Un compositor es una persona que escribe música . [1] El término se utiliza especialmente para indicar a los compositores de música clásica occidental , [2] o aquellos que son compositores por ocupación. [3] Muchos compositores son, o fueron, también hábiles intérpretes de música.
El término desciende del latín , compōnō; literalmente "el que junta". [4] El primer uso del término en un contexto musical dado por el Oxford English Dictionary es de A Plain and Easy Introduction to Practical Music de Thomas Morley de 1597 , donde dice "Algunos serán buenos decantadores [.. .] y sin embargo no serán más que malos compositores". [1]
"Compositor" es un término vago que generalmente se refiere a cualquier persona que escribe música. [1] Más específicamente, a menudo se usa para denotar personas que son compositores por ocupación, [3] o aquellos que trabajan en la tradición de la música clásica occidental . [2] Los escritores de canciones exclusiva o principalmente pueden ser llamados compositores, pero desde el siglo XX los términos ' compositor ' o ' cantautor ' se utilizan con mayor frecuencia, particularmente en la tradición de la música popular . [5] En otros contextos, el término 'compositor' puede referirse a un escritor literario, [6] o, más raramente y generalmente, a alguien que combina piezas en un todo. [7]
A través de culturas y tradiciones, los compositores pueden escribir y transmitir música de diversas maneras. En gran parte de la música popular, el compositor escribe una composición y luego se transmite mediante la tradición oral . Por el contrario, en algunas tradiciones clásicas occidentales la música puede componerse auditivamente, es decir, "en la mente del músico", y posteriormente escribirse y transmitirse a través de documentos escritos . [8]
En el desarrollo de la música clásica europea , la función de componer música inicialmente no tenía mucha mayor importancia que la de interpretarla. [ cita necesaria ] La preservación de composiciones individuales no recibió mucha atención y los músicos generalmente no tuvieron reparos en modificar las composiciones para su interpretación.
En el mundo occidental, antes del período romántico del siglo XIX, la composición casi siempre iba de la mano de una combinación de canto, instrucción y teorización . [9]
Incluso en una pieza occidental convencional de música instrumental, en la que todas las melodías , acordes y líneas de bajo están escritas en notación musical, el intérprete tiene cierto grado de libertad para añadir interpretación artística a la obra, por medios tales como variando su articulación y fraseo , elegir cuánto tiempo hacer fermatas (notas sostenidas) o pausas y, en el caso de instrumentos de cuerda frotada, instrumentos de viento de madera o de metal, decidir si usar efectos expresivos como vibrato o portamento . Para un cantante o intérprete instrumental, el proceso de decidir cómo interpretar música que ha sido previamente compuesta y anotada se denomina "interpretación". Las interpretaciones de diferentes intérpretes de la misma obra musical pueden variar ampliamente, en términos de los tempos elegidos y el estilo de interpretación o canto o fraseo de las melodías. Los compositores y compositores que presentan su música interpretan, al igual que quienes interpretan la música de otros. El conjunto estándar de elecciones y técnicas presentes en un momento y lugar determinados se denomina práctica de interpretación , mientras que la interpretación se utiliza generalmente para referirse a las elecciones individuales de un intérprete. [ cita necesaria ]
Aunque una composición musical suele tener un solo autor, no siempre es así. Una obra musical puede tener múltiples compositores, lo que suele ocurrir en la música popular cuando una banda colabora para escribir una canción, o en el teatro musical , donde las canciones pueden ser escritas por una sola persona, la orquestación de las partes de acompañamiento y la escritura de la obertura. lo realiza un orquestador y las palabras pueden ser escritas por una tercera persona.
Una pieza musical también se puede componer con palabras, imágenes o, en los siglos XX y XXI, programas de computadora que explican o anotan cómo el cantante o músico debe crear sonidos musicales. Ejemplos de esto van desde campanas de viento que tintinean con la brisa hasta música de vanguardia del siglo XX que utiliza notación gráfica , composiciones de texto como Aus den Sieben Tagen y programas de computadora que seleccionan sonidos para piezas musicales. La música que hace un uso intensivo de la aleatoriedad y el azar se llama música aleatoria y se asocia con compositores contemporáneos activos en el siglo XX, como John Cage , Morton Feldman y Witold Lutosławski .
La naturaleza y los medios de variación individual de la música varían, dependiendo de la cultura musical del país y del período de tiempo en que fue escrita. Por ejemplo, la música compuesta en la época barroca , particularmente en tempos lentos, a menudo se escribía en líneas generales, con la expectativa de que el intérprete agregara adornos improvisados a la línea melódica durante una interpretación. Esta libertad generalmente disminuyó en épocas posteriores, lo que se correlaciona con el mayor uso por parte de los compositores de partituras más detalladas en forma de dinámica, articulación, etc. Los compositores se volvieron uniformemente más explícitos en cuanto a cómo deseaban que se interpretara su música, aunque el grado de rigor y minuciosidad con que se dictan varía de un compositor a otro. Debido a esta tendencia de los compositores a volverse cada vez más específicos y detallados en sus instrucciones al intérprete, finalmente se desarrolló una cultura en la que la fidelidad a la intención escrita del compositor llegó a ser muy valorada (ver, por ejemplo, edición Urtext ). Es casi seguro que esta cultura musical está relacionada con la alta estima (rayando la veneración) que los intérpretes suelen tener a los principales compositores clásicos.
El movimiento interpretativo históricamente informado ha revivido hasta cierto punto la posibilidad de que el intérprete elabore seriamente la música tal como figura en la partitura, particularmente para la música barroca y la música del período clásico temprano . El movimiento podría considerarse una forma de crear una mayor fidelidad al original en obras compuestas en una época en la que se esperaba que los intérpretes improvisaran . En géneros distintos de la música clásica, el intérprete generalmente tiene más libertad; así, por ejemplo, cuando un intérprete de música popular occidental crea una "versión" de una canción anterior, hay pocas expectativas de una interpretación exacta del original; Tampoco se valora necesariamente la fidelidad exacta (con la posible excepción de las transcripciones "nota por nota" de solos de guitarra famosos ).
En la música artística occidental, el compositor suele orquestar sus composiciones, pero en el teatro musical y la música pop, los compositores pueden contratar a un arreglista para que se encargue de la orquestación. En algunos casos, es posible que un compositor pop no use notación en absoluto y, en cambio, componga la canción en su mente y luego la reproduzca o grabe de memoria. En el jazz y la música popular, las grabaciones destacadas de intérpretes influyentes reciben el mismo peso que las partituras escritas tienen en la música clásica. El estudio de la composición ha estado tradicionalmente dominado por el examen de los métodos y la práctica de la música clásica occidental, pero la definición de composición es lo suficientemente amplia como para la creación de canciones y piezas instrumentales de música popular y tradicional e incluye obras espontáneamente improvisadas como las de música libre. intérpretes de jazz y percusionistas africanos como los bateristas Ewe .
Durante la Edad Media, la mayoría de los compositores trabajaron para la iglesia católica y compusieron música para servicios religiosos, como melodías de canto llano . Durante la era de la música del Renacimiento , los compositores normalmente trabajaban para empleadores aristocráticos. Si bien los aristócratas normalmente exigían a los compositores que produjeran una cantidad significativa de música religiosa, como misas , los compositores también escribieron muchas canciones no religiosas sobre el tema del amor cortés : el amor respetuoso y reverencial de una gran mujer llegada de lejos. Las canciones de amor cortesanas fueron muy populares durante la época del Renacimiento. Durante la era de la música barroca , muchos compositores fueron empleados por aristócratas o empleados de la iglesia. Durante el período Clásico , los compositores comenzaron a organizar más conciertos públicos con fines de lucro, lo que ayudó a los compositores a ser menos dependientes de trabajos aristocráticos o eclesiásticos. Esta tendencia continuó en la era de la música romántica del siglo XIX. En el siglo XX, los compositores empezaron a buscar empleo como profesores en universidades y conservatorios. En el siglo XX, los compositores también ganaban dinero con la venta de sus obras, como publicaciones en partituras de sus canciones o piezas o como grabaciones sonoras de sus obras.
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En 1993, la musicóloga estadounidense Marcia Citron preguntó: "¿Por qué la música compuesta por mujeres es tan marginal respecto del repertorio 'clásico' estándar?". [10] Citron "examina las prácticas y actitudes que han llevado a la exclusión de las compositoras del ' canon ' recibido de obras musicales interpretadas". Ella sostiene que en el siglo XIX, las compositoras normalmente escribían canciones artísticas para interpretarlas en pequeños recitales en lugar de sinfonías destinadas a ser interpretadas con una orquesta en una sala grande, siendo estas últimas obras consideradas el género más importante para los compositores; Dado que las compositoras no escribieron muchas sinfonías, se consideró que no eran compositoras notables. [10]
Según Abbey Philips, "las mujeres músicas han tenido dificultades para abrirse paso y obtener el crédito que merecen". [11] Durante la época medieval, la mayor parte de la música artística se creó con fines litúrgicos (religiosos) y debido a las opiniones sobre los roles de las mujeres que desempeñaban los líderes religiosos, pocas mujeres compusieron este tipo de música, siendo la monja Hildegarda von Bingen se encuentra entre las excepciones. La mayoría de los libros de texto universitarios sobre historia de la música analizan casi exclusivamente el papel de los compositores masculinos. Además, muy pocas obras de compositoras forman parte del repertorio estándar de música clásica. En Concise Oxford History of Music , " Clara Shumann [ sic ] es una de las únicas compositoras mencionadas", [11] pero otras compositoras notables del período de práctica común incluyen a Fanny Mendelssohn y Cécile Chaminade , y posiblemente la profesora más influyente de Una de las compositoras durante mediados del siglo XX fue Nadia Boulanger . [ cita necesaria ] Philips afirma que "[d]urante el siglo XX, las mujeres que componían/tocaban ganaron mucha menos atención que sus homólogos masculinos". [11]
Hoy en día, las mujeres son tomadas más en serio en el ámbito de la música de concierto, aunque las estadísticas de reconocimiento, premios, empleo y oportunidades generales todavía están sesgadas hacia los hombres. [12]
Los compositores famosos tienden a agruparse en ciudades específicas a lo largo de la historia. Basándose en más de 12.000 compositores destacados enumerados en Grove Music Online y utilizando técnicas de medición de recuento de palabras , se pueden identificar cuantitativamente las ciudades más importantes para la música clásica. [13]
París ha sido el principal centro de la música clásica occidental en todos los períodos. Ocupó el quinto lugar en los siglos XV y XVI, pero el primero en los siglos XVII al XX inclusive. Londres fue la segunda ciudad más significativa: octava en el siglo XV, séptima en el XVI, quinta en el XVII, segunda en los siglos XVIII y XIX y cuarta en el siglo XX. Roma encabezó la clasificación en el siglo XV, cayó al segundo lugar en los siglos XVI y XVII, al octavo lugar en el siglo XVIII, al noveno en el siglo XIX, pero volvió al sexto lugar en el siglo XX. Berlín aparece entre las diez primeras clasificaciones sólo en el siglo XVIII y ocupó el tercer lugar entre las ciudades más importantes tanto en el siglo XIX como en el XX. La ciudad de Nueva York entró en el ranking en el siglo XIX (en quinto lugar) y ocupó el segundo lugar en el siglo XX. Los patrones son muy similares para una muestra de 522 compositores destacados. [14]
Los compositores clásicos profesionales a menudo tienen experiencia en la interpretación de música clásica durante su infancia y adolescencia, ya sea como cantante en un coro , como intérprete en una orquesta juvenil o como intérprete de un instrumento solista (p. ej., piano , órgano de tubos o violín ). Los adolescentes que aspiran a ser compositores pueden continuar sus estudios postsecundarios en una variedad de entornos de capacitación formal, incluidos colegios, conservatorios y universidades. Los conservatorios , que son el sistema de formación musical estándar en países como Francia y Canadá, brindan lecciones y experiencia de canto orquestal y coral amateur para estudiantes de composición. Las universidades ofrecen una variedad de programas de composición, que incluyen títulos de licenciatura, maestría en música y doctorado en artes musicales . Además, existe una variedad de otros programas de formación, como festivales y campamentos de verano clásicos, que brindan a los estudiantes la oportunidad de recibir capacitación de compositores.
Las licenciaturas en composición (denominadas B.Mus. o BM) son programas de cuatro años que incluyen lecciones de composición individuales, experiencia en orquesta/coral amateur y una secuencia de cursos en historia de la música, teoría musical y cursos de artes liberales (p. ej. , literatura inglesa), que brindan al estudiante una educación más integral. Por lo general, los estudiantes de composición deben completar piezas o canciones importantes antes de graduarse. No todos los compositores tienen una licenciatura en música. en composición; Los compositores también pueden tener un B.Mus. en interpretación musical o teoría musical.
La Maestría en Música (M.mus.) en composición consiste en lecciones privadas con un profesor de composición , experiencia en conjunto y cursos de posgrado en historia de la música y teoría de la música, junto con uno o dos conciertos con las piezas del estudiante de composición. Una maestría en música (conocida como M.Mus. o MM) suele ser una credencial mínima requerida para las personas que desean enseñar composición en una universidad o conservatorio. Un compositor con un M.Mus. Podría ser profesor adjunto o instructor en una universidad, pero sería difícil en la década de 2010 obtener un puesto de profesor titular con este título.
Para convertirse en profesor titular, muchas universidades requieren un título de doctorado . En composición, el título de doctorado clave es el de Doctor en Artes Musicales , en lugar del de Doctorado ; El doctorado se otorga en música, pero generalmente por materias como musicología y teoría musical .
Los títulos de Doctor en Artes Musicales (conocidos como DMA, DMA, D.Mus.A. o A.Mus.D) en composición brindan una oportunidad para estudios avanzados al más alto nivel artístico y pedagógico, lo que generalmente requiere más de 54 horas de crédito adicionales. más allá de una maestría (que son aproximadamente 30+ créditos más allá de una licenciatura). Por este motivo, la admisión es muy selectiva. Los estudiantes deben enviar ejemplos de sus composiciones. Si están disponibles, algunas escuelas también aceptarán grabaciones de video o audio de interpretaciones de las piezas del estudiante. Se requieren exámenes de historia de la música, teoría musical, entrenamiento auditivo/dictado y un examen de ingreso.
Los estudiantes deben preparar composiciones importantes bajo la guía de profesores de composición de la facultad. Algunas escuelas requieren que los estudiantes de composición de DMA presenten conciertos de sus obras, que generalmente son interpretados por cantantes o músicos de la escuela. Otros requisitos típicos de un programa DMA son la finalización de cursos avanzados y un promedio mínimo de B. Un estudiante de composición puede adquirir experiencia enseñando a estudiantes universitarios de música durante un programa de DMA.
Algunos compositores no completaron programas de composición, sino que centraron sus estudios en la interpretación de la voz o de un instrumento o en la teoría musical , y desarrollaron sus habilidades compositivas a lo largo de una carrera en otra ocupación musical.
