Un museo de arte o galería de arte es un edificio o espacio para la exhibición de arte , generalmente de la propia colección del museo . Puede ser de propiedad pública o privada, ser accesible para todos o tener restricciones. Aunque se ocupan principalmente de las artes visuales , los museos de arte a menudo se utilizan como un lugar para otros intercambios culturales y actividades artísticas, como conferencias, joyería, artes escénicas , conciertos de música o lecturas de poesía . Los museos de arte también suelen albergar exposiciones temporales temáticas, que a menudo incluyen elementos prestados de otras colecciones.
Una institución dedicada a la exhibición de arte puede llamarse museo de arte o galería de arte, y los dos términos pueden usarse indistintamente. [1] [2] [3] Esto se refleja en los nombres de instituciones de todo el mundo, algunas de las cuales se consideran galerías de arte, como la National Gallery de Londres y la Neue Nationalgalerie de Berlín , y algunas de las cuales se consideran museos, incluido el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York y el Museo Nacional de Arte Occidental de Tokio .
La frase "galería de arte" también se utiliza a veces para describir negocios que exhiben arte para la venta, pero estos no son museos de arte. [2]
A lo largo de la historia, las obras de arte grandes y costosas generalmente fueron encargadas por instituciones religiosas o líderes políticos y se exhibieron en templos, iglesias y palacios . Aunque estas colecciones de arte no estaban abiertas al público en general, a menudo se ponían a disposición de un sector del público para que las viera. En la época clásica , las instituciones religiosas comenzaron a funcionar como una forma temprana de galería de arte. Los ricos coleccionistas romanos de gemas grabadas y otros objetos preciosos, como Julio César , a menudo donaban sus colecciones a los templos. No está claro cuán fácil era en la práctica para el público ver estos artículos.
En Europa, desde finales de la Edad Media , las zonas de los palacios reales, los castillos y las grandes casas de campo de la élite social solían ser parcialmente accesibles a sectores del público, donde se podían ver colecciones de arte. En el Palacio de Versalles , la entrada estaba restringida a personas de ciertas clases sociales que debían llevar la indumentaria adecuada, que normalmente incluía los accesorios apropiados, hebillas de plata para los zapatos y una espada , que se podían alquilar en las tiendas del exterior. Los tesoros de las catedrales y las grandes iglesias, o partes de ellas, a menudo se exponían para su exhibición y veneración pública. Las personas respetables podían recorrer muchas de las grandes casas de campo inglesas a cambio de una propina para el ama de llaves, durante los largos períodos en los que la familia no se encontraba en la residencia.
Se hicieron arreglos especiales para permitir que el público viera muchas colecciones reales o privadas ubicadas en galerías, como sucedió con la mayoría de las pinturas de la Colección Orleans , que se albergaban en un ala del Palais-Royal en París y se pudieron visitar durante la mayor parte del siglo XVIII. En Italia, el turismo artístico del Grand Tour se convirtió en una industria importante a partir del siglo XVIII y las ciudades se esforzaron por hacer accesibles sus obras clave. Los Museos Capitolinos comenzaron en 1471 con una donación de esculturas clásicas a la ciudad de Roma por parte del Papado , mientras que los Museos Vaticanos , cuyas colecciones aún son propiedad del Papa, remontan su fundación a 1506, cuando se exhibió al público el recientemente descubierto Laocoonte y sus hijos . Durante los siglos posteriores se abrieron una serie de museos sobre diferentes temas y muchos de los edificios del Vaticano se construyeron específicamente como galerías. Uno de los primeros tesoros reales abiertos al público fue la Bóveda Verde del Reino de Sajonia en la década de 1720.
A partir del siglo XVII, comenzaron a crearse museos privados abiertos al público, que a menudo se basaban en una colección de objetos del tipo gabinete de curiosidades . El primero de estos museos fue el Ashmolean Museum de Oxford , inaugurado en 1683 para albergar y exhibir los objetos de Elias Ashmole que se donaron a la Universidad de Oxford en un legado.
El Kunstmuseum Basel , por su linaje que se remonta al Gabinete Amerbach , que incluía una colección de obras de Hans Holbein el Joven y adquirido por la ciudad de Basilea en 1661, [4] está considerado como el primer museo de arte abierto al público en el mundo.
En la segunda mitad del siglo XVIII, muchas colecciones privadas de arte se abrieron al público y, durante y después de la Revolución Francesa y las Guerras Napoleónicas , muchas colecciones reales fueron nacionalizadas, incluso donde la monarquía permaneció en su lugar, como en España y Baviera .
En 1753 se fundó el Museo Británico y se donó la colección de manuscritos de la Antigua Biblioteca Real para que el público pudiera verla. En 1777, el diputado John Wilkes presentó una propuesta al gobierno británico para comprar la colección de arte del difunto Sir Robert Walpole , que había reunido una de las mayores colecciones de este tipo en Europa , y albergarla en un ala especialmente construida del Museo Británico para que el público pudiera verla. Después de mucho debate, la idea finalmente se abandonó debido al gran gasto y veinte años después, la colección fue comprada por la zarina Catalina la Grande de Rusia y albergada en el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo . [5]
La colección real bávara (hoy en la Alte Pinakothek de Múnich) se abrió al público en 1779 y la colección Médici en Florencia alrededor de 1789 [6] (como la Galería de los Uffizi ). La apertura del Museo del Louvre durante la Revolución Francesa en 1793 como museo público para gran parte de la antigua colección real francesa marcó una etapa importante en el desarrollo del acceso público al arte al transferir la propiedad a un estado republicano; pero fue una continuación de tendencias ya bien establecidas. [7]
El edificio que hoy ocupa el Prado en Madrid fue construido antes de la Revolución Francesa para la exposición pública de partes de la colección de arte real, y galerías reales similares se abrieron al público en Viena , Múnich y otras capitales. En Gran Bretaña, sin embargo, la Colección Real correspondiente permaneció en manos privadas del monarca, y las primeras galerías de arte nacionales construidas con ese propósito fueron la Dulwich Picture Gallery , fundada en 1814, y la National Gallery de Londres, abierta al público una década después, en 1824. De manera similar, la National Gallery de Praga no se formó abriendo al público una colección de arte real o principesca ya existente, sino que se creó desde cero como un proyecto conjunto de algunos aristócratas checos en 1796.
La Galería de Arte Corcoran en Washington, DC es considerada generalmente como el primer museo de arte en los Estados Unidos. [8] Originalmente estaba ubicada en la Galería Renwick , construida en 1859. Ahora parte del Instituto Smithsoniano , la Renwick albergaba la colección de arte estadounidense y europeo de William Wilson Corcoran . El edificio fue diseñado por James Renwick Jr. y finalmente se completó en 1874. [9] [10] Está ubicada en 1661 Pennsylvania Avenue NW. [11] Renwick la diseñó después de la adición de las Tullerías al Louvre . [12] En el momento de su construcción, se la conocía como "el Louvre americano". [13] [14]
Los museos y galerías de arte universitarios constituyen colecciones de arte desarrolladas, poseídas y mantenidas por todo tipo de escuelas, colegios comunitarios, universidades y facultades. Este fenómeno existe en Occidente y Oriente, lo que lo convierte en una práctica global. Aunque es fácil pasarlo por alto, hay más de 700 museos de arte universitarios solo en los EE. UU. Esta cifra, en comparación con otros tipos de museos de arte, hace que los museos de arte universitarios sean quizás la categoría más grande de museos de arte en el país. Si bien las primeras de estas colecciones se pueden rastrear hasta las colecciones de aprendizaje desarrolladas en academias de arte en Europa occidental, ahora están asociadas y albergadas en centros de educación superior de todo tipo.
La palabra galería , que en sus orígenes era un término arquitectónico , [15] las salas de exposición de los museos suelen denominarse galerías públicas . También es frecuente que una serie de salas dedicadas a períodos históricos específicos (por ejemplo, el Antiguo Egipto ) u otras agrupaciones temáticas significativas de obras (por ejemplo, la gipsoteca o la colección de moldes de yeso como en el Museo Ashmolean ) dentro de un museo con una colección más variada se denominen galerías específicas, por ejemplo, galería egipcia o galería de moldes .
Las obras en papel, como dibujos , pasteles , acuarelas , grabados y fotografías, normalmente no se exhiben de forma permanente por razones de conservación . En cambio, el acceso público a estos materiales lo proporciona una sala de grabados dedicada ubicada dentro del museo. Los murales o mosaicos a menudo permanecen donde fueron creados ( in situ ), aunque muchos también se han trasladado a galerías. Varias formas de arte del siglo XX, como el land art y el arte de performance , también suelen existir fuera de una galería. Sin embargo, los registros fotográficos de este tipo de arte a menudo se muestran en galerías. La mayoría de los museos y grandes galerías de arte poseen más obras de las que tienen espacio para exhibir. El resto se conserva en colecciones de reserva , dentro o fuera del sitio.
Un jardín de esculturas es similar a una galería de arte, ya que presenta esculturas en un espacio al aire libre. La escultura ha ganado popularidad con esculturas instaladas en espacios abiertos tanto de forma permanente como temporal.
La mayoría de las pinturas de mayor tamaño a partir de 1530 se diseñaron para ser expuestas en iglesias o palacios, y muchos edificios construidos como palacios funcionan hoy con éxito como museos de arte. En el siglo XVIII, las ampliaciones de palacios y casas de campo se concibieron a veces específicamente como galerías para ver arte, y se diseñaron con ese fin. La forma arquitectónica de todo el edificio, destinada únicamente a ser una galería de arte, fue establecida posiblemente por Sir John Soane con su diseño para la Dulwich Picture Gallery en 1817. Esto estableció la galería como una serie de salas interconectadas con espacios en las paredes en gran parte ininterrumpidos para colgar cuadros e iluminación indirecta de tragaluces o claraboyas .
A finales del siglo XIX se produjo un auge en la construcción de galerías de arte públicas en Europa y América, que se convirtieron en un elemento cultural esencial de las grandes ciudades. Junto con los museos y las bibliotecas públicas, surgieron más galerías de arte como parte de la campaña municipal en pro de la alfabetización y la educación pública.
A mediados y finales del siglo XX, los estilos arquitectónicos anteriores empleados para los museos de arte (como el estilo Beaux-Arts del Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York o la arquitectura gótica y renacentista del Rijksmuseum de Ámsterdam) sucumbieron a estilos modernos , como el deconstructivismo . Ejemplos de esta tendencia incluyen el Museo Guggenheim de la ciudad de Nueva York de Frank Lloyd Wright , el Museo Guggenheim de Bilbao de Frank Gehry , el Centro Pompidou-Metz de Shigeru Ban y el rediseño del Museo de Arte Moderno de San Francisco de Mario Botta . Algunos críticos [ ¿cuáles? ] argumentan que estas galerías frustran sus propósitos porque sus dramáticos espacios interiores distraen la vista de las pinturas que se supone que exhiben.
Los museos son más que simples «estructuras fijas diseñadas para albergar colecciones». Su propósito es dar forma a la identidad y la memoria, al patrimonio cultural, a las narrativas destiladas y a las historias atesoradas. [16] Muchos museos de arte a lo largo de la historia han sido diseñados con un propósito cultural o han sido objeto de intervención política. En particular, se ha pensado que las galerías de arte nacionales incitaban sentimientos de nacionalismo . Esto ha ocurrido tanto en países democráticos como no democráticos, aunque históricamente los regímenes autoritarios han ejercido un mayor control sobre la administración de los museos de arte. Por ejemplo, Ludwig Justi fue despedido como director de la Alte Nationalgalerie (Antigua Galería Nacional) de Berlín en 1933 por las nuevas autoridades nazis por no ser políticamente adecuado. [17]
La cuestión del lugar del museo de arte en su comunidad ha sido objeto de debate durante mucho tiempo. Algunos ven a los museos de arte como instituciones fundamentalmente elitistas, mientras que otros los ven como instituciones con el potencial de educación y elevación social. John Cotton Dana , un bibliotecario y director de museo estadounidense, así como el fundador del Museo de Newark , vio al museo de arte tradicional como una institución pública inútil, una que se centraba más en la moda y la conformidad en lugar de la educación y la elevación. De hecho, el museo ideal de Dana sería uno más adecuado para el uso activo y vigoroso por parte del ciudadano medio, ubicado cerca del centro de su movimiento diario. Además, la concepción de Dana del museo perfecto incluía una variedad más amplia de objetos que el museo de arte tradicional, incluidas herramientas industriales y artesanías que estimulan la imaginación en áreas tradicionalmente consideradas mundanas. Esta visión del museo de arte lo imagina como uno bien adaptado a un mundo industrial, de hecho lo mejora. Dana veía las pinturas y esculturas como mucho menos útiles que los productos industriales, comparando el museo con unos grandes almacenes. Además, promovía el préstamo activo de los objetos de colección de un museo para mejorar la educación en las escuelas y ayudar al desarrollo cultural de los miembros individuales de la comunidad. Por último, Dana consideraba que la existencia de museos filiales en toda la ciudad era un buen método para garantizar que todos los ciudadanos tuvieran acceso a sus beneficios. La visión de Dana del museo ideal buscaba atraer a una mayor variedad de personas y no era conscientemente elitista. [18]
Desde la década de 1970, varios teóricos políticos y comentaristas sociales han señalado las implicaciones políticas de los museos de arte y las relaciones sociales. Pierre Bourdieu , por ejemplo, sostuvo que a pesar de la aparente libertad de elección en las artes, las preferencias artísticas de las personas (como la música clásica, el rock, la música tradicional) están fuertemente vinculadas con su posición social. El llamado capital cultural es un factor importante en la movilidad social (por ejemplo, conseguir un trabajo mejor pagado y de mayor estatus). El argumento afirma que ciertos museos de arte tienen como objetivo perpetuar los ideales de gusto aristocráticos y de clase alta y excluyen a segmentos de la sociedad que no tienen las oportunidades sociales para desarrollar tal interés. Las bellas artes, por lo tanto, perpetúan la desigualdad social al crear divisiones entre diferentes grupos sociales. Este argumento también se relaciona con la teoría marxista de la mistificación y la cultura de élite . [19]
Además, algunas galerías de arte, como la National Gallery de Londres y el Louvre de París, están situadas en edificios de considerable impacto emocional. El Louvre de París, por ejemplo, está situado en el antiguo Castillo Real del antiguo régimen y, por tanto, está claramente diseñado con una agenda política. Se ha afirmado que estos edificios crean sentimientos de subyugación y contribuyen a la mistificación de las bellas artes . [20] Las investigaciones sugieren que el contexto en el que se presenta una obra de arte tiene una influencia significativa en su recepción por parte del público, y los espectadores a los que se les muestran obras de arte en un museo las valoran más que cuando se muestran en un entorno de "laboratorio" [21].
La mayoría de los museos de arte tienen colecciones en línea limitadas, pero unos pocos museos, así como algunas bibliotecas y agencias gubernamentales, han desarrollado importantes catálogos en línea. Entre los museos, bibliotecas y agencias gubernamentales con importantes colecciones en línea se incluyen:
Existen numerosos catálogos y galerías de arte en línea que se han desarrollado independientemente del apoyo de algún museo en particular. Muchos de ellos, como American Art Gallery, son intentos de desarrollar galerías de obras de arte con un enfoque enciclopédico o histórico, mientras que otros son esfuerzos comerciales para vender las obras de artistas contemporáneos.
Un número limitado de estos sitios tienen importancia independiente en el mundo del arte. Las grandes casas de subastas, como Sotheby's , Bonhams y Christie's , mantienen grandes bases de datos en línea de obras de arte que han subastado o están subastando. Bridgeman Art Library sirve como fuente central de reproducciones de obras de arte, con acceso limitado a museos, comerciantes de arte y otros profesionales u organizaciones profesionales.
También existen galerías en línea que han sido desarrolladas por una colaboración de museos y galerías que están más interesados en la categorización del arte. Están interesados en el uso potencial de la folksonomía dentro de los museos y en los requisitos de posprocesamiento de los términos que se han recopilado, tanto para probar su utilidad como para implementarlos de maneras útiles.
El steve.museum es un ejemplo de un sitio que está experimentando con esta filosofía colaborativa. Entre las instituciones participantes se encuentran el Museo Guggenheim , el Museo de Arte de Cleveland , el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno de San Francisco .
Existen relativamente pocas organizaciones locales, regionales o nacionales dedicadas específicamente a los museos de arte. La mayoría de los museos de arte están asociados con organizaciones locales, regionales o nacionales dedicadas a las artes , las humanidades o los museos en general. Muchas de estas organizaciones se enumeran a continuación:
