . Tras mudarse de Londres a Nueva York en 1975, Scully ayudó a liderar la transición del minimalismo a la abstracción emocional en la pintura, abandonando el vocabulario reducido del minimalismo en favor de un retorno a la metáfora y la espiritualidad en el arte.
Scully también ha sido conferenciante y profesor en varias universidades y sus escritos y enseñanzas están recopilados en el libro de 2016, Inner: The Collected Writings and Selected Interviews of Sean Scully.
Sean Scully nació en Dublín , Irlanda, el 30 de junio de 1945. [3] Cuatro años más tarde, su familia se mudó a Londres, donde vivieron en una zona de clase trabajadora del sur de Londres, mudándose de un alojamiento a otro durante varios años. [4] A la edad de 9 años, Scully supo que quería convertirse en artista, y desde los 15 años hasta los 17, Scully fue aprendiz en una imprenta comercial en Londres como tipógrafo, una experiencia que influyó enormemente en el arte que vendría después. [5]
Desde los 17 años hasta que cumplió los 20, a pesar de trabajar a tiempo completo en varios empleos, incluido el diseño gráfico y el mensajero, Scully asistió a clases nocturnas en la Central School of Art , centradas en la pintura figurativa. [6] Mientras trabajaba una temporada como peón de yesero en el Victoria Station Ballroom, Scully hacía visitas diarias a la Tate Milbank para visitar la Silla de Van Gogh (1888), que le causó una gran impresión. [7] En 1963, a la edad de 18 años, Scully tenía un trabajo cargando camiones con cajas aplanadas en una fábrica de cartón. [8] La idea de apilar, central para gran parte de su trabajo, surgió de esta experiencia. [9]
En septiembre de 1965, Sean Scully, de 20 años, comenzó a estudiar a tiempo completo en el Croydon College of Art , Londres, antes de trasladarse a la Universidad de Newcastle en 1968. [10] En la Universidad de Newcastle, la producción del Teatro Universitario de Esperando a Godot de Samuel Beckett tuvo un impacto duradero en él. [11] Scully también estuvo influenciado por un viaje a Marruecos en 1969, donde quedó fascinado por las rayas multicolores que los lugareños tejían en tiendas de lana y túnicas. [12] [13] Scully recibió la beca Frank Knox Memorial en 1972 para asistir a la Universidad de Harvard. [14] Fue durante esta primera estancia en los EE. UU. que Scully comenzó a experimentar con nuevas técnicas como la cinta y la pintura en aerosol. [15]
La primera exposición comercial de Scully, en la Rowan Gallery de Londres, agotó las entradas. Durante este período, Scully enseñó en el Chelsea College of Art and Design y en Goldsmith's, mientras continuaba pintando en su estudio Elephant Lane en Rotherhithe . En 1975, a la edad de 30 años, Scully recibió una beca Harkness de dos años con la que se mudó a Nueva York. [16]
Una vez en Nueva York, comenzó a desarrollar importantes amistades con artistas colegas como Robert Ryman y otros en círculos académicos y artísticos. La respuesta de Scully en la década de 1970 había sido unir los objetivos del minimalismo estadounidense con los del arte óptico , una corriente importante en Europa, creando obras utilizando superposiciones y "supercuadrículas" que unían estos dos movimientos artísticos de una manera nueva. [17] Una vez en Nueva York, el minimalismo tuvo una fuerte influencia en su trabajo, y durante unos años la paleta de Scully se redujo a la serie de "pinturas negras" monocromáticas grises. [18]
Scully comenzó a trabajar en la serie conocida como The Catherine Paintings en 1979, mientras compartía su estudio de Duane Street con su tercera esposa, la artista Catherine Lee . La idea detrás de la serie era elegir las pinturas importantes que Scully produjo durante cada año juntos, que luego pasarían a formar parte de una colección que llevaría su nombre. [19] Este fue el comienzo de la colección privada de Sean de su obra. [13]
En 1980, Scully se consideraba en guerra con el movimiento minimalista de Nueva York y quería incorporar más elementos humanos a su arte. [20] Durante este tiempo, realizó múltiples viajes a Marruecos y México, ya que consideraba que estos viajes tenían "una relación directa con lo que creo que debería hacer el arte, que es concentrarse en lo que es interesante, atractivo, perverso y bello de la naturaleza humana". [21] Más tarde comentó que "había decidido que lo que se había quitado a la pintura, es decir, la capacidad de establecer relaciones, de ser metafórico y referencial, espiritual, poético, todas esas cosas y aspectos de la naturaleza humana, tenía que volver a incluirse si la pintura iba a seguir adelante". [22] En 1981 se celebró la primera retrospectiva de la obra de Sean Scully en la Galería Ikon de Birmingham . [23] Este fue también el año en que la confianza de Scully para retirarse de una adhesión al minimalismo se hizo evidente, con el regreso del color y el espacio, y el dibujo a mano alzada de rayas y pinceladas visibles, en lugar de las líneas duras de la cinta. [24] Scully tuvo un gran avance con la pintura seminal de 1981 Backs and Fronts , que tuvo un profundo impacto en la exposición de 1982 'Critical Perspectives' en el PS1 Contemporary Art Center . [25] Esta fue una pintura decisiva que la artista conceptual británica Gillian Wearing ha dicho que "rompió el estancamiento de la pintura minimalista estadounidense". [26]
En 1982, Scully comenzó a trabajar con el galerista David McKee, una importante relación que duró una década. Durante el verano de ese año, Scully comenzó a producir pequeñas obras de varios paneles en piezas de madera encontradas mientras se hospedaba en Montauk en la colonia de artistas Edward Albee. Estas obras se titulaban Ridge , Plum y Bear en honor a las islas que rodean Long Island. También comenzó a aplicar una combinación de geometría rígida y textura y color expresivos a pinturas más grandes ese año. Un excelente ejemplo de esto fue Heart of Darkness , inspirada en la novela de 1899 del mismo nombre . [18] Scully comenzó a colaborar con Mohammad O. Khalil en 1983, esta fue la primera vez que colaboró con un grabador y fue el comienzo de un compromiso de toda su carrera con el grabado . Ese mismo año, Scully recibió una beca Guggenheim [27] para Bellas Artes.
En 1984, el Museo de Arte Moderno incluyó a Scully en su Encuesta internacional de pintura y escultura recientes. Al año siguiente, la primera exposición individual de Scully en un museo estadounidense se celebró en el Museo de Arte del Instituto Carnegie en 1985, y viajó al Museo de Bellas Artes de Boston . Otros museos importantes también comenzaron a adquirir las pinturas de gran formato de Scully, a pesar de la tendencia dominante de la época que tendía hacia el posmodernismo . Las pinturas de Scully de este período son pesadas y físicas tanto en términos de tamaño como de estética, y hacen uso de bastidores de gran escala. [28]
En 1987, la obra de Scully se volvió menos compleja, más plana y de menor escala, y comenzó a incluir paletas de colores más claros, comenzando con Pale Fire en 1988. El mismo año, mientras experimentaba con acuarelas en una playa de México, Scully creó la primera imagen que se convertiría en una meditación extendida sobre la arquitectura y la luz con la serie Wall of Light . [29] En 1989, la Whitechapel Gallery de Londres realizó una exposición individual para Scully, que luego viajó al Palacio de Velázquez en Madrid y a la Städtische Galerie im Lenbachhaus en Múnich. Estas fueron las primeras exposiciones individuales de Scully en Europa continental. El artículo de 1989 del crítico de arte Robert Hughes para la revista TIME consolidó la creciente reputación de Scully. [30]
El cuadro Why and What (Yellow) de 1988 fue el primero en incorporar un elemento de acero insertado. En 1991, Scully amplió el uso del acero, colocando óleo sobre lino insertados en grandes paneles de acero. También comenzó a utilizar regularmente un motivo de tablero de ajedrez en esta época, insinuado por primera vez en sus pinturas Taped and Hidden Drawing de mediados de la década de 1970. En 1992, mientras enseñaba en la Universidad de Harvard, Sean Scully volvió a Marruecos para filmar el documental de la BBC The Artist's Journey: Sean Scully on Henri Matisse , ya que Matisse había visitado Marruecos entre 1912 y 1913. En 1993 se celebró la primera exposición de The Catherine Paintings en el Museo de Arte Moderno de Fort Worth , Texas. En 1994 abrió un segundo estudio en Barcelona y regresó a Marruecos en 1995 para pasar más tiempo en el país. Atlas Walls es un portafolio de las obras fotográficas de Scully tomadas durante este viaje. [31]
En 1995, Scully regresó a Nueva York y se mudó a un nuevo y gran estudio en Chelsea, Manhattan . Chelsea Wall fue la primera pintura que se realizó allí. [32] Scully recibió varias invitaciones para hablar en instituciones académicas y participó en las conferencias Joseph Beuys sobre el estado del arte contemporáneo en Gran Bretaña, Europa y los EE. UU., organizadas por la Escuela Ruskin de la Universidad de Oxford, Inglaterra. En 1997, la fotografía de Scully se exhibió por primera vez en la Sala de Exposiciones Rekalde en Bilbao, España.
Scully participó en un coloquio en el marco de la exposición Richard Pousette-Dart en el Museo Metropolitano de Arte en 1998. Visitó Santo Domingo en 1999, lo que dio como resultado el portafolio de fotografías Santa Domingo para Nené . Ese año, las impresiones de Scully fueron objeto de una retrospectiva en la Graphische Sammlung Albertina , en Viena, Austria, y en el Musée du Dessin et de l'Estampe Originale en Gravelines . También se publicó un catálogo razonado de sus impresiones de 1969 a 1999.
En 2001, el Museo de Arte Moderno de Fort Worth adquirió la serie completa de Catherine , dieciocho pinturas que representan cada una un año del período 1979-1996, a las que se les dio una sala dedicada a la exposición permanente en el nuevo edificio del Museo inaugurado en 2002. [28] En 2002, Scully fue nombrado profesor de pintura en la Academia de Bellas Artes de Múnich , cargo que ocupó hasta 2007. En 2004 se inauguró una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Sara Hildén en Tampere , Finlandia, que viajó a Klassik Stiftung Weimar , en Alemania, y a la Galería Nacional de Australia . Mientras estuvo en Australia, Scully pasó un tiempo viajando por el interior del desierto rojo.
Entre 2005 y 2006, la serie Wall of Light de Sean Scully se exhibió en museos de todo Estados Unidos. Esto comenzó con la exposición Sean Scully: Wall of Light, inaugurada en The Phillips Collection , Washington DC, y viajó al Museo de Arte Moderno de Fort Worth, al Museo de Arte de Cincinnati y, finalmente, al Museo Metropolitano de Bellas Artes con gran éxito. [33] El mismo año, Scully viajó con un grupo de estudiantes de la Academia de Arte de Múnich a Inisheer , una isla frente a la costa irlandesa. Fue aquí donde se tomó el portafolio de fotografías de Aran . En 2006, la galería Hugh Lane abrió The Sean Scully Room , una instalación permanente y dedicada a la obra del artista, y la Biblioteca Nacional de Francia realizó una exposición de sus grabados. [34] Sean Scully: A Retrospective se inauguró en 2007 en la Fundació Joan Miró de Barcelona y viajó al Musée d'art moderne (Saint-Étienne) y al Museo d'Arte Contemporanea Roma (MACRO) en Roma. [35] La National Gallery of Art de Washington DC invitó a Scully a dar la Conferencia Elson en 2007. [36]
La exposición retrospectiva Constantinopla o lo sensual oculto: la imaginería de Sean Scully se inauguró en 2009 en el MKM Museum Küppersmühlefür Moderne Kunst, en Duisburg, Alemania, y viajó al Ulster Museum, Belfast. [37] [38] En 2010, una gira de importantes obras tempranas de la década de 1980 comenzó en el Centro de Artes Contemporáneas , Carlow, Irlanda, y luego viajó a la Leeds Art Gallery y al Wilhelm-Hack-Museum en Ludwigshafen am Rhein. En 2011, el Chazen Museum of Art inauguró su nueva expansión del museo con una exposición individual de las pinturas Liliane de ocho partes de Scully sobre aluminio y otras obras. Scully inauguró nueve exposiciones individuales más en museos en 2012, entre ellas Notations: Sean Scully en el Museo de Arte de Filadelfia , así como exposiciones en museos como MIMA , Kunstmuseum Bern , Lentos Kunstmuseum en Linz y IVAM en Valencia, España.
En 2014, Scully abrió un nuevo espacio de estudio ubicado en tres acres en Tappan, Nueva York, donde continuó ampliando la serie de pinturas Landline iniciada en 2000. [39] Ese mismo año, Scully inauguró catorce exposiciones individuales en todo el mundo, incluida la primera gran retrospectiva de un artista occidental en China. La exposición, titulada Follow the Heart: The Art of Sean Scully , se inauguró en Pekín. [40] La exposición incluyó China Piled-Up , una nueva escultura monumental en acero corten, y viajó desde el Museo Himalaya de Shanghái hasta el Museo de Arte CAFA en Pekín, donde recibió elogios de la crítica. [41] Otra escultura al aire libre, Boxes Full of Air, fue encargada en el Chateau La Coste en Francia.
Scully participó en la Bienal de Venecia por primera vez, en 2015, con la exposición individual Land Sea en el Palazzo Falier de Venecia. [42] El Museo Liaunig, en Neuhaus , Austria, inauguró la ampliación de su nuevo edificio con Sean Scully: Painting as an Imaginative World Appropriation . [43] Para honrar su amistad de larga data con el crítico de arte Arthur Danto, quien murió en 2013, Scully publicó el libro Danto on Scully, reuniendo la serie de cinco ensayos que Danto había escrito sobre el artista durante los 20 años anteriores. [44]
En 2015, Scully completó su restauración de la décima iglesia de Santa Cecilia de Montserrat en España y la abrió al público. Encargado por el Museo de Montserrat para realizar una intervención artística holística en el espacio sagrado, Scully no solo instaló pinturas de forma permanente, sino que trabajó en frescos específicos del lugar y en el diseño del altar y la cruz. La capilla es ahora una iglesia en funcionamiento y también el Espai d'Art Sean Scully . [45] Scully recibió el V Congreso Asociacion Protecturi por su contribución al patrimonio religioso español.
En 2016, la segunda gran exposición de Scully en China, Sean Scully: Resistance and Persistence , se inauguró en el Museo de Arte de la Universidad de las Artes de Nanjing y viajó al Museo de Guangdong y al Museo de Hubei en Wuhan. [41] En el mismo año, además de exposiciones individuales en museos en České Budějovice , República Checa, y Valencia , España, el artista armó dos exposiciones de obras de períodos tempranos específicos en su colección privada, una de obras de la década de 1970, en un espacio externo en Ridgewood, Queens con Cheim & Read, y otra de obras de la década de 1980 con Mnuchin Gallery. Inspirado por la revisión de sus obras anteriores, Scully comenzó a reutilizar técnicas como la pintura en aerosol, que introdujo por primera vez a fines de la década de 1960.
Entre 2015 y 2017, el trabajo de Scully se expandió en dos direcciones particulares: la escultura y la figuración. Durante este período, Scully comenzó a trabajar en proyectos escultóricos, incluida la serie Tower , en la que se utilizaron diversos materiales como acero corten , mármol y acero inoxidable, y se presentó la serie Stack , tanto en acero crudo como pintado. Comenzó una nueva serie de pinturas Block , en las que Scully hizo referencia a su escultura en pintura. Esta nueva dirección fue el foco de la exposición individual Wall of Light Cubed en Cheim & Read, NY. [46] Scully también revisó su exploración temprana de la figuración de fines de la década de 1960 en una serie de pinturas figurativas titulada Eleuthera , que se completó entre 2015 y 2017. La serie se inspiró en el hijo de Scully, Oisin, y recibió su nombre de la isla de Eleuthera en las Bahamas y del adjetivo griego femenino ἐλεύθερος ( eleútheros ), que significa "libre". [47]
En 2018, Scully realizó un total de catorce exposiciones públicas en todo el mundo. Estas incluyeron la instalación de la escultura monumental Cajas de aire en la Cuadra San Cristóbal, en la Ciudad de México, junto con pinturas instaladas en los establos de caballos del icónico bloque de establos rosados. Otras exhibiciones en museos incluyeron: Multimedia Art Museum, Moscú ; Hatton and Laing Galleries, Newcastle, Reino Unido; De Pont Museum of Contemporary Art , Tilburg, Países Bajos; Russian Museum , San Petersburgo, Rusia; Staatliche Kunsthalle Karlsruhe , Alemania; Yorkshire Sculpture Park , Reino Unido, entre muchos otros. [48]
En 2019, se inauguró la exposición Sean Scully: Sea Star en la National Gallery de Londres , que muestra el trabajo de Scully junto con obras de JMW Turner . [49] El 6 de abril de 2019, el documental del director Nick Willing Unstoppable. Sean Scully & The Art of Everything se emitió a nivel nacional en el Reino Unido en BBC Two . Para la 58.ª Bienal de Venecia , Scully presentó Sean Scully: Human en la Basílica de San Giorgio Maggiore , una exposición de pinturas recientes y una nueva escultura titulada Opulent Ascension bajo la cúpula de la iglesia renacentista tardía de Andrea Palladio. [50] [51]
Arthur Danto escribió que “el nombre de Sean Scully pertenece a la lista más corta de los principales pintores de nuestro tiempo”, [52] y continuó diciendo que “la importancia histórica de Scully radica en la forma en que ha llevado el gran logro de la pintura expresionista abstracta al momento contemporáneo y, de alguna manera, superó los términos del parangón que envió a la pintura al exilio”. [53]
Scully ha sido miembro de Aosdána desde 2001 y de la Royal Academy of Arts desde 2013. Scully recibió un doctorado honorario en Bellas Artes tanto del Massachusetts College of Art como de la Universidad Nacional de Irlanda en 2003, y un doctorado en Letras de la Universidad de Newcastle . [14] Recibió un doctorado honorario de la Universidad Miguel Hernández en 2006 y 2008.
La madre de Scully, Holly, era cantante de vodevil , y Sean Scully se vio muy influenciado por el rhythm and blues en su adolescencia. Scully era dueño y dirigía un club de R&B cuando era adolescente en el sur de Londres, y formó parte durante un breve período de una banda de R&B con su hermano y un amigo. [55]
En 2016, el percusionista Billy Martin, de la banda Medeski Martin & Wood, realizó una colaboración performática con la monumental escultura de acero corten Boxes of Air de Sean Scully en el estudio Tappan de Scully. La colaboración culminó con 'Boxing for Sean', una composición de percusión de 6 movimientos interpretada en vivo al aire libre. [56]
En 2019, el dúo Merzouga lanzó una composición sonora de 46 minutos "The Language of Light - Music to the Work of Sean Scully" (YLE/DLF 2019) con los textos y la voz de Sean Scully. [57] Su estreno fue transmitido el 3 de diciembre de 2019 a las 9:00 p. m., hora local, en la emisora finlandesa Yleisradio . La emisora nacional alemana Deutschlandfunk coprodujo la pieza; la transmisión alemana está programada para febrero de 2020.
Scully comenzó a escribir sobre arte y su propio trabajo en la década de 1980, aunque solo comenzó a incluir realmente la escritura como parte de su práctica a partir de 1996. En 2016 se publicó Inner: the picked up writings and selected interviews of Sean Scully , de HatjeCantz.
Scully se convirtió en padre a la edad de 19 años, con el nacimiento de su hijo Paul el 7 de mayo de 1965. Paul murió más tarde en un accidente automovilístico en 1983 a la edad de 18 años. [58] Mientras estaba en la Universidad de Newcastle , Scully conoció a Rosemary Purnell, una compañera de estudios en el Departamento de Pintura, se casaron en 1971 y luego se divorciaron. [19] Scully se casó con la artista Catherine Lee en 1978, los dos se divorciaron en 1998. En 2006, se casó con la artista Liliane Tomasko, su cuarta esposa. [59] Su hijo Oisin Scully nació en 2009.
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