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La música clásica estadounidense es música escrita en los Estados Unidos en la tradición de la música clásica , que se originó en Europa. En muchos casos, a partir del siglo XVIII, ha recibido influencias de los estilos de música folclórica estadounidense; y desde el siglo XX hasta la actualidad, a menudo ha recibido influencias de la música folclórica estadounidense y, a veces, del jazz .
La música clásica estadounidense más antigua consiste en canciones que se utilizaban en los servicios religiosos durante la época colonial . La primera música de este tipo en América fueron los libros de salmos, como el Salterio de Ainsworth , traído de Europa por los colonos de la Colonia de la Bahía de Massachusetts . [1] La primera publicación musical en la América del Norte de habla inglesa —de hecho, la primera publicación de cualquier tipo— fue el Bay Psalm Book de 1640. [2]
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Muchos compositores estadounidenses [¿ quiénes? ] de este período trabajaron (como Benjamin West y el joven Samuel Morse en pintura) exclusivamente con modelos europeos, mientras que otros, como William Billings , Supply Belcher , Daniel Read , Oliver Holden , Justin Morgan , Andrew Law , Timothy Swan , Jacob Kimball Jr. , Jeremiah Ingalls y John Wyeth , también conocidos como la Primera Escuela de Nueva Inglaterra o los compositores yanquis , desarrollaron un estilo nativo casi completamente independiente de los modelos europeos más prestigiosos, aunque se basó en la práctica de compositores de música de la Galería West como William Tans'ur y Aaron Williams . Muchos de estos compositores eran aficionados y muchos eran cantantes: desarrollaron nuevas formas de música sacra, como la melodía fugaz , adecuada para la interpretación de aficionados y que a menudo utilizaba métodos armónicos que habrían sido considerados extraños según los estándares europeos contemporáneos. Algunos de los innovadores más inusuales fueron compositores como Anthony Philip Heinrich , que recibió cierta formación instrumental formal pero fue completamente autodidacta en composición. Heinrich viajó extensamente por el interior de los jóvenes Estados Unidos a principios del siglo XIX, dejando constancia de sus experiencias con la colorida música orquestal y de cámara que casi no tenía nada en común con la música que se componía en Europa. Heinrich fue el primer compositor estadounidense en escribir para orquesta sinfónica, así como el primero en dirigir una sinfonía de Beethoven en los Estados Unidos (en Lexington, Kentucky, en 1817).
Como Estados Unidos está formado por muchos estados, algunos de los cuales formaban parte de otros imperios, la música clásica de la nación se deriva de esos imperios respectivamente. La primera música clásica en lo que hoy es California y otras antiguas colonias españolas fue la polifonía renacentista de España. Esta música clásica sacra se proporcionaba para apoyar la liturgia de la Iglesia Católica.
Otros compositores estadounidenses tempranos: [3] William Selby , Victor Pelissier, John Christopher Moller , Alexander Reinagle , Benjamin Carr , William Brown , James Hewitt , Mr. Newman (Tres sonatas, para piano fuerte o clavecín, Nueva York 1807).
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Entre mediados y finales del siglo XIX, se desarrolló una vigorosa tradición de música clásica autóctona, especialmente en Nueva Inglaterra . Los académicos consideran que este desarrollo fue fundamental en la historia de la música clásica estadounidense porque estableció las características que la diferenciaron de sus ancestros europeos. Esta iniciativa fue impulsada por músicos que querían producir música indígena estadounidense. [4] John Knowles Paine es reconocido como el líder de este grupo.
Los compositores de la Segunda Escuela de Nueva Inglaterra incluyeron a colegas y estudiantes de Paine como George Whitefield Chadwick , Amy Beach , Edward MacDowell , Arthur Foote y Horatio Parker , quien fue el maestro de Charles Ives . Junto con Paine, el grupo también fue conocido como los Seis de Boston. Muchos de estos compositores fueron a Europa, especialmente Alemania , para estudiar, pero regresaron a los Estados Unidos para componer, interpretar y adquirir estudiantes. Algunos de sus descendientes estilísticos incluyen compositores del siglo XX como Howard Hanson , Walter Piston y Roger Sessions . Ives fue considerado el último de los compositores de la Segunda Escuela de Nueva Inglaterra, aunque algunos ven su música como una que todavía recibió influencia de la tradición europea mezclada con el modernismo . [5]
A principios del siglo XX, George Gershwin estuvo muy influenciado por la música afroamericana . Creó una síntesis convincente de música de varias tradiciones. Leonard Bernstein tenía una inclinación similar , quien a veces mezclaba música no tonal con jazz en sus composiciones clásicas. Leroy Anderson , Ferde Grofe , Morton Gould y William Grant Still también compusieron piezas en la línea del "jazz sinfónico". Florence Price a menudo utilizó elementos de la música espiritual afroamericana para componer piezas en la tradición clásica europea.
Muchos de los principales compositores clásicos del siglo XX estuvieron influenciados por las tradiciones folclóricas, ninguno de ellos más esencialmente, tal vez, que Charles Ives o Aaron Copland . Otros compositores adoptaron características de la música folclórica , de los Apalaches, las llanuras y otros lugares, incluidos Roy Harris , Elmer Bernstein , David Diamond , Elie Siegmeister y otros. Sin embargo, otros compositores de principios y mediados del siglo XX continuaron en las tradiciones más experimentales, incluidas figuras como Charles Ives , George Antheil y Henry Cowell . Otros, como Samuel Barber , capturaron un período de la música americana en piezas como Knoxville: Summer of 1915 .
El siglo XX también fue testigo de la publicación de obras importantes de compositores inmigrantes tan importantes como Igor Stravinsky y Arnold Schoenberg , que llegaron a Estados Unidos por diversas razones, entre ellas la persecución política, la libertad estética y las oportunidades económicas. Consulte Modernismo (música) para obtener más información sobre el auge del modernismo en Estados Unidos y en todo el mundo.
El minimalismo es un movimiento musical que comenzó a principios de la década de 1960 en la ciudad de Nueva York. Compositores como Philip Glass , Steve Reich y John Adams (compositor) utilizaron técnicas de composición experimentales como drones, phasing, motivos repetidos, contrastes marcados entre compases mixtos, movimientos simples pero a menudo abruptos entre acordes menores y mayores con la misma raíz, contrastes entre tonalidad y atonalidad y una gran cantidad de uso de sintetizadores para mostrar la interacción de los bloques fundamentales de la música: la cancelación y amplificación de las longitudes de onda que componen todo el sonido acústico y sintetizado. Como suele suceder en el arte, el auge del minimalismo estadounidense en la música fue paralelo al auge del minimalismo como estilo artístico, que utilizó el contraste del blanco y negro, el movimiento gradual de sombreado con gradientes y también conceptos y temas a menudo repetidos.
En las décadas de 1970 y 1980, el movimiento de música posmoderna vería el surgimiento de compositores como compositores estadounidenses como John Cage , que adoptó estructuras atonales y adoptó un enfoque experimental para la composición musical, el más famoso y controvertido con su pieza de 1952 4'33 " , para la cual no hay notas escritas en la página y la música se describe como compuesta por los sonidos del entorno inmediato de la audiencia, extendiendo así la definición de música para que consista en todos y cada uno de los sonidos, aunque no tengan una estructura creada por el compositor. Otro ejemplo más actual de música posmoderna es el del compositor estadounidense Miguel del Águila , que mezcla los modismos estadounidenses con los de sus raíces hispanas y latinoamericanas.
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En el siglo XX, la música incidental alcanzó nuevas cotas con el desarrollo de la banda sonora cinematográfica orquestada completa . Inspirándose en los estilos de composición de la ópera y las reglas de Richard Wagner (en concreto, la idea de Gesamtkunstwerk ), muchas de las primeras bandas sonoras incluyen oberturas , música de intermedio, popurrís y suites de concierto y una repetición o uso de la obertura para los créditos finales, dependiendo de si la película mostraba los créditos iniciales o finales. A lo largo de la evolución del cine, la música adquirió cada vez mayor sofisticación con la inclusión de técnicas instrumentales avanzadas, una multiplicidad de géneros musicales en cualquier obra determinada y estructuras e instrumentación multiculturales a medida que la industria cinematográfica, y por tanto la industria de la composición musical, se globalizaban. Explotó en la década de 1990 en Estados Unidos con el lanzamiento de muchas películas taquilleras diferentes y una gran demanda de bandas sonoras completamente orquestadas, pero ahora a menudo se reemplaza con bandas sonoras que están completamente sintetizadas o utilizan versiones de canciones populares famosas o incluso están compuestas por intérpretes populares, como en la banda sonora de la película Titanic de 1997 ( Titanic: Music from the Motion Picture ) y el uso de muchas canciones populares para referencias históricas específicas en la banda sonora de la película Forrest Gump ( Forrest Gump (banda sonora) ). Debido a la creciente práctica común de usar canciones populares combinadas con una banda sonora más clásica, se convirtió en un estándar lanzar dos bandas sonoras con una compuesta por las canciones seleccionadas del género popular y la banda sonora original o la banda sonora de la película como se mencionó anteriormente. Entre los compositores estadounidenses más importantes de música cinematográfica se incluyen Danny Elfman , Michael Giacchino , Jerry Goldsmith , Bernard Herrmann , James Horner , James Newton Howard , Erich Wolfgang Korngold , Randy Newman , Alan Silvestri y John Williams .
Las composiciones de fusión de géneros clásicos y populares (no clásicos) también se desarrollaron en los Estados Unidos, a partir de la década de 1950, con artistas como Liberace y compositores como Walter Murphy que llevaron la música clásica a diferentes géneros con sus arreglos, como en la pieza de fusión disco-clásica de Walter Murphy " A Fifth of Beethoven ". En la década de 1970 se realizaron muchas versiones disco de obras clásicas famosas, como obras de Beethoven, Mozart, Schubert, Wagner, Mussorgsky, JS Bach y George Gershwin.
Las obras clásicas populares también se mencionan y se cubren con frecuencia en los Estados Unidos, también a partir de los años 1940 y 1950, en dibujos animados, famosos como Rhapsody Rabbit y The Cat Concerto , ambos utilizando la famosa pieza de concierto para piano solo de Franz Liszt: Hungarian Rhapsody No. 2 .
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