Cuadros de una exposición [a] es una suite para piano en diez movimientos, más un tema recurrente y variado de Paseo, escrita en 1874 por el compositor ruso Modest Mussorgsky . Es una representación musical de una gira por una exposición de obras del arquitecto y pintor Viktor Hartmann que se realizó en la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo , tras su repentina muerte el año anterior. Cada movimiento de la suite está basado en una obra individual, algunas de las cuales se han perdido.
La composición se ha convertido en una obra maestra para pianistas virtuosos y se hizo ampliamente conocida a partir de orquestaciones y arreglos producidos por otros compositores y músicos contemporáneos, siendo la adaptación para orquesta de Maurice Ravel de 1922 la más grabada e interpretada. La suite, en particular el movimiento final, "Las puertas del héroe", es considerada una de las mejores obras de Músorgski.
La composición está basada en cuadros del artista, arquitecto y diseñador Viktor Hartmann . Probablemente fue en 1868 cuando Músorgski conoció a Hartmann, poco después de que este regresara a Rusia desde el extranjero. Ambos hombres se dedicaban a la causa de un arte intrínsecamente ruso y rápidamente se hicieron amigos. Probablemente se conocieron en la casa del influyente crítico Vladimir Stasov , que siguió con interés la carrera de ambos. Según el testimonio de Stasov, en 1868, Hartmann le dio a Músorgski dos de los cuadros que más tarde formaron la base de Cuadros de una exposición . [1] En 1870, Músorgski dedicó la segunda canción ("En el rincón") del ciclo La guardería a Hartmann. Stasov comentó que a Hartmann le encantaban las composiciones de Músorgski, y que le gustaba especialmente la "Escena junto a la fuente" de su ópera Boris Godunov . Mussorgsky había abandonado la escena en su versión original de 1869, pero a petición de Stasov y Hartmann, la reelaboró para el Acto 3 en su revisión de 1872. [2]
Los años 1873-74 están asociados con la puesta en escena de Boris Godunov , el cenit de la carrera de Músorgski como compositor, al menos desde el punto de vista de la aclamación del público. El pariente lejano de Músorgski, amigo y compañero de habitación durante este período, Arseniy Golenishchev-Kutuzov , al describir el estreno de la ópera en enero de 1874, comentó: "Durante el invierno, creo que hubo nueve representaciones, y cada vez que el teatro estaba lleno, cada vez el público clamaba tumultuosamente por Músorgski". [3] La victoria del compositor, sin embargo, se vio ensombrecida por la prensa hostil que recibió de los críticos. Otras circunstancias conspiraron para empañar el ánimo de Músorgski. La desintegración de El puñado poderoso y su incapacidad para comprender sus objetivos artísticos contribuyeron al aislamiento que experimentó como un extraño en el mundo musical de San Petersburgo. Golenishchev-Kutuzov escribió: "El estandarte [del Puñado Poderoso] lo sostenía solo Mussorgsky; todos los demás miembros lo habían abandonado y habían seguido su propio camino..." [4]
La repentina muerte de Hartmann el 4 de agosto de 1873 a causa de un aneurisma sacudió a Músorgski junto con otros en el mundo artístico de Rusia. La pérdida del artista, de tan solo 39 años, sumió al compositor en una profunda desesperación. Stasov ayudó a organizar una exposición conmemorativa de más de 400 obras de Hartmann en la Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo en febrero y marzo de 1874. Músorgski prestó a la exposición los dos cuadros que Hartmann le había regalado y vio la muestra en persona. Más tarde, en junio, cuando había completado dos tercios de la composición de su ciclo de canciones Sin sol , Músorgski se inspiró para componer Cuadros de una exposición , completando rápidamente la partitura en tres semanas (del 2 al 22 de junio de 1874). [5] En una carta a Stasov (ver foto), probablemente escrita el 12 de junio de 1874, describe su progreso:
Mi querido generalísimo, Hartmann está hirviendo como Boris ; los sonidos y las ideas flotan en el aire, yo trago saliva y como en exceso y apenas logro garabatearlas en el papel. Estoy escribiendo el n.° 4; las transiciones son buenas (en el «paseo»). Quiero trabajar más rápido y con más regularidad. Mi fisonomía se puede ver en los interludios. Hasta ahora creo que está bien hecha... [6]
La música describe su recorrido por la exposición, y cada uno de los diez números de la suite sirve como ilustración musical de una obra individual de Hartmann. [7]
Cinco días después de terminar la composición, escribió en la portada del manuscrito un homenaje a Vladimir Stasov, a quien está dedicada la obra. Un mes después, añadió una indicación de que tenía intención de publicarla. [8]
Golenishchev-Kutuzov ofrece el siguiente relato (quizás parcial) [9] de la recepción de la obra entre los amigos y colegas de Mussorgsky y una explicación de su fracaso en llevar adelante sus planes de publicarla:
Pronto, con la composición de las ilustraciones musicales para los Cuadros de una exposición del arquitecto Hartmann, alcanzó la cumbre de ese radicalismo musical a cuyas «nuevas orillas» y a cuyas «insondables profundidades» lo habían empujado con tanta diligencia los admiradores de sus «Peepshows» y «Savishnas». En la música de estas ilustraciones, como las llamaba Mussorgsky, representó [pollitos], niños, Baba Yaga en su casa de madera sobre patas de gallina, catacumbas, puertas e incluso carros traqueteantes. Todo esto no lo hizo en broma, sino «en serio».
El entusiasmo mostrado por sus devotos no tenía fin; pero muchos de los amigos de Mussorgsky, por otra parte, y especialmente los camaradas compositores, estaban seriamente desconcertados y, al escuchar la «novedad», meneaban la cabeza con perplejidad. Naturalmente, Mussorgsky notó su desconcierto y pareció sentir que «había ido demasiado lejos». Dejó de lado las ilustraciones sin siquiera intentar publicarlas. Mussorgsky se dedicó exclusivamente a Khovanshchina . [10]
En agosto, Mussorgsky completó las dos últimas canciones de Sin sol y luego reanudó el trabajo en Khovanshchina , componiendo el preludio del Acto 1 ("Amanecer en el río Moscú") en septiembre.
Como ocurre con la mayoría de las obras de Mussorgsky, la historia de publicación de Cuadros de una exposición es complicada. Aunque se compuso muy rápidamente, en junio de 1874, la obra no apareció impresa hasta 1886, cinco años después de la muerte del compositor, cuando se publicó una edición a cargo de Nikolai Rimsky-Korsakov, amigo y colega del compositor . Sin embargo, esta edición no era una representación completamente exacta de la partitura de Mussorgsky, sino que presentaba un texto revisado que contenía una serie de errores y malas interpretaciones.
Recién en 1931, coincidiendo con el 50 aniversario de la muerte del compositor, se publicó Cuadros de una exposición en una edición académica en concordancia con su manuscrito, para ser incluida en el Volumen 8 de MP Mussorgsky: Obras completas de Pavel Lamm (1939).
En 1940, el compositor italiano Luigi Dallapiccola publicó una importante edición crítica de la obra de Mussorgsky con amplios comentarios.
El manuscrito escrito a mano de Mussorgsky fue publicado en facsímil en 1975.
Mussorgsky basó su material musical en dibujos y acuarelas de Hartmann realizados principalmente durante los viajes del artista al extranjero, entre los que se incluyen Italia, Francia, Polonia, Rusia y Ucrania. Hoy en día, la mayoría de las imágenes de la exposición de Hartmann se han perdido, por lo que en muchos casos es imposible estar seguro de qué obras de Hartmann tenía en mente Mussorgsky.
El crítico de arte Alfred Frankenstein hizo una reseña de Hartmann, con reproducciones de sus cuadros, en el artículo "Victor Hartmann y Modeste Mussorgsky" en The Musical Quarterly (julio de 1939). [11] Frankenstein afirmó haber identificado siete cuadros por número de catálogo, correspondientes a:
Las obras supervivientes que se puede demostrar con certeza que fueron utilizadas por Mussorgsky para montar su suite, junto con sus títulos, son las siguientes: [1]
Nota: Mussorgsky poseía las dos imágenes que inspiraron juntas el nº 6, las llamadas "Dos judíos". El título del nº 6b, tal como lo proporcionaron los editores soviéticos de sus cartas, es Сандомирский [еврей] ( Sandomirskiy [yevrey] o Sandomierz [judío] ). La palabra yevrey ( literalmente "hebreo") entre corchetes es la forma depurada de la palabra real en el título, muy probablemente el epíteto despectivo жид ( zhid o yid ). [12]
El programa de Vladimir Stasov , identificado a continuación, [13] y las seis imágenes conocidas existentes sugieren que las diez piezas que componen la suite corresponden a once imágenes de Hartmann, de las cuales "Samuel Goldenberg und Schmuÿle" son dos. Los cinco paseos no están numerados con las diez imágenes y consisten en el manuscrito del compositor de dos movimientos titulados y tres interludios sin título adjuntos a la primera, segunda y cuarta imágenes. [14]
Mussorgsky vincula los movimientos de la suite de una manera que describe el propio progreso del espectador a través de la exposición. Dos movimientos de Promenade se erigen como portales a las secciones principales de la suite. Su ritmo regular y métrica irregular representan el acto de caminar. Tres interludios sin título presentan declaraciones más breves de este tema , variando el estado de ánimo, el color y la tonalidad en cada uno para sugerir la reflexión sobre una obra recién vista o la anticipación de una nueva obra vislumbrada. La obra en las "Catacumbas" da un giro cuando el tema de Promenade deja de funcionar como un mero dispositivo de enlace y se convierte, en "Cum mortuis", en un elemento integral del propio movimiento. El tema alcanza su apoteosis en el final de la suite, "Las puertas del Bogatyr".
Los dos primeros movimientos de la suite —uno grandioso y otro grotesco— encuentran contrapartes reflejadas y apoteosis al final. La suite traza un viaje que comienza en una exposición de arte, pero la línea entre el observador y lo observado se desvanece en las Catacumbas, cuando el viaje adquiere un carácter diferente.
La siguiente tabla muestra el orden de los movimientos.
Comentario de Vladimir Stasov : En esta pieza, Mussorgsky se representa a sí mismo "deambulando por la exposición, ahora lentamente, ahora a paso rápido para acercarse a un cuadro que había atraído su atención, y a veces con tristeza, pensando en su amigo fallecido".
La pieza tiene ritmos simples y fuertes en compás asimétrico . El tema del paseo se muestra a continuación:
Comentario de Stasov: "Un boceto que representa a un pequeño gnomo, corriendo torpemente con las piernas torcidas".
Se cree que el boceto de Hartmann, hoy perdido, representa el diseño de un cascanueces con dientes grandes. La música, con ritmos contrastantes y paradas y arranques frecuentes, sugiere los movimientos del gnomo.
Una declaración plácida de la melodía del paseo representa al espectador caminando de una exhibición a la siguiente.
Comentario de Stasov: "Un castillo medieval ante el cual un trovador canta una canción".
Se cree que este movimiento está basado en una representación en acuarela de un castillo italiano y está representado en la orquestación de Ravel por un dúo de fagot y saxofón alto . Hartmann solía colocar figuras humanas adecuadas en sus representaciones arquitectónicas para sugerir escala. [15]
Otra breve exposición de la melodía del paseo (8 compases) le otorga más extroversión y peso que antes.
Comentario de Stasov: "Una avenida en el jardín de las Tullerías, con un enjambre de niños y enfermeras".
El cuadro de Hartmann del Jardín de las Tullerías, cerca del Louvre en París (Francia), se ha perdido. Es probable que el artista añadiera figuras de niños peleándose y jugando en el jardín para darle más escala (véase la nota sobre el n.° 2 más arriba).
El movimiento está elaborado en forma ternaria compuesta integralmente (ABA).
Comentario de Stasov: "Un carro polaco sobre ruedas enormes, tirado por bueyes".
El movimiento está compuesto en forma ternaria (ABA) con coda. La versión para piano original de Mussorgsky de este movimiento comienza en fortissimo ( ff ), lo que sugiere que el viaje de la carreta de bueyes comienza en el primer plano del oyente. Después de alcanzar un clímax ( con tutta forza ), la marcación dinámica es abruptamente piano (compás 47), seguida de un diminuendo hasta un pianississimo final ( ppp ), lo que sugiere que la carreta de bueyes se aleja en la distancia. La edición de Rimsky-Korsakov , y los arreglos basados en ella, como los de Ravel, comienzan tranquilamente, aumentan gradualmente ( crescendo ) hasta fortissimo y luego experimentan un diminuendo , lo que sugiere que la carreta de bueyes se acerca, pasa al oyente y luego se aleja.
Una presentación reflexiva de 10 compases sobre el tema del paseo .
Comentario de Stasov: "Diseño de Hartmann para la decoración de una escena pintoresca del ballet Trilby ".
Gerald Abraham proporciona los siguientes detalles: " Trilby o El demonio del brezo , un ballet con coreografía de Petipa , música de Julius Gerber y decoración de Hartmann, basado en Trilby o El duende de Argyle de Charles Nodier , se representó en el Teatro Bolshoi de San Petersburgo en 1871. Los polluelos eran polluelos de canario". [16]
El movimiento está escrito en forma ternaria (ABA) con una repetición literal y una extensión concisa ( coda ).
Comentario de Stasov: "Dos judíos: ricos y pobres" (ruso: Два еврея: богатый и бедный )
El título explicativo de Stasov aclara los nombres personales utilizados en el manuscrito original de Mussorgsky. Las versiones publicadas muestran varias combinaciones, como "Dos judíos polacos, rico y pobre (Samuel Goldenberg y Schmuyle)". Se cree que el movimiento se basa en dos retratos diferentes que se conservan.
El uso de intervalos de segunda aumentada se aproxima a los modos judíos como la escala dominante frigia . El movimiento está en forma ternaria A – B – A+B :
Una repetición casi compás por compás del paseo inicial. Las diferencias son leves: segunda mitad condensada, acordes en bloque expresados con más plenitud. Estructuralmente, el movimiento actúa como una repetición, ofreciendo a los oyentes otra audición del material inicial antes de que éste se desarrolle en la segunda mitad de la suite.
Muchos arreglos, incluida la versión orquestal de Ravel, omiten este movimiento.
Comentario de Stasov: "Mujeres francesas peleándose violentamente en el mercado".
Limoges es una ciudad del centro de Francia. Mussorgsky proporcionó originalmente dos párrafos en francés que describían una discusión en el mercado (la "gran noticia"), pero posteriormente los tachó del manuscrito.
El movimiento es un scherzo en forma ternaria (ABA) compuesta de principio a fin. Una coda rápida conduce sin interrupción al siguiente movimiento.
Comentario de Stasov: "Hartmann se representó a sí mismo examinando las catacumbas de París a la luz de una linterna".
El movimiento se compone de dos partes bien diferenciadas. Sus dos secciones consisten en un Largo casi estático, compuesto por una secuencia de acordes en bloque con líneas elegíacas que añaden un toque de melancolía, y un Andante más fluido y sombrío que introduce el tema del Paseo en la escena.
Los acordes fuertes y suaves que alternan en la primera sección evocan la grandeza, la quietud y el eco de las catacumbas. La segunda sección sugiere una fusión entre el observador y la escena a medida que el observador desciende a las catacumbas . El manuscrito de Mussorgsky de "Catacumbas" (que se muestra a la derecha) muestra dos notas escritas a lápiz, en ruso: "NB - Texto en latín: Con los muertos en una lengua muerta" y, a lo largo del margen derecho, "¡Bien puede ser en latín! El espíritu creativo del muerto Hartmann me conduce hacia las calaveras, las invoca; las calaveras comienzan a brillar suavemente".
Comentario de Stasov: "El dibujo de Hartmann mostraba un reloj con la forma de la cabaña de Baba Yaga sobre patas de gallina. Mussorgsky añadió el vuelo de la bruja en un mortero ".
Un scherzo marcado como Feroce con una sección central más lenta. Los motivos de este movimiento evocan las campanas de un gran reloj y los sonidos vertiginosos de una persecución. Estructuralmente, el movimiento refleja las cualidades grotescas de "Gnomus" a gran escala.
El movimiento está fundido en forma ternaria (ABA):
La coda conduce sin interrupción al movimiento final de la suite.
Comentario de Stasov: "El boceto de Hartmann fue su diseño para las puertas de la ciudad de Kiev en el antiguo estilo ruso masivo con una cúpula en forma de casco eslavo".
Los bogatyrs son héroes que aparecen en las epopeyas rusas llamadas bylinas . Hartmann diseñó una puerta monumental para el zar Alejandro II para conmemorar la salvación del monarca de un intento de asesinato el 4 de abril de 1866. Hartmann consideró que su diseño era el mejor trabajo que había hecho. Su diseño ganó el concurso nacional, pero los planes para construir la estructura fueron cancelados más tarde.
El gran tema principal del movimiento exalta el Paseo inicial de forma muy similar a como "Baba Yaga" amplificó "Gnomus"; también, como ese movimiento, equilibra el compás de su contraparte anterior. El solemne tema secundario se basa en un himno bautismal del repertorio del canto ortodoxo ruso .
El movimiento se presenta como un amplio rondó en dos secciones principales: ABAB–CADA. La primera mitad del movimiento establece la expectativa de un patrón ABABA. La interrupción de este patrón con nueva música justo antes de su conclusión esperada le da al resto del movimiento la sensación de una vasta extensión. Esta despedida prolongada actúa como una coda para la suite en su conjunto.
En 2009, el pianista alemán Lars David Kellner publicó la versión original de Gnomus en su álbum Mussorgsky (Enharmonic) como estreno. En 2014, el pianista ruso Andrej Hoteev presentó (en una grabación en CD) una interpretación de "Cuadros de una exposición" basada en manuscritos originales [17] que consultó en la Biblioteca Nacional Rusa en San Petersburgo. [18] Hoteev encontró numerosas discrepancias con las ediciones convencionales de partituras. [19] Él cree que su versión grabada expresa la intención original del compositor. [20] Las desviaciones más importantes están documentadas con ilustraciones de los manuscritos en el folleto del CD que acompaña al álbum. [21]
Existen otras grabaciones notables de Theodore Kuchar , Valery Gergiev , Rafael Kubelík , Fritz Reiner y Riccardo Muti . [22]
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El primer músico que arregló para orquesta los Cuadros de una exposición de Músorgski fue el compositor y director ruso Mijaíl Tushmalov . Sin embargo, su versión (interpretada por primera vez en 1891 y posiblemente producida ya en 1886, cuando era alumno de Rimski-Kórsakov) [23] no incluye la suite completa: solo siete de los diez "cuadros" están presentes, dejando fuera "El gnomo", "Las Tullerías" y "El ganado", y se omiten todos los Paseos, excepto el último, que se utiliza en lugar del primero.
La siguiente orquestación estuvo a cargo del director británico Henry Wood en 1915. Grabó algunas secciones de su arreglo en un par de discos acústicos Columbia de 78 rpm en 1920. Sin embargo, retiró su versión cuando se publicó la orquestación de Maurice Ravel y prohibió todas las interpretaciones públicas en la década de 1930 en deferencia al trabajo de Ravel. El arreglo de Wood también fue grabado por la Orquesta Filarmónica de Londres bajo la dirección de Nicholas Braithwaite y publicado por el sello Lyrita . Se omitieron todos los movimientos de Promenade, excepto el primero, y otros pasajes se recompusieron extensamente. La orquestación de Wood fue descrita una vez por Gordon Jacob como "superior a la de Ravel en pintoresquismo y viveza", [24] con sus campanillas de camello fuera del escenario en "Cattle" y el gran órgano en "The Great Gate of Kyiv".
La primera persona en orquestar la pieza en su totalidad fue el director y violinista nacido en Eslovenia Leo Funtek , quien terminó su versión en 1922 mientras vivía y trabajaba en Finlandia.
La versión de Maurice Ravel , realizada en 1922 por encargo de Serge Koussevitzky , representa un esfuerzo virtuoso de un maestro del color. La orquestación ha demostrado ser la más popular en las salas de conciertos y en los discos.
Ravel omitió el Promenade entre "Samuel Goldenberg y Schmuÿle" y "Limoges" y aplicó licencias artísticas a algunos detalles de dinámica y notación. Sus colores instrumentales (un solo de trompeta para el Promenade inicial, tonos oscuros de instrumentos de viento de madera para pasajes que sugieren canto ortodoxo , el flautín y las cuerdas agudas para los "pollitos en cascarones" de los niños) son ampliamente admirados. La influencia de la versión de Ravel a menudo se puede percibir en versiones posteriores de la suite.
El encargo de Koussevitzky, negociado con los editores de la suite para piano, le dio los derechos exclusivos de dirección durante varios años. Dirigió la primera interpretación en París el 19 de octubre de 1922. [25] Publicó él mismo la partitura de Ravel y en 1930 hizo la primera grabación de la misma con la Orquesta Sinfónica de Boston . La naturaleza exclusiva de su encargo impulsó la publicación de una serie de versiones contemporáneas por parte de otros arreglistas hasta que la de Ravel estuvo disponible para el público en general.
La editorial original de la suite para piano de Mussorgsky, W. Bessel & Co., se apresuró a producir una versión orquestal propia después de que la de Ravel se hiciera popular. La editorial había dejado pasar la oportunidad de publicar el arreglo de Ravel, al no ver grandes ventajas comerciales en imprimir una partitura y un conjunto de partes para gran orquesta; había concedido a Koussevitzky permiso para encargar la versión y publicar la partitura él mismo con la condición de que nadie más pudiera interpretarla. Bessel recurrió a un estudiante de Ravel, el pianista ruso de 21 años Leonidas Leonardi (1901-1967), también conocido como Leon Leonardi o Leonid Leonardi, para crear una versión orquestal que pudiera satisfacer la creciente demanda y ayudar a la editorial a recuperar parte de su ventaja perdida. La orquestación de Leonardi requiere fuerzas aún mayores que la versión realizada por su mentor. El joven pianista dedicó su versión de la suite a Ígor Stravinski y dirigió el estreno en París con la Orquesta Lamoureux el 15 de junio de 1924. El estreno en Estados Unidos tuvo lugar el 4 de diciembre de 1924, cuando la Orquesta Sinfónica de Nueva York la interpretó bajo la dirección de Walter Damrosch . A pesar de todo, la orquestación de Leonardi pronto fue eclipsada por la de Ravel, y hoy en día solo se puede escuchar en formato de audio el tercer movimiento Promenade y "Tuileries" de su versión ( Leonard Slatkin /Saint Louis Symphony: The Slatkin Years: 6 CD Set ).
Otro arreglo apareció cuando Eugene Ormandy se hizo cargo de la Orquesta de Filadelfia en 1936, tras la decisión de Leopold Stokowski de renunciar a la dirección. Ormandy quería una versión de Pictures propia y encargó a Lucien Cailliet , el "arreglista de la casa" de la Orquesta de Filadelfia y músico de la sección de instrumentos de viento, que produjera una. Esta versión fue estrenada y grabada por Ormandy en 1937. Walter Goehr publicó una versión en 1942 para un grupo más pequeño que Ravel, pero curiosamente eliminó "Gnomus" por completo e hizo de "Limoges" la primera pieza.
El director Leopold Stokowski había presentado la versión de Ravel al público de Filadelfia en noviembre de 1929; diez años después, produjo su propia orquestación muy libre (incorporando mucha recomposición), apuntando a lo que él llamó un sonido orquestal más eslavo en lugar del enfoque más galo de Ravel. Stokowski revisó su versión a lo largo de los años y realizó tres grabaciones de gramófono de ella (1939, 1941 y 1965). La partitura, finalmente publicada en 1971, ha sido grabada desde entonces por otros directores, entre ellos Matthias Bamert , Gennady Rozhdestvensky , Oliver Knussen y José Serebrier .
Aunque la versión de Ravel es la más interpretada y grabada, varios directores han realizado sus propios cambios en la partitura, entre ellos Arturo Toscanini , Nikolai Golovanov y James Conlon . El director y pianista Vladimir Ashkenazy produjo su propio arreglo orquestal, expresando su insatisfacción con las libertades interpretativas de Ravel y la perpetuación de los primeros errores de impresión. [26] El director Leonard Slatkin ha realizado versiones de compendio, en las que cada paseo y cuadro es interpretado por un arreglista orquestal diferente.
Se han realizado muchas otras orquestaciones y arreglos de Pictures . La mayoría muestran deudas con Ravel; la composición original para piano, por supuesto, se interpreta y graba con frecuencia. Existe una versión para orquesta de cámara, hecha por el compositor taiwanés Chao Ching-Wen. Elgar Howarth la arregló para el Philip Jones Brass Ensemble en 1977, y posteriormente la reformuló para la Grimethorpe Colliery Band . Kazuhito Yamashita escribió una adaptación para guitarra clásica solista . También se han grabado extractos, incluido un disco de 78 rpm de "The Old Castle" y "Catacombs" orquestado por Sir Granville Bantock , y una versión espectacular de "The Great Gate of Kyiv" fue compuesta por Douglas Gamley para orquesta sinfónica completa, coro de voces masculinas y órgano. La Orquesta Amadeus (Reino Unido) encargó a diez compositores que orquestaran un movimiento cada uno para hacer una versión completa que se estrenó por primera vez en 2012. [27] Los movimientos fueron proporcionados por Alastair King , Roger May, Tolib Shakhidi , David Butterworth, Philip Mackenzie , Simon Whiteside, Daryl Griffiths, Natalia Villanueva, James McWilliam y Julian Kershaw. [27]
La suite ha inspirado homenajes en una amplia gama de estilos musicales. La versión de Emerson, Lake & Palmer incorporó elementos de rock progresivo , jazz y música folk (1971/2008). Una adaptación de música electrónica por Isao Tomita fue hecha en 1975. Un arreglo de heavy metal de toda la suite fue lanzado por la banda alemana Mekong Delta ; otra banda de metal, Armored Saint , utilizó el tema "Great Gate of Kyiv" como introducción para la canción "March of the Saint". En 2002, el músico electrónico y compositor Amon Tobin parafraseó "Gnomus" para la canción "Back From Space" en su álbum Out from Out Where . [28] En 2003, el guitarrista y compositor Trevor Rabin lanzó una adaptación para guitarra eléctrica de Promenade originalmente pensada para el álbum Big Generator de Yes y luego incluida en su álbum demo 90124 . En 2005, Animusic 2 incluyó una pista titulada "Cathedral Pictures", que incluía solo el primer Promenade y los dos movimientos finales de la suite. La canción de Michael Jackson " HIStory " samplea una sección corta de "The Great Gate of Kiev", con una parte más larga que aparece durante la cuenta regresiva de 5 minutos de HIStory World Tour antes de que parta la nave espacial MJ-2040, un fragmento antes de continuar con They Don't Care About Us y en el final del desfile de la bandera en 1996/97. Las reediciones del álbum HIStory cambiaron aún más la muestra en la pista. Lo mismo se puede escuchar en Michael Jackson: 30th Anniversary Celebration , que durante el último medley de los Jacksons, después de Can You Feel It , comienza la canción y luego comienza ABC .
Lista parcial de arreglos orquestales de Cuadros de una exposición :
Arreglos de cuadros en una exposición para conjuntos interpretativos distintos de la orquesta:
En 1928, el artista ruso Vasili Kandinsky creó un espectáculo escénico combinando sus propios diseños de cuadros con una interpretación de la partitura para piano. [39] Desde que se representó en Dessau , se han perdido elementos de la puesta en escena. Sin embargo, ha sido posible animar la obra de arte superviviente mediante tecnología de vídeo.
En agosto de 2021 , en una sala de Attisholz-Areal, Suiza, Gen Atem y S213 realizaron una presentación de estreno basada en la orquestación de Ravel del ciclo para piano de Mussorgsky . Kaspar Zehnder y la Orquesta del Teatro Biel Solothurn proporcionaron el fondo acústico en su totalidad. [40] [41]
En 2014, el coreógrafo Alexei Ratmansky creó el ballet Cuadros de una exposición , basado en la partitura orquestal, para el New York City Ballet . El decorado incluía una pintura de 1913 de Wassily Kandinsky , sin relación con la puesta en escena de Kandinsky de 1928. [42]
A rara versão de Quadros de Uma Exposição ... foi orquestrada pelo compositor brasileiro Francisco Mignone (1897–1986). Segundo sua mulher, a pianista Maria Josephina, a grado orquestal, até então desconhecida, foi encontrada em uma gaveta após a morte do marido em 1986. [Una versión poco común de
Cuadros de una exposición
... fue orquestada por el compositor brasileño Francisco Mignone (1897–1986). Según su esposa, la pianista María Josefina, el arreglo orquestal hasta entonces desconocido fue encontrado en un cajón después de la muerte de su marido en 1986.])
