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La música clásica estadounidense es música escrita en los Estados Unidos siguiendo la tradición de la música clásica europea . En muchos casos, a partir del siglo XVIII, ha sido influenciado por estilos de música folclórica estadounidense; y desde el siglo XX hasta la actualidad ha sido influenciado a menudo por la música folclórica estadounidense y, en ocasiones, por el jazz .
La música clásica estadounidense más antigua consta de canciones parciales utilizadas en los servicios religiosos durante la época colonial . La primera música de este tipo en América fueron los libros de salmos, como el Salterio de Ainsworth , traídos de Europa por los colonos de la Colonia de la Bahía de Massachusetts . [1] La primera publicación musical en la América del Norte de habla inglesa (de hecho, la primera publicación de cualquier tipo) fue el Bay Psalm Book de 1640. [2]
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Muchos compositores americanos [ ¿quién? ] de este período trabajó (como Benjamin West y el joven Samuel Morse en pintura) exclusivamente con modelos europeos, mientras que otros, como William Billings , Supply Belcher , Daniel Read , Oliver Holden , Justin Morgan , Andrew Law , Timothy Swan , Jacob Kimball. Jr. , Jeremiah Ingalls y John Wyeth , también conocidos como la Primera Escuela de Nueva Inglaterra o los Yankees Tunsmiths , desarrollaron un estilo nativo casi completamente independiente de los modelos europeos más prestigiosos, aunque se basó en la práctica de compositores musicales de West Gallery como William. Tans'ur y Aaron Williams . Muchos de estos compositores eran aficionados y muchos cantantes: desarrollaron nuevas formas de música sacra, como la melodía de fuga , adecuada para la interpretación de aficionados y, a menudo, utilizando métodos armónicos que habrían sido considerados extraños según los estándares europeos contemporáneos. Algunos de los innovadores más inusuales fueron compositores como Anthony Philip Heinrich , que recibió cierta formación instrumental formal pero fue totalmente autodidacta en composición. Heinrich viajó extensamente por el interior de los jóvenes Estados Unidos a principios del siglo XIX, registrando sus experiencias con colorida música orquestal y de cámara que casi no tenía nada en común con la música que se componía en Europa. Heinrich fue el primer compositor estadounidense en escribir para orquesta sinfónica, así como el primero en dirigir una sinfonía de Beethoven en los Estados Unidos (en Lexington, Kentucky , en 1817).
Debido a que Estados Unidos está formado por muchos estados, algunos de los cuales eran parte de otros imperios, la música clásica de la nación se deriva de esos imperios respectivamente. La música clásica más antigua en lo que hoy es California y otras antiguas colonias españolas fue la polifonía renacentista de España. Esta música clásica sacra se proporcionó para apoyar la liturgia de la Iglesia Católica.
Otros compositores americanos tempranos: [3] William Selby , Victor Pelissier, John Christopher Moller , Alexander Reinagle , Benjamin Carr , William Brown , James Hewitt , Mr. Newman (Tres Sonatas, para piano fuerte o clavecín, Nueva York 1807).
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Durante mediados y finales del siglo XIX, se desarrolló una vigorosa tradición de música clásica local, especialmente en Nueva Inglaterra . Los académicos ven este desarrollo como fundamental en la historia de la música clásica estadounidense porque estableció las características que la diferenciaron de sus ancestros europeos. Esta iniciativa fue impulsada por músicos que querían producir música indígena americana. [4] John Knowles Paine es reconocido como el líder de este grupo.
Los compositores de la Segunda Escuela de Nueva Inglaterra incluyeron colegas y estudiantes de Paine como George Whitefield Chadwick , Amy Beach , Edward MacDowell , Arthur Foote y Horatio Parker , quien fue maestro de Charles Ives . Junto con Paine, el grupo también era conocido como Boston Six. Muchos de estos compositores fueron a Europa, especialmente a Alemania , para estudiar, pero regresaron a los Estados Unidos para componer, interpretar y adquirir estudiantes. Algunos de sus descendientes estilísticos incluyen compositores del siglo XX como Howard Hanson , Walter Piston y Roger Sessions . Ives fue considerado el último de los compositores de la Segunda Escuela de Nueva Inglaterra, aunque algunos consideran que su música todavía tiene influencia de la tradición europea mezclada con el modernismo . [5]
A principios del siglo XX, George Gershwin estuvo muy influenciado por la música afroamericana . Creó una síntesis convincente de música de varias tradiciones. Leonard Bernstein tenía una inclinación similar , quien en ocasiones mezclaba música no tonal con jazz en sus composiciones clásicas. Leroy Anderson , Ferde Grofe , Morton Gould y William Grant Still también compusieron piezas en la línea del "jazz sinfónico". Florence Price utilizó a menudo elementos de la música espiritual afroamericana para componer piezas de la tradición clásica europea.
Muchos de los principales compositores clásicos del siglo XX estuvieron influenciados por las tradiciones populares, ninguno más esencialmente, quizás, que Charles Ives o Aaron Copland . Otros compositores adoptaron rasgos de la música folclórica , de los Apalaches, las llanuras y otros lugares, incluidos Roy Harris , Elmer Bernstein , David Diamond , Elie Siegmeister y otros. Sin embargo, otros compositores de principios y mediados del siglo XX continuaron con las tradiciones más experimentales, incluidas figuras como Charles Ives , George Antheil y Henry Cowell . Otros, como Samuel Barber , capturaron un período de la cultura americana en piezas como Knoxville: verano de 1915 .
El siglo XX también vio la publicación de importantes obras de compositores inmigrantes tan importantes como Igor Stravinsky y Arnold Schoenberg , que llegaron a Estados Unidos por diversas razones, incluida la persecución política, la libertad estética y las oportunidades económicas. Consulte Modernismo (música) para obtener más información sobre el surgimiento del modernismo en Estados Unidos y en todo el mundo.
El minimalismo es un movimiento musical que comenzó a principios de la década de 1960 en la ciudad de Nueva York. Compositores como Philip Glass , Steve Reich y John Adams (compositor) utilizaron técnicas de composición experimentales como drones, fases, motivos repetidos, contrastes marcados entre metros mixtos, movimientos simples pero a menudo abruptos entre acordes menores y mayores con la misma raíz, contrastes. entre tonalidad y atonalidad, y un gran uso de sintetizadores para mostrar la interacción de los componentes fundamentales de la música: la cancelación y amplificación de longitudes de onda que componen todo sonido acústico y sintetizado. Como suele ser el caso en el arte, el ascenso del minimalismo estadounidense en la música fue paralelo al ascenso del minimalismo como estilo artístico, que utilizaba el contraste del blanco y negro, el movimiento gradual de sombreado con degradados y también conceptos y temas frecuentemente repetidos.
En las décadas de 1970 y 1980, el movimiento musical posmoderno vería el surgimiento de compositores como John Cage , que adoptó estructuras atonales y adoptó un enfoque experimental en la composición musical, la más famosa y controvertida pieza de 1952, 4'33" , para la cual no hay notas escritas en la página y se describe que la música consiste en los sonidos del entorno inmediato de la audiencia, extendiendo así la definición de música para que consista en todos y cada uno de los sonidos, aunque no tengan una estructura creada por el compositor. Un ejemplo más actual de música posmoderna es el del compositor estadounidense Miguel del Águila , quien fusiona modismos estadounidenses con los de sus raíces hispanas y latinoamericanas.
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En el siglo XX, la música incidental alcanzó nuevas alturas con el desarrollo de la partitura cinematográfica orquestada completa . A partir de los estilos de composición de la ópera y las reglas de Richard Wagner (específicamente la idea de Gesamtkunstwerk ), muchas de las primeras bandas sonoras incluyen oberturas , música intermedia y popurrís y suites de concierto y una repetición o uso de la obertura para los créditos finales, dependiendo de si la película mostraba créditos iniciales o finales. A lo largo de la evolución del cine, la música adquirió cada vez mayor sofisticación con la inclusión de técnicas instrumentales avanzadas, una multiplicidad de géneros musicales en cualquier obra y estructuras e instrumentación multiculturales a medida que la industria cinematográfica y, por lo tanto, la industria de la composición musical se convertían en realidad. más globalizado. Explotó en la década de 1990 en Estados Unidos con el lanzamiento de muchas películas de gran éxito y una gran demanda de bandas sonoras totalmente orquestadas, pero ahora a menudo se reemplaza con bandas sonoras que están completamente sintetizadas o utilizan versiones de canciones populares famosas o incluso están compuestas por artistas populares. , como en la banda sonora de la película Titanic de 1997 ( Titanic: Música de la película ) y el uso de muchas canciones populares para referencias históricas específicas en la banda sonora de la película Forrest Gump ( Forrest Gump (banda sonora) ). Debido a la creciente práctica común de usar canciones populares combinadas con una banda sonora más clásica, se convirtió en un estándar lanzar dos bandas sonoras, una compuesta por canciones seleccionadas del género popular y la partitura original o la partitura de la película , como se mencionó anteriormente. Entre los compositores estadounidenses importantes de música de cine se encuentran Wendy Carlos , Danny Elfman , Michael Giacchino , Jerry Goldsmith , Bernard Herrmann , James Horner , James Newton Howard , Erich Wolfgang Korngold , Randy Newman , Alan Silvestri y John Williams .
Las composiciones de fusión de géneros clásicos y populares (no clásicos) también se desarrollaron en los Estados Unidos, a partir de alrededor de la década de 1950, con artistas como Liberace y compositores como Walter Murphy llevando la música clásica a diferentes géneros con sus arreglos, como en la música disco de Walter Murphy. Pieza de fusión clásica " La Quinta de Beethoven ". En la década de 1970 se arreglaron muchas versiones disco de obras clásicas famosas, como obras de Beethoven, Mozart, Schubert, Wagner, Mussorgsky, JS Bach y George Gershwin.
También se hace referencia a obras clásicas populares y se las cubre con frecuencia en los Estados Unidos, también a partir de las décadas de 1940 y 1950, en dibujos animados, como en Rhapsody Rabbit y The Cat Concerto , ambos utilizando la famosa pieza de concierto para piano solo de Franz Liszt: Rapsodia húngara n.° 2 .
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