La notación gráfica (o partitura gráfica ) es la representación de la música mediante el uso de símbolos visuales fuera del ámbito de la notación musical tradicional . La notación gráfica se hizo popular en la década de 1950 y puede usarse en combinación con la notación musical tradicional o en lugar de ella. [1] La notación gráfica estuvo influenciada por las tendencias del arte visual contemporáneo en su concepción, incorporando componentes estilísticos del arte moderno a la música. [2] Los compositores a menudo dependen de la notación gráfica en la música experimental , donde la notación musical estándar puede resultar ineficaz. Otros usos incluyen piezas donde se desea un efecto aleatorio o indeterminado . Uno de los primeros pioneros de esta técnica fue Earle Brown , quien, junto con John Cage , buscó liberar a los intérpretes de las limitaciones de la notación y hacerlos participantes activos en la creación de la música. [3]
La notación gráfica se caracteriza por su variabilidad y falta de estandarización. Según la Enciclopedia estudiantil de música de Baker, vol. 1 , "La notación gráfica se utiliza para indicar un tono extremadamente preciso (o intencionalmente impreciso) o para estimular el comportamiento o acciones musicales durante la interpretación". [4] La notación gráfica moderna depende en gran medida de la imaginación y la inspiración de cada intérprete individual para interpretar el contenido visual proporcionado por el compositor. Debido a esta relativa libertad, la realización de piezas escritas gráficamente suele variar de una interpretación a otra. [5] Por ejemplo, en la indicación de notación "E" de su pieza Concierto para piano y orquesta , John Cage escribe: "Toque con las manos indicadas. Cuando las claves difieren, una nota es grave o aguda", una indeterminación que no es inusual. en la obra de Cage, y que deja la toma de decisiones en manos del intérprete. [6] Algunas partituras gráficas pueden definirse como basadas en acciones, donde los gestos musicales se anotan como formas en lugar de ideas musicales convencionales. [2]
El uso de notación gráfica dentro de una partitura puede variar ampliamente, desde que la partitura esté compuesta enteramente de notación gráfica hasta que la notación gráfica sea una pequeña parte de una partitura que de otro modo sería en gran medida tradicional. Algunos compositores incluyen explicaciones escritas para ayudar al intérprete a interpretar la notación gráfica, mientras que otros compositores optan por dejar la interpretación totalmente en manos del intérprete. [7] La notación gráfica es difícil de caracterizar con especificidad, ya que el sistema de notación sólo está limitado por la imaginación y la habilidad del compositor. Aunque algunos compositores, como John Cage, [3] formulan sistemas de notación gráfica que unifican el enfoque de piezas específicas, o de varias piezas, no existe un consenso universal sobre los parámetros de la notación gráfica y su uso. [5]
Aunque su uso más popular se produjo a mediados del siglo XX, la primera evidencia de notación gráfica se remonta a mucho antes. Originalmente llamadas " eye music ", estas partituras gráficas se parecen mucho a las partituras de compositores como George Crumb . Una de las primeras piezas de música visual que se conservan es Belle, Bonne, Sage de Baude Cordier , un compositor renacentista . Su partitura, formada en forma de corazón, tenía como objetivo realzar el significado de la canción . [8] Característica del Ars subtilior , "los experimentos con signos mensurales y formas y colores gráficos eran a menudo una característica del diseño musical, en aras del efecto visual, más que necesariamente audible". [9] Otro ejemplo de música ocular del ars subtilior es La harpe de melodie de Jacob Senleches , donde las voces están anotadas en un pentagrama que parece ser las cuerdas de un arpa. La popularidad de la música ocular disminuyó después del movimiento humanista de mediados del siglo XVI, para luego revitalizarse en el siglo XX cuando el uso de partituras gráficas volvió a ser prominente.
El educador musical del siglo XIX, Pierre Galin, desarrolló un método de notación musical conocido como sistema Galin-Paris-Chevé , basándose en un sistema de notación creado en el siglo XVIII por Jean-Jacques Rousseau . Este sistema usaba números para indicar los grados de la escala y usaba puntos encima o debajo de la nota para indicar si estaban en la octava más baja o más alta. La octava media, en relación con el ejemplo, no contenía puntos. Los bemoles y los sostenidos se anotaron mediante barras invertidas y barras diagonales respectivamente. Las prolongaciones de la nota se anotaban mediante puntos y los silencios se anotaban con el número cero. Este método se utilizó principalmente para enseñar a cantar a primera vista. [10] El uso de símbolos para indicar la dirección musical se ha comparado con una versión temprana de la notación gráfica. [2]
La música experimental apareció en Estados Unidos y Europa durante la década de 1950, cuando muchos de los parámetros alguna vez intocables de la música tradicional comenzaron a ser cuestionados. La música aleatoria , la música indeterminada , la musique concrète y la música electrónica sacudieron conceptos hasta entonces incuestionables, como el tiempo musical o la función del músico, y se atrevieron a añadir otros al espacio musical en todas sus dimensiones, con todas sus consecuencias y cargas ontológicas. También cambiaron los roles del compositor, del intérprete y del público, dándoles funciones totalmente nuevas para explorar.
En este contexto, la partitura, que había sido considerada en gran medida un mero soporte de la escritura musical (a excepción de la música ocular ), empezó a coquetear con los límites de la obra y su identidad. Este matrimonio produjo tres caminos: el primero consideraba la partitura musical como una representación del sonido organizado; el segundo lo concibió como una extensión del sonido; y el tercero la veía como otro tipo de música, una música visual con autonomía propia, independiente del sonido. La partitura adquirió nuevos significados y pasó de ser un mero soporte sonoro a ser una extensión de la obra, o incluso una obra más, un elemento tan importante como los sonidos y silencios que contenía, o más. Estas concepciones requirieron un nuevo lenguaje y una nueva lectura de lo que es ser musical. También requerían una nueva notación que reflejara los cambios que se estaban produciendo en las segundas vanguardias artísticas, y los contuviera, otorgándoles una nueva semántica. De esta manera, tomada con la porosidad de la música experimental respecto de las artes plásticas , la notación pasó a estar cada vez más influenciada por un diálogo con la pintura, las instalaciones y la performatividad. [11] Como menciona JY Bosseur en La musique du XXè siècle à la croisé des artes , [12] la partitura progresó hacia la representación de la gestión del espacio, un espacio gráfico que nos permite conocer las múltiples conexiones que encierra.
La notación gráfica en su forma moderna apareció por primera vez en la década de 1950 como una evolución del movimiento de Indeterminación iniciado por John Cage . La técnica fue utilizada originalmente por músicos de vanguardia y se manifestó como el uso de símbolos para transmitir información que no se podía representar con notación tradicional, como las técnicas extendidas . Las partituras gráficas, desde su concepción, han evolucionado hacia dos categorías ampliamente definidas: una es la invención de nuevos sistemas de notación utilizados para transmitir técnicas musicales específicas y la otra, el uso de notación conceptual, como formas, dibujos y otras técnicas artísticas destinadas a evocar la improvisación del intérprete. Ejemplos del primero incluyen la Proyección 1 de Morton Feldman , que fue el resultado de que Feldman dibujara formas abstractas en papel cuadriculado, [6] y la Prozession de Stockhausen . [1] Ejemplos de este último incluyen el diciembre de 1952 de Earle Brown y el Tratado de Cornelius Cardew , que fue escrito en respuesta al 4'33" de Cage y que escribió después de haber trabajado como asistente de Stockhausen. La partitura consta de 193 páginas de líneas y formas en un fondo blanco aquí las líneas representaban elementos en el espacio y la partitura era simplemente una representación de ese espacio en un instante dado [3] En Europa, uno de los usuarios más notables fue Sylvano Bussotti , cuyas partituras a menudo se han mostrado como piezas. del arte visual por entusiastas [3] En 1969, en un esfuerzo por promover el movimiento de la notación abstracta, John Cage y Allison Knowles publicaron un archivo de extractos de partituras de 269 compositores con la intención de mostrar "las muchas direcciones en las que se mueve la notación". ahora va". [13]
Otros pioneros notables de la notación gráfica incluyen compositores como Roman Haubenstock-Ramati , Mauricio Kagel , György Ligeti ( Artikulación ), Krzysztof Penderecki , Karlheinz Stockhausen e Iannis Xenakis , Morton Feldman , Constance Cochnower Virtue y Christian Wolff .
En 2008, Theresa Sauer editó un compendio con partituras gráficas de compositores de más de cincuenta países, [14] demostrando cuán extendida se ha vuelto la práctica.
Además de la popularidad cada vez mayor de la notación gráfica, las nuevas tecnologías han ampliado sus posibilidades. En su libro The Digital Score: Musicianship, Creativity, and Innovation , [15] Craig Vear describe cómo se pueden utilizar la inteligencia artificial y la animación para mejorar la experiencia de la partitura gráfica. Afirma que estas tecnologías son "el desarrollo lógico de los experimentos de partituras gráficas de finales del siglo XX. Un elemento interesante de estos es que tienen que moverse para poder leerse; sin movimiento, son ininteligibles".
Los practicantes notables de notación gráfica no mencionados anteriormente incluyen: