The Jazz Singer es una película de drama musical parcialmente sonora estadounidense de 1927 dirigida por Alan Crosland y producida por Warner Bros. Pictures. Es el primer largometraje con música grabada sincronizada y canto y habla sincrónicos con los labios (en varias secuencias aisladas). Su lanzamiento anunció el ascenso comercial de las películas sonoras y marcó efectivamente el final de la era del cine mudo con el sistema de sonido en disco Vitaphone , con seis canciones interpretadas por Al Jolson . Basada en la obra de teatro de 1925 del mismo título de Samson Raphaelson , la trama fue adaptada de su cuento "El día de la expiación".
La película narra la historia ficticia de Jakie Rabinowitz, un joven que desafía las tradiciones de su devota familia judía . Después de cantar canciones populares en una taberna al aire libre , su padre, un hazzan (cantor), lo castiga, lo que llevó a Jakie a huir de casa. Algunos años más tarde, ahora que se hace llamar Jack Robin, se ha convertido en un talentoso cantante de jazz y actúa con la cara pintada de negro . Intenta construir una carrera como artista, pero sus ambiciones profesionales finalmente entran en conflicto con las demandas de su hogar y su herencia.
Darryl F. Zanuck ganó un Premio Honorífico de la Academia por producir la película; Alfred A. Cohn fue nominado a Mejor Escritura (Adaptación) en los primeros Premios de la Academia . En 1996, The Jazz Singer fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". En 1998, la película fue elegida en la votación realizada por el American Film Institute como una de las mejores películas estadounidenses de todos los tiempos, ubicándose en el puesto noventa. Los derechos de autor de la película expiraron el 1 de enero de 2023, cuando todas las obras publicadas en EE. UU. en 1927 pasaron a ser de dominio público .
Cantor Rabinowitz quiere que su hijo de 13 años, Jacob "Jakie" Rabinowitz, continúe la tradición familiar de varias generaciones y se convierta en cantor de la sinagoga del gueto judío del Lower East Side de Manhattan . En cambio, a Jakie le ha gustado cantar jazz en la taberna al aire libre local . Moisha Yudelson ve al niño y se lo cuenta al padre de Jakie, quien lo arrastra a casa. Jakie se aferra a su madre, Sara, mientras su padre declara: "¡Le enseñaré algo mejor que degradar la voz que Dios le dio!". Jakie amenaza: "Si me vuelves a azotar, huiré y ¡ no volveré nunca más! ". Después de los azotes, Jakie se despide de su madre con un beso y, fiel a su palabra, sale corriendo. En el servicio de Yom Kipur , Rabinowitz le dice con tristeza a un compañero celebrante: "Mi hijo debía estar a mi lado y cantar esta noche, pero ahora no tengo ningún hijo". Mientras se canta el sagrado Kol Nidre , Jakie regresa a casa para recuperar una foto de su amada madre.
Unos diez años después, Jakie cambió su nombre a Jack Robin. Jack es llamado desde su mesa en un cabaret para actuar en el escenario (" Dirty Hands, Dirty Face ").
Jack cautiva a la multitud con su enérgica interpretación de " Toot, Toot, Tootsie ". Luego, le presentan a la bella Mary Dale, una bailarina de teatro musical. "Hay muchos cantantes de jazz, pero tienes una lágrima en la voz", dice, ofreciéndose a ayudarle en su incipiente carrera. Con su ayuda, Jack finalmente consigue su gran oportunidad: un papel principal en el nuevo musical April Follies .
De vuelta en la casa familiar que Jack dejó hace mucho tiempo, el mayor de los Rabinowitz instruye a un joven estudiante en el arte cantorial tradicional. Jack aparece y trata de explicar su punto de vista y su amor por la música moderna, pero el cantor horrorizado lo destierra: "¡No quiero volver a verte nunca más, cantante de jazz! ". Mientras se va, Jack hace una predicción: "Yo "Llegaste a casa con el corazón lleno de amor, pero no quieres entender. Algún día lo entenderás, igual que mamá".
Dos semanas después de la expulsión de Jack de la casa familiar y 24 horas antes del estreno de April Follies en Broadway, el padre de Jack cae gravemente enfermo. A Jack se le pide que elija entre el espectáculo y el deber para con su familia y su fe: para poder cantar el Kol Nidre para Yom Kipur en lugar de su padre, tendrá que perderse el gran estreno.
Esa noche, víspera de Yom Kipur, Yudelson les dice a los ancianos judíos: "Por primera vez, no tenemos ningún cantor en el Día de la Expiación". Acostado en su cama, débil y demacrado, el cantor Rabinowitz le dice a Sara que no puede actuar en el día más sagrado de los santos: "Mi hijo vino a mí en mis sueños; cantó Kol Nidre tan hermosamente. Si tan solo cantara así esta noche —seguramente sería perdonado."
Mientras Jack se prepara para un ensayo general aplicándose maquillaje negro , él y Mary discuten sus aspiraciones profesionales y las presiones familiares que coinciden en que debe resistir. Sara y Yudelson van al camerino de Jack para rogarle que vaya con su padre y cante en su lugar. Jack está desgarrado. Él ofrece su actuación con la cara negra ("Madre mía, todavía te tengo") y Sara ve a su hijo en el escenario por primera vez. Ella tiene una revelación entre lágrimas: "Aquí pertenece. Si Dios lo quisiera en Su casa, lo habría mantenido allí. Ya no es mi hijo; ahora pertenece al mundo entero".
Luego, Jack regresa a la casa de los Rabinowitz. Se arrodilla junto a la cama de su padre y los dos conversan con cariño: "Hijo mío, te amo". Sara sugiere que podría ayudar a sanar a su padre si Jack ocupa su lugar en el servicio de Yom Kipur. Mary llega con el productor, quien advierte a Jack que nunca volverá a trabajar en Broadway si no se presenta la noche del estreno. Jack no puede decidir. Mary lo desafía: "¿Estabas mintiendo cuando dijiste que tu carrera estaba antes que todo? " Jack no está seguro de poder reemplazar a su padre: "No he cantado Kol Nidre desde que era un niño". Su madre le dice: "Haz lo que hay en tu corazón, Jakie; si cantas y Dios no está en tu voz, tu padre lo sabrá". El productor engatusa a Jack: "¡Eres un cantante de jazz de corazón!"
En el teatro, al público de la noche inaugural se le dice que no habrá función. Jack canta el Kol Nidre en lugar de su padre. Su padre escucha desde su lecho de muerte la cercana ceremonia y pronuncia sus últimas palabras de perdón: "Mamá, tenemos a nuestro hijo otra vez". El espíritu del padre de Jack se muestra a su lado en la sinagoga. María ha venido a escuchar. Ella ve cómo Jack ha reconciliado la división en su alma: "un cantante de jazz, cantando a su Dios".
"La temporada pasa, y el tiempo sana, el espectáculo continúa". Jack, como "The Jazz Singer", aparece ahora en el teatro Winter Garden, aparentemente como el artista destacado que abre un espectáculo llamado Back Room . En la primera fila del teatro abarrotado, su madre se sienta junto a Yudelson. Jack, con la cara pintada de negro, interpreta la canción " My Mammy " para ella y el mundo.
El 25 de abril de 1917, Samson Raphaelson , nativo del Lower East Side de la ciudad de Nueva York y estudiante de la Universidad de Illinois, asistió a una representación del musical Robinson Crusoe, Jr. en Champaign, Illinois . La estrella del espectáculo fue un cantante de treinta años, Al Jolson , un judío nacido en Lituania que actuó con la cara pintada de negro. [4] En una entrevista de 1927, Raphaelson describió la experiencia: "Nunca olvidaré los primeros cinco minutos de Jolson: su velocidad, la asombrosa fluidez con la que pasó de una tremenda absorción en su audiencia a una tremenda absorción en su canción. " Explicó que había visto una intensidad emocional como la de Jolson sólo entre los cantores de la sinagoga. [4]
Unos años más tarde, siguiendo una carrera literaria profesional, Raphaelson escribió "El día de la expiación", una historia corta sobre un joven judío llamado Jakie Rabinowitz, basada en la vida real de Jolson. La historia fue publicada en enero de 1922 en Everybody's Magazine . [5] Más tarde, Raphaelson adaptó la historia a una obra de teatro, The Jazz Singer . Un drama directo, todo el canto en la versión de Raphaelson tiene lugar fuera del escenario. [6] Con George Jessel en el papel principal, el espectáculo se estrenó en el Warner Theatre de Times Square en septiembre de 1925 y se convirtió en un éxito. [7] Warner Bros. adquirió los derechos cinematográficos de la obra el 4 de junio de 1926 y firmó un contrato con Jessel. [8] The Moving Picture World publicó una historia en febrero de 1927 anunciando que la producción de la película comenzaría con Jessel el 1 de mayo. [9]
Pero los planes de hacer la película con Jessel fracasaron por múltiples razones. El contrato de Jessel con Warner Bros. no había previsto que la película para la que lo habían contratado especialmente fuera hecha con sonido (mientras tanto, había hecho una comedia muda con un presupuesto modesto). Cuando Warner tuvo éxitos con dos funciones de Vitaphone , aunque sin diálogos, a finales de 1926, la producción de The Jazz Singer había sido reconcebida. [8] Jessel pidió una bonificación o un nuevo contrato, pero fue rechazado. Según la descripción de Jessel en su autobiografía, Harry Warner "estaba pasando por momentos difíciles con la financiación de la empresa... Hablaba de cuidar de mí si la película era un éxito. No sentí que fuera suficiente". [10] De hecho, a principios de 1927, Harry Warner, el mayor de los hermanos que dirigía el estudio del mismo nombre, había vendido 4 millones de dólares de sus acciones personales para mantener solvente el estudio. [8] Luego vino otro problema importante. Según Jessel, la primera lectura de la adaptación del guionista Alfred A. Cohn "me dio un ataque. En lugar de que el niño abandonara el teatro y siguiera las tradiciones de su padre cantando en la sinagoga, como en la obra, la película El escenario lo hizo regresar al Winter Garden como un comediante de cara negra, con su madre aplaudiendo salvajemente en el palco. Provoqué un infierno. Con dinero o sin dinero, no haría esto". [11]
Según el actor Eddie Cantor , mientras las negociaciones entre Warner Bros. y Jessel fracasaban, Jack L. Warner y el jefe de producción del estudio, Darryl Zanuck , lo llamaron para ver si estaba interesado en el papel. Cantor, un amigo de Jessel, respondió que estaba seguro de que cualquier diferencia con el actor podría solucionarse y ofreció su ayuda. [12] Cantor no fue invitado a participar en las conversaciones de Jessel; en cambio, el papel se le ofreció a Jolson, quien lo había inspirado en primer lugar. Al describir a Jolson como la mejor elección de la producción para su estrella, el historiador de cine Donald Crafton escribió: "El artista, que cantaba temas de juglar animados con la cara negra, estaba en la cima de su fenomenal popularidad. Anticipando el estrellato posterior de los cantantes y estrellas de rock, Jolson electrizó al público con la vitalidad y el atractivo sexual de sus canciones y gestos, que debían mucho a las fuentes afroamericanas". [13] Como lo describe el historiador de cine Robert L. Carringer, "Jessel era un comediante de vodevil y maestro de ceremonias con una obra exitosa y una película modestamente exitosa en su haber. Jolson era una superestrella". [14] Jolson tomó parte y firmó un contrato de 75.000 dólares el 26 de mayo de 1927, por ocho semanas de servicios a partir de julio. [15] Ha habido varias afirmaciones, pero no hay pruebas de que Jolson haya invertido parte de su propio dinero en la película. [16] Jessel y Jolson, también amigos, no hablaron durante algún tiempo después; por un lado, Jessel había estado confiándole sus problemas con los Warner a Jolson; por el otro, Jolson había firmado con ellos sin contarle a Jessel sus planes. En su autobiografía, Jessel escribió que, al final, Jolson "no debe ser culpado, ya que los Warner definitivamente habían decidido que yo estaba fuera". [17]
Si bien muchas películas sonoras anteriores tenían diálogos, todas eran temas breves. El largometraje Dream Street (1921) de DW Griffith se proyectó en Nueva York con una única secuencia de canto y ruidos de multitud, utilizando el sistema de sonido en disco Photokinema . La película fue precedida por un programa de cortometrajes sonoros, incluida una secuencia en la que Griffith hablaba directamente al público, pero el largometraje en sí no tenía escenas de conversación. [18] El 15 de abril de 1923, Lee De Forest introdujo el sistema de sonido en película Phonofilm , que había sincronizado el sonido y el diálogo, pero la calidad del sonido era pobre y las películas producidas en este proceso eran solo cortometrajes. [19]
Las primeras funciones de Warner Bros. Vitaphone, Don Juan (estrenada en agosto de 1926) y The Better 'Ole (estrenada en octubre de 1926), como tres más que siguieron a principios de 1927 ( When a Man Loves , Old San Francisco y The First Auto ), sólo tenía una partitura instrumental sincronizada y efectos de sonido. The Jazz Singer los contiene, así como numerosas secuencias de canto sincronizado y algunos discursos sincronizados: el joven Jakie Rabinowitz, el futuro cantante de jazz, interpreta dos melodías populares; su padre, un cantor, realiza el devocional Kol Nidre ; El famoso cantor Yossele Rosenblatt , que aparece como él mismo, canta un extracto de otra melodía religiosa, Kaddish , y la canción "Yahrzeit Licht". Como el Jack Robin adulto, Jolson interpreta seis canciones: cinco melodías populares de "jazz" y el Kol Nidre. El sonido de la película fue grabado por el británico George Groves , que también había trabajado en Don Juan . Para dirigir, el estudio eligió a Alan Crosland , quien ya tenía dos películas de Vitaphone en su haber: Don Juan y Old San Francisco , que se estrenó mientras The Jazz Singer estaba en producción. [ cita necesaria ]
La primera interpretación vocal de Jolson, unos quince minutos después de la película, es " Dirty Hands, Dirty Face ", con música de James V. Monaco y letra de Edgar Leslie y Grant Clarke . El primer discurso sincronizado, pronunciado por Jack ante un público de cabaret y ante el pianista de la banda que lo acompaña, ocurre inmediatamente después de esa actuación, comenzando en el minuto 17:25 de la película. Las primeras palabras pronunciadas por Jack: "Espera un minuto, espera un minuto, todavía no has oído nada", fueron un patrón escénico bien establecido de Jolson. Incluso había dicho líneas muy similares en un corto anterior, A Plantation Act (1926). [20] La frase se había convertido prácticamente en una broma interna. En noviembre de 1918, durante un concierto de gala que celebraba el fin de la Primera Guerra Mundial, Jolson subió al escenario en medio de aplausos para el intérprete anterior, el gran tenor de ópera Enrico Caruso , y exclamó: "Amigos, todavía no han oído nada". [21] Al año siguiente, grabó la canción "You Ain't Heard Nothin' Yet". [22] En una escena posterior, Jack habla con su madre, interpretada por Eugenie Besserer , en el salón familiar; su padre entra y pronuncia una palabra muy contundente: "¡Alto!", la última línea de diálogo de la película.
En total, la película contiene apenas dos minutos de conversación sincronizada, gran parte o toda ella improvisada. El resto del diálogo se presenta a través de las tarjetas de subtítulos, o intertítulos , estándar en las películas mudas de la época; Como era habitual, esos títulos no fueron compuestos por el guionista de la película, Alfred Cohn, sino por otro escritor, en este caso, Jack Jarmuth. [23]
Mientras Jolson estaba de gira con un espectáculo durante junio de 1927, la producción de The Jazz Singer comenzó con el rodaje de escenas exteriores por parte de la segunda unidad . A finales de junio, Alan Crosland se dirigió a la ciudad de Nueva York para fotografiar los exteriores del Lower East Side y Winter Garden en exteriores. Jolson se unió a la producción a mediados de julio (su contrato especificaba el 11 de julio). El rodaje con Jolson comenzó con sus escenas mudas; las secuencias más complejas de Vitaphone se realizaron principalmente a finales de agosto. [24] Tanto Jolson como Zanuck se atribuirían más tarde el mérito de haber ideado la secuencia de diálogo improvisada entre Jack y su madre; otra historia decía que Sam Warner quedó impresionado por la breve improvisación de Jolson en la escena del cabaret e hizo que Cohn produjera algunas líneas en el acto. [25] El 23 de septiembre, Motion Picture News informó que la producción de la película se había completado. [26]
El coste de producción de The Jazz Singer fue de 422.000 dólares [27] (aproximadamente 5,75 millones de dólares en dólares de 2022), [23] una suma importante, especialmente para Warner Bros., que rara vez gastó más de 250.000 dólares. Sin embargo, de ninguna manera fue un disco para el estudio; dos largometrajes protagonizados por John Barrymore habían sido más costosos: The Sea Beast (1926), una adaptación libre y completamente silenciosa de Moby-Dick , con 503.000 dólares y Don Juan con 546.000 dólares. [28] Sin embargo, el desembolso constituyó una apuesta importante a la luz de las dificultades financieras del estudio: mientras The Jazz Singer estaba en producción, Harry Warner dejó de cobrar un salario, empeñó joyas pertenecientes a su esposa y trasladó a su familia a un apartamento más pequeño. [29]
El estreno se produjo el 6 de octubre de 1927 en Warner Bros. Teatro emblemático de la ciudad de Nueva York. De acuerdo con el tema de la película sobre un conflicto dentro de una familia judía, la película se estrenó después del atardecer en vísperas de la festividad de Yom Kipur . [30] La preparación para el estreno fue tensa. Además de Warner Bros.' Debido a su precaria situación financiera, la presentación física de la película en sí fue notablemente compleja:
Cada uno de los números musicales de Jolson se montó en un carrete separado con un disco de sonido separado que lo acompañaba. Aunque la película sólo duraba ochenta y nueve minutos... había quince carretes y quince discos que manejar, y el proyeccionista tenía que poder enhebrar la película y colocar los discos Vitaphone muy rápidamente. El menor tropiezo, vacilación o error humano resultaría en una humillación pública y financiera para la empresa. [31]
Ninguno de los cuatro hermanos Warner [32] pudo asistir: Sam Warner —entre ellos, el más firme defensor de Vitaphone— había muerto el día anterior de neumonía y los hermanos supervivientes habían regresado a California para su funeral. [25]
Según Doris Warner, que estuvo presente, hacia la mitad de la película empezó a sentir que algo excepcional estaba ocurriendo. De repente, el rostro de Jolson apareció en un gran primer plano y dijo: "¡Espera un minuto, espera un minuto, todavía no has oído nada!" La frase "Espera un minuto" de Jolson provocó una respuesta fuerte y positiva de la audiencia, que quedó estupefacta al ver y escuchar a alguien hablar en una película por primera vez, hasta el punto de que al principio se pasó por alto el doble sentido. Los aplausos siguieron a cada una de sus canciones. La emoción aumentó y cuando Jolson y Eugenie Besserer comenzaron su escena de diálogo, "el público se puso histérico". [33] Después del espectáculo, el público se convirtió en una "multitud que se arremolinaba y luchaba", según la descripción de un periodista, cantando "¡Jolson, Jolson, Jolson!" [31] Entre quienes reseñaron la película, el crítico que previó con mayor claridad lo que presagiaba para el futuro del cine fue Robert E. Sherwood, de la revista Life . Describió la escena del diálogo hablado entre Jolson y Besserer como "llena de tremendo significado... Por mi parte, de repente me di cuenta de que el final del drama mudo está a la vista". [34]
La reacción crítica fue en general positiva, aunque no universalmente. El crítico del New York Times, Mordaunt Hall , reseñando el estreno de la película, declaró que
Desde la primera presentación de las funciones de Vitaphone, hace más de un año (es decir, Don Juan ), no se había escuchado nada parecido a una ovación en una sala de cine... Las canciones de Vitaphone y algunos diálogos se han introducido de la manera más hábil. Esto en sí mismo es un movimiento ambicioso, porque en la expresión de la canción el Vitaphone vitaliza enormemente la producción. El diálogo no es tan eficaz, porque no siempre capta los matices del habla o las inflexiones de la voz, de modo que uno no se da cuenta de las características mecánicas. [35]
Variety lo llamó "sin duda lo mejor que Vitaphone haya puesto en la pantalla... [con] abundante potencia y atractivo". [36] Richard Watts Jr. del New York Herald Tribune la llamó una "orgía agradablemente sentimental que trata de una lucha entre religión y arte... [Ésta] no es esencialmente una película, sino más bien una oportunidad de capturar para inmortalidad comparativa la vista y el sonido de un gran intérprete". [31] La opinión del Exhibitors Herald fue prácticamente idéntica: "apenas una película. Debería etiquetarse más apropiadamente como un disco Vitaphone ampliado de Al Jolson en media docena de canciones". [25] La película recibió críticas favorables tanto en la prensa judía como en periódicos afroamericanos como el Baltimore Afro-American , el New York Amsterdam News y el Pittsburgh Courier . [37] El titular de la reseña de Los Angeles Times contaba una historia algo diferente: "'Cantante de jazz' logra un éxito: Vitaphone y Al Jolson son responsables, la imagen en sí es de segunda categoría". [38] Photoplay descartó a Jolson como "ningún actor de cine. Sin su reputación en Broadway , no sería considerado un actor menor". [34]
La película se convirtió en un gran éxito, demostrando el potencial de ganancias de los largometrajes "sonoros " , pero Donald Crafton ha demostrado que la reputación que la película adquirió más tarde como uno de los mayores éxitos de Hollywood hasta la fecha estaba inflada. A la película le fue bien, aunque no de manera sorprendente, en las principales ciudades donde se estrenó por primera vez, obteniendo gran parte de sus impresionantes ganancias con proyecciones largas y constantes en centros de población grandes y pequeños de todo el país. Como la conversión de las salas de cine al cine sonoro aún estaba en sus primeras etapas, la película llegó a muchos de esos lugares secundarios en una versión muda. Por otro lado, la afirmación de Crafton de que The Jazz Singer "estaba claramente en un segundo o tercer nivel de atracciones en comparación con las películas más populares del momento e incluso otras películas sonoras de Vitaphone" también es incorrecta. [39] De hecho, la película fue fácilmente la que más ingresos generó en la historia de Warner Bros., y seguiría siéndolo hasta que fue superada un año después por The Singing Fool , otra película de Jolson. En el ámbito más amplio de Hollywood, entre las películas estrenadas originalmente en 1927, la evidencia disponible sugiere que The Jazz Singer estuvo entre los tres mayores éxitos de taquilla, solo detrás de Wings y, quizás, The King of Kings . [A]
Según los registros de Warner Bros, la película obtuvo ingresos de 1.974.000 dólares en los Estados Unidos y Canadá, [40] y 651.000 dólares en otros lugares, [1] para un alquiler bruto en salas de cine en todo el mundo de aproximadamente 2,6 millones de dólares (la participación del estudio en la taquilla bruta) y un ganancia de $1,196,750. [23]
Una de las claves del éxito de la película fue un innovador plan de marketing concebido por Sam Morris, Warner Bros. gerente de ventas. En la descripción de Crafton:
[Una] cláusula especial en el contrato de exhibición del Vitaphone de Warner prácticamente garantizaba tiradas largas. Los cines tuvieron que reservar The Jazz Singer durante semanas completas en lugar de semanas divididas. En lugar de la tradicional tarifa fija de alquiler, Warners se quedó con un porcentaje de la entrada. Una escala móvil significaba que la ganancia del exhibidor aumentaba cuanto más tiempo se exhibía la película. La firma de este contrato por parte del circuito mayor de teatros Fox de Nueva York se consideró un precedente que ocupó los titulares. [27]
Acuerdos similares, basados en un porcentaje de las tarifas brutas de alquiler en lugar de una tarifa fija, pronto se convertirían en estándar para el producto de alta gama o "A" de la industria cinematográfica estadounidense.
Aunque en retrospectiva se entiende que el éxito de The Jazz Singer marcó el fin de la era del cine mudo , esto no fue evidente de inmediato. Mordaunt Hall, por ejemplo, elogió a Warner Bros. por "darse cuenta astutamente de que una concepción cinematográfica de The Jazz Singer era uno de los pocos temas que se prestaba al uso del Vitaphone". [35] En palabras del historiador Richard Koszarski, "Las películas mudas no desaparecieron de la noche a la mañana, ni las películas sonoras inundaron inmediatamente los cines... Sin embargo, 1927 sigue siendo el año en que Warner Bros. decidió cerrar el libro sobre la historia del cine mudo. , incluso si su objetivo original hubiera sido algo más modesto." [41]
La película tuvo otros efectos que fueron más inmediatos. George Jessel, que estaba en su tercera temporada de gira con la producción teatral de The Jazz Singer , describió más tarde lo que sucedió con su programa, tal vez anticipando cómo el sonido pronto consolidaría el dominio de Hollywood en la industria del entretenimiento estadounidense: "Una semana o dos después del Washington Mi compromiso con la versión sonora e imagen de The Jazz Singer con Al Jolson estaba arrasando en todo el país y me quedé sin negocio. No podía competir con un cine al otro lado de la calle que proyectaba la primera gran película sonora del mundo. ..por cincuenta centavos, mientras que en mi cine el precio era de $3.00." [42]
Como evento verdaderamente crucial, Crafton señala el estreno nacional de la versión sonora de la película a principios de 1928; lo fecha en enero, [27] Block y Wilson en el 4 de febrero . [23] En marzo, Warner anunció que The Jazz Singer sería presentándose en un récord de 235 salas (aunque muchos aún pudieron exhibirla sólo en silencio). [27] En mayo, un consorcio que incluía a los principales estudios de Hollywood firmó con la división de licencias de Western Electric , ERPI, para la conversión de sonido. En julio, Warner Bros. lanzó el primer largometraje totalmente hablado, Lights of New York , un melodrama musical sobre crímenes.
El 27 de septiembre, The Jazz Singer se convirtió en el primer largometraje sonoro proyectado en Europa cuando se estrenó en el Piccadilly Theatre de Londres . La película "causó sensación", según la historiadora de cine británica Rachael Low . " The Jazz Singer fue un punto de inflexión [para la introducción del sonido]. El Bioscope lo recibió con: 'Nos inclinamos a preguntarnos por qué las llamamos Living Pictures'". [43] El estreno sonoro en París siguió en enero de 1929. [44]
Antes de que se celebrara la primera ceremonia de los Premios de la Academia en mayo de 1929, en honor a las películas estrenadas entre agosto de 1927 y julio de 1928, The Jazz Singer fue declarada no elegible para los dos premios principales: Mejor Película, Producción y Producción Única y Artística , basándose en que habría sido una competencia desleal para las películas mudas en cuestión. [23] A mediados de 1929, Hollywood producía casi exclusivamente películas sonoras; a finales del año siguiente, lo mismo ocurría en gran parte de Europa occidental. Jolson pasó a hacer una serie de películas para Warner, incluida The Singing Fool , un medio sonoro, y las películas habladas Say It with Songs (1929), Mammy (1930) y Big Boy (1930).
El uso de la cara negra por parte de Jack Robin en su actuación en Broadway, una práctica común en ese momento, que ahora es ampliamente condenada como racista [45] , es el foco principal de muchos estudios sobre cantantes de jazz . Su papel crucial e inusual lo describe el académico Corin Willis:
En contraste con los chistes e insinuaciones raciales que surgieron en su posterior persistencia en las primeras películas sonoras, las imágenes del rostro negro en The Jazz Singer son el núcleo del tema central de la película, una exploración expresiva y artística de la noción de duplicidad e hibridación étnica dentro de la cultura estadounidense. identidad. De los más de setenta ejemplos de cara negra en las primeras películas sonoras de 1927-1953 que he visto (incluidas las nueve apariciones de cara negra que Jolson hizo posteriormente), The Jazz Singer es única porque es la única película donde la cara negra es central para el desarrollo narrativo. y expresión temática. [46]
La función y el significado de la cara negra en la película están íntimamente relacionados con la propia herencia judía de Jack y su deseo de dejar su huella en la cultura estadounidense de masas, de manera muy similar a como lo estaban haciendo Jolson y los hermanos Warner, étnicamente judíos. Jack Robin "compone tanto la tradición como el estrellato. La tesis de Warner Brothers es que, para tener realmente éxito, un hombre primero debe reconocer su identidad étnica", sostiene WT Lhamon. "[L]a película entera se desarrolla hacia la escena del oscurecimiento en el ensayo general. Jack Robin necesita la máscara de cara negra como agencia de su identidad compuesta. Blackface mantendrá todas las identidades juntas sin congelarlas en una relación singular o reemplazarlas partes." [47]
La opinión de Seymour Stark es menos optimista. Al describir la amplia experiencia de Jolson actuando con la cara negra en musicales teatrales, afirma: "El judío inmigrante como estrella de Broadway... trabaja dentro de una tradición de juglar con la cara negra que oscurece su pedigrí judío, pero proclama su identidad blanca. El ligero acento yiddish de Jolson estaba oculto por un barniz sureño." [48] Argumentando que The Jazz Singer en realidad evita abordar honestamente la tensión entre la asimilación estadounidense y la identidad judía, afirma que su "mensaje encubierto... es que el símbolo de la cara negra proporciona al inmigrante judío los mismos derechos y privilegios concedidos a Las generaciones anteriores de inmigrantes europeos se iniciaron en los rituales del espectáculo de juglares". [49]
Lisa Silberman Brenner contradice esta opinión. Vuelve a las intenciones expresadas por Samson Raphaelson, en cuya obra se basó estrechamente el guión de la película: "Para Raphaelson, el jazz es oración, estilo americano, y el juglar cara negra es el nuevo cantor judío. Según las propias palabras del autor, la obra es sobre el rostro negro como un medio para que los judíos expresen un nuevo tipo de judaísmo, el del judío estadounidense moderno". [50] Ella observa que durante el mismo período, la prensa judía notaba con orgullo que los artistas judíos estaban adoptando aspectos de la música afroamericana.
Según Scott Eyman , la película "marca una de las pocas veces que los judíos de Hollywood se permitieron contemplar su propio mito cultural central y los enigmas que lo acompañan. El cantante de jazz celebra implícitamente la ambición y el impulso necesarios para escapar de los shtetls de Europa ". y los guetos de la ciudad de Nueva York, y el consiguiente hambre de reconocimiento. Jack, Sam y Harry [Warner] dejaron que Jack Robin lo tuviera todo: la satisfacción de ocupar el lugar de su padre y de conquistar el Winter Garden. , dramatizando parte de su propia ambivalencia sobre la deuda que los estadounidenses de primera generación tenían con sus padres." [51]
Se han producido tres versiones cinematográficas posteriores de The Jazz Singer : una nueva versión de 1952 , protagonizada por Danny Thomas y Peggy Lee ; [52] una nueva versión televisiva de 1959 , protagonizada por Jerry Lewis ; y una nueva versión de 1980 protagonizada por Neil Diamond , Lucie Arnaz y Laurence Olivier . [53] The Jazz Singer fue adaptado como una obra de radio de una hora en dos transmisiones de Lux Radio Theatre , ambas protagonizadas por Al Jolson, repitiendo su papel en la pantalla. El primero se emitió el 10 de agosto de 1936; el segundo, también protagonizado por Gail Patrick , el 2 de junio de 1947. [54]
El cantante de jazz fue parodiado ya en 1936, en la caricatura de Warner Bros. I Love to Singa , dirigida por Tex Avery . Su héroe es "Owl Jolson", un joven búho que canta canciones populares, como la canción principal, en contra de los deseos de su padre, un profesor de música clásica. [55] Entre las muchas referencias a The Jazz Singer en la cultura popular, quizás la más significativa sea la del musical de MGM Singin' in the Rain (1952). La historia, ambientada en 1927, gira en torno a los esfuerzos por transformar una producción cinematográfica muda, The Dueling Cavalier , en una película sonora en respuesta al éxito de The Jazz Singer . En un momento, el personaje de Donald O'Connor sugiere un nuevo nombre para el ahora musical: "¡Ya lo tengo! 'The Dueling Mammy'". La trama del episodio de Los Simpson " De tal padre, tal payaso " (1991) es paralela a la historia de Jakie Rabinowitz/Jack Robin. [56] El padre rabino de Krusty el Payaso desaprueba la elección de su hijo de ser comediante y le dice: "¡Has traído vergüenza a nuestra familia! Oh, si fueras músico o cantante de jazz, esto te lo podría perdonar". [57]
Según el historiador de cine Krin Gabbard, The Jazz Singer "proporciona la narrativa básica de la vida del jazz y de los músicos populares en las películas. Si este argumento significa que en algún momento después de 1959 la narrativa debe pertenecer a los rockeros pop, sólo demuestra el poder de la Película original de 1927 para determinar cómo Hollywood cuenta las historias de músicos populares". [58] En términos más generales, también sugiere que esta "película aparentemente única" se ha "convertido en un paradigma de las historias de éxito estadounidenses". [59] Más específicamente, examina un ciclo de biografías de músicos de jazz blancos que se extiende desde Birth of the Blues (1941) hasta The Five Pennies (1959) y que remontan sus raíces a The Jazz Singer . [60]
En 1996, The Jazz Singer fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Cine de películas "cultural, histórica o estéticamente significativas". [61] En 1998, la película fue elegida en la votación realizada por el American Film Institute como una de las mejores películas estadounidenses de todos los tiempos, ubicándose en el puesto noventa. [62] En 2007, se lanzó una edición en DVD de lujo de tres discos de la película. El material complementario incluye el corto Vitaphone de Jolson, A Plantation Act (1926).
La frase de Al Jolson: "Espera un minuto, espera un minuto. ¡Aún no has oído nada!" fue votada como la 71ª mejor cita por el American Film Institute .
