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La producción de hip hop es la creación de música hip hop en un estudio de grabación. Si bien el término abarca todos los aspectos de la creación de música hip hop, incluida la grabación del rap de un MC , un turntablist o DJ que proporciona un ritmo, la reproducción de muestras y el " scraping " utilizando tocadiscos y la creación de una pista de acompañamiento rítmico, utilizando una caja de ritmos o un secuenciador , se usa más comúnmente para referirse a la grabación de los aspectos instrumentales, no líricos y no vocales del hip hop.
Los productores de hip hop pueden ser acreditados como productores de discos o compositores; también pueden supervisar las sesiones de grabación. [1] [2] [3] [4]
Los instrumentos de hip hop se conocen coloquialmente como ritmos o composiciones musicales, mientras que al compositor se le llama programador, compositor o creador de ritmos. En el estudio, el productor de hip hop a menudo funciona como compositor y como productor de discos tradicional. A veces se les llama orquestadores. P. Diddy es un ejemplo de uno, pero en última instancia son responsables del sonido final de una grabación y de brindar orientación a los artistas e intérpretes, así como de asesorar al ingeniero de audio sobre la selección de todo, desde micrófonos y procesadores de efectos hasta cómo mezclar los niveles vocales e instrumentales. [ cita requerida ]
El hip-hop, la forma pop dominante de fin de siglo, da la demostración más electrizante del efecto empoderador de la tecnología [...] [E]l género surgió de guetos desesperadamente empobrecidos de edificios altos , donde las familias no podían permitirse comprar instrumentos para sus hijos e incluso la creación musical más rudimentaria parecía fuera de su alcance. Pero la música se hizo de todos modos: el propio fonógrafo se convirtió en un instrumento. En el sur del Bronx en la década de 1970, DJs como Kool Herc , Afrika Bambaataa y Grandmaster Flash usaron platos giratorios para crear un collage vertiginoso de efectos: bucles , cortes , ritmos , rasguños . Más tarde, los DJs y creadores de ritmos atados al estudio usaron el muestreo digital para ensamblar algunos de los ensamblajes sonoros más densos de la historia de la música: Paid in Full de Eric B. y Rakim , Fear of a Black Planet de Public Enemy , The Chronic de Dr. Dre .
— Alex Ross , Escucha esto (2010) [5]
La caja de ritmos Roland TR-808 se introdujo en 1980, que era una máquina analógica con un método de programación por pasos. La 808 fue muy utilizada por Afrika Bambaataa , que lanzó " Planet Rock " en 1982, además del clásico innovador del electro hip hip " Nunk " de Warp 9 , producido por Lotti Golden y Richard Scher, dando lugar al incipiente género electro . Un artista especialmente notable es el propio pionero del género Juan Atkins, que lanzó lo que generalmente se acepta como el primer disco de techno estadounidense, "Clear" en 1984 (más tarde sampleado por Missy Elliott ). Estos primeros discos de electro sentaron las bases sobre las que luego se basaron los artistas de techno de Detroit como Derrick May . En 1983, Run-DMC grabó " It's Like That " y " Sucker MC's ", dos canciones que dependían completamente de sonidos sintéticos, en este caso a través de una caja de ritmos Oberheim DMX , ignorando por completo los samples. Este enfoque era muy parecido a las primeras canciones de Bambaataa y los Furious Five. [ cita requerida ]
Kurtis Blow fue el primer artista de hip hop en utilizar un sampler digital , cuando utilizó el Fairlight CMI en su álbum de 1984 Ego Trip , especialmente en la canción "AJ Scratch". El E-mu SP-12 salió en 1985, capaz de grabar 2,5 segundos. El E-mu SP-1200 le siguió rápidamente (1987) con un tiempo de grabación ampliado de 10 segundos, dividido en 4 bancos. Una de las primeras canciones en contener un loop o break de batería fue "Rhymin' and Stealin'" de los Beastie Boys , producida por Rick Rubin . Marley Marl también popularizó un estilo de reestructuración de loops de batería mediante el muestreo de golpes de batería individuales a mediados de la década de 1980, una técnica que se popularizó con el sencillo de 1986 de MC Shan "The Bridge", que usaba partes de " Imeach the President " en dos Korg Delay/sampling activados por un Roland TR-808. En 1988 salió el Akai MPC60 , capaz de ofrecer un tiempo de muestreo de 12 segundos. Los Beastie Boys lanzaron Paul's Boutique en 1989, un álbum entero creado completamente a partir de una mezcla ecléctica de samples, producido por los Dust Brothers utilizando un sampler Emax . De La Soul también lanzó 3 Feet High and Rising ese año. [ cita requerida ]
El Bomb Squad de Public Enemy revolucionó el sonido del hip-hop con estilos de producción densos, combinando decenas de samples por canción, a menudo combinando breaks de percusión con una caja de ritmos. Sus ritmos eran mucho más estructurados que los primeros ritmos más minimalistas y repetitivos. El MPC3000 se lanzó en 1994, el AKAI MPC2000 en 1997, seguido por el MPC2000XL en 1999 [6] y el MPC2500 en 2006. Estas máquinas combinaban una caja de ritmos de muestreo con un secuenciador MIDI integrado y se convirtieron en la pieza central de los estudios de muchos productores de hip hop. Al productor de Wu Tang Clan, RZA, se le atribuye a menudo el mérito de desviar la atención del hip hop del sonido más pulido de Dr. Dre en 1993. El sonido más áspero de RZA con bajos retumbantes bajos, sonidos de caja agudos y un estilo de muestreo único basado en el sampler Ensoniq . Con el lanzamiento en 1994 de Ready to Die de The Notorious BIG , Sean Combs y sus productores asistentes fueron pioneros en un nuevo estilo en el que se sampleaban secciones enteras de discos, en lugar de fragmentos cortos, como en "Can't Touch This" de MC Hammer .
Discos como "Warning" ( Walk On By de Isaac Hayes ) y "One More Chance (Remix)" ( Stay With Me de Debarge ) personificaron esta estética. A principios de la década de 2000, el productor interno de Roc-a-Fella, Kanye West, popularizó la técnica de la "ardilla". Esta había sido utilizada por primera vez por el grupo de electro hip-hop de los años 80, Newcleus, con canciones como "Jam on It". Esta técnica implica acelerar una muestra vocal, y su correspondiente bucle instrumental, hasta el punto en que la voz suena aguda. El resultado es una muestra vocal que suena similar al canto de los populares animales cantores de dibujos animados " Alvin y las Ardillas ". West adoptó este estilo de J Dilla y RZA de Wu-Tang Clan , quien a su vez fue influenciado por Prince Paul , el pionero del estilo de acelerar y hacer bucles de muestras vocales para lograr el sonido de "ardilla". Kanye West ha utilizado el efecto "ardilla" en muchas de sus canciones y ha sido utilizado en la música de muchos otros artistas en la década de 2010. [ cita requerida ]
Durante la década de 2010, muchos de los éxitos que encabezaron las listas de éxitos giraron en torno a productores musicales que utilizaban software de estaciones de trabajo de audio digital (por ejemplo, FL Studio) para crear canciones a partir de sonidos muestreados. Algunos productores musicales destacados incluyen a Sonny Digital , Mike Will Made It , Metro Boomin , WondaGurl , Zaytoven , Lex Luger , Young Chop , DJ L Beats, Tay Keith y el nacimiento de grupos de producción musical como 808Mafia , Winner's Circle e Internet Money . [ cita requerida ]
El ritmo de batería es un elemento central de la producción de hip hop. Mientras que algunos ritmos son sampleados, otros son creados por cajas de ritmos . La caja de ritmos más utilizada es la analógica Roland TR-808 , que ha seguido siendo un pilar durante décadas. [7] Los samplers digitales , como el E-mu SP-12 y SP-1200 , y la serie Akai MPC , también se han utilizado para samplear ritmos de batería. Otros son un híbrido de las dos técnicas, partes sampleadas de ritmos de caja de ritmos que se organizan en patrones originales en conjunto. La serie Akai MPC [8] y Ensoniq ASR-10 son pilares para samplear ritmos, particularmente por The Neptunes . Algunos creadores de ritmos y productores de discos son diseñadores de sonido que crean sus propios sonidos de batería electrónica , como Dr. Dre , Timbaland , DJ Paul & Juicy J , Swizz Beatz , Kanye West y The Neptunes. Algunos sonidos de caja de ritmos, como el cencerro TR-808 de la década de 1980, siguen siendo elementos históricos de la tradición del hip hop que continúan utilizándose en el hip hop de la década de 2010.
El hip hop no se inspira simplemente en una serie de samples, sino que va superponiendo esos fragmentos hasta formar un objeto artístico. Si el sampling es el primer nivel de la estética del hip hop, la manera en que las piezas o elementos encajan entre sí constituye el segundo nivel. El hip hop enfatiza y llama la atención sobre su naturaleza estratificada. El código estético del hip hop no busca hacer invisibles las capas de samples, sonidos, referencias, imágenes y metáforas. Más bien, apunta a crear un collage en el que los textos sampleados aumenten y profundicen el significado de la canción/libro/arte para aquellos que pueden decodificar las capas de significado.
— Richard Schur, Estética del hip hop y literatura afroamericana contemporánea (2008) [9]
El sampling es el uso de un segmento de la grabación musical de otro como parte de la propia grabación. [10] Ha sido parte integral de la producción de hip hop desde sus inicios. En el hip-hop, el término describe una técnica de empalmar o copiar secciones de otras canciones y reorganizar o reelaborar estas secciones en patrones musicales cohesivos, o "loops". Esta técnica fue explorada por primera vez en 1982 por Afrika Bambaata , en la cinta Planet Rock de Soulsonic Force , que sampleó partes del acto de baile Kraftwerk y experimentó una gran aclamación del público. [11] Esto fue seguido en 1986: el entonces productor de Def Jam, Rick Rubin, usó loops de Black Sabbath y Led Zeppelin para crear el debut de los Beastie Boys Licensed to Ill , [12] y el año siguiente el dúo de rap Eric B. & Rakim popularizó los samples de James Brown con su álbum Paid in Full . [13]
La técnica dio un giro bicostero cuando la descubrió un joven Dr. Dre , cuyo primer trabajo fue como DJ del grupo de electrofunk estilo Afrika Bambaata, World Class Wreckin' Cru . En 1988, Dre comenzó a utilizar el sampling en el hip-hop cuando produjo el álbum Straight Outta Compton de NWA , un hito en el género del rap gangsta . [14] En 1989, los pioneros del sampling de jazz Gang Starr , seguidos en 1991 por Pete Rock & CL Smooth y A Tribe Called Quest aparecieron en escena, popularizando su marca, [15] [16] y el sampling asumió un papel completo en el hip-hop, extendiéndose a la prominencia en proyectos de alto perfil como Enter the Wu-Tang: 36 Chambers de Wu-Tang Clan , [17] The Chronic de Dr. Dre , [18] Illmatic de Nas [19] y Ready to Die de Notorious BIG . [20]
En la década de 2000, el sampling comenzó a alcanzar un máximo histórico; el álbum de Jay-Z The Blueprint ayudó a poner a los productores Kanye West y Just Blaze en el mapa por su sampling de discos de soul . [21] El propio Kanye West obtuvo éxitos tempranos con " Through the Wire " y " Jesus Walks ", a menudo consideradas por West como " soul de ardilla ", debido a sus voces aceleradas en ambas canciones. Su álbum de 2004, The College Dropout , incluyó dos éxitos sampleados con Twista que llevaron a Kamikaze del rapero de Chicago a vender platino. El 7 de septiembre de 2004, sin embargo, un Tribunal de Apelaciones de los Estados Unidos en Nashville cambió la naturaleza de la infracción de derechos de autor musical al dictaminar que se necesita una licencia en cada caso de sampling, donde anteriormente se podía copiar una pequeña porción de la canción sin repercusiones. [22] La ley inmediatamente comenzó a enrarecer los samples en el hip-hop; En una entrevista de 2005 con la revista Scratch , Dr. Dre anunció que se estaba moviendo más hacia la instrumentación, [23] y en 2006 el álbum debut de The Notorious BIG de 1994, Ready to Die , fue retirado temporalmente de los estantes por un problema de autorización de muestra retroactiva. [24] Como resultado, más productores y artistas importantes se han alejado del muestreo y se han acercado a la instrumentación en vivo, como RZA de Wu-Tang [25] y Mos Def . [26] A menudo hubo preguntas de originalidad y autenticidad que siguieron al uso del muestreo.
Debido a que la producción de hip hop gira en torno al muestreo, un dispositivo que combina sampler y secuenciador , como la línea MPC de grooveboxes de Akai, suele ser la pieza central de un estudio de producción de hip hop. Aunque hoy en día se han sustituido en su mayoría por estaciones de trabajo de audio digital (DAW), los clásicos como el E-mu Systems SP-1200, el Akai MPC60, el Akai MPC3000 o el Ensoniq ASR-10 todavía se utilizan hoy en día debido a su flujo de trabajo y sus características de sonido. [ cita requerida ]
Los tocadiscos más utilizados en el hip hop son la serie Technics de Panasonic . Fueron los primeros tocadiscos de accionamiento directo , [27] que eliminaron las correas y, en su lugar, emplearon un motor para impulsar directamente el plato sobre el que descansa un disco de vinilo. [28] El Technics SL-1100 fue adoptado por los primeros artistas de hip hop en la década de 1970, debido a su fuerte motor, durabilidad y fidelidad. [28] Un antepasado del turntablismo fue DJ Kool Herc , un inmigrante de Jamaica a la ciudad de Nueva York. [27] Introdujo técnicas de tocadiscos de la música dub jamaiquina , [29] al tiempo que desarrollaba nuevas técnicas que fueron posibles gracias a la tecnología de tocadiscos de accionamiento directo del Technics SL-1100, que utilizó para el primer sistema de sonido que instaló después de emigrar a Nueva York en la década de 1970. [27] La técnica característica que desarrolló fue tocar dos copias del mismo disco en dos tocadiscos de manera alternada para extender la sección favorita de los b-dancers , [29] alternando entre los dos para hacer un bucle de los descansos a un ritmo constante. [27]
El plato giratorio más influyente fue el Technics SL-1200 . [30] Fue adoptado por los DJ de hip hop de la ciudad de Nueva York como Grand Wizard Theodore y Afrika Bambaataa en la década de 1970. Mientras experimentaban con los platos SL-1200, desarrollaron técnicas de scratching cuando descubrieron que el motor continuaría girando a las RPM correctas incluso si el DJ movía el disco de un lado a otro en el plato. [30] Desde entonces, el turntablismo se extendió ampliamente en la cultura del hip hop, y el SL-1200 siguió siendo el plato giratorio más utilizado en la cultura de los DJ durante las siguientes décadas. [28] [30]
Los sintetizadores se utilizan a menudo en la producción de hip hop. Se utilizan para melodías, líneas de bajo , como "puñaladas" de percusión, para acordes y para la síntesis de sonido, para crear nuevas texturas sonoras. El uso de sintetizadores fue popularizado por Dr. Dre durante la era del G-funk . En la década de 2000, Jim Jonsin , Cool and Dre , Lil Jon , Scott Storch y Neptunes siguen utilizando sintetizadores. A menudo, en entornos de estudio de bajo presupuesto o salas de grabación limitadas por limitaciones de espacio, el compositor utilizaría instrumentos virtuales en lugar de sintetizadores de hardware. En la década de 2010, los instrumentos virtuales se están volviendo más comunes en entornos de estudio de alto presupuesto. [ cita requerida ]
En el hip hop, una grabadora multipista es el estándar para grabar. La grabadora de casetes Portastudio era la ley en los estudios de grabación internos en la década de 1980. Las grabadoras de cinta ADAT digitales se convirtieron en el estándar durante la década de 1990, pero han sido reemplazadas en gran medida por estaciones de trabajo de audio digital o DAW como Logic de Apple, Pro Tools de Avid y Nuendo y Cubase de Steinberg. Las DAW permiten una edición más compleja y un número ilimitado de pistas, así como efectos incorporados. Esto permite a los compositores y autores de canciones crear música sin el gasto de un gran estudio comercial. [ cita requerida ]
Generalmente, los productores profesionales optan por un micrófono de condensador para grabaciones de estudio, [31] [32] principalmente debido a su amplia gama de respuesta y alta calidad. Una alternativa principal al costoso micrófono de condensador es el micrófono dinámico , utilizado con más frecuencia en presentaciones en vivo debido a su durabilidad. Las principales desventajas de los micrófonos de condensador son su costo y fragilidad. Además, la mayoría de los micrófonos de condensador requieren alimentación fantasma, a diferencia de los micrófonos dinámicos. Por el contrario, las desventajas de los micrófonos dinámicos son que generalmente no poseen el amplio espectro de los micrófonos de condensador y su respuesta de frecuencia no es tan uniforme. Muchos productores de hip-hop solían usar el Neumann U-87 para grabar voces, que imparte un "brillo" vidrioso especialmente en las voces femeninas. Pero hoy, muchos productores de este género musical usan el micrófono de tubo Sony C-800G, micrófonos antiguos y micrófonos de cinta de alta gama afinados para una expresión vocal favorecedora y "grande". Muchas canciones clásicas de hip-hop se grabaron con el equipo más básico. En muchos casos, esto contribuye a su calidad de sonido crudo y su encanto. Muchos ingenieros de grabación prefieren utilizar una acústica "seca" para el hip hop a fin de minimizar la reverberación de la sala.
La mezcla es el proceso de combinar elementos de audio para crear un sonido cohesivo que transmita claramente la experiencia que el artista pretende para el oyente. [33] Este proceso es el paso final de la producción musical, después de que se hayan completado la composición, el arreglo y la grabación. La mezcla implica ajustar las pistas de audio y aplicar herramientas como ecualizadores, compresión y efectos. El propósito de esto es producir un producto final donde todos los elementos de la canción se complementen entre sí para crear una experiencia de escucha deseada. La mezcla se considera un proceso creativo, ya que no existe una forma definitiva correcta o incorrecta de mezclar una canción. Cada ingeniero de mezcla mezcla con su propio estilo e ingresa su propia intención creativa a la pista. El ritmo y las voces son los aspectos más importantes del género hip hop y es crucial considerar esto al mezclar.
Las voces son uno de los elementos más esenciales del sonido general de las pistas de hip hop y atraen la mayor parte de la atención. A menudo se mezclan con un procesamiento intenso, que incluye ecualización (EQ), compresión y el uso de efectos como reverberación y retardo. [34] En el hip hop moderno, el autotune se ha convertido en una característica definitoria y agrega un efecto estilizado, casi robótico a la voz del artista. Ocasionalmente, la mezcla vocal también puede incluir efectos como saturación o modulación de tono para brindar un sonido estilístico determinado.
Mezclar el ritmo en el hip hop implica tener un extremo bajo fuerte que complemente las voces. [33] La mayoría de los ritmos de hip hop consisten en elementos como el bajo 808, el bombo, la caja, los hi-hats e instrumentos melódicos como sintetizadores o samples. [35] Tener una buena mezcla significa que cada elemento debe ser distinguible con su propio lugar en el paisaje sonoro sonoro. Cada elemento debe complementarse entre sí, con las frecuencias de subgraves en particular. Las frecuencias de subgraves, que incluyen el 808 y el bombo, a menudo pueden chocar y causar turbidez cuando suenan al mismo tiempo. Para evitar el choque, a menudo se utiliza la ecualización y la compresión de cadena lateral para crear espacios distintos para cada elemento, lo que permite que el bombo se abra paso entre el bajo 808 sostenido.
La panorámica y la gestión del campo estéreo son importantes para crear espacio en la mezcla. Normalmente, los instrumentos como los hi-hats, los platillos y otros elementos de fondo se panoramizan hacia diferentes partes del campo estéreo. [33] Las voces, el 808, el bombo y la caja se dejan en el centro. Esta disposición de la panorámica evitará que las voces y los tambores principales choquen, al tiempo que crea amplitud e inmersión.
En ocasiones, se utilizan con moderación efectos especiales como reverberación, delay y distorsión. [33] La reverberación se utiliza para añadir profundidad y espacio, mientras que el delay se utiliza para crear ritmo entre los elementos vocales e instrumentales. Se pueden aplicar pequeñas cantidades de saturación a la batería para lograr más presencia, o a las voces para añadir calidez y armónicos.
Los compositores utilizan DAW y secuenciadores de software en la producción moderna de hip hop, ya que los productos de producción de software son más baratos, más fáciles de expandir y requieren menos espacio para funcionar que sus contrapartes de hardware. El éxito de estos DAW generó una avalancha de nuevos creadores de ritmos semiprofesionales, que licencian sus ritmos o instrumentales [36] preferiblemente en mercados digitales [37] a artistas de rap de todo el mundo y provocaron la creación de un nuevo nicho de mercado. Algunos creadores de ritmos se oponen a la dependencia total de DAW y software, citando una calidad general inferior, falta de esfuerzo y falta de identidad en los ritmos generados por computadora. El software de secuenciación a menudo es criticado por los oyentes puristas y los productores tradicionales por producir sonidos que son planos, demasiado limpios, demasiado comprimidos y menos humanos porque todo está generado por computadora.
Los DAW más populares incluyen los siguientes:
La instrumentación en vivo no está tan extendida en el hip hop, pero es utilizada por varios grupos y es prominente en géneros de fusión basados en el hip hop como el rapcore . Antes de que los samplers y sintetizadores se convirtieran en partes prominentes de la producción de hip hop, los primeros éxitos del hip hop como " Rapper's Delight " ( The Sugarhill Gang ) y "The Breaks" ( Kurtis Blow ) se grabaron con bandas de estudio en vivo. Durante la década de 1980, Stetsasonic fue un ejemplo pionero de una banda de hip hop en vivo. El hip hop con instrumentación en vivo recuperó prominencia a fines de la década de 1990 y principios de la década de 2000 con el trabajo de The Goats , The Coup , The Roots , Mello-D and the Rados, Common , DJ Quik , UGK y OutKast , entre otros. En los últimos años, The Robert Glasper Experiment ha explorado la instrumentación en vivo con énfasis en el aspecto instrumental e improvisado del hip hop con raperos como Mos Def , Talib Kweli , Q-Tip y Common , así como el cantante de neo-soul Bilal Oliver .
A lo largo de la historia, la batería ha adoptado numerosas identidades. Es el instrumento que hace que el jazz sea "swing" y el rock 'n' roll "rock". Con una nueva era de música pop en auge en la última década [ ¿cuándo? ] , es fácil suponer que la batería ha sido reemplazada por sonidos electrónicos producidos por un ingeniero. En realidad, la batería es la razón detrás de la producción de estos ritmos electrónicos, y los bateristas en vivo contribuyen al hip-hop moderno mucho más de lo que se escucha.
Un ejemplo de una grabación de un baterista en un disco de hip-hop es el álbum de Kendrick Lamar titulado To Pimp A Butterfly que fue lanzado en 2015. Robert Sput Searight, baterista de Snarky Puppy , actuó en las pistas tituladas "For Free" y "Hood Politics". Cuando actuaba en vivo, Lamar solía emplear una banda en vivo en lugar de la mayoría del hip-hop en vivo que usa una pista de acompañamiento pregrabada. [38] El no músico puede encontrar imperceptible el uso de un baterista en vivo en una grabación de hip-hop, sin embargo, estos músicos deben recibir crédito por su trabajo. [ la neutralidad está en disputa ] La siguiente lista nombra a algunos de los bateristas más influyentes del género hip-hop .
Otros bateristas de hip hop incluyen los siguientes: [39] [40] [41] [42] [43] [44]
El hip hop instrumental es música hip hop sin voces. El hip hop, por regla general, consta de dos elementos: una pista instrumental (el "ritmo") y una pista vocal (el "rap"). El artista que crea el ritmo es el productor (o creador de ritmos), y el que crea el rap es el MC (emcee). En este formato, el rap es casi siempre el foco principal de la canción, proporcionando la mayor parte de la complejidad y variación sobre un ritmo bastante repetitivo. El hip hop instrumental es música hip hop sin un MC que rapee. Este formato le da al productor la flexibilidad de crear instrumentales más complejos, ricos en detalles y variados. Las canciones de este género pueden desviarse en diferentes direcciones musicales y explorar varios subgéneros, porque los instrumentos no tienen que proporcionar un ritmo constante para un MC. Aunque los productores han hecho y lanzado ritmos de hip hop sin MC desde el inicio del hip hop, esos discos rara vez se hicieron conocidos. Las colaboraciones de inspiración electrónica del tecladista y compositor de jazz Herbie Hancock y el bajista y productor Bill Laswell son excepciones notables. El álbum Future Shock de 1983 y el exitoso sencillo " Rockit " contaron con la participación del turntablista Grand Mixer D.ST , el primer uso de tocadiscos en el jazz fusión , y dio al turntablismo y al " scraping " de discos una exposición generalizada.
El lanzamiento del álbum debut de DJ Shadow , Endtroducing... en 1996, marcó el comienzo de un movimiento en el hip hop instrumental. Basándose principalmente en una combinación de samples de funk , hip hop y bandas sonoras de películas , los innovadores arreglos de samples de DJ Shadow influyeron en muchos productores y músicos.
En las décadas de 2000 y 2010, artistas como RJD2 , J Dilla , Pete Rock , Large Professor , MF DOOM , Danny!, Nujabes , Madlib , Damu the Fudgemunk , Wax Tailor , Denver Kajanga, DJ Krush , Hermitude , Abstract Orchestra y Blockhead han obtenido la atención de la crítica con álbumes de hip hop instrumental. Debido al estado actual de la ley de derechos de autor, la mayoría de los lanzamientos de hip-hop instrumental se lanzan en sellos pequeños, independientes y underground. Los productores a menudo tienen dificultades para obtener la autorización para las muchas muestras que se encuentran en su trabajo, y sellos como Stones Throw están plagados de problemas legales. [ cita requerida ]
En la producción de hip hop contemporáneo, el título de productor se ha convertido en un término general que podría indicar uno o varios tipos de contribuciones a un proyecto en particular. La situación se complica aún más por el hecho de que la industria musical solo tiene tres categorías principales para identificar las contribuciones musicales (artista, productor y compositor), que a menudo se superponen en la producción musical del siglo XXI. A continuación, se presentan algunas de las diferentes facetas del productor de hip hop contemporáneo; un solo crédito de producción puede involucrar cualquier cantidad de estos roles.
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