The Brave Little Toaster es una película animada estadounidense de 1987 dirigida por Jerry Rees . [4] Está basada en la novela homónima de 1980 de Thomas M. Disch . [5] La película está protagonizada por Deanna Oliver , Timothy E. Day, Jon Lovitz , Tim Stack y Thurl Ravenscroft , con Wayne Kaatz , Colette Savage, Phil Hartman , Joe Ranft y Jim Jackman en papeles secundarios. Está ambientada en un mundo donde los electrodomésticos y otros productos electrónicos de consumo cobran vida, pretendiendo estar sin vida en presencia de humanos. La historia se centra en cinco electrodomésticos antropomórficos (una tostadora , una lámpara de cuello de cisne , una manta eléctrica , una radio y una aspiradora ) que emprenden una búsqueda para encontrar a su dueño. [6]
La película fue producida por Hyperion Pictures y The Kushner-Locke Company . Muchos graduados de CalArts , incluidos los miembros originales de Pixar Animation Studios, estuvieron involucrados en su producción. [7] Los derechos del libro fueron adquiridos por Walt Disney Studios en 1982. John Lasseter , entonces empleado en Disney, quería hacer una película animada por computadora basada en él, pero fue rechazado. Si bien la película recibió un estreno limitado en cines , The Brave Little Toaster recibió críticas positivas y fue popular en video doméstico . Fue seguida por dos secuelas, The Brave Little Toaster to the Rescue en 1997 y The Brave Little Toaster Goes to Mars en 1998. [8]
En una pequeña cabaña de madera, cinco electrodomésticos antropomórficos (una tostadora, una radio, una lámpara de escritorio llamada "Lampy", una manta eléctrica llamada "Blanky" y una aspiradora llamada " Kirby ") esperan el regreso de un joven llamado Rob (a quien llaman "el Maestro") que solía pasar las vacaciones en la cabaña con su familia, pero que no ha vuelto a visitarla en varios años. Un día, al ver que la cabaña está a punto de ser vendida, los electrodomésticos deciden aventurarse y encontrar a Rob ellos mismos. Convierten a Kirby en un vehículo improvisado al colocarle una silla de oficina con ruedas, una regleta y una batería de automóvil, y parten hacia la ciudad.
A lo largo de su viaje, los electrodomésticos tienen numerosas aventuras desgarradoras. Cuando se les agota la batería, el grupo se detiene para pasar la noche en un bosque, con Blanky como tienda de campaña. Durante la noche, una tormenta hace volar a Blanky hacia los árboles, y Lampy se usa a sí mismo como pararrayos para recargar la batería. Después de recuperar a Blanky, los electrodomésticos intentan cruzar una cascada, pero todos excepto Kirby caen al agua turbia de abajo. Kirby se sumerge y rescata a los demás; pero con la silla, la tira y la batería perdidas, el grupo recurre a tirar del discapacitado Kirby a través de un pantano. Casi son tragados por un pantano gigante de arenas movedizas, pero son salvados por Elmo St. Peters, quien los lleva a su tienda de repuestos para electrodomésticos. Allí, St. Peters se prepara para extraer y vender los tubos de vacío de Radio , pero los otros electrodomésticos asustan a St. Peters fingiendo ser un fantasma, lo que hace que se quede inconsciente. Posteriormente, los electrodomésticos escapan de la tienda.
Mientras tanto, Rob, ahora un adulto joven, sale a la cabaña con su novia Chris para recuperar los electrodomésticos para llevarlos a la universidad. El grupo llega al apartamento de Rob, pero los electrodomésticos más nuevos de su familia, resentidos porque Rob prefiere los electrodomésticos más viejos, demuestran lo mucho más avanzados tecnológicamente que son y arrojan al grupo fuera del apartamento y a un contenedor de basura. Rob y Chris regresan a casa con las manos vacías; pero un viejo televisor en el apartamento, un amigo de los cinco electrodomésticos que anteriormente residía en la cabaña con ellos, reproduce anuncios ficticios del depósito de chatarra al que se han llevado los electrodomésticos, convenciendo a Rob y Chris de ir allí y encontrarlos.
En el depósito de chatarra, los electrodomésticos se desesperan, creyendo que Rob ya no los quiere. Son recogidos por un gran electroimán ceñudo y están a punto de ser destruidos por una trituradora , pero después de ver a Rob llegar al depósito de chatarra, recuperan la esperanza e intentan reunirse con él. El imán frustra su escape y los obliga a subir a la cinta transportadora que conduce a la trituradora. Rob ve todos los electrodomésticos excepto Toaster en la cinta transportadora e intenta rescatarlos, pero el imán los recoge a todos y los deja caer de nuevo en la cinta. Toaster salta a los engranajes de la trituradora, deteniéndola justo antes de que aplaste a Rob y los demás, pero queda gravemente destrozado en el proceso. De vuelta al apartamento, Rob repara Toaster, y él y Chris parten hacia la universidad con los cinco electrodomésticos a cuestas.
Los derechos cinematográficos de The Brave Little Toaster , la novela original de Thomas M. Disch, fueron adquiridos por Walt Disney Studios en 1982, dos años después de su aparición en The Magazine of Fantasy and Science Fiction . [11] Después de que los animadores John Lasseter y Glen Keane terminaron una película corta de prueba en 2D/3D basada en el libro Donde viven los monstruos , Lasseter y el productor Thomas L. Wilhite decidieron que querían producir un largometraje completo con la misma técnica.
La historia que eligieron fue The Brave Little Toaster , y esta se convirtió en la primera película CGI que Lasseter presentó, [12] pero en su entusiasmo, se encontraron con problemas al presentar la idea a dos ejecutivos de alto nivel de Disney, el administrador de animación Ed Hansen y el presidente de Disney Ron W. Miller . Ron Miller preguntó sobre el costo después de la presentación y cuando Lasseter respondió que no costaría más que una película animada tradicional, Miller rechazó la propuesta, diciendo que la única razón para usar computadoras sería si fuera "más rápido o más barato". [13] [14]
Unos minutos después de la reunión, Lasseter recibió una llamada telefónica de Hansen y se le ordenó que fuera a su oficina, donde le informaron que había sido despedido. Originalmente previsto que comenzara en los estudios Disney con un presupuesto de 18 millones de dólares, el desarrollo se transfirió luego a la nueva Hyperion Pictures , que había sido creada por los ex empleados de Disney Tom Wilhite y Willard Carroll , quienes se llevaron la producción junto con ellos después de que Wilhite solicitara con éxito el proyecto al entonces presidente Ron Miller. Como resultado, la película fue financiada como una producción independiente por Disney, con la ayuda de la empresa de electrónica TDK Corporation y el distribuidor de video CBS/Fox Video . [11]
El presupuesto se redujo en 12,06 millones de dólares a 5,94 millones de dólares cuando comenzó la producción, aproximadamente un tercio del presupuesto ofrecido cuando se trataba de una producción interna. [11] A pesar de proporcionar fondos para ponerla en marcha, Disney no participó en la producción de la película. [11] Rees comentó más tarde que había fuerzas externas en juego que tenían derecho a decir que se trataba de una película barata que podía enviarse al extranjero, a lo que el personal se opuso y, por lo tanto, estaban dispuestos a hacer sacrificios para mejorar la calidad de la película a pesar de su presupuesto limitado. [15]
En 1986, Hyperion comenzó a trabajar en la historia y el desarrollo de los personajes. Jerry Rees , miembro del equipo de dos películas anteriores de Disney, The Fox and the Hound y Tron , y coguionista del guion junto con Joe Ranft , fue elegido para dirigir el proyecto. [11] Había estado trabajando en una adaptación animada de The Spirit de Will Eisner con Brad Bird , y recibió una llamada de Wilhite pidiéndole que desarrollara, escribiera y dirigiera, explicando que The Brave Little Toaster se estaba adaptando a un cortometraje, pero que era posible un largometraje si se manejaba correctamente. [15] Joe Ranft y Rees trabajaron en el desarrollo de la historia. Los guiones gráficos fueron diseñados por Rees, Ranft, junto con Alex Mann y Darrell Rooney. Cuando los animadores se quedaron sin páginas para el guión gráfico, Rees se sentó y escribió más del guion. [15]
La obra fue adaptada significativamente de la historia original. Solo unas cuatro líneas de diálogo del libro terminaron en la película terminada. [15] Rees decidió mover la secuencia del depósito de chatarra de la mitad de la historia al final debido al simbolismo del depósito de chatarra como cementerio de electrodomésticos. [15] También quería un momento definitivo que le valiera a Toaster el título de "valiente", por lo que hizo que Toaster saltara a los engranajes para salvar al Maestro, un punto de la trama que no estaba en el libro. [15] Tener las voces de los personajes en su cabeza al escribir el guion ayudó a Rees a personalizar el diálogo. Incluso reelaboró parte del guion ya terminado para personalizar secciones en función de las personalidades de los actores. [15] Después de montar los guiones gráficos y la planificación de escenas en Taipei, el director de producción Chuck Richardson explicó los problemas logísticos: la película duraría 110 minutos. Como resultado, Rees decidió cortar alrededor de 20 minutos de la historia; las escenas eliminadas no se han publicado. [15]
Rees todavía estaba en el proceso de escritura cuando decidió buscar actores. Muchos de los que hicieron la audición presentaron voces exageradas y caricaturescas, lo que le desagradó, porque no creían en sus personajes ni aportaban realidad al papel. [15] Como resultado, buscó talentos de voz del grupo de improvisación The Groundlings por recomendación de Ranft, [11] y apreció la honestidad y el naturalismo que le dieron a sus actuaciones. [15] Muchos de sus miembros, incluidos Jon Lovitz (Radio), Phil Hartman (Aire acondicionado/Lámpara colgante), Tim Stack (Lampy), Judy Toll (Mishmash) y Mindy Sterling (la madre de Rob) prestaron sus voces a personajes de la película. Ya establecido como actor a través de Tony the Tiger y How the Grinch Stole Christmas! de Dr. Seuss, Thurl Ravenscroft fue elegido para interpretar a Kirby, la aspiradora. Encabezando el reparto estaban la intérprete de Groundlings Deanna Oliver como Toaster y el recién llegado Timothy E. Day como Blanky. [11]
Oliver audicionó originalmente para Air Conditioner usando una imitación de Bette Davis , pero aceptó el papel principal cuando se lo ofrecieron. [15] Rees, que había concebido a Toaster como un personaje femenino, recordó más tarde una anécdota en la que un miembro del equipo "cerró la puerta y se fue" porque había contratado a una mujer para interpretar el papel principal. [15] Day nunca había trabajado como actor antes y le había pedido a su madre que lo llevara a audiciones después de quedar fascinado con la voz en off de un actor infantil. [15]
Las sesiones de grabación se llevaron a cabo en una pequeña propiedad abandonada en Hollywood. [15] La dirección de Rees consistió principalmente en asegurar que las actuaciones fueran lo más naturales y realistas posibles. [15] Al grabar, Rees primero hizo que cada escena se entregara tal como estaba escrita y luego permitió que los actores de doblaje jugaran con el diálogo y terminaron usando muchas de las líneas improvisadas en la película final. [15] Algo inusual para la época, algunas de las grabaciones se hicieron en sesiones grupales. [15]
Después de ser elegido, Jon Lovitz tuvo la oportunidad de aparecer en Saturday Night Live . Debido a que Rees había escrito el papel de Radio específicamente para Lovitz, intentó encontrar una manera de mantenerlo en la película. Terminaron haciendo una sesión de grabación maratónica, grabando todas las líneas de diálogo de Lovitz en una noche. Luego, Rees reemplazó a Lovitz cuando los demás estaban grabando. [15]
Rees describió a Timothy Day como un "artista asombroso", que preguntaba sobre la motivación de su personaje y el contexto de cada escenario antes de grabar sus líneas. Day fue apodado "Timmy de una sola toma" debido a que captaba la verdad emocional del texto tan rápido, como llorando en voz alta o pronunciando una línea con un temblor en su voz. [15] Al comparar esta película con las secuelas, donde una nota alta fue doblada por otro cantante debido a que desafinaba, Oliver señaló que en esta película se habría mantenido debido a que era parte del personaje. [15]
El equipo trabajó inicialmente en la preproducción durante seis meses en Los Ángeles en 1985, y luego un equipo de diez personas se mudó a Taiwán con Rees durante otros seis meses para trabajar con Wang Film Productions Company Limited en Taipei (dirigida por James Wang) para la animación principal, [ cita requerida ] luego regresó para un tercer período de trabajo de seis meses para la posproducción en los EE. UU. [15] [1] La esposa de Rees, Rebecca, fue la animadora directora de la película y dio clases a los animadores taiwaneses para mejorar la calidad de su producción.
Los animadores también tenían una mezcla de ex empleados de Disney y graduados universitarios de CalArts. [15] Todos los días, tenían que hacer lo que normalmente se haría en un período de dos semanas en Disney. [15] El estilista de color fue el veterano animador de Disney A. Kendall O'Connor, miembro del departamento de animación de largometrajes de Disney desde su primer largometraje Blancanieves y los siete enanitos , [11] y Oliver comparó la alegre secuencia de la rana con Merrie Melodies . [15] Rees incluyó un enorme cartel de TDK ya que la empresa era un gran patrocinador. [15] Los animadores utilizaron muchas señales visuales para ayudar a informar a la audiencia sobre la trama y el personaje. Por ejemplo, durante la secuencia de pesadilla al comienzo de la película, Tostadora quema tostadas y emite humo, que simboliza la culpa y el miedo a ser responsable.
Dedujeron que las tostadoras tendrían miedo de cosas como los tenedores y de caerse en la bañera mientras están enchufadas, por lo que las incluyeron en esta secuencia. Oliver describió la transición de las chispas de la bañera a los relámpagos fuera de la casa como una realización cinematográfica adecuada. [15] De manera similar, el hecho de que Blanky sea de un cierto tono de amarillo tiene importancia para la trama. Al comienzo de su viaje, los otros personajes lo rechazan, incluso Toaster. Luego, Toaster se encuentra con una flor del mismo color, que también quiere acurrucarse. Después de explicar que es solo un reflejo, se aleja, lo que hace que la flor se marchite. El siguiente momento muestra a Toaster rescatando proactivamente a Blanky. La idea es que la flor le informa a Toaster que sus acciones también harán que Blanky se marchite. [15]
La banda sonora de The Brave Little Toaster fue compuesta y dirigida por David Newman e interpretada por la New Japan Philharmonic . La banda sonora de Newman para esta película fue una de sus primeras obras y, aparentemente, una con la que se sentía muy cercano. No la vio como una obra alegre y decidió darle a la película una banda sonora dramática para reforzar la naturaleza seria de muchos de los temas de la película. Rees admiró su "estilo rico y clásico" y lo eligió para que la película no tuviera "música de dibujos animados". [1] Rees afirmó que Newman intentaría meterse en el espacio mental de los personajes y pensar en términos de que los objetos inanimados eran personajes reales.
Rees dijo que la banda sonora de Newman era "tan grandiosa como cualquier otra que hubiera hecho", en lugar de componer la música de manera diferente debido a que el medio era la animación. [15] Tejió muerte, alegría, amor, pérdida y lucha en la obra. El estilo de composición de Newman estuvo influenciado por su filosofía de que detrás de cada "acorde de alegría" hay un elemento de tristeza, ya sea el conocimiento de que no durará para siempre, que es una fachada para una emoción más profunda o que la alegría en sí misma proviene de la tristeza. [15] Utilizó cuerdas exuberantes en las escenas iniciales para transmitir una sensación de anhelo. [1] A medida que se presentan los personajes, la banda sonora se vuelve más animada y cada personaje tiene su propio tema, influenciado por su personalidad. Por ejemplo, Kirby es una aspiradora vieja y gruñona, por lo que Newman proporciona un tema que consiste en acordes bajos, mientras que Radio recibió una fanfarria estridente para reflejar su personalidad engreída. Estos motivos musicales se abrieron camino en toda la banda sonora de la película. [1]
En algunos puntos, el estilo de la música se utilizó para provocar una respuesta emocional, por ejemplo, cuando el aire acondicionado se estropea, la orquesta primero tiembla y luego estalla con energía. Después de esto, la música vuelve a un tono sombrío, ya que los electrodomésticos comienzan a darse cuenta de que hay verdad en lo que dijo. [1] Cuando exploran el mundo exterior por primera vez, la música se llena de una "grandeza pastoral", y cuando ingresan al bosque, se utilizan cuerdas, flautas, campanas y metales para transmitir la magia y el peligro simultáneos del aire libre. La película también contiene una secuencia de estilo ópera italiana de Busby Berkeley que contiene un pez. [1] La banda sonora finalmente se estrenó de forma limitada en 2004. [15] La película contiene cuatro canciones originales ("City of Light", "It's a B-Movie", "Cutting Edge" y "Worthless") que fueron escritas por Van Dyke Parks . Rees "se sentía incómodo con el enfoque completo del musical de Broadway ", y su filosofía era que las canciones debían ser parte de la acción y la trama sin detenerse en un gran número de producción.
Rees quería específicamente que los personajes pudieran empezar a cantar cuando quisieran, de manera similar a las películas de la Edad de Oro de Hollywood. [1] Una vez que las escribieron, Newman utilizó las canciones en su propia banda sonora. Por ejemplo, la primera canción de la película, "City of Light", muestra la ingenuidad y la aprensión del personaje, y contiene un motivo que se vuelve más complejo a medida que avanza la película. [1] Este enfoque hizo que la banda sonora fuera más coherente. "It's a B-Movie" está llena de humor negro y un órgano de tubos siniestro mientras los electrodomésticos mutantes asustan a los personajes principales. "Cutting Edge", impulsada por sintetizadores, ve a los electrodomésticos de última generación del maestro alardear de lo geniales que son. El conmovedor número "Worthless" es una pista llena de piano, cuerdas, guitarra y voces que se cortan abruptamente cuando los autos que cantan son aplastados. El clímax de la secuencia del depósito de chatarra evoca sentimientos de desesperación, peligro, suspenso y peligro del mundo real. Newman "repite los temas sutiles y variados de la banda sonora durante los créditos finales". [1] Newman escribió y orquestó la banda sonora durante un período de 50 horas, que incluyó embarcarse en un vuelo de 12 horas a Japón para grabar con la orquesta en Maeda Hall.
La New Japan Philharmonic le dio a la banda sonora un "sonido lujoso" que fue impresionante considerando los recursos limitados disponibles. [1] Los efectos de sonido no provenían de una biblioteca, sino que eran exclusivamente sonidos Foley , con varios objetos del mundo real alrededor de Los Ángeles que se usaron en la banda sonora, como objetos en tiendas de antigüedades. Esta técnica se usó porque Rees quería crear nuevos personajes con nuevos sonidos. [15] Los mezcladores de sonido, incluido el ex mezclador del estudio Disney Shawn Murphy , quien grabó la banda sonora, preguntaron cómo harían su trabajo debido a que la película estaba animada, y Rees explicó que deberían mezclarla como cualquier otra película, en lugar de pensar en ella como si fuera una caricatura. [15] [1]
La banda sonora de David Newman para The Brave Little Toaster fue su primera para una obra animada; [16] Van Dyke Parks escribió la música y las letras de las canciones. En la mayoría de las canciones, Beth Anderson , Janice Liebhart y Darryl Phinnessee interpretan las voces de varios personajes secundarios, mientras que también hacen de coros. Además, las canciones " Tutti Frutti " y " My Mammy " son interpretadas por el personaje Radio durante la película.
Jay Boyar, del Orlando Sentinel, escribió en octubre de 1989: "Las canciones (de Van Dyke Parks)... son ingeniosas. La mejor de una muy buena tanda es 'Cutting Edge', una cancioncilla al estilo de Talking Heads para niños en la que una pandilla de artilugios de alta tecnología sorprende y asusta a la banda de Toaster con cierta destreza electrónica". [17] Thomas Glorieux le dio tres estrellas a la banda sonora en unareseña de alrededor de 2000. [16]
Las canciones originales interpretadas en la película incluyen:
El director Jerry Rees describió el mensaje principal de la película como: "¿Cómo sería ser un electrodoméstico y sentirte bien cuando eres útil y ayudas a la gente..."? También explicó que los temas de la película incluían "el miedo a ser abandonado y el deseo de reunirse con alguien a quien amas...", las fuerzas opuestas de sentirse inútil y la alegría de la redención". [15] Otra noción importante era la de "valorar las cosas del pasado y llevarlas... al futuro", tanto en términos de objetos como de relaciones. [15]
Todos los personajes principales tienen personalidades que son giros únicos en la funcionalidad del aparato. Blanky es una manta de seguridad eléctrica pero se siente inseguro sin su dueño, el brillante Lampy es mentalmente tonto, Kirby se supone que debe guardar todo dentro pero tiene un colapso nervioso, Toaster es cálido y reflexivo, por lo que puede empatizar fácilmente, y Radio está constantemente encendida y es entretenida. [15] Tiene la filosofía de que a pesar de ser inanimados, cada uno simboliza cosas que los humanos realmente sienten. [15] Como base para escribir la historia, Rees razonó que los personajes solo serían felices si estuvieran siendo utilizados por el Maestro. [15] Como resultado de esto, un aspecto importante de la película trata sobre los objetos inanimados que cobran vida cuando alguien no los está observando. [15]
A diferencia de otras películas de la época, The Brave Little Toaster pudo incluir contenido oscuro, aterrador, atrevido o subido de tono debido a que era una película independiente. Los realizadores pudieron explorar los lugares del tipo "¿no sería divertido si…?" que Disney no permitía. Rechazaron la falsa dicotomía de ser una película basada en bromas o demasiado sincera y, en cambio, incorporaron ambos elementos, ya que así es como funcionan las conversaciones reales. [15]
El estreno de la película fue en el Teatro Wadsworth de Los Ángeles el 10 de julio de 1987. [1] Con la ayuda del productor, la película se estrenó en varios festivales, incluido el Los Angeles International Animation Celebration en 1987, [18] y el Festival de Cine de Sundance en 1988. Hizo historia como la primera película animada original exhibida en Sundance [19] ( The Cosmic Eye de Faith Hubley , una película recopilatoria que presenta varios cortometrajes que hizo con su esposo John Hubley , se proyectó en el festival de 1986) [20] y siguió siendo la única hasta Waking Life de 2001. [21]
Aunque el premio fue para la película filmada en video de Rob Nilsson Heat and Sunlight , antes de la ceremonia de premios, Rees afirma que los jueces le dijeron que consideraban que Toaster era la mejor película, pero decidieron no darle el premio a una caricatura porque consideraron que la gente no tomaría el festival en serio después. [15] Aunque a veces se piensa que la película no se estrenó en los cines porque no logró encontrar un distribuidor, [22] en realidad, el distribuidor de películas de arte y ensayo Skouras Pictures asumió los derechos de distribución para el estreno en cines e iba a hacer proyecciones nocturnas, señalando que era más para estudiantes universitarios y adultos jóvenes que para niños.
Sin embargo, Disney, que había invertido en los derechos de vídeo y televisión, [15] según Rees no quería competencia, por lo que adelantó la fecha de estreno en televisión y terminó impidiendo que tuviera éxito financiero en los cines, lo que obligó a Skouras a rescindir su acuerdo. [1] La película se estrenó en Disney Channel el 27 de febrero de 1988. [23] Para compensar, Hyperion continuó con su plan de presentar la película en varios festivales y logró asegurar transmisiones teatrales limitadas en instalaciones de cine independiente en todo Estados Unidos, como pasar dos semanas en el Film Forum de Nueva York en mayo de 1989, y poco después en Washington, DC, en marzo de 1990. [21]
Rees cree que la mayoría de la gente descubrió la película a través de la sindicación en Disney Channel o a través de lanzamientos en video casero. [15] En julio de 1991, Walt Disney Home Video lanzó la película en formato de video casero a través de VHS y Laserdisc. Se lanzó un lanzamiento en DVD en 2003; como la mayoría de los lanzamientos económicos de Disney de la época, el DVD utiliza la transferencia del lanzamiento en LaserDisc.
Si bien las secuelas, The Brave Little Toaster to the Rescue y The Brave Little Toaster Goes to Mars , están disponibles, la película original aún no ha aparecido en Disney+ ni en ningún servicio de video a pedido. Una transferencia 4K no oficial de una de las copias de 35 mm de la película , autorizada por Jerry Rees y Brian McEntee, se subió a YouTube el 13 de julio de 2023. [24]
ITC Entertainment tenía los derechos de distribución internacional de la película (excepto Japón, que los mantuvo Disney) y comenzó a distribuir la película a partir de la feria de televisión ATPE de 1991. [25]
En el Reino Unido, las cintas VHS se lanzaron bajo PolyGram Video (década de 1990) y Carlton Video (década de 2000), mientras que en Australia, Roadshow Home Video tenía los derechos.
En España, la distribución la realizaron Divisa Home Video y Aurum Producciones, la primera durante la década de 2000.
En septiembre de 2003, Prism Leisure , bajo licencia de Carlton Communications (los entonces propietarios de la biblioteca de ITC Entertainment), lanzó la película en DVD en el Reino Unido para coincidir con su 15º aniversario. Este lanzamiento en DVD, en comparación con la versión estadounidense de Disney, utiliza una transferencia remasterizada completamente nueva proveniente de una copia internacional. Su licencia ya ha expirado, pero el disco aún se puede encontrar en los sitios de compras del Reino Unido.
La película ha obtenido una calificación del 77% en el sitio web de reseñas Rotten Tomatoes en base a 13 reseñas, con un promedio ponderado de 7.31/10. [4] Mary Houlihan-Skilton del Chicago Sun-Times dio una reseña positiva, pero encontró un problema con los narradores que usan caricaturas de Bette Davis , Peter Lorre , Jack Nicholson , Mae West , Joan Rivers y otros para retratarlos, sintiendo que se volvió "tan viejo que se ha usado para siempre y se le debe dar un descanso". [26]
El Washington Post la llamó "una película para niños hecha sin condescendencia", [27] mientras que el New York Times dijo que la película visualmente "tiene un ritmo fluido y una opulencia exuberante de libro de cuentos". [28] Time Out dijo que la película tenía "una combinación ganadora de personajes inventivos, diálogo divertido, excelentes voces en off, una melodía agradable y una animación de primera clase". [29] Deseret News escribió que es "una maravilla de la industria cinematográfica... un largometraje animado divertido, ocasionalmente emocionante, dirigido a los niños, pero con una sensibilidad sofisticada destinada a llegar también a sus padres". [30] Halliwell's Film Guide la llamó una "extraña fantasía de ollas y sartenes con una animación no más que adecuada". [31]
Projection Booth , Film Freak Central , Arizona Daily Star y Leonard Maltin dieron a la película elogios similares, describiéndola como "una de las mejores películas animadas que Disney nunca hizo", [32] " Blade Runner para niños", [33] "un clásico pasado por alto [y] una fábula completamente re-mirable", [33] y "un verdadero soplo de aire fresco en los dibujos animados contemporáneos", respectivamente. [34] Needcoffee.com le dio a la película un 4/5, escribiendo que a pesar de que la película tiene una premisa cuestionable, "es una película animada realmente linda y extremadamente divertida". [33] Las Vegas Review-Journal , [33] Movie Mom en Yahoo! Movies , [33] y eFilmCritic.com dieron la misma puntuación, este último la describió como una "película infantil perfectamente encantadora sobre electrodomésticos aventureros". [33] Northwest Herald le dio un 3/5, [33] EmanuelLevy.Com y Talking Pictures le dieron una calificación de 2/5. [33]
Esta película es única en el sentido de que atrajo una cantidad sustancial de talento tanto de fuentes antiguas como nuevas. Muchos de los miembros del elenco y del equipo continuaron teniendo carreras exitosas en la industria de la animación. El coguionista Joe Ranft se convirtió en supervisor de guiones en Pixar, mientras que los animadores Kirk Wise y Kevin Lima continuaron animando y codirigiendo películas del Renacimiento de Disney , como La Sirenita , La Bella y la Bestia , Aladdin , Pocahontas , El jorobado de Notre Dame y Tarzán . El animador de efectos Mark Dindal dirigió El emperador y sus locuras y Chicken Little de Disney , así como Los gatos no bailan de Warner Bros. y La película de Garfield de Sony Pictures . El diseñador de personajes Rob Minkoff dirigió El rey león , Stuart Little , Stuart Little 2 , Mr. Peabody & Sherman y Paws of Fury: La leyenda de Hank . Después de dirigir la película The Marrying Man, que no tuvo mucho éxito financiero , en 1991, Jerry Rees pasó a dirigir numerosas producciones multimedia en los parques temáticos de Disney. [7] Los actores de doblaje Jon Lovitz y Phil Hartman se abrieron camino en series animadas como Los Simpson y The Critic . Muchos han señalado que esta película comparte similitudes con la franquicia Toy Story , en la que también trabajó John Lasseter. Rees la vio como "la próxima película de objetos inanimados". [15]
A pesar de su lanzamiento limitado, [35] [36] el culto que ha generado la película [37] ha hecho que el elenco y el equipo obtengan un reconocimiento sustancial en todo el mundo. Rees recordó una situación en la que una persona con la que estaba haciendo un proyecto en línea le envió un mensaje en IMDb , descubriendo su trabajo en TBLT , y le explicó cuán profundamente lo afectó la película debido a que le enseñó lecciones de vida. Apreció esta reacción genuina de una persona real. [15] Oliver fue a la ceremonia de despliegue de Afganistán para su hijo en junio de 2010, y le había dicho a Brave Company que su madre interpretaba a Toaster, por lo que trajeron tostadoras para que ella las firmara, que los soldados se llevaron al país con ellos. También recibió arte de fan de uno de los soldados. [15] El consenso entre las personas que trabajaron en la película, como Tom Wilhite y Donald Kushner, es que la original es la que tiene seguidores de culto a diferencia de las secuelas. [15] Rees dijo que cuando sus futuros amigos de Pixar vieron la película, la apreciaron a pesar de la animación debido a las fuertes limitaciones financieras y de tiempo. [15]
A The Brave Little Toaster le siguieron dos secuelas una década después: The Brave Little Toaster Goes to Mars y The Brave Little Toaster to the Rescue . [8] La primera ( Marte ) está basada en la secuela de la novela de Disch, mientras que la segunda ( Rescue ) es una historia completamente nueva. Si bien reunieron a la mayoría del elenco y los productores, tuvieron un director diferente en Robert C. Ramirez y nuevos miembros del equipo. Rees señaló que la película original se hizo por puro amor y no se pensó como una película para niños o un producto, y que había escuchado que el nuevo enfoque era una empresa más comercial. [15] Deanna Oliver sintió que a pesar de que Ramirez era un director talentoso que manejaba la franquicia con cuidado, en lugar de "película" y "impulsado por los personajes", el proyecto parecía más sobre hacerlo porque podía hacerse. Ni Rees ni Oliver han admitido haber visto las secuelas terminadas.
En 2006, el sitio web oficial de Hyperion Pictures publicó una imagen de una posible cuarta película en CGI , pero esa película nunca se produjo. El sitio web estuvo inactivo durante años antes de volver a actualizarse en 2019. Waterman Entertainment planeó una nueva versión, pero nunca se produjo. [15]
