Las artes escénicas son artes como la música , la danza y el teatro que se realizan para un público. [1] Son diferentes de las artes visuales , que implican el uso de pintura, lienzo o diversos materiales para crear objetos de arte físicos o estáticos . Las artes escénicas incluyen una variedad de disciplinas que se realizan frente a un público en vivo, incluido el teatro, la música y la danza.
El teatro , la música, la danza, la manipulación de objetos y otros tipos de espectáculos están presentes en todas las culturas humanas. La historia de la música y la danza se remonta a tiempos prehistóricos, mientras que las habilidades circenses se remontan al menos al Antiguo Egipto . Muchas artes escénicas se realizan de forma profesional. Las representaciones pueden tener lugar en edificios construidos especialmente, como teatros y casas de ópera, en escenarios al aire libre en festivales, en escenarios dentro de carpas como los circos o en la calle.
Las actuaciones en directo ante un público son una forma de entretenimiento. El desarrollo de la grabación de audio y vídeo ha permitido el consumo privado de las artes escénicas. Las artes escénicas suelen tener como objetivo expresar las emociones y los sentimientos de las personas. [2]
Los artistas que participan en las artes escénicas frente a una audiencia se denominan intérpretes. Algunos ejemplos de estos incluyen actores , comediantes , bailarines , magos , artistas de circo , músicos y cantantes . Las artes escénicas también cuentan con el apoyo de trabajadores en campos relacionados, como la composición de canciones , la coreografía y la escenografía . Los intérpretes a menudo adaptan su apariencia , como con vestuario y maquillaje escénico , iluminación escénica y sonido.
Las artes escénicas pueden incluir danza, música, ópera, teatro y teatro musical, magia , ilusión , mimo , palabra hablada , títeres , artes circenses , comedia stand-up , improvisación , lucha libre profesional y arte escénico .
También existe una forma especializada de bellas artes, en la que los artistas interpretan su trabajo en vivo para un público. Esto se llama arte escénico . La mayoría de las artes escénicas también implican alguna forma de arte plástico , tal vez en la creación de accesorios . La danza a menudo se consideraba un arte plástico durante la era de la danza moderna . [3]
El teatro es la rama de las artes escénicas que se ocupa de representar historias frente a un público, utilizando una combinación de habla, gestos, música, danza, sonido y espectáculo. Cualquiera de estos elementos o más se considera arte escénico. Además del estilo de diálogo narrativo estándar de las obras de teatro, el teatro adopta formas como obras de teatro, musicales, ópera, ballet, ilusionismo , pantomima , danza clásica india , kabuki , obras de teatro de mimos , teatro improvisado , comedia, pantomima y formas no convencionales o contemporáneas como el teatro posmoderno , el teatro posdramático o el arte escénico.
En el contexto de las artes escénicas, la danza generalmente se refiere al movimiento humano , típicamente rítmico y con música, utilizado como una forma de entretenimiento para el público en un entorno de actuación. Las definiciones de lo que constituye la danza dependen de restricciones sociales , culturales , estéticas , artísticas y morales y varían desde el movimiento funcional (como la danza folclórica ) hasta técnicas codificadas y virtuosas como el ballet . [4]
Existe otra forma moderna de danza que surgió en el siglo XIX y XX con el nombre de estilo de danza libre . Esta forma de danza se estructuró para crear una personalidad armoniosa que incluía características como la libertad física y espiritual. Isadora Duncan fue la primera bailarina que habló de la "mujer del futuro" y desarrolló un nuevo vector de coreografía utilizando la idea de Nietzsche de "mente suprema en mente libre". [5]
La danza es un impulso poderoso, pero el arte de la danza es ese impulso canalizado por intérpretes hábiles para convertirlo en algo intensamente expresivo y que puede deleitar a los espectadores que no sienten deseos de bailar. Estos dos conceptos del arte de la danza —la danza como un impulso poderoso y la danza como un arte hábilmente coreografiado practicado en gran medida por unos pocos profesionales— son las dos ideas de conexión más importantes que atraviesan cualquier consideración del tema. En la danza, la conexión entre los dos conceptos es más fuerte que en otras artes, y ninguno puede existir sin el otro. [4]
La coreografía es el arte de realizar danzas y la persona que practica este arte se llama coreógrafo.
La música es una forma de arte que combina tono , ritmo y dinámica para crear sonido. Se puede interpretar utilizando una variedad de instrumentos y estilos y se divide en géneros como folk , jazz , hip hop , pop y rock, etc. Como forma de arte, la música puede presentarse en vivo o en formatos grabados, y puede ser planificada o improvisada.
Como la música es un arte polifacético , se coordina fácilmente con las palabras de las canciones, como lo hacen los movimientos físicos en la danza. Además, tiene la capacidad de moldear las conductas humanas, ya que influye en nuestras emociones. [6]
A partir del siglo VI a. C., comienza en Grecia el período clásico de las artes escénicas , iniciado por los poetas trágicos como Sófocles . Estos poetas escribieron obras que, en algunos casos, incorporaban la danza (véase Eurípides ). El período helenístico dio inicio al uso generalizado de la comedia.
Sin embargo, en el siglo VI d. C., las artes escénicas occidentales prácticamente habían desaparecido, ya que comenzó la Edad Oscura . Entre el siglo IX y el siglo XIV, las artes escénicas en Occidente se limitaban a representaciones históricas religiosas y obras morales organizadas por la Iglesia para celebrar días festivos y otros eventos importantes.
En el siglo XV, las artes escénicas, junto con las artes en general, experimentaron un renacimiento cuando el Renacimiento comenzó en Italia y se extendió por toda Europa con obras de teatro, algunas de las cuales incorporaban danza, que se representaban y a Domenico da Piacenza se le atribuye el primer uso del término ballo (en De Arte Saltandi et Choreas Ducendi ) en lugar de danza (baile) para sus baletti o balli . El término finalmente se convirtió en Ballet . Se cree que el primer Ballet propiamente dicho fue el Ballet Comique de la Reine (1581) de Balthasar de Beaujoyeulx .
A mediados del siglo XVI, la Commedia dell'arte se hizo popular en Europa, introduciendo el uso de la improvisación . Este período también introdujo la mascarada isabelina, que incluía música, danza y vestuario elaborado, así como compañías teatrales profesionales en Inglaterra. Las obras de William Shakespeare de finales del siglo XVI se desarrollaron a partir de esta nueva clase de actuación profesional.
En 1597 se representó la primera ópera, Dafne , y a lo largo del siglo XVII la ópera se convertiría rápidamente en el entretenimiento preferido de la aristocracia en la mayor parte de Europa y, con el tiempo, de un gran número de personas que vivían en ciudades y pueblos de toda Europa.
La introducción del arco de proscenio en Italia durante el siglo XVII estableció la forma teatral tradicional que persiste hasta nuestros días. Mientras tanto, en Inglaterra, los puritanos prohibieron la actuación, lo que provocó una interrupción de las artes escénicas que duró hasta 1660. Después de eso, las mujeres comenzaron a aparecer en obras francesas e inglesas. Los franceses introdujeron una instrucción formal de danza a fines del siglo XVII.
Fue también durante esta época que se representaron las primeras obras de teatro en las colonias americanas .
Durante el siglo XVIII, la introducción de la ópera bufa popular acercó la ópera a las masas como una forma accesible de interpretación. Las bodas de Fígaro y Don Giovanni de Mozart son hitos de la ópera de finales del siglo XVIII.
A principios del siglo XIX, Beethoven y el movimiento romántico marcaron el comienzo de una nueva era que condujo primero a los espectáculos de la gran ópera y luego a los dramas musicales de Giuseppe Verdi y a la Gesamtkunstwerk (obra de arte total) de las óperas de Richard Wagner, que condujeron directamente a la música del siglo XX.
El siglo XIX fue un período de crecimiento para las artes escénicas para todas las clases sociales, con avances técnicos como la introducción de la luz de gas en los teatros, el burlesque , el baile de juglares y el teatro de variedades. En el ballet, las mujeres hacen grandes progresos en un arte que antes estaba dominado por los hombres.
La danza moderna comenzó a fines del siglo XIX y principios del XX como respuesta a las restricciones del ballet tradicional. La llegada de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev (1909-1929) revolucionó el ballet y las artes escénicas en general en todo el mundo occidental, sobre todo a través del énfasis de Diaghilev en la colaboración, que reunió a coreógrafos, bailarines, escenógrafos/artistas, compositores y músicos para revitalizar y revolucionar el ballet. Es extremadamente complejo.
El "Sistema" de Konstantin Stanislavski revolucionó la interpretación a principios del siglo XX y sigue teniendo una gran influencia en los actores de teatro y cine hasta el día de hoy. Durante este período se introdujeron en el teatro tanto el impresionismo como el realismo moderno.
Con la invención de la película a finales del siglo XIX por Thomas Edison y el crecimiento de la industria cinematográfica en Hollywood a principios del siglo XX, el cine se convirtió en un medio de representación dominante durante los siglos XX y XXI.
El rhythm and blues , un fenómeno cultural de la América negra, ganó importancia a principios del siglo XX e influyó en una variedad de estilos musicales populares posteriores a nivel internacional.
En la década de 1930, Jean Rosenthal introdujo lo que se convertiría en la iluminación escénica moderna , cambiando la naturaleza del escenario a medida que el musical de Broadway se convertía en un fenómeno en los Estados Unidos.
Las artes escénicas posteriores a la Segunda Guerra Mundial se destacaron por el resurgimiento del ballet y la ópera en el mundo occidental.
El posmodernismo dominó las artes escénicas durante las décadas de 1970 y 1980. [7]
Las tradiciones de interpretación de los pueblos indígenas africanos tienen sus raíces en los rituales , la narración de cuentos, el movimiento y la música . [8] Las representaciones eran comunitarias, en las que los narradores y el público interactuaban y participaban en un juego de llamada y respuesta , que se caracteriza por un vocalista que canta una frase que luego es repetida o respondida con una nueva frase por los demás intérpretes y/o el público. Esta antigua tradición tiene sus raíces en muchas culturas africanas. [9]
El primer acontecimiento teatral del que se tiene constancia data del año 2000 a. C., con las representaciones ceremoniales del Antiguo Egipto . La historia del dios Osiris se representaba anualmente en festivales a lo largo de la civilización, lo que marcaba el inicio conocido de una larga relación entre el teatro y la religión. El Papiro Dramático del Ramesseum , el papiro ilustrado más antiguo que se conserva, detalla la representación durante el Festival Sed y se ha utilizado como prueba del nacimiento de la tradición teatral, que los estudiosos occidentales suelen atribuir a la antigua Grecia. [10]
Un griot es un historiador oral de África occidental que utiliza la narración, la poesía y la música para expresar las genealogías y las narrativas históricas de las tribus que representa, a menudo tocando instrumentos como la kora . [11] Esta antigua profesión se mantiene en una posición de liderazgo comunitario.
Las formas más populares de teatro en el mundo islámico medieval eran el teatro de títeres (que incluía títeres de mano, teatro de sombras y producciones de marionetas ) y las representaciones en vivo de la Pasión conocidas como ta'ziya , donde los actores recrean episodios de la historia musulmana . En particular, las obras islámicas chiítas giraban en torno al shaheed (martirio) de los hijos de Ali , Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali . Comúnmente se refiere a las representaciones de la Pasión sobre la batalla de Karbala y sus eventos anteriores y posteriores. Sir Lewis Pelly comienza el prefacio de su libro sobre Ta'zieh sosteniendo que "Si el éxito de un drama se mide por los efectos que produce sobre las personas para las que está compuesto, o sobre las audiencias ante las que se representa, ninguna obra ha superado nunca la tragedia conocida en el mundo musulmán como la de Hasan y Husain ". [12] Años después, Peter Chelkowski, profesor de estudios iraníes e islámicos en la Universidad de Nueva York , elige las mismas palabras para el comienzo de su libro 'Ta`ziyeh, ritual y drama en Irán'. [13] Las obras seculares en vivo se conocían como akhraja , registradas en la literatura adab medieval , aunque eran menos comunes que los títeres y el teatro ta'ziya . [14]
En Irán existen otras formas de eventos teatrales como el naghali o naqqāli (narración de cuentos), ta'zieh , ٰru-howzi , siah-bazi , parde-khani y mareke giri . Antes del siglo XX, la narración de cuentos era la forma de entretenimiento más reconocida, aunque hoy en día, algunas formas aún permanecen. Una forma, el naghali, se representaba tradicionalmente en cafés donde los narradores, o naghals (naqqāls), solo recitaban secciones de una historia a la vez, conservando así una clientela regular. Estas historias se basaban en eventos de importancia histórica o religiosa y muchas hacían referencia a poesías del Shahnameh . Estas historias a menudo se modificaban para vincularse con la atmósfera o el estado de ánimo de la audiencia. [15]
El teatro y el drama popular se remontan al ritualismo religioso de los pueblos védicos del segundo milenio a . C. Este teatro popular de un pasado nebuloso se mezclaba con danza, comida, ritualismo y representaciones de acontecimientos de la vida cotidiana. Este último elemento lo convirtió en el origen del teatro clásico de épocas posteriores. Muchos historiadores, en particular DD Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, etc., han hecho referencia a la prevalencia del ritualismo entre las tribus indoarias , en las que algunos miembros de la tribu actuaban como si fueran animales salvajes y otros como cazadores. Aquellos que actuaban como mamíferos, como cabras, búfalos, renos, monos, etc., eran perseguidos por quienes desempeñaban el papel de cazadores. [ cita requerida ]
Bharata Muni (siglo V-II a. C.) fue un antiguo escritor indio, más conocido por escribir el Natya Shastra de Bharata , un tratado teórico sobre las artes escénicas indias, que incluyen teatro, danza, interpretación y música, que ha sido comparado con la Poética de Aristóteles . Bharata es a menudo conocido como el padre de las artes teatrales indias. Su Natya Shastra parece ser el primer intento de desarrollar la técnica o más bien el arte del drama de manera sistemática. El Natya Shastra nos dice no solo lo que debe retratarse en un drama, sino también cómo debe hacerse la representación. El drama, como dice Bharata Muni, es la imitación de los hombres y sus acciones ( loka-vritti ). Así como los hombres y sus acciones deben ser respetados en el escenario, el drama en sánscrito también se conoce con el término rupaka , que significa representación.{{ [16] }}
El Ramayana y el Mahabharata pueden considerarse las primeras obras reconocidas que se originaron en la India. Estas epopeyas sirvieron de inspiración a los primeros dramaturgos indios y lo siguen haciendo hoy en día. Dramaturgos indios como Bhāsa en el siglo II a. C. escribieron obras que estaban fuertemente inspiradas en el Ramayana y el Mahabharata . [ cita requerida ]
Se puede decir que Kālidāsa, del siglo I a. C., es el mayor dramaturgo de la antigua India . Tres obras románticas famosas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram ( Mālavikā y Agnimitra ), Vikramōrvaśīyam ( Referente a Vikrama y Urvashi ) y Abhijñānaśākuntala ( El reconocimiento de Shakuntala ). La última se inspiró en una historia del Mahabharata y es la más famosa. Fue la primera en ser traducida al inglés y al alemán. En comparación con Bhāsa, que se inspiró en gran medida en las epopeyas, Kālidāsa puede considerarse un dramaturgo original. [ cita requerida ]
El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti (c. siglo VII). Se dice que escribió las tres obras siguientes: Malati-Madhava , Mahaviracharita y Uttar Ramacharita . De estas tres, las dos últimas abarcan en conjunto la epopeya completa del Ramayana . Al poderoso emperador indio Harsha (606-648) se le atribuye haber escrito tres obras: la comedia Ratnavali , Priyadarsika y el drama budista Nagananda . Muchos otros dramaturgos le siguieron durante la Edad Media . [ cita requerida ]
Hubo muchas formas de arte escénico en la parte sur de la India, Kerala es un estado con diferentes formas de arte como Koodiyattam , Nangyarkoothu, Kathakali , Chakyar koothu , Thirayattam y hubo muchos artistas destacados como Painkulam Raman Chakyar y otros. [ cita requerida ]
Hay referencias a entretenimientos teatrales en China ya en el año 1500 a. C. durante la dinastía Shang ; a menudo incluían música, payasadas y exhibiciones acrobáticas. [17]
La dinastía Tang se conoce a veces como "La era de los mil entretenimientos". Durante esta era, el emperador Xuanzong formó una escuela de interpretación conocida como Los niños del jardín de peras para producir una forma de teatro que era principalmente musical. [17]
Durante la dinastía Han, el teatro de sombras surgió por primera vez como una forma reconocida de teatro en China. Había dos formas distintas de teatro de sombras, el cantonés del sur y el pequinés del norte. Los dos estilos se diferenciaban por el método de fabricación de los títeres y la posición de las varillas en los títeres, a diferencia del tipo de obra que representaban los títeres. Ambos estilos representaban generalmente obras que representaban grandes aventuras y fantasía; rara vez se utilizó esta forma tan estilizada de teatro para propaganda política. Los títeres de sombras cantoneses eran los más grandes de los dos. Se construían con cuero grueso que creaba sombras más sustanciales. El color simbólico también era muy frecuente: una cara negra representaba la honestidad, una roja la valentía. Las varillas que se usaban para controlar los títeres cantoneses se sujetaban perpendicularmente a las cabezas de los títeres. Por lo tanto, el público no las veía cuando se creaba la sombra. Los títeres pequineses eran más delicados y más pequeños. Se creaban con cuero fino y translúcido que generalmente se tomaba del vientre de un burro. Se pintaban con pinturas vibrantes, por lo que proyectaban una sombra muy colorida. Las varillas delgadas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello del títere. Las varillas corrían paralelas a los cuerpos del títere y luego giraban en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas varillas eran visibles cuando se proyectaba la sombra, se encontraban fuera de la sombra del títere; por lo tanto, no interferían con la apariencia de la figura. Las varillas se unían a los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un cuerpo. Cuando las cabezas no se usaban, se guardaban en un libro de muselina o una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se retiraban por la noche. Esto estaba en consonancia con la antigua superstición de que si se dejaban intactas, las marionetas cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron al extremo de guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar a las marionetas. Se dice que el teatro de sombras alcanzó su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno. [ cita requerida ]
En la dinastía Song , hubo muchas obras populares que incluían acrobacias y música. Estas evolucionaron en la dinastía Yuan hasta una forma más sofisticada con una estructura de cuatro o cinco actos. El drama Yuan se extendió por toda China y se diversificó en numerosas formas regionales, la más conocida de las cuales es la Ópera de Pekín, que sigue siendo popular hoy en día. [ cita requerida ]
En Tailandia , desde la Edad Media, es tradición representar obras basadas en argumentos extraídos de las epopeyas indias. En particular, la versión teatral de la epopeya nacional tailandesa Ramakien , una versión del Ramayana indio , sigue siendo popular en Tailandia hasta hoy.
En Camboya , inscripciones que datan del siglo VI d. C. indican evidencia de bailarines en un templo local y del uso de títeres para obras religiosas. En la antigua capital, Angkor Wat , se han tallado historias de las epopeyas indias Ramayana y Mahabharata en las paredes de templos y palacios. Se han encontrado relieves similares en Borobudur, en Indonesia.
En Filipinas , se publicó el famoso poema épico Ibong Adarna , originalmente titulado "Korido at Buhay na Pinagdaanan ng Tatlong Prinsipeng Magkakapatid na anak nina Haring Fernando at Reyna Valeriana sa Kahariang Berbania" (en inglés: " Corrido y vida vivida por los tres príncipes, hijos de El rey Fernando y la reina Valeriana en el Reino de Berbania") del siglo XVI fue escrito por José de la Cruz durante la época española . Además de las representaciones teatrales, diferentes estudios cinematográficos y producciones televisivas produjeron diferentes películas. La primera película producida "Ang Ibong Adarna" fue producida por LVN Pictures , el estudio cinematográfico más grande de la historia de Filipinas.
Florante at Laura es un " awit " o un poema que consta de cuartetas de 12 sílabas con el título completo "Pinagdaanang Buhay ni Florante at ni Laura sa Kahariang Albanya" (inglés: "La historia de Florante y Laura en el Reino de Albania ") fue escrito por Francisco Balagtas en 1838 durante su encarcelamiento dedicado a su novia María Asunción Rivera (apodada "MAR", referida como "Selya"). El poema tiene una parte especial titulada " Kay Selya " (inglés: "For Celia") especialmente dedicada a Rivera.
El héroe nacional de Filipinas , José Rizal , que también es novelista, creó dos poemas famosos en Filipinas, Noli Me Tángere ( en latín , "No me toques", con un acento agudo agregado en la última palabra de acuerdo con la ortografía española ) (1887) que describe las desigualdades percibidas de los frailes católicos españoles y el gobierno gobernante y El Filibusterismo (traducciones: El filibusterismo; El subversivo o La subversión, como en la traducción al inglés de Locsín, también son posibles traducciones, también conocido por su título alternativo en inglés El reinado de la avaricia) (1891). El tema oscuro de la novela se aleja dramáticamente de la atmósfera esperanzadora y romántica de la novela anterior, lo que significa el recurso de Ibarra a resolver los problemas de su país por medios violentos, después de que su intento anterior de reformar el sistema del país no tuvo efecto y parecía imposible con la actitud corrupta de los españoles hacia los filipinos. Estas novelas fueron escritas durante la colonización de Filipinas por el Imperio español .
Todas estas piezas literarias estaban bajo el currículo del Programa K-12 para Escuelas Secundarias , Ibong Adarna está bajo el currículo de Grado 7; Florante at Laura (Grado 8); Noli Me Tángere (Grado 9); y El Filibusterismo (Grado 10).
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Durante el siglo XIV, en Japón había pequeñas compañías de actores que representaban comedias breves, a veces vulgares. El director de una de estas compañías, Kan'ami (1333-1384), tuvo un hijo, Zeami Motokiyo (1363-1443), considerado uno de los mejores actores infantiles de Japón. Cuando la compañía de Kan'ami actuó para Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), el shōgun de Japón, le imploró a Zeami que recibiera una educación cortesana para sus artes. [18] Después de que Zeami sucediera a su padre, continuó actuando y adaptando su estilo a lo que hoy es el Noh . Una mezcla de pantomima y acrobacia vocal, el estilo de teatro Noh se ha convertido en una de las formas más refinadas de representación teatral de Japón. [19]
Japón, después de un largo período de guerras civiles y desorden político, se unificó y se encontraba en paz principalmente gracias al shōgun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). Sin embargo, alarmado por el creciente número de cristianos dentro del país debido a los esfuerzos proselitistas de los misioneros cristianos, cortó el contacto de Japón con Europa y China y prohibió el cristianismo. Cuando llegó la paz, un florecimiento de la influencia cultural y una creciente clase mercantil exigieron su propio entretenimiento. La primera forma de teatro que floreció fue el Ningyō jōruri (comúnmente conocido como Bunraku ). El fundador y principal colaborador del Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), convirtió su forma de teatro en una verdadera forma de arte. El Ningyō jōruri es una forma de teatro altamente estilizada que utiliza marionetas, hoy aproximadamente de un tercio del tamaño de un humano. Los hombres que controlan las marionetas se entrenan para convertirse en maestros titiriteros, cuando pueden manejar la cabeza y el brazo derecho de la marioneta y elegir mostrar sus caras durante la actuación. Los otros titiriteros, que controlan las extremidades menos importantes de la marioneta, se cubren a sí mismos y sus caras con un traje negro, para dar a entender su invisibilidad. El diálogo lo maneja una sola persona, que utiliza diversos tonos de voz y maneras de hablar para simular diferentes personajes. Chikamatsu escribió miles de obras durante su vida, la mayoría de las cuales todavía se utilizan en la actualidad. [ cita requerida ]
El kabuki comenzó poco después del bunraku, según cuenta la leyenda una actriz llamada Okuni, que vivió a finales del siglo XVI. La mayor parte del material del kabuki proviene del noh y del bunraku, y sus movimientos erráticos de tipo danzario también son un efecto del bunraku. Sin embargo, el kabuki es menos formal y más distante que el noh, pero muy popular entre el público japonés. Los actores reciben formación en muchas cosas variadas, como baile, canto, pantomima e incluso acrobacias. El kabuki fue interpretado primero por chicas jóvenes, luego por chicos jóvenes y, a finales del siglo XVI, las compañías de kabuki estaban formadas exclusivamente por hombres. Los hombres que representaban a mujeres en el escenario estaban específicamente entrenados para extraer la esencia de una mujer en sus movimientos y gestos sutiles. [ cita requerida ]
La danza melanesia suele exhibir un tema cultural de masculinidad, donde el liderazgo y un conjunto de habilidades únicas son importantes para compartir con la comunidad. [20] Estas danzas demuestran la condición militar de un hombre; sin embargo, también pueden representar una rentabilidad, como fomentar la resolución de conflictos o la curación. [21] Los trajes de los bailarines que imitan a los personajes incorporan grandes máscaras y características no humanas que actúan para imitar figuras míticas. La música también puede actuar como una voz para estos personajes mágicos. [20]
