El cantante de jazz es una película dramática musical estadounidense de 1927 dirigida por Alan Crosland y producida por Warner Bros. Pictures. Es el primer largometraje con música grabada sincronizada y canto y habla sincronizados (en varias secuencias aisladas). Su estreno anunció el ascenso comercial de las películas sonoras y marcó efectivamente el final de laera del cine mudo con el sistema de sonido en disco Vitaphone , que presenta seis canciones interpretadas por Al Jolson . Basada en la obra de teatro de 1925 del mismo título de Samson Raphaelson , la trama fue adaptada de su cuento "El día de la expiación".
La película cuenta la historia ficticia de Jakie Rabinowitz, un joven que desafía las tradiciones de su devota familia judía . Después de cantar melodías populares en una cervecería al aire libre , su padre, un hazzan (cantor), lo castiga , lo que lleva a Jakie a huir de casa. Algunos años después, ahora llamándose Jack Robin, se ha convertido en un talentoso cantante de jazz , actuando con la cara pintada de negro . Intenta construir una carrera como artista, pero sus ambiciones profesionales finalmente entran en conflicto con las demandas de su hogar y su herencia.
Darryl F. Zanuck ganó un premio honorario de la Academia por producir la película; Alfred A. Cohn fue nominado a Mejor guión (adaptación) en la primera edición de los Premios de la Academia . En 1996, The Jazz Singer fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". En 1998, la película fue elegida en una votación realizada por el American Film Institute como una de las mejores películas estadounidenses de todos los tiempos, ubicándose en el puesto número noventa. Los derechos de autor de la película expiraron el 1 de enero de 2023, cuando todas las obras publicadas en los EE. UU. en 1927 pasaron a ser de dominio público .
El cantor Rabinowitz quiere que su hijo de 13 años, Jacob "Jakie" Rabinowitz, continúe con la tradición familiar que se remonta a generaciones y se convierta en cantor de la sinagoga del gueto judío del Lower East Side de Manhattan . Jakie, en cambio, ha cogido gusto por cantar jazz en la cervecería local . Moisha Yudelson ve al chico y se lo dice al padre de Jakie, quien lo arrastra a casa. Jakie se aferra a su madre, Sara, mientras su padre declara: "¡Le enseñaré algo mejor que degradar la voz que Dios le dio!" Jakie amenaza: "Si me azotas de nuevo, huiré y nunca volveré " . Después de la flagelación, Jakie besa a su madre para despedirse y, fiel a su palabra, huye. En el servicio de Yom Kippur , Rabinowitz le dice tristemente a un compañero celebrante: "Mi hijo iba a estar a mi lado y cantar esta noche, pero ahora no tengo ningún hijo". Mientras se canta el sagrado Kol Nidre , Jakie se escabulle de regreso a casa para recuperar una fotografía de su amada madre.
Unos diez años después, Jakie anglicaniza su nombre y lo convierte en Jack Robin. Jack es llamado desde su mesa en un cabaret para actuar en el escenario (" Dirty Hands, Dirty Face ").
Jack sorprende al público con su enérgica interpretación de " Toot, Toot, Tootsie ". Después, le presentan a la bella Mary Dale, una bailarina de teatro musical. "Hay muchos cantantes de jazz, pero tú tienes lágrimas en la voz", le dice ella, ofreciéndose a ayudarlo con su incipiente carrera. Con su ayuda, Jack finalmente consigue su gran oportunidad: un papel protagonista en el nuevo musical April Follies .
De vuelta en la casa familiar que Jack abandonó hace mucho tiempo, el mayor de los Rabinowitz instruye a un joven estudiante en el arte tradicional del canto. Jack aparece e intenta explicar su punto de vista y su amor por la música moderna, pero el cantor, horrorizado, lo destierra: "No quiero volver a verte nunca más, ¡ cantante de jazz! ". Mientras se va, Jack hace una predicción: "Regresé a casa con el corazón lleno de amor, pero tú no quieres entender. Algún día lo entenderás, igual que mamá".
Dos semanas después de la expulsión de Jack de la casa familiar y 24 horas antes del estreno de April Follies en Broadway, el padre de Jack cae gravemente enfermo. Jack debe elegir entre el espectáculo y su deber hacia su familia y su fe: para poder cantar el Kol Nidre de Yom Kippur en lugar de su padre, tendrá que perderse el gran estreno.
Esa noche, víspera de Yom Kippur, Yudelson les dice a los ancianos judíos: "Por primera vez, no tenemos cantor en el Día de la Expiación". Acostado en su cama, débil y demacrado, el cantor Rabinowitz le dice a Sara que no puede actuar en el más sagrado de los días santos: "Mi hijo vino a mí en mis sueños; cantó Kol Nidre tan hermosamente. Si pudiera cantar así esta noche, seguramente sería perdonado".
Mientras Jack se prepara para un ensayo general aplicándose maquillaje de cara negra , él y Mary hablan sobre sus aspiraciones profesionales y las presiones familiares que acuerdan que debe resistir. Sara y Yudelson llegan al camerino de Jack para pedirle que vaya con su padre y cante en su lugar. Jack está dividido. Realiza su actuación con la cara pintada de negro ("Mother of Mine, I Still Have You"), y Sara ve a su hijo en el escenario por primera vez. Tiene una revelación entre lágrimas: "Él pertenece a este lugar. Si Dios lo hubiera querido en su casa, lo habría mantenido allí. Ya no es mi hijo, ahora pertenece al mundo entero".
Después, Jack regresa a la casa de los Rabinowitz. Se arrodilla junto a la cama de su padre y ambos conversan con cariño: "Hijo mío, te amo". Sara sugiere que podría ayudar a sanar a su padre si Jack ocupa su lugar en el servicio de Yom Kippur. Mary llega con el productor, quien advierte a Jack que nunca volverá a trabajar en Broadway si no aparece en la noche del estreno. Jack no puede decidirse. Mary lo desafía: "¿Estabas mintiendo cuando dijiste que tu carrera estaba por encima de todo? ". Jack no está seguro de si puede reemplazar a su padre: "No he cantado Kol Nidre desde que era un niño pequeño". Su madre le dice: "Haz lo que esté en tu corazón, Jakie; si cantas y Dios no está en tu voz, tu padre lo sabrá". El productor engatusa a Jack: "¡Eres un cantante de jazz de corazón!" .
En el teatro, al público de la noche de estreno se le dice que no habrá función. Jack canta el Kol Nidre en lugar de su padre. Su padre escucha desde su lecho de muerte la ceremonia que se está celebrando y pronuncia sus últimas palabras de perdón: "Mamá, tenemos de nuevo a nuestro hijo". El espíritu del padre de Jack se muestra a su lado en la sinagoga. Mary ha venido a escuchar. Ve cómo Jack ha reconciliado la división de su alma: "un cantante de jazz que canta a su Dios".
"La temporada pasa y el tiempo cura, el espectáculo continúa". Jack, como "El cantante de jazz", se presenta ahora en el teatro Winter Garden, aparentemente como el artista principal que abre un espectáculo llamado Back Room . En la primera fila del teatro repleto, su madre se sienta junto a Yudelson. Jack, con la cara pintada de negro, canta la canción " My Mammy " para ella y para el mundo.
El 25 de abril de 1917, Samson Raphaelson , oriundo del Lower East Side de la ciudad de Nueva York y estudiante de la Universidad de Illinois, asistió a una representación del musical Robinson Crusoe, Jr. en Champaign, Illinois . La estrella del espectáculo fue un cantante de treinta años, Al Jolson , un judío nacido en Lituania que actuó con la cara pintada de negro. [4] En una entrevista de 1927, Raphaelson describió la experiencia: "Nunca olvidaré los primeros cinco minutos de Jolson: su velocidad, la asombrosa fluidez con la que pasaba de una tremenda absorción en su audiencia a una tremenda absorción en su canción". Explicó que había visto una intensidad emocional como la de Jolson solo entre los cantores de sinagoga. [4]
Unos años más tarde, en pos de una carrera literaria profesional, Raphaelson escribió "El día de la expiación", un cuento sobre un joven judío llamado Jakie Rabinowitz, basado en la vida real de Jolson. La historia fue publicada en enero de 1922 en Everybody's Magazine . [5] Más tarde, Raphaelson adaptó la historia a una obra de teatro, The Jazz Singer . Un drama puro, en el que todo el canto en la versión de Raphaelson tiene lugar fuera del escenario. [6] Con George Jessel en el papel principal, el espectáculo se estrenó en el Warner Theatre de Times Square en septiembre de 1925 y se convirtió en un éxito. [7] Warner Bros. adquirió los derechos cinematográficos de la obra el 4 de junio de 1926 y firmó un contrato con Jessel. [8] The Moving Picture World publicó una historia en febrero de 1927 anunciando que la producción de la película comenzaría con Jessel el 1 de mayo. [9]
Pero los planes de hacer la película con Jessel fracasarían por múltiples razones. El contrato de Jessel con Warner Bros. no había previsto que la película para la que lo habían contratado especialmente se hiciera con sonido (había hecho una comedia muda de presupuesto modesto en el ínterin). Cuando Warner tuvo éxitos con dos largometrajes de Vitaphone , aunque sin diálogos, a finales de 1926, la producción de The Jazz Singer había sido repensada. [8] Jessel pidió una bonificación o un nuevo contrato, pero fue rechazado. Según la descripción de Jessel en su autobiografía, Harry Warner "estaba pasando por un momento difícil con la financiación de la empresa... Habló de cuidar de mí si la película era un éxito. No sentí que eso fuera suficiente". [10] De hecho, a principios de 1927, Harry Warner, el mayor de los hermanos que dirigían el estudio homónimo, había vendido 4 millones de dólares de sus acciones personales para mantener solvente al estudio. [8] Luego vino otro problema importante. Según Jessel, una primera lectura de la adaptación del guionista Alfred A. Cohn "me hizo enfadar. En lugar de que el chico abandonara el teatro y siguiera las tradiciones de su padre cantando en la sinagoga, como en la obra, la imagen lo mostraba de regreso al Winter Garden como un comediante con la cara pintada de negro, mientras su madre aplaudía frenéticamente en el palco. Provoqué un escándalo. Con dinero o sin dinero, no haría algo así". [11]
Según el actor Eddie Cantor , mientras las negociaciones entre Warner Bros. y Jessel fracasaban, Jack L. Warner y el jefe de producción del estudio, Darryl Zanuck , lo llamaron para ver si estaba interesado en el papel. Cantor, un amigo de Jessel, respondió que estaba seguro de que cualquier diferencia con el actor podría resolverse y ofreció su ayuda. [12] Cantor no fue invitado a participar en las conversaciones con Jessel; en cambio, el papel se le ofreció a Jolson, quien lo había inspirado en primer lugar. Al describir a Jolson como la mejor opción de la producción para su estrella, el historiador de cine Donald Crafton escribió: "El artista, que cantaba números de juglar con jazz con la cara pintada de negro, estaba en la cima de su fenomenal popularidad. Anticipándose al estrellato posterior de los cantantes melódicos y las estrellas del rock, Jolson electrizó al público con la vitalidad y el atractivo sexual de sus canciones y gestos, que debían mucho a las fuentes afroamericanas". [13] Como lo describe el historiador de cine Robert L. Carringer, "Jessel era un comediante de vodevil y maestro de ceremonias con una obra exitosa y una película de éxito moderado en su haber. Jolson era una superestrella". [14] Jolson aceptó el papel, firmando un contrato de $75,000 el 26 de mayo de 1927, por ocho semanas de servicios a partir de julio. [15] Ha habido varias afirmaciones, pero ninguna prueba, de que Jolson haya invertido parte de su propio dinero en la película. [16] Jessel y Jolson, también amigos, no se hablaron durante algún tiempo después: por un lado, Jessel había estado confiando sus problemas con los Warner a Jolson; por otro, Jolson había firmado con ellos sin decirle a Jessel sus planes. En su autobiografía, Jessel escribió que, al final, Jolson "no debe ser culpado, ya que los Warner definitivamente habían decidido que yo estaba fuera". [17]
Aunque muchas películas sonoras anteriores tenían diálogos, todas eran temas cortos. El largometraje Dream Street (1921) de D. W. Griffith se mostró en Nueva York con una sola secuencia de canto y ruidos de la multitud, utilizando el sistema de sonido en disco Photokinema . La película fue precedida por un programa de cortos sonoros, incluida una secuencia con Griffith hablando directamente a la audiencia, pero el largometraje en sí no tenía escenas habladas. [18] El 15 de abril de 1923, Lee De Forest presentó el sistema de sonido en película Phonofilm , que tenía sonido y diálogo sincronizados, pero la calidad del sonido era deficiente y las películas producidas en este proceso eran solo cortometrajes. [19]
Las primeras películas de Warner Bros. Vitaphone, Don Juan (estreno en agosto de 1926) y The Better 'Ole (estreno en octubre de 1926), al igual que tres más que siguieron a principios de 1927 ( When a Man Loves , Old San Francisco y The First Auto ), solo tenían una banda sonora instrumental sincronizada y efectos de sonido. The Jazz Singer contiene esos efectos, así como numerosas secuencias de canto sincronizado y algunos diálogos sincronizados: dos melodías populares son interpretadas por el joven Jakie Rabinowitz, el futuro cantante de jazz; su padre, un cantor, interpreta el devocional Kol Nidre ; el famoso cantor Yossele Rosenblatt , que aparece como él mismo, canta un extracto de otra melodía religiosa, Kaddish , y la canción "Yahrzeit Licht". Como el adulto Jack Robin, Jolson interpreta seis canciones: cinco melodías populares de "jazz" y el Kol Nidre. El sonido de la película fue grabado por el británico George Groves , que también había trabajado en Don Juan . Para dirigir, el estudio eligió a Alan Crosland , que ya tenía dos películas de Vitaphone en su haber: Don Juan y Old San Francisco , que se estrenó mientras The Jazz Singer estaba en producción. [ cita requerida ]
La primera interpretación vocal de Jolson, aproximadamente a los quince minutos de la película, es de " Dirty Hands, Dirty Face ", con música de James V. Monaco y letras de Edgar Leslie y Grant Clarke . El primer discurso sincronizado, pronunciado por Jack ante una multitud de cabaret y ante el pianista de la banda que lo acompaña, ocurre directamente después de esa actuación, comenzando en la marca de 17:25 de la película. Las primeras palabras habladas de Jack - "Espera un minuto, espera un minuto, todavía no has oído nada" - eran un patrón escénico bien establecido de Jolson. Incluso había dicho líneas muy similares en un corto anterior, A Plantation Act (1926). [20] La línea se había convertido prácticamente en una broma interna. En noviembre de 1918, durante un concierto de gala para celebrar el fin de la Primera Guerra Mundial, Jolson subió al escenario entre los aplausos del intérprete precedente, el gran tenor operístico Enrico Caruso , y exclamó: "Amigos, todavía no han oído nada". [21] Al año siguiente, grabó la canción "You Ain't Heard Nothin' Yet". [22] En una escena posterior, Jack habla con su madre, interpretada por Eugenie Besserer , en el salón familiar; su padre entra y pronuncia una palabra muy concluyente: "¡Alto!", la última línea de diálogo de la película.
En total, la película contiene apenas dos minutos de diálogo sincronizado, gran parte o toda improvisada. El resto del diálogo se presenta mediante subtítulos, habituales en las películas mudas de la época; como era habitual, esos títulos no fueron compuestos por el guionista de la película, Alfred Cohn, sino por otro escritor, en este caso, Jack Jarmuth. [23]
Mientras Jolson estaba de gira con un espectáculo teatral durante junio de 1927, la producción de The Jazz Singer comenzó con el rodaje de escenas exteriores por parte de la segunda unidad . A fines de junio, Alan Crosland se dirigió a la ciudad de Nueva York para filmar los exteriores del Lower East Side y el Winter Garden en el lugar. Jolson se unió a la producción a mediados de julio (su contrato especificaba el 11 de julio). El rodaje con Jolson comenzó con sus escenas mudas; las secuencias más complejas de Vitaphone se hicieron principalmente a fines de agosto. [24] Tanto Jolson como Zanuck se atribuirían más tarde el mérito de haber ideado la secuencia de diálogo improvisada entre Jack y su madre; otra historia decía que Sam Warner estaba impresionado por la breve improvisación de Jolson en la escena del cabaret e hizo que Cohn inventara algunas líneas en el momento. [25] El 23 de septiembre, Motion Picture News informó que la producción de la película se había completado. [26]
El costo de producción de The Jazz Singer fue de $422,000 [27] (aproximadamente US$5.96 millones en dólares de 2023), [23] una gran suma, especialmente para Warner Bros., que rara vez gastó más de $250,000. Sin embargo, de ninguna manera fue un récord para el estudio; dos largometrajes protagonizados por John Barrymore habían sido más costosos: The Sea Beast (1926), una adaptación libre y completamente muda de Moby-Dick , por $503,000 y Don Juan por $546,000. [28] No obstante, el desembolso constituyó una apuesta importante a la luz de las dificultades financieras del estudio: mientras The Jazz Singer estaba en producción, Harry Warner dejó de cobrar un salario, empeñó las joyas que pertenecían a su esposa y mudó a su familia a un apartamento más pequeño. [29]
El estreno se produjo el 6 de octubre de 1927 en el teatro insignia de Warner Bros. en la ciudad de Nueva York. En consonancia con el tema de la película, un conflicto dentro de una familia judía, la película se estrenó después del atardecer en vísperas de la festividad de Yom Kippur . [30] La preparación para el estreno fue tensa. Además de la precaria situación financiera de Warner Bros., la presentación física de la película en sí fue notablemente compleja:
Cada uno de los números musicales de Jolson se montó en un carrete separado con un disco de sonido que lo acompañaba. Aunque la película duraba sólo ochenta y nueve minutos... había quince carretes y quince discos que manejar, y el proyeccionista tenía que ser capaz de enhebrar la película y poner en cola los discos de Vitaphone muy rápidamente. El menor tropiezo, vacilación o error humano resultaría en una humillación pública y financiera para la empresa. [31]
Ninguno de los cuatro hermanos Warner [32] pudo asistir: Sam Warner —entre ellos, el más fuerte defensor de Vitaphone— había muerto el día anterior de neumonía, y los hermanos sobrevivientes habían regresado a California para su funeral. [25]
Según Doris Warner, que estaba presente, a mitad de la película empezó a sentir que algo excepcional estaba sucediendo. De repente, el rostro de Jolson apareció en un primer plano y dijo: «¡Espera un minuto, espera un minuto, todavía no has oído nada!». La frase «Espera un minuto» de Jolson provocó una respuesta fuerte y positiva del público, que se quedó estupefacto al ver y oír a alguien hablar en una película por primera vez, tanto que al principio no se entendió el doble sentido. Los aplausos siguieron a cada una de sus canciones. La emoción aumentó y cuando Jolson y Eugenie Besserer comenzaron su escena de diálogo, «el público se puso histérico». [33] Después del espectáculo, el público se convirtió en una «multitud arremolinada y en pugna», según la descripción de un periodista, que gritaba «¡Jolson, Jolson, Jolson!». [31] Entre quienes reseñaron la película, el crítico que previó con más claridad lo que presagiaba para el futuro del cine fue Robert E. Sherwood , de la revista Life . Describió la escena del diálogo hablado entre Jolson y Besserer como "cargada de un tremendo significado... Yo, por mi parte, me di cuenta de repente de que el final del drama mudo está a la vista". [34]
La reacción crítica fue en general, aunque no de forma universal, positiva. El crítico del New York Times Mordaunt Hall , al reseñar el estreno de la película, declaró que
Desde la primera presentación de las funciones Vitaphone, hace más de un año (es decir, Don Juan ), nunca se había oído una ovación como esa en una sala de cine... Las canciones Vitaphoneadas y algunos diálogos se han introducido con gran habilidad. Esto en sí mismo es un paso ambicioso, ya que en la expresión de la canción, el Vitaphone vitaliza enormemente la producción. El diálogo no es tan efectivo, ya que no siempre capta los matices del habla o las inflexiones de la voz, de modo que uno no se da cuenta de los rasgos mecánicos. [35]
Variety la llamó "sin duda lo mejor que Vitaphone ha puesto en la pantalla... [con] abundante poder y atractivo". [36] Richard Watts Jr. del New York Herald Tribune la llamó una "orgía agradablemente sentimental que trata sobre una lucha entre la religión y el arte... [E]sta no es esencialmente una película, sino más bien una oportunidad de capturar para una inmortalidad comparativa la vista y el sonido de un gran intérprete". [31] La opinión del Exhibitors Herald fue prácticamente idéntica: "apenas una película. Debería ser más apropiadamente etiquetada como un disco ampliado de Vitaphone de Al Jolson en media docena de canciones". [25] La película recibió críticas favorables tanto en la prensa judía como en periódicos afroamericanos como el Baltimore Afro-American , el New York Amsterdam News y el Pittsburgh Courier . [37] El titular de la crítica del Los Angeles Times contaba una historia algo diferente: "'Jazz Singer' logra un éxito: Vitaphone y Al Jolson son responsables, se imaginan a sí mismos como de segunda categoría". [38] Photoplay desestimó a Jolson como "un actor de cine que no lo es. Sin su reputación en Broadway no podría considerarse un actor secundario". [34]
La película se convirtió en un gran éxito, demostrando el potencial de ganancias de los largometrajes sonoros , pero Donald Crafton ha demostrado que la reputación que adquirió más tarde la película por ser uno de los éxitos más enormes de Hollywood hasta la fecha fue inflada. La película funcionó bien, pero no de manera sorprendente, en las principales ciudades donde se estrenó por primera vez, obteniendo gran parte de sus impresionantes ganancias con largas y constantes presentaciones en centros de población grandes y pequeños en todo el país. Como la conversión de las salas de cine al sonido todavía estaba en sus primeras etapas, la película llegó a muchos de esos lugares secundarios en una versión muda. Por otro lado, la declaración de Crafton de que The Jazz Singer "estaba en un segundo o tercer nivel de atracciones claramente en comparación con las películas más populares de la época e incluso con otras películas sonoras de Vitaphone" también es incorrecta. [39] De hecho, la película fue fácilmente la que más dinero recaudó en la historia de Warner Bros., y seguiría siéndolo hasta que fue superada un año después por The Singing Fool , otro largometraje de Jolson. En el ámbito más amplio de Hollywood, entre las películas estrenadas originalmente en 1927, la evidencia disponible sugiere que El cantante de jazz estuvo entre los tres mayores éxitos de taquilla, sólo detrás de Wings y, tal vez, El rey de reyes . [A]
Según los registros de Warner Bros, la película obtuvo ingresos de $1,974,000 en los Estados Unidos y Canadá, [40] y $651,000 en otros lugares, [1] para un alquiler bruto en salas de cine a nivel mundial de aproximadamente $2.6 millones (la parte del estudio de la recaudación de taquilla) y una ganancia de $1,196,750. [23]
Una de las claves del éxito de la película fue un innovador plan de marketing ideado por Sam Morris, director de ventas de Warner Bros. En la descripción de Crafton:
[Una] cláusula especial en el contrato de exhibición Vitaphone de Warners prácticamente garantizaba largas temporadas. Los cines tenían que reservar The Jazz Singer para semanas completas en lugar de semanas divididas. En lugar de la tarifa plana tradicional de alquiler, Warners se quedaba con un porcentaje de la taquilla. Una escala móvil significaba que la recaudación del exhibidor aumentaba cuanto más tiempo se retenía la película. La firma de este contrato por parte del circuito de cines Fox de Nueva York se consideró un precedente que sentó titulares. [27]
Acuerdos similares, basados en un porcentaje de las ganancias brutas en lugar de tarifas fijas de alquiler, pronto se convertirían en estándar para los productos de alta gama o "A" de la industria cinematográfica estadounidense.
Aunque en retrospectiva se entiende que el éxito de El cantante de jazz marcó el fin de la era del cine mudo , esto no fue evidente de inmediato. Mordaunt Hall, por ejemplo, elogió a Warner Bros. por "comprender astutamente que una concepción cinematográfica de El cantante de jazz era uno de los pocos temas que se prestaban al uso del Vitaphone". [35] En palabras del historiador Richard Koszarski, "las películas mudas no desaparecieron de la noche a la mañana, ni las películas sonoras inundaron inmediatamente los cines... Sin embargo, 1927 sigue siendo el año en que Warner Bros. decidió cerrar el libro de la historia del cine mudo, incluso si su objetivo original había sido algo más modesto". [41]
La película tuvo otros efectos más inmediatos. George Jessel, que estaba en su tercera temporada de gira con la producción teatral de El cantante de jazz , describió más tarde lo que le sucedió a su espectáculo, tal vez anticipando cómo el sonido pronto consolidaría el dominio de Hollywood en la industria del entretenimiento estadounidense: "Una semana o dos después del compromiso en Washington, la versión con sonido e imagen de El cantante de jazz con Al Jolson estaba arrasando en el país, y me quedé sin negocio. No podía competir con un cine al otro lado de la calle que proyectaba la primera gran película sonora del mundo... por cincuenta centavos, mientras que el precio en mi cine era de $3,00". [42]
Como el evento verdaderamente crucial, Crafton señala el estreno nacional de la versión sonora de la película a principios de 1928, que data de enero de [27] Block y Wilson del 4 de febrero. [23] En marzo, Warners anunció que The Jazz Singer se proyectaría en un récord de 235 cines (aunque muchos todavía podían mostrarla solo en silencio). [27] En mayo, un consorcio que incluía a los principales estudios de Hollywood firmó con la división de licencias de Western Electric , ERPI, para la conversión de sonido. En julio, Warner Bros. lanzó el primer largometraje hablado, Lights of New York , un melodrama musical sobre crímenes.
El 27 de septiembre, El cantante de jazz se convirtió en la primera película sonora de larga duración que se exhibió en Europa cuando se estrenó en el Piccadilly Theatre de Londres . La película "causó sensación", según la historiadora de cine británica Rachael Low . " El cantante de jazz fue un punto de inflexión [para la introducción del sonido]. El Bioscope la recibió con un "tendemos a preguntarnos por qué las llamamos películas vivientes"". [43] El estreno sonoro en París tuvo lugar en enero de 1929. [44]
Antes de que se celebrara la primera ceremonia de los Premios Óscar en mayo de 1929, en la que se honraban las películas estrenadas entre agosto de 1927 y julio de 1928, The Jazz Singer fue declarada no elegible para los dos premios principales ( el de Mejor Película, Producción y el de Producción Artística y Única ) sobre la base de que habría sido una competencia desleal para las películas mudas en consideración. [23] A mediados de 1929, Hollywood estaba produciendo casi exclusivamente películas sonoras; a finales del año siguiente, lo mismo sucedía en gran parte de Europa occidental. Jolson pasó a hacer una serie de películas para Warners, entre ellas The Singing Fool , una película parcialmente hablada, y las películas totalmente habladas Say It with Songs (1929), Mammy (1930) y Big Boy (1930).
El uso de la cara pintada de negro por parte de Jack Robin en su actuación en Broadway (una práctica común en aquella época, que ahora se condena ampliamente como racista [45] ) es el foco principal de muchos estudios sobre Jazz Singer . Su papel crucial e inusual es descrito por el académico Corin Willis:
En contraste con los chistes y las insinuaciones raciales que se hicieron patentes en su posterior persistencia en el cine sonoro temprano, las imágenes de caras pintadas de negro en El cantante de jazz están en el centro del tema central de la película, una exploración expresiva y artística de la noción de duplicidad e hibridez étnica dentro de la identidad estadounidense. De los más de setenta ejemplos de caras pintadas de negro en el cine sonoro temprano de 1927-53 que he visto (incluidas las nueve apariciones posteriores de Jolson), El cantante de jazz es única en el sentido de que es la única película en la que las caras pintadas de negro son centrales para el desarrollo narrativo y la expresión temática. [46]
La función y el significado de la cara pintada de negro en la película están íntimamente relacionados con la herencia judía de Jack y su deseo de dejar su huella en la cultura estadounidense de masas, de forma muy similar a como lo hacían Jolson y los hermanos Warner, étnicamente judíos. Jack Robin "combina tradición y estrellato. La tesis de los hermanos Warner es que, para triunfar, un hombre debe reconocer primero su identidad étnica", sostiene WT Lhamon. "Toda la película se desarrolla hacia la escena en la que Jack Robin se pinta la cara de negro en el ensayo general. Jack Robin necesita la máscara de cara pintada de negro como la agencia de su identidad compuesta. La máscara de cara pintada de negro mantendrá unidas todas las identidades sin congelarlas en una relación singular ni reemplazar sus partes". [47]
La opinión de Seymour Stark es menos optimista. Al describir la amplia experiencia de Jolson en el teatro musical con la cara pintada de negro, afirma: "El inmigrante judío como estrella de Broadway... trabaja dentro de una tradición de juglares de cara pintada de negro que oscurece su pedigrí judío, pero proclama su identidad blanca. El ligero acento yiddish de Jolson estaba oculto por un barniz sureño". [48] Sosteniendo que El cantante de jazz en realidad evita abordar honestamente la tensión entre la asimilación estadounidense y la identidad judía, afirma que su "mensaje encubierto... es que el símbolo de la cara pintada de negro proporciona al inmigrante judío los mismos derechos y privilegios concedidos a las generaciones anteriores de inmigrantes europeos iniciados en los rituales del espectáculo de juglares". [49]
Lisa Silberman Brenner contradice esta opinión y vuelve a las intenciones expresadas por Samson Raphaelson, en cuya obra se basó estrechamente el guión de la película: "Para Raphaelson, el jazz es oración al estilo americano, y el trovador de cara pintada de negro, el nuevo cantor judío. Basándose en las propias palabras del autor, la obra trata del uso de caras pintadas de negro como medio para que los judíos expresen un nuevo tipo de judaísmo, el del judío americano moderno". [50] Observa que durante el mismo período, la prensa judía observaba con orgullo que los intérpretes judíos estaban adoptando aspectos de la música afroamericana.
Según Scott Eyman , la película "marca una de las pocas ocasiones en las que los judíos de Hollywood se permitieron contemplar su propio mito cultural central y los enigmas que lo acompañan. El cantante de jazz celebra implícitamente la ambición y el impulso necesarios para escapar de los shtetls de Europa y los guetos de la ciudad de Nueva York, y el hambre de reconocimiento que conlleva. Jack, Sam y Harry [Warner] dejaron que Jack Robin lo tuviera todo: la satisfacción de ocupar el lugar de su padre y de conquistar el Winter Garden. Estaban, tal vez sin darse cuenta, dramatizando parte de su propia ambivalencia sobre la deuda que los estadounidenses de primera generación tenían con sus padres". [51]
Se produjeron tres versiones cinematográficas posteriores de The Jazz Singer : una nueva versión de 1952 , protagonizada por Danny Thomas y Peggy Lee ; [52] una nueva versión televisiva de 1959 , protagonizada por Jerry Lewis ; y una nueva versión de 1980 protagonizada por Neil Diamond , Lucie Arnaz y Laurence Olivier . [53] The Jazz Singer fue adaptada como una obra de radio de una hora en dos emisiones de Lux Radio Theatre , ambas protagonizadas por Al Jolson, repitiendo su papel en la pantalla. La primera se emitió el 10 de agosto de 1936; la segunda, también protagonizada por Gail Patrick , el 2 de junio de 1947. [54]
El cantante de jazz fue parodiado ya en 1936, en la caricatura de Warner Bros. I Love to Singa , dirigida por Tex Avery . Su héroe es "Owl Jolson", un joven búho que canta cancioncillas populares, como la canción principal, en contra de los deseos de su padre, un profesor de música clásica. [55] Entre las muchas referencias a El cantante de jazz en la cultura popular, quizás la más significativa sea la del musical de MGM Cantando bajo la lluvia (1952). La historia, ambientada en 1927, gira en torno a los esfuerzos por convertir una producción cinematográfica muda, The Dueling Cavalier , en una película sonora en respuesta al éxito de El cantante de jazz . En un momento dado, el personaje de Donald O'Connor sugiere un nuevo nombre para el ahora musical, "¡Lo tengo! 'The Dueling Mammy'". La trama del episodio de Los Simpson " De tal palo, tal payaso " (1991) es paralela a la historia de Jakie Rabinowitz/Jack Robin. [56] El padre rabino de Krusty el Payaso desaprueba la decisión de su hijo de ser comediante y le dice: "¡Has traído vergüenza a nuestra familia! Oh, si fueras músico o cantante de jazz, esto podría perdonarte". [57]
Según el historiador de cine Krin Gabbard, The Jazz Singer "ofrece la narrativa básica de las vidas del jazz y de los músicos populares en las películas. Si este argumento significa que en algún momento después de 1959 la narrativa debe pertenecer a los rockeros pop, solo prueba el poder de la película original de 1927 para determinar cómo Hollywood cuenta las historias de los músicos populares". [58] En términos más generales, también sugiere que esta "película aparentemente única" se ha "convertido en un paradigma de las historias de éxito estadounidenses". [59] Más específicamente, examina un ciclo de películas biográficas de músicos de jazz blancos que se extienden desde Birth of the Blues (1941) hasta The Five Pennies (1959) que tienen sus raíces en The Jazz Singer . [60]
En 1996, The Jazz Singer fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Películas de Cine como una de las películas "cultural, histórica o estéticamente significativas". [61] En 1998, la película fue elegida en una votación realizada por el American Film Institute como una de las mejores películas estadounidenses de todos los tiempos, ubicándose en el puesto número noventa. [62] En 2007, se lanzó una edición de lujo en DVD de tres discos de la película. El material complementario incluye el corto de Jolson para Vitaphone, A Plantation Act (1926).
La frase de Al Jolson, "Espera un minuto, espera un minuto. ¡Todavía no has oído nada!", fue votada como la 71.ª mejor cita por el American Film Institute .
