La pintura barroca española se refiere al estilo de pintura que se desarrolló en España a lo largo del siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII. [1] El estilo apareció en pinturas de principios del siglo XVII y surgió en respuesta a las distorsiones manieristas y la idealización de la belleza en exceso, que apareció en pinturas de principios del siglo XVII. Su principal objetivo era, sobre todo, permitir al espectador comprender fácilmente las escenas representadas en las obras mediante el uso del realismo, cumpliendo al mismo tiempo con las exigencias de "decoro" de la Iglesia católica durante la Contrarreforma .
El naturalismo típico de los caravaggistas en Italia y la dramática iluminación del tenebrismo que se introdujo en España después de 1610, darían forma al estilo dominante de pintura en España en la primera mitad del siglo XVII. Posteriormente, el estilo fue influenciado por la pintura barroca flamenca , ya que los Habsburgo españoles gobernaron una zona de los Países Bajos durante este período. La llegada a España del pintor flamenco Pedro Pablo Rubens , que visitó el país en 1603 y 1628, también tuvo cierta influencia en la pintura española. Sin embargo, fue la profusión de sus obras, así como las de sus alumnos, las que tendrían un impacto aún mayor a partir de 1638. La influencia de Rubén se combinó posteriormente con la técnica utilizada por Tiziano , que incorporaba pinceladas sueltas y contornos quebrados; la fusión de estas influencias fue clave para la creación de las obras de Diego Velázquez , el artista más prestigioso de la época.
La combinación de influencias flamencas, las nuevas tendencias artísticas procedentes de Italia, la llegada de los frescos Agostino Mitelli y Angelo Michele Colonna en 1658, así como la llegada de Luca Giordano en 1692, conducirían al cenit del período barroco, caracterizado por su dinamismo e innovación, en la segunda mitad del siglo XVII. A pesar de que España se vio especialmente afectada por la Crisis General , este período se conoce como el Siglo de Oro de la Pintura Española , por la gran cantidad, calidad y originalidad de los artistas de talla mundial que surgieron durante la época.
La principal clientela de los artistas estaba formada por la Iglesia católica e instituciones vinculadas a ella ( cofradías y cofradías), así como por quienes encargaban pinturas para sus capillas y fundaciones. Las pinturas religiosas tuvieron gran importancia, ya que fueron encargadas por la Iglesia Católica para ser utilizadas durante la Contrarreforma . Los pintores empleados por la Iglesia tenían que cumplir con las limitaciones y la supervisión de los rectores de la Iglesia, quienes determinaban tanto el tema de las pinturas como la forma en que se retrataría: los contratos frecuentemente establecían qué modelos debía seguir el pintor, y La aprobación final de las pinturas debía ser otorgada por el prior. [2] Por otro lado, trabajar para la Iglesia no sólo proporcionaría a los pintores una importante fuente de ingresos, sino también la oportunidad de ganar prestigio social, ya que les permitía exponer su obra en público. [3]
La Corte Real también encargó pinturas, y Felipe IV de España en particular proporcionó un "verdadero patrocinio" para los pintores. [4] En una carta enviada desde Madrid en 1628 a un amigo, Rubens afirma: "Aquí dedico mi tiempo a la pintura, como lo he hecho en otros lugares, y ya he terminado un retrato ecuestre de Su Majestad, que fue "Estoy muy satisfecho. Es cierto que le fascina la pintura y creo que tiene cualidades excepcionales. Nos hemos hecho muy cercanos: como estoy en palacio, él viene a visitarme todos los días". [5]
La urgente necesidad de decorar el recién construido Palacio del Buen Retiro dio lugar a importantes encargos. La decoración del Salón de Reinos fue confiada a pintores españoles : entre ellos se encontraban los retratos ecuestres de Velázquez , una serie de pinturas de arte militar , con las recientes victorias de los ejércitos de Felipe IV, y la serie de Francisco de Zurbarán que representa los Trabajos de Hércules. las obras aportadas. Artistas extranjeros que actuaban en Roma , como Claudio de Lorena y Nicolas Poussin , recibieron el encargo de realizar dos series de pinturas para la Galería de los Paisajes. [6] Pintores que trabajaban en Nápoles , como Giovanni Lanfranco y Domenichino , recibieron el encargo de crear más de treinta cuadros que retrataran la historia de Roma, colección a la que pertenece el cuadro Mujeres gladiadoras de José de Ribera . [7]
Como estaba prohibido el traslado de cuadros entre palacios reales, y dada la prisa de Olivares por terminar la decoración del Palacio del Retiro, se compraron numerosas obras a coleccionistas privados, hasta que el número de cuadros colgados en las paredes del palacio ascendió a unos 800. Velázquez estaba entre estos vendedores de arte: en 1634 vendió al rey los cuadros La túnica de José y Apolo en la fragua de Vulcano , que había pintado en Italia, junto con obras de otros, entre ellas cuatro paisajes, dos naturalezas muertas, dos flores pinturas y una copia de la Dánae de Tiziano . [8]
Mientras artistas de prestigio recibían encargos de la Iglesia o de la corte, un gran número de artistas menores se ganaban la vida produciendo distintos tipos de pintura, que vendían en tiendas o en la calle. La pintura se consideraba un puesto de trabajo manual y, por lo tanto, estaba sujeta a los bajos salarios y la falta de reconocimiento social que normalmente se otorgaba a los roles menores y serviles. Estas opiniones despectivas y prejuicios sólo se superarían en el siglo XVIII. A lo largo del siglo XVII los pintores lucharon para que su oficio fuera reconocido como un arte liberal . [9] Los esfuerzos de Velázquez por ser admitido en la Orden de Santiago , también perseguían este reconocimiento social. Muchos estudios sobre teoría del arte de este período no sólo proporcionaron información biográfica sobre los artistas, sino que también representaron un esfuerzo por dignificar la profesión.
Francisco Pacheco , el pintor barroco español con quien estudió Velázquez, creía que el objetivo final de la pintura era inspirar devoción religiosa en el espectador, acercándolo a Dios. Esta perspectiva ilustra las razones de la implementación del realismo en la pintura religiosa en la primera mitad del siglo XVI y de la rápida aceptación de las tendencias naturalistas, ya que se pensaba que ayudaban a los creyentes religiosos a involucrarse con los eventos religiosos representados.
Con el ascenso del protestantismo y su creciente renuencia a adorar ciertos símbolos religiosos asociados con el catolicismo, la Iglesia fomentó aún más las representaciones de la veneración de la Virgen María , así como de San José (alentada por Teresa de Ávila ), La Inmaculada Concepción es una religión motivo característico de España que aparece frecuentemente en la pintura, siendo el país, liderado por la monarquía, empeñado en defender esta doctrina, que aún no había sido establecida por el Papa. Por razones similares, las representaciones de la Sagrada Comunión y los temas eucarísticos ganaron cada vez más importancia (ejemplificado en la Adoración de la Sagrada Forma de Claudio Coello en El Escorial).
Las representaciones de temas evangélicos eran extremadamente comunes y también se usaban a menudo para combatir la herejía protestante: la Última Cena refleja la consagración eucarística; Los milagros de Cristo hacen referencia a las obras de la compasión (como la serie de cuadros de Murillo para el Hospital de la Caridad de Sevilla). Por otra parte, dadas las reservas que los católicos tenían hacia el Antiguo Testamento , eran muy pocos los que representaban escenas del mismo; los temas elegidos fueron aquellos que podrían interpretarse como el anuncio del Nacimiento de Cristo, o que son paralelos del mismo (como la atadura de Isaac , cuyo significado se corresponde con la pasión de Cristo). [10]
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Otros temas , como la naturaleza muerta y el retrato , también se desarrollaron a lo largo de este período: se puede reconocer una escuela española dadas las características distintivas de las pinturas que pertenecen a estos temas. El uso de la expresión "naturaleza muerta" ya está documentado en 1599. La severa estética de las naturalezas muertas españolas contrasta con las fastuosas obras flamencas : a partir de la obra de Juan Sánchez Cotán , la naturaleza muerta española pasó a definirse por tener Composiciones sencillas, geométricas, de líneas duras e iluminación tenebrista . Sánchez Cótan obtuvo tal éxito que muchos otros pintores de bodegones siguieron su ejemplo: entre ellos Felipe Ramírez, Alejandro de Loarte , el pintor de la corte Juan van der Hamen y León, Juan Fernández, el Labrador , Juan de Espinosa, Francisco Barrera , Antonio Ponce , Francisco Palacios , Francisco de Burgos Mantilla , entre otros.
La Escuela de Sevilla también contribuyó a definir las características de la naturaleza muerta española, con Velázquez y Zurbarán al frente. Si bien la típica naturaleza muerta española, aunque no exenta de las influencias de la pintura italiana y flamenca, se caracterizó por su moderación hasta mediados de siglo, las influencias flamencas agregaron luego riqueza, complejidad e incluso teatralidad a las pinturas, incluidas las representaciones. de temas alegóricos . Ejemplos del impacto de la pintura flamenca en los bodegones españoles se pueden encontrar en las pinturas de flores de Juan de Arellano y las Vanitas de Antonio de Pereda y Valdés Leal .
Los retratos del barroco español contrastaban mucho con los extravagantes retratos encargados por otras cortes europeas. La figura de El Greco fue decisiva en la consolidación del método utilizado para realizar retratos durante este período. El retrato español tiene sus raíces, por un lado, en la Escuela Italiana ( Tiziano ), y, por otro, en las pinturas hispano-flamencas de Antonio Moro y Sánchez Coello . Las composiciones son sencillas con muy pocos adornos y transmiten la intensa humanidad y el honor del tema. Esto, en contraste con las tendencias generales de la Contrarreforma , no necesariamente indicaba que los sujetos tuvieran gran importancia o fueran de alto estatus social: todos los sujetos fueron retratados de la misma manera, ya fueran reyes o niños de la calle.
Los retratos del barroco español se distinguen de los de otras escuelas por su severidad; su cruda descripción del alma del sujeto; por el cierto escepticismo y fatalismo que muestran ante la vida; y por el uso del naturalismo en la descripción de los rasgos del sujeto, alejado del clasicismo generalmente defendido por los teóricos. [11] Como es típico de la Contrarreforma, lo real tiene prioridad sobre lo ideal. Con la consolidación del retrato español a lo largo del siglo XVII a través de los magníficos retratos de Velázquez, así como los de Ribera, Juan Ribalta y Zurbarán, los artistas siguieron reproduciendo las características propias del tema hasta la obra de Goya .
También se pueden encontrar, aunque en menor medida, pinturas de esta época que contienen temas históricos o mitológicos . Algunos ejemplos de estos han sido señalados por coleccionistas. En cualquier caso, en comparación con el siglo XVI, se produce un notable aumento de pinturas de temática mitológica que no fueron creadas exclusivamente para las residencias reales, y se establece una producción de obras independientes que, lógicamente, alcanzaban un público más amplio y contenían una mayor variedad de iconografía. [12]
Las pinturas de paisajes, al igual que los retratos, fueron consideradas un tema de menor importancia por los tratadistas, que colocaron la representación de figuras humanas en la cúspide de la jerarquía de géneros . En Diálogos de la pintura , el primer tratado sobre pintura española, Vincenzo Carducci escribió que las pinturas de paisajes sólo serían aptas para exhibirse en casas de campo o lugares de ocio, pero que su valor aumentaría si representaban escenas religiosas o históricas. Del mismo modo, Franciscto Pacheco escribió en su libro de texto El arte de pintar que, respecto a los paisajes pintados por artistas extranjeros (mencionando a Brill , Muziano y Cesare Arbasia , mentor del pintor español Antonio Mohedano ), admite que los paisajes son "un aspecto de "una pintura que no debe descuidarse", pero se mantiene fiel a la visión tradicional sobre la pintura de paisaje, advirtiendo que ésta recibe "poca gloria y respeto por parte de los grandes". [13]
Repasando sus inventarios, podemos comprobar que este género pictórico era muy apreciado por los coleccionistas de arte de la época; sin embargo, como los coleccionistas no solían registrar los nombres de los pintores, no es posible saber cuántos de estas colecciones fueron producidos por artistas españoles o cuántos fueron importados. [14] A diferencia de la pintura holandesa del Siglo de Oro , no hubo auténticos especialistas en pintura de paisaje en España, con la posible excepción del pintor vasco Ignacio de Iriarte , que trabajó en Sevilla y asociado con Bartolomé Esteban Murillo . Otros pintores, como Francisco Collantes y Benito Manuel Agüero , que trabajaron en Madrid, así como el cordobés Antonio del Castillo , también han sido elogiados por sus pinturas de paisajes. [15]
Las líneas duras, la sencillez y el escepticismo que se percibe en el cuadro son cualidades muy españolas.