El teatro hindi es el teatro que se representa en el idioma hindi , incluidos dialectos como Braj Bhasha , Khari Boli [ ¿cuál? ] e Hindustani . El teatro hindi se produce principalmente en el norte de la India y algunas partes de la India occidental y central, que incluyen Mumbai y Bhopal. El teatro hindi tiene sus raíces en el teatro folclórico tradicional del norte de la India, como Ram lila y Raslila , y también está influenciado por el lejano drama sánscrito . El teatro hindi, que comenzó con Bhartendu Harishchandra a fines del siglo XIX y luego con dramaturgos como Jaishankar Prasad y Mohan Rakesh , alcanzó su mayoría de edad en las décadas de 1940 y 1950, cuando el movimiento IPTA creó una nueva marca de profesionales del teatro en áreas de habla hindi, especialmente con IPTA Mumbai, Prithvi Theatres del actor Prithviraj Kapoor y el artista de teatro Habib Tanvir, allanando el camino para la próxima generación de artistas que surgieron una vez que la Escuela Nacional de Drama de Delhi comenzó a funcionar en 1959. [1] [2]
La llegada del jainismo y el budismo y el surgimiento del prakrit y el pali como lengua común significaron el fin definitivo y duradero del sánscrito como lengua hablada, aunque sus tradiciones teatrales continuaron floreciendo, pero también dieron origen a tradiciones sinérgicas de las lenguas urdu e indostánica , que se desarrollaron como consecuencia de una rápida amalgama de diversas culturas. El teatro folclórico tradicional, que incluía el ramlila, el raslila y el nautanki, había evolucionado a pesar de la ausencia de patrocinio real y, donde estaba presente, como en el caso del ramlila del reino de Kashi , en Ramnagar, Varanasi , evolucionó hasta convertirse en una forma muy evolucionada, con ubicaciones cambiantes. En otras partes de Awadh , Wajid Ali Shah había estado experimentando formas como thumri y el estilo escénico conocido como rahasa , logró un estilo definido en una obra que se cree fue encargada por él, Inder Sabha , una obra en urdu de Agha Hasan Amanat , representada por primera vez en 1853. [3]
Además de una tradición separada de obras Maithili , que florecieron en el siglo XVII en la actual Bihar , el norte de la India tenía una tradición preexistente de teatro popular, que incluía obras en verso Braj Bhasa en el siglo XVIII, Swang , la tradición operística , que presentaba cantantes masculinos a todo pulmón y bailes de imitadoras femeninas, que evolucionó a partir de la recitación de baladas y epopeyas populares, y en la década de 1860 se estaban representando en Meerut, Delhi y Benarés, y los libretos ilustrados , conocidos como Sangits , se imprimían en escritura devanagari . En las décadas siguientes, también recibió la influencia del teatro parsi , y se desarrolló aún más en contenido, tanto temático como musical, a partir de la década de 1890, que en algún momento a principios del siglo XX comenzó a llamarse nautanki , después de que el cuento de un Nautanki Shahzadi se convirtiera en un tema popular. Sin embargo, esta forma perdió gran parte de su popularidad y las películas se convirtieron en caminos hacia áreas rurales después de la década de 1940. [4]
Mientras tanto, con el descubrimiento del Abhijnanasakuntalam de Kalidas por los eruditos occidentales, se convirtió en el primer drama indio en ser traducido a una lengua occidental, por Sir William Jones en 1789. En los siguientes cien años, hubo al menos 46 traducciones en doce idiomas europeos. [5] Esto a su vez inició un estudio concertado y un interés en la tradición del drama sánscrito . Con el tiempo, salió a la luz el alcance total de la destreza del antiguo teatro indio, que se había perdido durante mucho tiempo, ya que el drama sánscrito clásico escrito principalmente entre los siglos IV y VIII d. C. se desvaneció, con la muerte del sánscrito como lengua hablada en el siglo X, solo para ser descubierto muchos siglos después. [1]
Así como la primera capital de la India británica , Calcuta, vio el auge del teatro bengalí a la luz del renacimiento bengalí a principios del siglo XIX, al mismo tiempo surgía el teatro parsi en Mumbai, inspirado en los teatros de estilo inglés que habían surgido a fines del siglo XVIII en Mumbai y Calcuta, exclusivamente para la nobleza del Raj. Tomando posesión de los mismos escenarios de proscenio, el teatro parsi se inspiró en su teatralidad europea, pero introdujo temas indios, de modo que "mezcló realismo y fantasía , música y danza, narrativa y espectáculo, diálogo terrenal e ingenio en la presentación escénica, integrándolos en un discurso dramático de melodrama . Las obras parsi contenían humor crudo, canciones y música melodiosas, sensacionalismo y una escenografía deslumbrante". [6] Aunque originalmente estaba en idioma gujarati , en la década de 1870, un floreciente teatro parsi condujo a la creación de numerosas compañías de teatro itinerantes, aunque inicialmente utilizaron principalmente versiones indianizadas de las obras de Shakespeare , pronto las leyendas indias, los cuentos épicos y mitológicos aparecieron como material de origen, ya que las compañías de teatro parsis comenzaron a viajar por el norte de la India y emplearon escritores nativos para producir guiones en indostánico, el idioma popular en el territorio, similar al urdu , el idioma de la corte en la era mogol . Estas fuentes también habían proporcionado temas a la tradición nativa swang, lo que llevó a un enriquecimiento cruzado después de que Victoria Natak Mandali se convirtiera en la primera compañía de teatro parsi en actuar en Varanasi, en 1875. Estas compañías de teatro presentaron su mezcla de puro entretenimiento y nacionalismo durante la lucha por la libertad de la India . Este regreso del texto dramático escrito al teatro, después de siglos, hizo del teatro parsi no sólo el modelo a seguir para las primeras películas sonoras indias, ya que numerosos productores de teatro parisinos se pasaron al cine, sino que también dio origen a una tradición teatral, que continuó incluso después de que el teatro parsi se extinguiera cuando las películas sonoras hicieron su primera aparición. [7] [8] Criticado por los literatos hindi, Bhartendu y Mahavir Prasad Dwivedi , el teatro parsi, a través de su verdadera presencia, provocó sin embargo el teatro de élite del refinamiento como una clara reacción. [9]
El desarrollo temprano del teatro hindi moderno se puede rastrear hasta el trabajo de Bharatendu Harishchandra (1850-1885), actor de teatro, director, gerente y dramaturgo afincado en Varanasi (Banarás), que también es el padre de la literatura hindi moderna , ya que en su corta vida de 35 años, editó dos revistas, Kavi vachan Sudha y Harishchandra chandrika , escribió numerosos volúmenes de verso en Braj bhasa, ensayos y dieciocho obras de teatro, sentando así las bases del estilo de prosa hindi moderno. Muy versado en los estilos de teatro popular y las tradiciones literarias orales de la región, fue influenciado por el Renacimiento de Bengala , sin embargo, su principal influencia fue el antiguo drama sánscrito, mucho del cual tradujo y estableció una corriente de dramaturgia que ha corrido paralela al desarrollo del drama occidental, aunque incluso tradujo una obra de Shakespeare. Enraizado en la creciente ola de nacionalismo indio, es más conocido por sus obras políticamente cargadas como Andher nagari (Ciudad de las Tinieblas) escrita en 1881, una clara sátira sobre el Raj británico , ya que implicaba que una sociedad que tolera un estado sin ley está condenada al fracaso. [10] [11] [12] Finalmente, Bharatendu se convirtió en director de Hindi Natak Samaj (Teatro Nacional Hindú) en Banaras. [13]
Después de Bhartendu, cuyas producciones fueron financiadas en gran parte por él mismo o en ocasiones por el Maharajá de Kashi, el teatro hindi atravesó una fase de lucha, debido a la falta de patrocinadores, empresarios o gerentes de teatro eficientes , por lo que casi no hubo teatro profesional durante muchas décadas, lo que desanimó a los escritores a dedicarse a la dramaturgia, incluso las obras de dramaturgos importantes de este período, Jaishankar Prasad y Upendranath Ashk, fueron en su mayoría leídas, pero apenas representadas. El conservadurismo prevaleciente no permitió que las actrices subieran al escenario y, a diferencia del teatro marathi de Mumbai o el teatro bengalí de Calcuta, el teatro hindi siguió siendo una fuerza en lucha, a pesar de la presencia de un gran público, que llegó al extremo de las compañías de teatro parsi impulsadas por el entretenimiento. Solo un puñado de grupos de teatro amateur presentaron sus obras en escenarios improvisados o provisionales, en un período en el que, como muchos escritores populares, los intelectuales también se habían alejado del teatro. [14] La llegada del cine sonoro en 1931, con Alam Ara , significó la salida de la audiencia del teatro hindi que ya había menguado después de las incursiones del teatro parsi en el cinturón de habla hindi. Pronto los actores, directores, escritores y técnicos de teatro siguieron su ejemplo, mudándose a Mumbai, la base del cine hindi , donde la promesa de dinero fácil de los estudios era demasiado cautivadora para resistirse. Como resultado, numerosas compañías de teatro y salas de teatro cerraron y algunas comenzaron a proyectar cine, el nuevo medio de la era. A medida que las masas se alejaban del teatro, atraídas por el brillo del cine, que el teatro parsi proporcionaba fácilmente hasta ahora, el panorama teatral ahora estaba poblado por un público educado y sofisticado, que se alejaba del cine en respuesta a su escapismo, en busca de obras realistas y socialmente relevantes. [15]
El teatro hindi del siglo XX recibió un nuevo impulso a través de la Asociación de Teatro Popular de la India (IPTA). Aunque se formó en 1942, con ideologías de izquierda, después de la Conferencia de Teatro Popular de toda la India celebrada en Mumbai en 1943, se formó IPTA Mumbai [16] Una contribución importante de IPTA fue que fue la primera vez que las mujeres comenzaron a participar en el teatro en tal número. [17] Creó e inspiró a una generación de practicantes de teatro y dramaturgos, como Krishan Chander , Kaifi Azmi , Balraj Sahni , Mohan Segal, Dina Pathak , Shanti Bardhan, Durga Khote y otros, uno de ellos fue Prithviraj Kapoor , quien fundó Prithvi Theatres , una compañía de teatro itinerante, con sede en Mumbai en 1944, con actores como el propio Prithviraj, aparte de Uzra Butt y Zohra Sehgal . El grupo fue financiado en gran parte por la carrera cinematográfica de Prithviraj Kapoor y funcionó hasta 1960, cuando la mala salud de Prithviraj Kapoor obligó a su cierre antes de su muerte en 1972. [18]
La Sangeet Natak Akademi (SNA), la Academia Nacional de Música, Danza y Teatro, fue fundada por el Gobierno de la India en 1952 para promover las artes escénicas . Otro gran cambio en el ámbito del teatro hindi fue la creación de la Escuela Nacional de Teatro en Delhi en 1959, que tuvo como precursora a la Bharatiya Natya Sangh (BNS). La BNS, con la ayuda de la UNESCO , estableció de forma independiente el Instituto Asiático de Teatro (ATI) en 1958, y en julio de 1958, la ATI pasó a manos de la SNA y se fusionó con la recién formada NSD, que inicialmente funcionó bajo la SNA antes de convertirse en una organización autónoma. Con el hindi como idioma de enseñanza principal y figuras destacadas como Ebrahim Alkazi y Shanta Gandhi , en las décadas siguientes produjo una serie de actores y directores de teatro destacados. La Compañía de Repertorio de la Escuela Nacional de Drama se creó en 1964, con el actor y director Om Shivpuri como su primer director, seguido por Manohar Singh y otros actores como Uttara Baokar , Sudha Shivpuri y Surekha Sikri . [19] Alkazi, formado en la RADA, resultó ser el director más influyente del periodo posterior a la independencia; sus producciones en hindi de clásicos sánscritos, como Abhijnana Shakuntalam , Andha Yug de Dharamvir Bharati , Tughlaq de Girish Karnad y el realismo de su versión de Asadh Ka Ek Din de Mohan Rakesh aportaron un nuevo enfoque a la teatralidad y sofisticación al teatro hindi, y establecieron estándares que inspiraron a toda una generación. [20] [21] Su producción de Andha Yug de Dharamvir Bharati se estrenó en 1964 en el Firoz Shah Kotla y contó con la presencia del primer ministro Jawaharlal Nehru. [22]
Pionero del movimiento teatral moderno en el norte de la India, Raj Bisaria , un director de escena muy respetado, tiene una sólida formación en clásicos occidentales y obras dramáticas contemporáneas. Raj Bisaria intentó que las artes dramáticas y escénicas se ajustaran a una disciplina profesional y se comunicaran a través de un nuevo medio estético. Sus obras tratan sobre la relación entre el hombre y la mujer y sobre cuestiones sociales que le interesan especialmente. A través de las producciones de obras europeas e indias desde 1966, Raj Bisaria presentó un amplio espectro del drama mundial contemporáneo como director y diseñador, estableciendo su propio paralelo, en busca del teatro de excelencia. Se ha aventurado a mezclar conceptos artísticos e impulsos de Oriente y Occidente, lo tradicional y lo moderno, y se ha dedicado apasionadamente a la causa del teatro y la interpretación. Cree firmemente que esta forma de arte puede utilizarse por sus cualidades terapéuticas para el desarrollo integral y saludable de la personalidad de los jóvenes, además de ser un vehículo para difundir información y crear conciencia sobre cuestiones sociopolíticas, ya que de hecho proporciona una iluminación estética y ennoblecedora y enriquece la conciencia cultural de la India moderna. Utilizando en gran medida sus propios recursos y expresión creativa, comenzó su trabajo en inglés y empezó a utilizar el indostánico como medio de expresión hablado a partir de 1973. Ha fomentado la forma de teatro folclórico de UP: el Nautanki.
Raj Bisaria sugirió al Gobierno estatal que debía fundar un teatro de repertorio semiprofesional en Uttar Pradesh. En 1974, el Gobierno estatal fue un poco más allá y le pidió que elaborara un plan para establecer una escuela de teatro que funcionaría como una academia de artes dramáticas de pleno derecho. La Academia de Artes Dramáticas Bhartendu (BNA), fundada en 1975 en Lucknow (con Raj Bisaria como director fundador), se convirtió en la primera de su tipo en el gran cinturón hindi de Bihar, Uttar Pradesh, Madhya Pradesh y Rajasthan. Entre sus producciones más importantes de obras indias se incluyen Andha Yug de Dharamvir Bharati, Baqi Itihas de Badal Sircar, Suno Janmejaya de Adya Rangacharya, Garbo de Elkunchwar, Aadhe-Adhure de Mohan Rakesh, Guinea Pig de Mohit Chatterjee, etc. Entre sus producciones más importantes y memorables se incluyen Descalzos en Atenas de Maxwell Anderson; Julio César, Macbeth, Otelo y El rey Lear de Shakespeare; Candida de George Bernard Shaw; El conserje de Harold Pinter; In Camera de Sartre; La lección de Ionesco; El padre de Strindberg, Antígona de Jean Anouilh; y varias obras de Chéjov, Ionesco, Tennessee Williams, Shaffer, etc.
En los años siguientes, varios estados también formaron sus academias estatales para las artes, lo que dio impulso a la cultura teatral, y pronto las capitales estatales como Jaipur, Shimla, Chandigarh, Lucknow y Bhopal tenían sus propios grupos y cultura teatral. [2] [23] Sin embargo, durante muchos años, el teatro siguió siendo impulsado en gran medida por grupos de aficionados, ya que el teatro a tiempo completo no se convirtió en una actividad económicamente viable. La mayoría no podía permitirse grandes cantidades de utilería , escenografía , diseño de iluminación o anuncios en los periódicos y dependía del boca a boca y una pequeña cantidad de carteles. Muchos profesionales mantenían trabajos regulares, ya sea en instituciones educativas o en el sector corporativo y ensayaban después del horario laboral en espacios alquilados, ya que casi ningún grupo de teatro en el teatro hindi poseía su propia infraestructura, ya fuera un espacio de ensayo o un teatro. Los directores de teatro a menudo hacían las veces de gerentes de teatro, ya que los empresarios eran raros y las organizaciones de empresarios aún más raras, y entonces era el nombre del director lo que atraía a la audiencia. Como los pagos al elenco y al equipo técnico seguían siendo arbitrarios y dependían en gran medida del éxito del espectáculo, muchos aceptaron trabajo en otros medios. Como la financiación estatal nunca estuvo disponible directamente para el teatro, los profesionales intentaron conseguir patrocinio corporativo o "convocaron espectáculos" en otras ciudades para recaudar dinero. [24] [25]
Poco a poco, comenzaron a surgir varios espacios teatrales, tanto de proscenio como experimentales, entre ellos el Sri Ram Centre, el Kamani Auditorium (1971), el teatro Meghdoot (diseñado por Alkazi), el NSD studio theatre, el SNA studio theatre, Abhimanch y muchos otros. [26] Mientras que muchos directores como Alkazi representaban obras en monumentos históricos y en diversos espacios innovadores, el teatro callejero sacó el teatro a las calles por completo, incluso en su contenido. Así como lo hizo Jana Natya Manch (JANAM) de Safdar Hashmi, inspirada por el IPTA , en los años 1970 y 1980, al igual que MK Raina , que montó su producción de La madre de Maxim Gorky frente a fábricas, inspirando a muchos otros profesionales a llevar el teatro a las comunidades. La tragedia del gas de Bhopal (1984) provocó una nueva oleada de representaciones de protesta en muchas ciudades, justo cuando Bhisham Sahni escribió Muavze (Compensación, 1990), que luego fue puesta en escena por Raina. Finalmente, Hashmi fue asesinado en 1989, mientras su producción Halla Bol (Ataque) se estaba representando frente a una fábrica en Sahibabad, cerca de Delhi, por matones políticos. Aunque para entonces el teatro callejero ya se había descubierto como una herramienta y un medio importante, con directores notables como Bansi Kaul y Prasanna, el teatro callejero había llegado a las cárceles, los barrios marginales y las zonas de prostitución. [27]
Habib Tanvir es otro pionero del teatro hindi. En 1943 se trasladó a Bombay desde su natal Bilaspur en busca de trabajo en películas hindi. Fue entonces cuando entró en contacto con la IPTA y la Asociación de Escritores Progresistas. En 1954 se trasladó a Delhi y se unió al "teatro indostánico" de Begum Qudsia Zaidi, escritora y directora teatral que tuvo un importante impacto en la evolución de la tradición teatral en Delhi. Junto con Habib Tanvir, hizo su debut con la producción de una versión indostánica de Shakuntala de Kalidas y más tarde produjo Mrichakatika de Shudraka como Mitti Ki Gadi (Carrito de barro) como una versión operística al estilo nautanki , utilizando artistas tribales. [28] [29] [30] Escribió y dirigió con éxito Agra Bazar (1954), antes de irse a Inglaterra. Después de su regreso de RADA , Habib comenzó su trabajo con tribus Chhattisgarhi , en el Teatro Naya, una compañía de teatro que fundó en 1959 en Bhopal , y continuó incluyendo formas de actuación indígenas como nacha para crear un nuevo lenguaje teatral, más tarde escribió Charandas Chor (1975), Gaon ka Naam Sasural, Mor Naam Damad y Kamdeo ka Apna Basant Ritu ka Sapna y, en particular, puso en escena Jis Lahore Nai Dekhya (1990) de Asghar Wajahat . [31] [32] [33] Aparte de él, BV Karanth también introdujo formas folclóricas en su trabajo, presentó muchas producciones en hindi, especialmente durante su paso por el repertorio Rangamandal en el Bharat Bhavan en Bhopal. [20]
En la década de 1960, como en otras partes de la India, el movimiento del teatro hindi moderno también comenzó en Bihar. Satish Anand, actor y director, es el creador del teatro hindi moderno en Bihar. Es conocido como un creador de tendencias en el teatro indio moderno contemporáneo. Satish Anand estableció su propio grupo de teatro Kala Sangam en Patna, capital de Bihar en 1962. Creó un ambiente teatral muy saludable y popularizó las obras y el teatro hindi presentando constante y regularmente obras como Andha Yug de Dharmvir Bharti, Merjeeva de Mudrarakshash, Adhe-Adhure de Mohan Rakesh, Ashadh Ka Ek Din y Lahron ke Rajhans, Baki de Badal Sircar. Itihas, Ballabhpur Ki Roopkatha, Pagla Ghora y Juloos, Khamosh Adalat jari hai de vijay Tendulkar, Jat Hi Puchho Sadhu Ki, Tughlaq de Gireesh Karnad, Edipo, la tragedia griega de Sófocles, Ambapali de Rambriksha Benipuri, Thahra Hua Pani de Shanti Mehrotra, Ek Tha Gadha, Kisi Ek Phool Ka Naam Lo, Godan, Aur Tota Bola de Chandrashekhar Kambar, Enemigo del pueblo (Janshatru) de Ibsen, Volpony (Chor Ke Ghar Mor) de Ben Johnson, Delhi Uncha Sunati Hai, Rajdarshan de Manoj Mitr, Tamrapatra de Debashish Majumdar, Singhasan Khali Hai de Sushil Kumar Singh, La ópera de tres centavos (Do Takkey Ka Swang) de Bertolt Brecht, Beti Aayee Hai de Jyoti Mahpseker, etc. El director de Kala Sangam, Satish Anand, había tomado cada nueva producción como un taller de teatro. Trabajó duro y formó actores y actrices en todos los departamentos. La producción de Adhe-Adhure en 1973 se consideró un gran acontecimiento en la historia del campo cultural de Bihar. Este incidente fue considerado como el renacimiento del teatro en Bihar. Kala Sangam siempre prefirió abordar cuestiones sociopolíticas y económicas en sus obras. La variedad en el diseño de las producciones teatrales con ideas innovadoras y actuaciones potentes de alta calidad inyectó y creó un gran interés por el teatro entre la gente de Bihar. La sociedad conservadora y ortodoxa se abrió lentamente y comenzó a liberalizar sus puntos de vista sobre el teatro y sus actores y actrices. Un gran número de mujeres trabajadoras y niñas que iban a la escuela o a la universidad pudieron participar activamente en las obras de teatro por iniciativa de sus tutores y padres, y ellas hicieron sentir su presencia con su talento. Cientos de niños y niñas fueron entrenados por Satish Anand durante estos años. La calidad y la clase de las producciones teatrales de Kala Sangam establecieron a Kala Sangam como uno de los grupos de teatro líderes de la India. Patna se convirtió en uno de los centros de mayor actividad teatral de la India en los años 70, 80 y 90. Kala Sangam había organizado su primer festival de teatro y el primer seminario de teatro de toda la India en 1978. Kala Sangam presentó sus cinco obras, Andha Yug, Ashadh Ka Ek Din, Lahron Ke Rajhans, Ballabhpur Ki Roopkatha y Singhasan Khali Hai.El tema del seminario de teatro de toda la India fue "Aaj Ka Natak Aur Rangmanch" (El drama y el teatro de hoy). El Sr. BV Karanth, el Dr. Pratibha Agarwal y Sachidanand Hiranand Vatsyayan fueron los oradores invitados de este seminario. El segundo festival de teatro de Kala Sangam y el seminario de teatro de toda la India se organizaron en 1979. El crítico de teatro académico Nemi Chand Jain y Dhyaneshwar Nadkarni habían participado en el seminario y también presenciaron obras presentadas en el festival. Kala Sangam había organizado sus nueve festivales de teatro desde 1978 hasta 1995 respectivamente. El trabajo de Kala Sangam había inspirado a muchas personas en Bihar a comenzar actividades teatrales en sus respectivos lugares. En 1984, Satish Anand desarrolló un nuevo idioma teatral "ESTILO BIDESIA" para el teatro indio moderno utilizando elementos del teatro folclórico tradicional indígena. Satish Anand comenzó su investigación. Conceptualizó la forma y finalizó su formato. Desarrolló un nuevo idioma teatral para el teatro indio moderno 'BIDESIA' basado en formas folclóricas teatrales tradicionales menos conocidas de Bihar, LAUNDA NAACH y NAACH PARTIES (con especial referencia a la fiesta Naach de Bhikhari Thakur), canciones tradicionales, música tradicional, danzas tradicionales, cultura popular, ciclo de vida, rituales, costumbres, fe y creencias, estilos de vida, hábitos, comportamiento, festivales y celebraciones, etc. de Bihar. El formato del estilo BIDESIA consiste en elementos teatrales, elegidos con mucho cuidado de lo anterior y utilizados creativamente en este estilo con sensibilidad contemporánea y moderna. El estilo Bidesia es un nuevo idioma teatral (Rang Bhasha) del teatro indio moderno que funciona como un puente entre el teatro rural y urbano. Inicialmente se leyeron cuentos escritos por Phanishwar Nath 'Renu', cuentos de Mandhkar Gangadhar pero por fin un día se seleccionó un cuento 'Amli' que fue publicado en la revista en hindi "Sarika". El reconocido escritor hindi Kamleshwar fue su editor. A Satish Anand le gustó esa historia y comenzó a trabajar en ella. Reorganizó por completo los incidentes y secuencias, creó nuevos personajes, incidentes y situaciones de acuerdo con el formato de pensamiento del estilo Bidesia. Se utilizó el dialecto Bhojpri en la obra. Se seleccionaron música tradicional, canciones y sus melodías de acuerdo con el conflicto, el estado de ánimo, los sentimientos de los personajes y las situaciones. La mejor parte de eso es que cada actor de Kala Sangam contribuyó con su conocimiento y experiencia en la adaptación de un cuento 'AMALI', la adaptación de una obra sánscrita de Shudraka 'MARICHCHHAKATIKA' (Mati Gari) y la novela en hindi de Phanishwar Natn 'MAILA ANCHAL en estilo Bidesia. Y en 1994, una nueva obra de teatro, 'MUKTADHARA' de Rabindranath Tagore, producida y presentada en estilo BIDESIA. Kala Sangam también realizó una gira por Delhi, Mumbai, Kolkata, Bhubaneshwar, Bhopal, Ujjain, Guwahati, Kota, Jaipur, Jodhpur, Bikaner, Hanuman Garh, Ganga Nager, Lucknow, Allahabad, etc. con sus obras.Todas estas obras se han presentado con gran éxito en varios festivales de teatro folklórico nacionales y zonales organizados en diferentes partes de la India respectivamente. Este estilo bidesia ha sido reconocido por los profesionales y críticos teatrales y apreciado por el público de todo el país. Lo fascinante es que este estilo también ha influido en el teatro indio moderno. Kala Sangam presentó Muktadhara en estilo bidesia en Bharangam, Delhi en 2000.
A Shyamanand Jalan (1934-2010), residente en Calcuta , se le atribuye el período de renacimiento del teatro indio moderno y especialmente del teatro hindi en Calcuta desde la década de 1960 hasta la de 1980. Fue el primero en representar al modernista Mohan Rakesh , comenzando con su obra magna Ashadh Ka Ek Din (Un día en Ashad) en 1960 y en los años siguientes cerró la brecha entre el teatro hindi y el teatro bengalí , montando producciones en hindi de obras de dramaturgos bengalíes, como Evam Indrajit (1968) y Pagla Ghora (1971) de Badal Sircar , que a su vez introdujeron a Sircar en el resto del país. En 1955 cofundó el grupo de teatro Anamika con Pratibha Aggarwal, escritora hindi y bisnieta de Bhartendu Harishchandra , que desempeñó un papel pionero en el resurgimiento del teatro hindi. [34] Permaneció con él hasta 1972, durante este período creó una gran audiencia para el teatro hindi en la Calcuta de habla bengalí. Posteriormente, junto con su esposa Chetana Jalan, la conocida bailarina de kathak y actriz de teatro, y el actor Kulbhushan Kharbanda , dejó Anamika en 1971 y fundó el grupo de teatro Padatik (literalmente, soldado de infantería) en 1972, del que fue director fundador. Esto le dio la oportunidad de aventurarse en temas más audaces, como los de las obras de Vijay Tendukar como Gidhade (Los buitres) (1973) y Sakharam Binder (1979), y Hazar Chaurasi Ki Ma (Madre de 1084) (1978) de Mahashweta Devi , con su nueva aventura fue más allá del indianismo, el modernismo o el experimentalismo. [35] [36] Otro director de teatro, que practicó teatro hindi en Calcuta, que es un área de habla mayoritariamente bengalí, fue Usha Ganguly (n. 1945), quien fundó el grupo de teatro Rangakarmee en 1976, conocido por sus producciones como Mahabhoj , Rudali , Court Martial y Antaryatra . [37] [38] Además de ella, directores de teatro como Satyadev Dubey , Dinesh Thakur y Nadira Babbar también practicaron teatro hindi en Mumbai, hasta entonces hogar del teatro marathi y gujarati.
En los años 60 y 70, muchos actores de la Escuela Nacional de Arte Dramático empezaron a trabajar en películas hindi, aunque muchos continuaron con sus actividades teatrales de forma paralela. Muchos actores y directores de teatro, como Om Shivpuri, que había formado el grupo de teatro Dishantar en Bombay, y Dina Pathak, también trabajaron con éxito en el cine convencional, mientras que muchos otros, junto con los actores de FTII y Pune , se hicieron un nombre en el cine paralelo , que alcanzó la mayoría de edad a finales de los años 70. Entre ellos se encontraban Sai Paranjpye, Om Puri, Naseeruddin Shah y Pankaj Kapoor. La mayoría de las escuelas superiores contaban ahora con sus propias sociedades de teatro, que se convirtieron en un caldo de cultivo para futuros profesionales. Más tarde, en la década de 1980, con la creciente popularidad de las telenovelas, los videos caseros y la televisión por cable, el público se alejó del teatro por un tiempo, antes de que el teatro resucitara a fines de la década de 1990 con una nueva generación de directores de teatro que no solo buscaban nuevos temas y narrativas, sino que también se dedicaron al teatro absurdo , expresionista , experimental e improvisado con mayor celo. También comenzaron a encontrar patrocinadores en el sector corporativo y numerosos directores de teatro pudieron mantenerse solo con el teatro. Dos desafíos que surgieron en los años siguientes fueron que incluso ahora los actores tomaban sus carreras teatrales como una preparación para carreras cinematográficas y, en segundo lugar, la mayoría de los actores de teatro aprendieron trabajando en grupos de teatro, ya que las vías de educación teatral seguían siendo limitadas, aunque algunas organizaciones que se abrieron en otras ciudades más allá de Delhi, como Jaipur, Lucknow y Chandigarh, que tenían al dramaturgo y director Balwant Gargi guiando la nueva fase del teatro, ofrecieron a los jóvenes aspirantes aprender el oficio. [23] [39]
En Bhopal, el director de teatro y dramaturgo Prof. Satish Mehta y su esposa, la actriz ganadora del Premio Nacional, Jyotsna Mehta, fundaron el grupo de teatro "Prayog". El grupo fue fundado en el año 1975 en Indore y posteriormente, a lo largo de los años, abrió sucursales en Bhopal, Mumbai, Rewa, Noida y Nueva Jersey, EE. UU. Desde entonces, el grupo está activo y representa obras de teatro con regularidad. Las obras más conocidas de "Prayog" son "Andhon ka hathi", "Juloos", "Bakari", "Dulari Bai", "Jadugar Jungle", "Khamosh adalat jari hai", "Ek aur Dronacharya", "Jis Lahore nahi Dekhya". , "Kajal ka jadu", "Kandhe par baitha tha shap" "Mujhe Amrita Chahiye", "Raktbeej", "Rai" y muchos otros. Satish Mehta dirigió todas estas obras con su propio estilo original. También tiene crédito por interpretar muchas obras callejeras. El profesor Satish Mehta también es autor de muchas obras de teatro. Algunos de los cuales son "Kajal ka Jadoo", "Jinda hai Sukrat", "Abhinay", "Door Desh ki Gandh", "Bharat ke Laal", etc. El completo libro sobre teatro del profesor Satish Mehta, "Rangkarm Aayam Dar Aayam". Está considerada una de las mejores obras sobre la historia, la evolución, los diferentes géneros y otros aspectos del teatro. [40]
Mrityunjay Prabhakar es uno de los principales directores de teatro y dramaturgos jóvenes hindi que emergió en la escena teatral india en la última década del siglo XX y se estableció como un importante activista teatral en la primera década del siglo XXI. Comenzó su carrera teatral en Patna durante sus días de graduación. Ha trabajado con varios grupos de teatro como Abhiyan, Prerna, Mach Art Group y Prangan en Patna. Más tarde, cofundó el grupo Abhiyan junto con sus amigos. Cuando llegó a Delhi para continuar sus estudios en la Universidad Jawaharlal Nehru, Nueva Delhi. Aquí trabajó con grupos famosos como Rang Saptak, Bahroop y Dastak. Más tarde fundó su propio grupo llamado SEHAR en 2005 y comenzó a trabajar rigurosamente. Se formó con figuras destacadas del mundo del drama y el teatro indios a través de diferentes talleres a los que asistió, como Habib Tanvir, BV Karanth, Prasanna, Ratan Thiyam, DR Ankur y muchos más. Ha trabajado con directores como DR Ankur, Lokendra Arambam, HS Shiva Prakash, Surendra Sharma, Parvez Akhtar, Vijay Kumar, Javed Akhtar Khan, Suman Kumar y otros. Ha trabajado como actor, director, escenógrafo, diseñador de iluminación y organizador en teatro.
Mrityunjay Prabhakar trabaja principalmente como director de teatro y dramaturgo con su grupo SEHAR. Es el director fundador de la compañía de teatro SEHAR (Sociedad de Educación, Armonía, Arte, Cultura y Reproducción de Medios) (Registrada bajo la Ley de Sociedades) en 2007. Ha dirigido más de dos docenas de obras, entre ellas 'Sabse Udas Kavita' [2], 'Khwahishen' [3], 'Jee Humen To Natak Karna Hai', [4], 'Dhruvswamini' [5], 'Vithalala' y 'Suicide' [6], que han recibido especial atención de un sector más amplio de la sociedad. Sus obras se han representado en diferentes ciudades y centros teatrales del país, aparte de Delhi. Sus obras han formado parte de algunos de los festivales de teatro más importantes del país.
La obra de teatro escrita originalmente por Mrityunjay Prabhakar, Sadho Dekho Jag Baudana, fue publicada por InkLit Publication. También ha escrito obras de teatro Aao Natak Natak Khelen , 'Khwahishen', 'Jee Humen To Natak Karna Hai', 'Suicide', 'Hey Ram', 'Teri Meri Kahani Hai', 'Karnav' y otras, que han sido interpretadas por diferentes agrupaciones y directores en diversos centros teatrales del país. Ha adoptado la obra del famoso dramaturgo keniano Ngugi Wa Thiong 'El ermitaño negro' como 'Jayen To Jayen Kahan'. La adopción fue realizada por primera vez por el graduado de NSD, Randhir Kumar, en 2005 en Patna. Posteriormente reprodujo la obra en 2010 con SEHAR en Delhi. Ha adaptado la famosa obra de teatro Kannad de HS Shivaprakash 'Mochi Madaiah' en hindi, dirigida por Lokendra Arambam y publicada por Yash Publication, Delhi. Una antología sobre teatro indio contemporáneo titulada 'Samkaleen Rangkarm' también lleva su nombre y fue publicada por InkLit Publication. Su colección de poesía en hindi 'Jo Mere Bheetar Hain' fue publicada por Akademi of Letters (Sahitya Akademi), India.
Mantener vivo el teatro hindi en el centro del teatro marathi no es una tarea fácil en Pune, pero el Teatro Swatantra ha estado haciendo este trabajo con inmensa determinación y dedicación desde 2006. Dirigido por Abhijeet Choudhary junto con Dhanashree Heblikar, el grupo ha realizado más de 65 representaciones en los últimos 6 años (2006). Al abordar temas de relevancia social y contemporánea con sus obras, Swatantra ha llenado un vacío que el público hindi de la ciudad a menudo lamentaba. El grupo continúa trabajando y presenta al menos una representación cada mes. Mashal Jalao Diye Se, basada en el caso de violación en grupo de Delhi, es su última obra. En asociación con FTII, el Teatro Swatantra de Pune celebra el Festival de Teatro Hindi en HINDI DIWAS. Algunas de sus producciones destacadas son Jis Lahore Nahin Vekhya Wo Janmeya Hi Nahin Tajamhal Ka Tender, Mujhe Amrita Chahiye, Kabira Khada Bazar Mein, Court Martial y muchas más. Obra autoescrita como Mashaal jao Diye Se, Tenaliram, Tukaram, Pasando páginas con Sudha Murthy, DadaSaheb Phalke "Obra basada en el padre del cine indio", Obra de Mansarovar basada en las historias cortas de Premchand, Obra de Bikhre Moti basada en la vida de Subhadra Kumari Chauhan y sus escritos, Obra de Rabindra Sansar basada en la vida de Rabindranath Thakur y su obra y muchas más. Jaag Utha Hai Raigad es una traducción al hindi de la obra en marathi Raigadala Jevha Jaag Yete de Vasant Kanetkar, interpretada en el 21.º Bharat Rang Mahotsav de 2020. La obra tiene un sentido intrínseco, conciso y delicado de tensión dramática controlada. Representa al rey maratha, Shivaji, y a su hijo menor, Sambhaji, luchando con la brecha entre las dos generaciones. Los esfuerzos de Shivaji son para mantener unida a su familia, y los esfuerzos del joven descendiente son para controlar y consolidar el enorme legado e imperio. La obra revela la rica cultura de Maharashtra y la herencia de una era pasada.
El padre de Bhartendu escribió una obra titulada Nahul natak en 1859, que es el "primer drama hindi de alcance literario en el período moderno", aunque hay pocos registros de su puesta en escena. El primer drama que se representó fue Janaki mangal de Shital Prasad Trivedi en el teatro Benarés, también conocido como purana nachghar , en 1868, en el que el propio Bhartendu hizo su debut en el escenario como actor, y en los años siguientes escribió prolíficamente dieciocho obras hasta su muerte en 1885. [13] El período anterior a Bhartendu había creado principalmente obras de inspiración mitológica y épica como Hanuman-natak , Amasya sar natak , Vichitra natak , Shakuntala upakhyan , Anand Raghunandan e Inder sabha . [3]
Así como Bhartendu Harishchandra escribió Satya Harishchandra (1875), Bharat Durdasha (1876) y Andher Nagari (1878), a finales del siglo XIX, Jaishankar Prasad se convirtió en la próxima gran figura de la dramaturgia hindi con obras como Skanda Gupta (1928), Chandragupta ( 1931) y Dhruvswamini (1933), Maithili Sharan Gupt también escribió tres obras, Tilottama (1916), Chandrahaas (1921) y Anagha (1925). [41] [42] La siguiente fase de obras importantes después de Prasad llegó con Badrinath Bhatt, luego fue la obra de Lakshminarayan Mishra que rompió con el patrón existente de tratamiento y presentación del tema y es conocida por su realismo y la inconfundible influencia de Ibsen como Se puede ver en Sansyasi (1931), Raksha Ka Mandir (1931), Mukti ka rahasya (1932), Rajyoga (1934) y Sindoor ki Holi (1934), que abordan problemas sociales con marcada franqueza. Un acontecimiento importante en este período fue el establecimiento de Hans , una revista literaria con sede en Varanasi, del destacado escritor Premchand en 1938, que publicó numerosas obras importantes de un acto en los años siguientes, lo que dio aún más impulso a la artesanía. [43]
En la década de 1930, las obras de un acto se convirtieron en una estructura organizativa destacada en el teatro hindi. Entre los dramaturgos que sobresalieron en este formato se encuentran Ganeshprasad Dwivedi ( Suhag bindi , 1935), Bhuvneshwarprasad ( Karvan , 1935) y Satyendra ( Kunal , 1937) [43]. De particular importancia fue el poeta, dramaturgo, crítico e historiador Ram Kumar Verma, que escribió varias obras de un acto de éxito, entre ellas Prithviraj ki ankhen (1936) y Reshmi tai (1941). [43] La obra de Verma Charumitra (1941 o 1942) se considera una obra maestra del drama hindi moderno. [43] [44] [45]
A medida que la lucha por la independencia iba ganando fuerza, los dramaturgos abordaban cuestiones de nacionalismo e ideas subversivas contra los británicos, pero sin esquivar la censura, adaptaban temas de la mitología, la historia y la leyenda y los usaban como vehículo para mensajes políticos, una tendencia que continúa hasta la fecha, aunque ahora se empleaba para sacar a la luz cuestiones sociales, personales y psicológicas en lugar de claramente políticas.
Después de la independencia, la república emergente planteó nuevos problemas que los dramaturgos debían abordar y expresar, y la dramaturgia en hindi mostró una mayor brevedad y simbolismo, pero no fue tan prolífica como en el caso de la poesía o la ficción en hindi. [46] Sin embargo, tenemos dramaturgos como Jagdish Chandra Mathur ( Konark ) y Upendranath Ashk ( Anjo Didi ), que mostraron una comprensión en constante evolución del desarrollo temático, las limitaciones teatrales y la escenografía , y Gyandev Agnihotri se destacó por su simbolismo, ingenio y sátira como es visible en el clásico Shuturmurg escrito en la década de 1960 [47] antes de pasar a escribir guiones para películas en hindi en la década de 1970. [42] [43] [48] [49]
La primera obra importante del siglo XX fue Andha Yug (La época ciega), de Dharamvir Bharati , que se estrenó en 1953 y que se considera en el Mahabharat una fuente ideal y una expresión del descontento moderno y de la difícil situación de una sociedad plagada de corrupción. A partir de Ebrahim Alkazi , fue puesta en escena por numerosos directores. Con su obra en verso Uttar Priyadarshini , Agyeya encontró la historia de la redención de Ashoka , reflejando el llamado moderno a la paz. [43] [50] Ashadh Ka Ek Din (Un día en Ashadh), la obra debut del modernista Mohan Rakesh se publicó en 1958, basada en la vida del dramaturgo sánscrito Kalidas , y se considera la primera obra de teatro en hindi moderno. [51] Mohan Rakesh escribió dos obras más, Aadhe Adhure (Halfway House) y Leheron Ke Raj Hans (Great Swans of the Waves) y dejó una, Paon Taley Ki Zameen (Ground beneath the Feet) inacabada en el momento de su muerte en 1972, pero había cambiado el panorama del teatro hindi. [51] Hoy, su ascenso como dramaturgo destacado en la década de 1960 se considera como la mayoría de edad de la dramaturgia india moderna en hindi , al igual que Vijay Tendulkar lo hizo en marathi, Badal Sircar en bengalí y Girish Karnad en kannada. [52] Sus obras se han convertido en clásicos del teatro indio, han sido interpretadas por casi todos los directores de teatro indios importantes y han sido parte del plan de estudios universitarios en áreas de habla hindi. [53]
Inicialmente inspirados en la dramaturgia occidental , en estructura y movimiento, muchos dramaturgos iniciales adaptaron a Ibsen y Brecht , pero pronto volvieron a las raíces y encontraron tanto contenido como forma, dando origen al movimiento llamado "teatro de las raíces", un intento concertado de "descolonizar" el teatro indio y distanciarse del teatro occidental. [54] Ya sea Agra Bazar (1954) y Charandas Chor (1975) de Habib Tanvir, que introdujeron nuevas formas indígenas de expresión, [32] Por otro lado, hubo dramaturgos más jóvenes como Surendra Verma , con su Surya Ki Antim Kiran Se Surya Ki Pahli Kiran Tak (Del atardecer al amanecer, 1972), Draupadi y Athwan sarga (Octavo capítulo, 1976), que experimentaron rápidamente con formas y formatos, [43] y escritores que se aventuraron en la dramaturgia para producir obras importantes, como Bhisham Sahni , que ha estado asociado tanto con IPTA como con la Asociación de Escritores Progresistas, más conocido por su novela de partición Tamas , Hanush (1977), Madhavi (1982) y Muavze (1993).
Con el paso de los años, el repertorio de obras en hindi se ha ampliado para incluir obras traducidas y adaptadas de dramaturgos exitosos de otros idiomas, como Vijay Tendulkar , Girish Karnad , Mahesh Elkunchwar , GP Deshpande y Badal Sircar (Evam Indrajit, 1963, Pagla Ghoda , 1967). [3]
Dara Shikoh, de Danish Iqbal, es un clásico moderno que fue puesto en escena por el director MS Sathyu . En palabras del destacado crítico Ramesh Chand Charlie, Dara Shikoh es un punto de inflexión en las sensibilidades teatrales tradicionales. El uso de la poesía de época de Wali Deccani proporciona a esta obra un contexto artístico e histórico muy poco común. El uso deslumbrante de la coreografía Kathak por parte de Rani Khanum y su compañía, y los trajes auténticos que incluyen tocados, espadas y obras de arte de época fueron un deleite para los ojos. Esta obra tuvo una buena racha en ciudades como Delhi, Gurgaon y Bangalore.
Otro drama notable de Iqbal en Dinamarca es Dilli jo ek Shehr Thaa, que describe la vida y los tiempos de una Delhi perdida durante la invasión de Nadir Shah . La ministra principal de Delhi, Sheila Dikshit , le otorgó el premio Mohan Rakesh Samman por esta obra . Recientemente, esta obra fue puesta en escena por Bharti Sharma del Grupo Kshitij y dejó al público de Delhi hipnotizado por sus valores de producción y su grandiosidad.
Danish también escribió 'Sahir' sobre la vida y la obra de Sahir Ludhyanvi , que se representó en Delhi para un público repleto y se convirtió en una producción histórica por el uso de canciones de películas antiguas como parte de la narrativa dramática. Dirigida por la directora de NRI Pramila Le Hunt, esta obra se convirtió en un éxito comercial y el público deseaba cada vez más de Sahir. Danish Iqbal también escribió Kuchh Ishq Kiya Kuchh Kaam sobre la vida y la obra del legendario poeta Faiz Ahmed Faiz y Sarah Ka Sara Aasman sobre la poeta Sarah Shagufta , además del drama biográfico 'Ghalib' que utilizó la poesía de Ghalib para la narrativa básica y se representó en Dubai para la comunidad india expatriada. Danish también había dado el éxito de taquilla 'Woh Akhiri Hichki' y 'Ek Thi Amrita' (sobre la vida y la obra de Amrita Pritam ) y algunas otras obras tempranas. En los últimos años ha utilizado muchos elementos del cine y los medios de comunicación para acercar la sensibilidad teatral a un público nutrido por Bollywood. Es una lástima que su obra completa no esté disponible hasta ahora, aunque hay pocas versiones de 'Dara Shikoh' y 'Ghalib' disponibles, pero al ser Dara Shikoh un costoso drama histórico de época, no es fácil poner en escena una producción tan exigente. 'Dilli Jo Ek Shehr Thaa' tiene todas las características de una obra clásica de teatro que combina un conflicto de alto voltaje con caracterizaciones realistas, conspiraciones traicioneras, romance, poesía, bailes y diálogos pegadizos. [ cita requerida ]
Sayeed Alam es conocido por su ingenio y humor, y más particularmente por obras como 'Ghalib en Nueva Delhi', 'Big B' y muchas otras joyas que se representan regularmente para una gran concurrencia de amantes del teatro. Maulana Azad es su obra maestra tanto por su contenido como por su estilo. [ cita requerida ]
"Three B" de Shahid también es una obra importante. Ha estado asociado con muchos grupos como "Natwa" y otros. Zaheer Anwar ha mantenido en alto la bandera del teatro en Calcuta. A diferencia de los escritores de generaciones anteriores, Sayeed, Shahid, Danish y Zaheer no escriben obras librescas, sino que su trabajo es producto de una vigorosa tradición interpretativa. [ cita requerida ]
Dramatech, un grupo de teatro con sede en Delhi formado por ex alumnos del IIT Delhi en 1984, dio una nueva dimensión al teatro hindi al traducir y poner en escena muchas obras clásicas inglesas, tanto musicales como obras de teatro tradicionales. Entre ellas se encontraban versiones en hindi de los musicales El violinista en el tejado y ¡Hola, Dolly! y obras como Los diez negritos y Testigo de cargo de Agatha Christie; Las historias de Sherlock Holmes de Conan Doyle; Arsénico y encaje antiguo de Joseph Kesselring. Todas ellas fueron traducidas, escritas y dirigidas por Ravi Raj Sagar, en el período 1984-1987 y luego 2002-12. Referencia: www.dramatech.in
El mismo director del grupo también adaptó y representó historias clásicas de Premchand en la obra Premchand: Three comedies for families and Children en 2012. Las historias incluidas en esta fueron Do bailon ki katha, Shatranj ke khiladi, Nimantran. Ref: Reseña en Deccan Herald: http://www.deccanherald.com/content/269668/premchand-children.html También: www.dramatech.in Una entrevista con el director Ravi Raj Sagar sobre las obras de Premchand y la literatura hindi y urdu fue publicada en The Times of India: http://articles.timesofindia.indiatimes.com/2012-10-02/books/34216836_1_munshi-premchand-stories-comedy-genres Archivado el 20 de diciembre de 2013 en Wayback Machine.
Vibha Rani es una dramaturga reconocida en dos idiomas indios: hindi y mainthili. Hasta ahora ha escrito más de 20 obras de larga duración para grupos, dúos y solistas. Su obra "Doosra Aadmi, Doosari Aurat" recibió el premio Vishnudas Bhave de dramaturgia del gobierno de Maharashtra en 2011. La obra se representó en BHARANGAM en 2002 en la Escuela Nacional de Drama de Nueva Delhi y actualmente la representan varios grupos en todo el país. Otra obra, "Peer Parayee", se representa en todo el país a cargo de "Vivechana", Jabalpur, desde 2004 en adelante. "Aye Priye Tere Liye" se representó en Mumbai. "La vida no es un sueño", Balchanda", "Main Krishna Krishn Ki", "Ek Nayi Menka", "Bhikharin", "Naurangi Natni", "Bimb-Pratibimb" son sus obras en solitario, representadas en y alrededor del mundo. "Aao Tanik Prem Karen" y "Agle Janam Mohe Bitiya Naa Kijo" ganaron el primer premio de Mohan Rakesh Samman, 2005. "Aao Tanik Prem Karen" había sido premiada como Mejor obra de teatro en 2013 y Vibha como Mejor actriz en 2013 por el Gobierno de Maharashtra.
Por otra parte, la crítica teatral , que también había comenzado con Bhartendu, vio surgir nuevas voces a mediados del siglo XX, como Lakshmi Narayan Lal, que ahora sometían la dramaturgia india reciente a la piedra de toque de Ibsen y otros maestros occidentales. [43] Los principales críticos de teatro ahora eran empleados por diarios nacionales, entre ellos Ramesh Chander y Nemichand Jain, y pronto una segunda generación de críticos de teatro pasó a primer plano en la década de 1960, con Kavita Nagpal, Jaidev Taneja y otros. Las revistas literarias también comenzaron a tener secciones dedicadas a la crítica teatral y muchas revistas ahora publicaban columnas de reseñas teatrales. En este período, comenzó a publicarse una revista de teatro, Natrang, editada por NC Jain, y otras revistas similares fueron publicadas por academias estatales como Sangit Natak , de la Sangeet Natak Akademi en Delhi, Rangyog, de la Academia Rajasthan en Jodhpur, y Chhayanat , de la Academia Uttar Pradesh en Lucknow. Otro avance importante fue el auge de la documentación y la investigación académica en diversas corrientes del teatro indio, a cargo de un número cada vez mayor de estudiosos del teatro, como Kapila Vatsyayan , Anuradha Kapoor y NC Jain. [55]
Nat Nimad || Khandwa, diputado|| 2000|| Vijay Soni
{{citation}}: CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace )teatro hindi.