Desde al menos el siglo XVIII (en francés y alemán, así como en inglés), grotesco se ha utilizado como adjetivo general para lo extraño, misterioso, magnífico, fantástico, horrible, feo, incongruente, desagradable o repugnante, y por lo tanto se utiliza a menudo para describir formas extrañas y distorsionadas como las máscaras de Halloween . Sin embargo, en el arte, la actuación y la literatura, grotesco también puede referirse a algo que invoca simultáneamente en el público una sensación de extrañeza incómoda y de compasión .
La palabra inglesa aparece por primera vez en la década de 1560 como un sustantivo tomado del francés, que originalmente provenía del italiano grottesca (literalmente "de una cueva" del italiano grotta , "cueva"; ver gruta ), [1] un estilo extravagante de arte decorativo romano antiguo redescubierto en Roma a fines del siglo XV y posteriormente imitado. La palabra se usó por primera vez para las pinturas encontradas en las paredes de los sótanos de las ruinas de Roma que en ese momento se llamaban le Grotte ('las cuevas'). Estas 'cuevas' eran de hecho habitaciones y pasillos de la Domus Aurea , el complejo palaciego inacabado iniciado por Nerón después del Gran Incendio de Roma en el año 64 d. C., que había quedado cubierto de maleza y enterrado, hasta que fueron asaltados nuevamente, principalmente desde arriba. El término, que se extendió del italiano a otras lenguas europeas, se usó durante mucho tiempo en gran parte de manera intercambiable con arabesco y morisco para los tipos de patrones decorativos que usaban elementos de follaje curvo.
Rémi Astruc [2] ha sostenido que, si bien existe una inmensa variedad de motivos y figuras, los tres tropos principales de lo grotesco son la duplicidad, la hibridez y la metamorfosis. [3] Más allá de la comprensión actual de lo grotesco como categoría estética, demostró cómo lo grotesco funciona como una experiencia existencial fundamental. Además, Astruc identifica lo grotesco como un dispositivo antropológico crucial y potencialmente universal que las sociedades han utilizado para conceptualizar la alteridad y el cambio. [ no verificado en el cuerpo ]
En el arte, los grotescos son arreglos ornamentales de arabescos con guirnaldas entrelazadas y pequeñas y fantásticas figuras humanas y animales, generalmente dispuestas en un patrón simétrico alrededor de algún tipo de marco arquitectónico, aunque este puede ser muy endeble. Tales diseños estaban de moda en la antigua Roma , especialmente como decoración de frescos en las paredes y mosaicos en el suelo. Las versiones estilizadas, comunes en la decoración romana imperial, fueron criticadas por Vitruvio (c. 30 a. C.) quien, al descartarlas por carecer de sentido e ilógicas, ofreció la siguiente descripción:
Por ejemplo, las cañas sustituyen a las columnas, apéndices estriados con hojas rizadas y volutas toman el lugar de frontones, los candelabros sostienen representaciones de santuarios y sobre sus techos crecen tallos delgados y volutas con figuras humanas sentadas sin sentido sobre ellos. [4]
El palacio del emperador Nerón en Roma, la Domus Aurea , fue redescubierto por casualidad a finales del siglo XV, enterrado bajo un relleno de tierra que duró mil quinientos años. El acceso a las ruinas del palacio se hacía desde arriba, y era necesario descender a los visitantes utilizando cuerdas, como en una cueva o grotte en italiano. Las decoraciones de las paredes del palacio, con frescos y delicados estucos , fueron una revelación.
La primera aparición de la palabra grotesco aparece en un contrato de 1502 para la Biblioteca Piccolomini, anexa al Duomo de Siena . Fueron introducidos por Rafael Sanzio y su equipo de pintores decorativos, quienes desarrollaron el grotesco como un sistema completo de ornamentación en las Loggias que forman parte de la serie de las Estancias de Rafael en el Palacio del Vaticano , Roma. "Las decoraciones asombraron y encantaron a una generación de artistas que estaba familiarizada con la gramática de los órdenes clásicos , pero que no había adivinado hasta entonces que en sus casas privadas los romanos a menudo habían hecho caso omiso de esas reglas y habían adoptado en su lugar un estilo más fantasioso e informal que era todo ligereza, elegancia y gracia". [5] En estas decoraciones grotescas, una placa o un candelabro podían proporcionar un foco; los marcos se extendían en volutas que formaban parte de los diseños circundantes como una especie de andamio, como señaló Peter Ward-Jackson. Los grutescos con volutas ligeras se podían ordenar confinándolos dentro del marco de una pilastra para darles más estructura. Giovanni da Udine retomó el tema de los grotescos en la decoración de Villa Madama , la más influyente de las nuevas villas romanas.
En el siglo XVI, esta licencia artística y esta irracionalidad eran un tema controvertido. Francisco de Holanda pone una defensa en boca de Miguel Ángel en su tercer diálogo de Da Pintura Antiga , 1548:
"Este deseo insaciable del hombre a veces prefiere un edificio ordinario, con sus columnas y puertas, uno falsamente construido en estilo grotesco, con columnas formadas por niños que crecen de tallos de flores, con arquitrabes y cornisas de ramas de mirto y puertas de juncos y otras cosas, todo lo cual parece imposible y contrario a la razón, pero puede ser una obra realmente grande si la realiza un artista hábil". [6]
El deleite de los artistas manieristas y sus mecenas por los programas iconográficos arcanos disponibles sólo para los eruditos podía plasmarse en esquemas de grotescos . [9] Los Emblemata (1522) de Andrea Alciato ofrecían una abreviatura iconográfica lista para usar para las viñetas. Un material más familiar para los grotescos podía extraerse de las Metamorfosis de Ovidio . [10]
Las logias del Vaticano , un espacio de pasillo de logia en el Palacio Apostólico abierto a los elementos por un lado, fueron decoradas alrededor de 1519 por el gran equipo de artistas de Rafael , con Giovanni da Udine como principal responsable. Debido a la relativa poca importancia del espacio y al deseo de copiar el estilo de la Domus Aurea, no se utilizaron pinturas de gran tamaño y las superficies se cubrieron en su mayoría con diseños grotescos sobre un fondo blanco, con pinturas que imitaban esculturas en nichos y pequeños temas figurativos en un renacimiento del estilo romano antiguo. Esta gran variedad proporcionó un repertorio de elementos que fueron la base para artistas posteriores en toda Europa. [11]
En la Capilla de los Medici de Miguel Ángel , Giovanni da Udine compuso durante 1532-1533 "hermosísimos ramos de follaje, rosetas y otros adornos en estuco y oro" en los casetones y "ramos de follaje, pájaros, máscaras y figuras", con un resultado que no agradó, sin embargo, al papa Clemente VII Medici , ni a Giorgio Vasari , quien blanqueó la decoración grotesca en 1556. [12] Los escritores de la Contrarreforma sobre las artes, en particular el cardenal Gabriele Paleotti , obispo de Bolonia, [13] se volvieron contra lo grotesco con una venganza justa. [14]
Vasari, haciéndose eco de Vitruvio, describió el estilo de la siguiente manera: [11]
"Los grotescos son un tipo de pintura extremadamente licenciosa y absurda hecha por los antiguos... sin ninguna lógica, de modo que se ata un peso a un hilo delgado que no podría sostenerlo, a un caballo se le dan piernas hechas de hojas, a un hombre piernas de grulla, con innumerables otras absurdeces imposibles; y cuanto más extraña era la imaginación del pintor, mejor se le valoraba".
Vasari registró que Francesco Ubertini, llamado "Bacchiacca" , se deleitaba inventando grotteschi , y (alrededor de 1545) pintó para el duque Cosimo de' Medici un studiolo en un entresuelo del Palazzo Vecchio "lleno de animales y plantas raras". [15] Otros escritores del siglo XVI sobre grottesche incluyeron a Daniele Barbaro , Pirro Ligorio y Gian Paolo Lomazzo . [16]
Mientras tanto, a través de los grabados, el modo grotesco de ornamentación superficial pasó al repertorio artístico europeo del siglo XVI, desde España hasta Polonia. Una suite clásica fue la atribuida a Enea Vico , publicada en 1540-41 bajo un evocador título explicativo, Leviores et extemporaneae picturae quas grotteschas vulgo vocant , "Imágenes ligeras e improvisadas que vulgarmente se llaman grotescos". Las versiones manieristas posteriores , especialmente en grabado, tendieron a perder esa ligereza inicial y a estar mucho más densamente llenas que el estilo aireado y bien espaciado utilizado por los romanos y Rafael.
Pronto, el grotesco apareció en la marquetería (trabajos de madera fina), en la mayólica producida sobre todo en Urbino a partir de finales de la década de 1520, luego en la ilustración de libros y en otros usos decorativos. En Fontainebleau , Rosso Fiorentino y su equipo enriquecieron el vocabulario de los grotescos al combinarlos con la forma decorativa de strapwork , la representación de correas de cuero en molduras de yeso o madera, que forma un elemento de los grotescos.
En los siglos XVII y XVIII, lo grotesco abarca un amplio campo de la teratología (ciencia de los monstruos) y la experimentación artística. Lo monstruoso, por ejemplo, a menudo aparece como una noción de juego . El carácter deportivo de la categoría grotesca se puede ver en la noción de la categoría preternatural del lusus naturae , en los escritos de historia natural y en los gabinetes de curiosidades. [17] [18] Los últimos vestigios del romance, como lo maravilloso, también brindan oportunidades para la presentación de lo grotesco en, por ejemplo, el espectáculo operístico. La forma mixta de la novela se describía comúnmente como grotesca; véase, por ejemplo, el "poema épico cómico en prosa" de Fielding ( Joseph Andrews y Tom Jones ).
El ornamento grotesco recibió un nuevo impulso a partir de los nuevos descubrimientos de frescos y estucos romanos originales en Pompeya y otros lugares enterrados alrededor del Vesubio a partir de mediados de siglo. Continuó utilizándose, volviéndose cada vez más abundante, en el estilo Imperio y luego en el período victoriano , cuando los diseños a menudo se volvieron tan densos como en los grabados del siglo XVI y la elegancia y la fantasía del estilo tendieron a perderse.
Los artistas comenzaron a dar a las diminutas caras de las figuras en decoraciones grotescas extrañas expresiones caricaturizadas , en una continuación directa de las tradiciones medievales de las grotescas en las decoraciones de los bordes o las iniciales en los manuscritos iluminados . A partir de esto, el término comenzó a aplicarse a caricaturas más grandes, como las de Leonardo da Vinci , y comenzó a desarrollarse el sentido moderno. Se registró por primera vez en inglés en 1646 de Sir Thomas Browne : "En la naturaleza no hay grotescos". [24] Por extensión hacia atrás en el tiempo, el término también se usó para los originales medievales, y en la terminología moderna las grotescas medievales, las viñetas en miniatura semihumanas dibujadas en los márgenes y las figuras talladas en edificios (que no son también caños de agua, y por lo tanto gárgolas ) también se llaman "grotescos".
El período de 1920 a 1933 en el arte alemán estuvo marcado por un auge en la producción de obras de arte del género grotesco . En el arte de la ilustración contemporánea, las figuras "grotescas", en el sentido coloquial habitual, aparecen habitualmente en el género del arte grotesco , también conocido como arte fantástico .
Uno de los primeros usos del término grotesco para designar un género literario se encuentra en los Ensayos de Montaigne . [25] Lo grotesco se relaciona a menudo con la sátira y la tragicomedia . [26] Es un medio artístico eficaz para transmitir pena y dolor a la audiencia, y por esto ha sido etiquetado por Thomas Mann como el "genuino estilo antiburgués". [26]
Some of the earliest written texts describe grotesque happenings and monstrous creatures. The literature of myth has been a rich source of monsters; from the one-eyed Cyclops from Hesiod's Theogony to Homer's Polyphemus in the Odyssey. Ovid's Metamorphoses is another rich source for grotesque transformations and hybrid creatures of myth. Horace's Art of Poetry also provides a formal introduction to classical values and to the dangers of grotesque or mixed form. Indeed, the departure from classical models of order, reason, harmony, balance and form opens up the risk of entry into grotesque worlds. Accordingly, British literature abounds with native grotesquerie, from the strange worlds of Spenser's allegory in The Faerie Queene to the tragi-comic modes of 16th-century drama. (Grotesque comic elements can be found in major works such as King Lear.)
Literary works of mixed genre are occasionally termed grotesque, as are "low" or non-literary genres such as pantomime and farce.[27] Gothic writings often have grotesque components in terms of character, style and location. In other cases, the environment described may be grotesque – whether urban (Charles Dickens), or the literature of the American south which has sometimes been termed "Southern Gothic". Sometimes the grotesque in literature has been explored in terms of social and cultural formations such as the carnival(-esque) in François Rabelais and Mikhail Bakhtin. Terry Castle has written on the relationship between metamorphosis, literary writings and masquerade.[28]
Another major source of the grotesque is in satirical writings of the 18th century. Jonathan Swift's Gulliver's Travels provides a variety of approaches to grotesque representation. Corporeal hybridity is an essential marker in Swift. In poetry, the works of Alexander Pope provide many examples of the grotesque.
In fiction, characters are usually considered grotesque if they induce both empathy and disgust. (A character who inspires disgust alone is simply a villain or a monster.) Obvious examples would include the physically deformed and the mentally deficient, but people with cringe-worthy social traits are also included. The reader becomes piqued by the grotesque's positive side, and continues reading to see if the character can conquer their darker side. In Shakespeare's The Tempest, the figure of Caliban has inspired more nuanced reactions than simple scorn and disgust. Also, in J. R. R. Tolkien's The Lord of the Rings, the character of Gollum may be considered to have both disgusting and empathetic qualities, which fit the grotesque template.
Victor Hugo's The Hunchback of Notre-Dame is one of the most celebrated grotesques in literature. Dr. Frankenstein's monster from Mary Shelley's 1818 novel Frankenstein; or, The Modern Prometheus can also be considered a grotesque, as well as the title character, Erik in The Phantom of the Opera and the Beast in Beauty and the Beast. Other instances of the romantic grotesque are also to be found in Edgar Allan Poe, E. T. A. Hoffmann, in Sturm und Drang literature or in Sterne's Tristram Shandy. The romantic grotesque is far more terrible and sombre than the medieval grotesque, which celebrated laughter and fertility. It is at this point that a grotesque creature such as Frankenstein's monster begins to be presented more sympathetically as the outsider who is the victim of society.[29] But the novel also makes the issue of sympathy problematic in an unkind society. This means that society becomes the generator of the grotesque, by a process of alienation.[30] In fact, the grotesque monster in Frankenstein tends to be described as "the creature".
The grotesque received a new shape with Alice's Adventures in Wonderland by Lewis Carroll, when a girl meets fantastic grotesque figures in her fantasy world. Carroll manages to make the figures seem less frightful and fit for children's literature, but still utterly strange. Another comic grotesque writer who played on the relationship between sense and nonsense was Edward Lear. Humorous, or festive nonsense of this kind has its roots in the seventeenth century traditions of fustian, bombastic and satirical writing.[31]
During the nineteenth-century category of grotesque body was increasingly displaced by the notion of congenital deformity or medical anomaly.[32] Building on this context, the grotesque begins to be understood more as deformity and disability, especially after the First World War, 1914–18. In these terms, the art historian Leah Dickerman has argued that "The sight of horrendously shattered bodies of veterans returned to the home front became commonplace. The accompanying growth in the prosthetic industry struck contemporaries as creating a race of half-mechanical men and became an important theme in dadaist work.'[33] The poetry of Wilfred Owen displays a poetic and realistic sense of the grotesque horror of war and the human cost of brutal conflict. Poems such as Spring Offensive and Greater Love combined images of beauty with shocking brutality and violence in order to produce a sense of the grotesque clash of opposites. In a similar fashion, Ernst Friedrich (1894–1967), founder of the Berlin Peace Museum, an anarchist and a pacifist, was the author of War Against War (1924) which used grotesque photographs of mutilated victims of the First World War in order to campaign for peace.
Southern Gothic is a genre frequently identified with grotesques and William Faulkner is often cited as the leading exponent. Flannery O'Connor wrote, "Whenever I'm asked why Southern writers particularly have a penchant for writing about freaks, I say it is because we are still able to recognize one" (Some Aspects of the Grotesque in Southern Fiction, 1960). In O'Connor's often-anthologized short story A Good Man Is Hard to Find, the Misfit, a serial killer, is clearly a maimed soul, utterly callous to human life, but driven to seek the truth. The less obvious grotesque is the polite, doting grandmother who is unaware of her own astonishing selfishness. Another oft-cited example of the grotesque from O'Connor's work is her short story entitled A Temple of the Holy Ghost. The American novelist Raymond Kennedy is another author associated with the literary tradition of the grotesque.
Contemporary writers of literary grotesque fiction include Ian McEwan, Katherine Dunn, Alasdair Gray, Angela Carter, Jeanette Winterson, Umberto Eco, Patrick McGrath, Jessica Anthony, Natsuo Kirino, Paul Tremblay, Matt Bell, Chuck Palahniuk, Brian Evenson, Caleb J. Ross (who writes domestic grotesque fiction),[34] Richard Thomas and many authors who write in the bizarro genre of fiction.
Other contemporary writers who have explored the grotesque in pop-culture are John Docker, in the context of postmodernism; Cintra Wilson, who analyzes celebrity; and Francis Sanzaro, who discusses its relation to childbirth and obscenity.[35]
Alien Resurrection (1997) is the only film rated by the MPAA to have "grotesque images" in its rating description,[36] mainly due to its depiction of the Newborn xenomorph and the failed clones of Ellen Ripley, who all featured grotesque human–alien (hybrid) characteristics.[37]
The term "Theatre of the Grotesque" refers to an anti-naturalistic school of Italian dramatists, writing in the 1910s and 1920s, who are often seen as precursors of the Theatre of the Absurd. Characterized by ironic and macabre themes of daily life in the World War 1 era. Theatre of the Grotesque was named after the play 'The Mask and the Face' by Luigi Chiarelli, which was described as 'a grotesque in three acts.'
Friedrich Dürrenmatt is a major author of contemporary grotesque comedy plays.
In architecture the term "grotesque" means a carved stone figure.
Grotesques are often confused with gargoyles, but the distinction is that gargoyles are figures that contain a water spout through the mouth, while grotesques do not. Without a water spout, this type of sculpture is also known as a chimera when it depicts fantastical creatures. In the Middle Ages, the term babewyn was used to refer to both gargoyles and grotesques.[38] This word is derived from the Italian word babbuino, which means "baboon".
The word "grotesque", or "Grotesk" in German, is also frequently used as a synonym for sans-serif in typography. At other times, it is used (along with "neo-grotesque", "humanist", "lineal", and "geometric") to describe a particular style or subset of sans-serif typefaces. The origin of this association can be traced back to English typefounder William Thorowgood, who introduced the term "grotesque" and in 1835 produced 7-line pica grotesque—the first sans-serif typeface containing actual lowercase letters. An alternate etymology is possibly based on the original reaction of other typographers to such a strikingly featureless typeface.[39]
Popular grotesque typefaces include Franklin Gothic, News Gothic, Haettenschweiler, and Lucida Sans (although the latter lacks the spurred "G"[clarification needed]), whereas popular neo-grotesque typefaces include Arial, Helvetica, and Verdana.
![Techo decorado con arabescos en la Galería de los Uffizi, Florencia, Italia, por varios arquitectos, incluido Giorgio Vasari, c. 1560-1581[7]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/5/55/Ceiling_of_Uffizi_Gallery.jpg/1280px-Ceiling_of_Uffizi_Gallery.jpg)
![Techos decorados con grutescos en la Biblioteca Vaticana, Ciudad del Vaticano, por Domenico Fontana, 1587-1588[8]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a2/The_Sistine_Hall_of_the_Vatican_Library_(2994335291).jpg/1280px-The_Sistine_Hall_of_the_Vatican_Library_(2994335291).jpg)
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![Barroco – grotescos en la boiserie de una habitación del Hôtel Colbert de Villacerf, ahora en el Musée Carnavalet, París, arquitecto, escultor y pintor desconocido, c. 1650[19]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/8/8b/H%C3%B4tel_Colbert_de_Villacerf_1.jpg/1280px-H%C3%B4tel_Colbert_de_Villacerf_1.jpg)
![Barroco: grotescos en una puerta de la Galerie d'Apollon, Palacio del Louvre, París, por Louis Le Vau y Charles Le Brun, después de 1661[20]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3d/Detail_of_the_Galerie_d'Apollon_(14).jpg/1280px-Detail_of_the_Galerie_d'Apollon_(14).jpg)
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![Neoclásico: interior de Le Grand Véfour, París, por ML Viguet, 1852[21]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e0/Paris_Palais_Royal_Restaurant_Grand_V%C3%A9four_S%C3%A4ulen_1.jpg/1280px-Paris_Palais_Royal_Restaurant_Grand_V%C3%A9four_S%C3%A4ulen_1.jpg)
![Neoclásico: interior de Le Grand Véfour, París, por ML Viguet, 1852[22]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/34/Paris_Palais_Royal_Restaurant_Grand_V%C3%A9four_S%C3%A4ulen_2.jpg/1280px-Paris_Palais_Royal_Restaurant_Grand_V%C3%A9four_S%C3%A4ulen_2.jpg)
![Neoclásico: interior de Le Grand Véfour, París, por ML Viguet, 1852[23]](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/3c/Paris_Palais_Royal_Restaurant_Grand_V%C3%A9four_S%C3%A4ulen_3.jpg/1280px-Paris_Palais_Royal_Restaurant_Grand_V%C3%A9four_S%C3%A4ulen_3.jpg)
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