Todd Haynes ( nacido el 2 de enero de 1961) es un director de cine, guionista y productor estadounidense. Sus películas abarcan cuatro décadas con temas que examinan las personalidades de músicos famosos, sociedades disfuncionales y distópicas y roles de género difusos .
Haynes ganó la atención del público por primera vez con su controvertido cortometraje Superstar: The Karen Carpenter Story (1987), que narra la vida y la muerte de la cantante Karen Carpenter utilizando muñecas Barbie como actores. [a] Superstar se convirtió en un clásico de culto . [1] [2] Su debut como director de largometrajes, Poison (1991), una exploración provocadora de las percepciones y subversiones queer de la era del SIDA , lo estableció como una figura de un nuevo cine transgresor. Poison ganó el Gran Premio del Jurado del Festival de Cine de Sundance y es considerado como una obra seminal del Nuevo Cine Queer .
Haynes recibió más elogios por su segundo largometraje, Safe (1995), un retrato simbólico de una ama de casa que desarrolla sensibilidad química múltiple . Safe fue votada más tarde como la mejor película de la década de 1990 por The Village Voice Film Poll . Su siguiente largometraje, Velvet Goldmine (1998), es un homenaje a la era del glam rock de la década de 1970. La película recibió el Premio Especial del Jurado a la Mejor Contribución Artística en el Festival de Cine de Cannes de 1998 .
Haynes ganó elogios y un cierto éxito comercial con Far from Heaven (2002), recibiendo su primera nominación al Oscar al Mejor Guion Original . Continuó dirigiendo películas elogiadas por la crítica como I'm Not There (2007), Carol (2015), Wonderstruck (2017), Dark Waters (2019) y May December (2023), así como el documental The Velvet Underground (2021). Haynes también dirigió y coescribió la miniserie de HBO Mildred Pierce (2011), por la que recibió tres nominaciones al premio Primetime Emmy .
Haynes nació el 2 de enero de 1961 en Los Ángeles y creció en el barrio Encino de la ciudad. [3] [4] Su padre, Allen E. Haynes, era un importador de cosméticos, y su madre, Sherry Lynne (née Semler), estudió interpretación. Haynes es judío por parte de su madre. [5] [6] Su hermana menor es Gwynneth Haynes de la banda Sophe Lux . [7]
Haynes desarrolló un interés por el cine a temprana edad y produjo un cortometraje, The Suicide (1978), mientras aún estaba en la escuela secundaria. Estudió arte y semiótica en la Universidad de Brown , donde dirigió su primer cortometraje Assassins: A Film Concerning Rimbaud (1985), inspirado en el poeta francés Arthur Rimbaud (una personalidad a la que Haynes haría referencia más tarde en su película I'm Not There ). En Brown, conoció a Christine Vachon , quien produciría todos sus largometrajes. Después de graduarse en Brown, Haynes se mudó a la ciudad de Nueva York y se involucró en la escena del cine independiente, lanzando Apparatus Productions, una organización sin fines de lucro para el apoyo del cine independiente. [1]
Según Cinematic/Sexual: An Interview with Todd Haynes , en respuesta a si su formación académica afectó su práctica cinematográfica, Haynes afirmó que su profesor de secundaria le enseñó una valiosa lección: "La realidad no puede ser un criterio para juzgar el éxito o el fracaso de una película, o su efecto en ti. Fue una forma simple, pero reveladora, de abordar el cine". [8]
En 1987, mientras estudiaba una maestría en Bellas Artes en el Bard College , Haynes hizo un corto, Superstar: The Karen Carpenter Story , que narra la vida de la cantante pop estadounidense Karen Carpenter , utilizando muñecas Barbie como actores. [1] La película presenta la lucha de Carpenter con la anorexia y la bulimia, presentando varios primeros planos de Ipecacuana (el medicamento sin receta que Carpenter supuestamente usó para provocarse el vómito durante su enfermedad). La pérdida de peso crónica de Carpenter fue retratada utilizando una muñeca Barbie "Karen" con la cara y el cuerpo tallados con un cuchillo, dejando a la muñeca con un aspecto esqueletizado.
Superstar incluyó un uso extensivo de canciones de Carpenter, mostrando el amor de Haynes por la música popular (que sería una característica recurrente en películas posteriores). Haynes no pudo obtener la licencia adecuada para usar la música, lo que provocó una demanda del hermano de Karen, Richard, por infracción de derechos de autor. Se dice que Carpenter también se sintió ofendido por la representación poco favorecedora que Haynes hizo de él como un matón narcisista, junto con varias sugerencias ampliamente descartadas de que era gay y estaba en el armario . Carpenter ganó su demanda y Superstar fue retirada de la distribución pública; hasta la fecha, no se puede ver públicamente. [1] Todavía circulan versiones piratas de la película, y la película está disponible esporádicamente en YouTube. [9] [10]
El debut cinematográfico de Haynes en 1991, Poison , le valió más elogios y controversia. [1] Basándose en los escritos del escritor gay Jean Genet , la película es un tríptico de narrativas de temática queer , cada una adoptando un género cinematográfico diferente: documental vox-pop ("Hero"), terror de ciencia ficción de los años 50 ("Horror") y drama romántico sobre prisioneros homosexuales ("Homo"). La película explora las percepciones tradicionales de la homosexualidad como una fuerza antinatural y desviada, y presenta la visión de Genet de las relaciones homosexuales sadomasoquistas como una subversión de las normas heterosexuales, que culmina con una ceremonia de matrimonio entre dos convictos homosexuales. Poison marcó la primera colaboración de Haynes con su productora de toda la vida, Christine Vachon .
Poison fue financiada parcialmente con una subvención de la National Endowment for the Arts (NEA), [1] "en un momento en que la agencia estaba siendo atacada por grupos conservadores por usar fondos públicos para apoyar obras sexualmente explícitas". [11] Esto, junto con los temas sexuales de la película, fue una fuente de controversia. [11] [1] Posteriormente, la película se convirtió en el centro de un ataque público por parte del reverendo Donald Wildmon , director de la American Family Association , quien criticó a la NEA por financiar Poison y otras obras de artistas y cineastas homosexuales y lesbianas. Wildmon, que no había visto la película antes de hacer sus comentarios públicamente, [12] condenó las "escenas pornográficas explícitas de homosexuales involucrados en sexo anal" de la película, a pesar de que tales escenas no aparecen en la película. [13] Poison ganó el Gran Premio del Jurado del Festival de Cine de Sundance de 1991, estableciendo a Haynes como un talento emergente y la voz de una nueva generación transgresora. [1] [14] [15] La escritora de cine B. Ruby Rich citó a Poison como una de las películas definitorias del movimiento emergente del Nuevo Cine Queer , con su enfoque en la sexualidad inconformista como una fuerza social antisistema. [16] [17]
El siguiente cortometraje de Haynes, Dottie Gets Spanked (1993), exploró las experiencias de un niño tranquilo y gentil de seis años a principios de la década de 1960 que tiene varios encuentros indirectos con azotes, el más significativo de los cuales involucra a su ídolo, una estrella de una comedia de televisión llamada Dottie. La película se emitió en PBS . [1]
.jpg/1280px-Julianne_Moore_(15011443428).jpg)
El segundo largometraje de Haynes, Safe (1995), fue un retrato aclamado por la crítica de Carol White, una ama de casa del Valle de San Fernando (interpretada por Julianne Moore ) que desarrolla alergias violentas a su existencia suburbana de clase media. [1] Después de una serie de reacciones alérgicas extremas y hospitalización, Carol se diagnostica a sí misma una enfermedad ambiental aguda y se muda a una comuna New Age en el desierto de Nuevo México dirigida por un "gurú" VIH positivo que predica que el mundo real es tóxico e inseguro para Carol, y que ella es responsable de su enfermedad y recuperación. La película termina con Carol retirándose a su "habitación segura" antiséptica, similar a una prisión, mirándose en el espejo y susurrando "Te amo" a su reflejo.
La película es notable por su tratamiento crítico (aunque no del todo antipático) de su personaje principal. Julie Grossman sostiene en su artículo "The Trouble With Carol" que Haynes concluye la película como un desafío a las narrativas cinematográficas tradicionales de Hollywood de la heroína tomando el control de su vida, y que Haynes presenta a Carol como la víctima tanto de una sociedad represiva dominada por los hombres, como también de una cultura de autoayuda igualmente debilitante que alienta a los pacientes a tomar la responsabilidad exclusiva de su enfermedad y recuperación. [18] La enfermedad de Carol, aunque no identificada, ha sido leída como una analogía de la crisis del SIDA de mediados de la década de 1980, como una "amenaza" igualmente incómoda y en gran parte tácita en la América reaganista de 1980. [1] [19] Safe fue aclamada por la crítica, lo que le dio a Moore su primer papel protagonista en un largometraje, y le dio a Haynes una medida de reconocimiento crítico general. [1] Fue votada como la mejor película de la década de 1990 por la encuesta de críticos de Village Voice. [20] El historiador de cine David Thomson la describió más tarde como "una de las películas más sorprendentes, originales y logradas de la década de 1990". [21]
Haynes dio un giro radical en su siguiente película, Velvet Goldmine (1998), protagonizada por Christian Bale , Ewan McGregor , Jonathan Rhys-Meyers y Toni Collette . El título de la película toma su nombre de la canción de David Bowie " Velvet Goldmine ". [22] Filmada y ambientada principalmente en Inglaterra, la película fue un homenaje intencionalmente caótico a la era del glam rock de los años 70, basándose en gran medida en las historias y mitologías del rock de los glam rockeros David Bowie , Iggy Pop y Lou Reed . Comenzando con Oscar Wilde como el padrino espiritual del glam rock, la película se deleita en la experimentación de género e identidad y la bisexualidad de moda de la época, y reconoce el poder transformador del glam rock como un escape y una forma de autoexpresión para los adolescentes homosexuales. [ cita requerida ]
La película sigue al personaje de Arthur (Bale), un periodista inglés que en su adolescencia se cautivó por el glam rock y que regresa una década después para dar caza a sus antiguos héroes: Brian Slade (Rhys Meyers), un andrógino que viste una boa de plumas y tiene un alter ego, "Maxwell Demon", que se parece a Bowie en su encarnación de Ziggy Stardust , y Curt Wild (McGregor), un rockero al estilo de Iggy Pop. La narrativa reescribe de manera lúdica los mitos del glam rock que, en algunos casos, se acercan desconcertantemente a la verdad. [ cita requerida ] Slade coquetea con la bisexualidad y la decadencia antes de escenificar su propia muerte en una actuación en vivo y desaparecer de la escena, haciendo eco de la propia negación de Bowie del glam rock a fines de la década de 1970 y su posterior recreación como una estrella pop declaradamente heterosexual. La película muestra una historia de amor entre los personajes de Slade y Wild, lo que recuerda los rumores sobre la supuesta relación sexual entre Bowie y Reed. El personaje de Curt Wild tiene un flashback de un tratamiento de electroshock forzado cuando era adolescente para intentar curar su homosexualidad, lo que recuerda las experiencias de Reed como víctima de la profesión médica homofóbica.
Haynes estaba interesado en utilizar música original del período del glam rock y (aprendiendo la lección de Superstar ) [ cita requerida ] se acercó a David Bowie antes de hacer la película para pedirle permiso para usar su música en la banda sonora. Bowie se negó, dejando a Haynes para usar una combinación de canciones originales de otros artistas y música inspirada en el glam rock escrita por bandas de rock contemporáneo para la película, incluida Suede . [ cita requerida ] Velvet Goldmine se estrenó en la competencia principal en el Festival de Cine de Cannes de 1998 , ganando un premio especial del jurado a la Mejor Contribución Artística. [23] A pesar de los elogios críticos iniciales, la película recibió críticas mixtas de los críticos. [ cita requerida ] La diseñadora de vestuario Sandy Powell recibió una nominación al Premio de la Academia por su diseño de vestuario y ganó el Oscar en el mismo año por su trabajo en Shakespeare In Love . [24]
Haynes logró su mayor éxito crítico y comercial hasta la fecha con Far from Heaven (2002), un drama ambientado en la década de 1950 inspirado en las películas de Douglas Sirk sobre una ama de casa de Connecticut, Cathy Whittaker ( Julianne Moore ), que descubre que su marido ( Dennis Quaid ) es secretamente gay, y posteriormente se enamora de Raymond, su jardinero afroamericano ( Dennis Haysbert ). La película funciona como un tributo mayoritariamente reverencial y nada irónico a la cinematografía de Sirk, recreando con amor la estilizada puesta en escena , los colores, el vestuario, la cinematografía y la iluminación del melodrama sirkiano . La relación de Cathy y Raymond se asemeja al romance entre clases de Jane Wyman y Rock Hudson en All That Heaven Allows , y la relación de Cathy con Sybil, su ama de llaves afroamericana ( Viola Davis ) recuerda la amistad de Lana Turner y Juanita Moore en Imitation of Life . Aunque se mantiene dentro del lenguaje cinematográfico de la época, Haynes actualiza la política sexual y racial, mostrando escenarios (una historia de amor interracial y relaciones homosexuales) que no habrían sido permisibles en la era de Sirk. Haynes también se resiste a un final feliz sirkiano, permitiendo que la película termine con una nota melancólica más cercana en tono a los melodramas "llorosos" del cine de los años 1940 y 1950 como Mildred Pierce .
Far from Heaven debutó en el Festival de Cine de Venecia con gran éxito de crítica y cosechó una serie de premios cinematográficos, incluida la Copa Volpi para Moore y cuatro nominaciones al Oscar: actriz principal para Moore, guion original de Haynes, banda sonora de Elmer Bernstein y fotografía de Edward Lachman . Far from Heaven perdió en las cuatro categorías, pero el éxito de la película fue aclamado como un gran avance para el cine independiente que logró el reconocimiento general y llevó a Haynes a la atención de un público general más amplio. [1]
En otro cambio radical de dirección, la siguiente película de Haynes, I'm Not There (2007), regresó a la mitología de la música popular, retratando la vida y la leyenda de Bob Dylan a través de siete personajes ficticios interpretados por seis actores: Richard Gere , Cate Blanchett , Marcus Carl Franklin , Heath Ledger , Ben Whishaw y Christian Bale . Haynes obtuvo la aprobación de Dylan para proceder con la película, y los derechos para usar su música en la banda sonora, después de presentar un resumen de una página del concepto de la película a Jeff Rosen, el manager de Dylan durante mucho tiempo. [25] I'm Not There se estrenó en el Festival de Cine de Venecia con gran éxito de crítica, donde Haynes ganó el Gran Premio del Jurado y Blanchett ganó la Copa Volpi, recibiendo finalmente una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Actriz de Reparto . [26] [27]
El siguiente proyecto de Haynes fue Mildred Pierce , una miniserie de cinco horas para HBO basada en la novela de James M. Cain y la película de 1945 protagonizada por Joan Crawford . La serie fue protagonizada por Kate Winslet en el papel principal y contó con Guy Pearce , Evan Rachel Wood , Melissa Leo , James LeGros y Hope Davis . El rodaje se completó a mediados de 2010 y la serie comenzó a emitirse en HBO el 27 de marzo de 2011. Recibió 21 nominaciones al premio Primetime Emmy , ganando cinco, y Winslet ganó un Globo de Oro por su actuación. [28] [29]
El sexto largometraje de Haynes, Carol , es una adaptación de la novela de 1952 El precio de la sal de Patricia Highsmith . El reparto incluye a Cate Blanchett , Rooney Mara , Sarah Paulson y Kyle Chandler . La película se estrenó en competencia en el Festival de Cine de Cannes de 2015 , donde ganó la Palma Queer y un premio compartido a Mejor Actriz para Mara. [30] [31] Carol recibió elogios de la crítica [32] y fue nominada a 6 Premios Óscar, 5 Premios Globo de Oro, 9 Premios BAFTA y 6 Premios Independent Spirit . [33] [34] [35] [36] Geoffrey McNab de The Independent elogió la película elogiando la escritura de Haynes "De manera astuta y subversiva, Haynes está dejando al descubierto las tensiones en una sociedad que se niega a reconocer la "diferencia" de cualquier tipo". McNabb añadió: "Ambos se ven ayudados por el hecho de que Todd Haynes es un director sensible a cada matiz de sus actuaciones". [37]
El 20 de octubre de 2017, se estrenó Wonderstruck de Haynes , que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2017 el 18 de mayo de 2017. La película es una adaptación del libro infantil homónimo de Brian Selznick . Wonderstruck está protagonizada por Julianne Moore y está producida por la colaboradora de Haynes, Christine Vachon , y Amazon Studios , que también distribuye la película. [38] [39] La película describe a dos niños sordos, uno en 1927 y el otro en 1977, que se embarcan en misiones separadas para encontrarse a sí mismos. Cuando se le preguntó por qué había hecho una película para niños, en su entrevista de NPR del 15 de octubre de 2017, Haynes explicó: "Sentí que hablaba de algo indomable sobre la naturaleza de los niños y la capacidad de los niños de enfrentarse a desafíos y lo desconocido y seguir luchando a través de esos desafíos". [40] La película recibió críticas mixtas, pero recibió elogios por la cinematografía en blanco y negro de Edward Lachman .
Haynes dirigió una película titulada Dark Waters para Participant Media . [41] [42] La película está basada en el artículo de Nathaniel Rich de la revista New York Times "El abogado que se convirtió en la peor pesadilla de DuPont", que trata sobre el abogado defensor corporativo Robert Bilott y su demanda ambiental contra el conglomerado estadounidense DuPont . [43] Mark Ruffalo y Anne Hathaway protagonizan la película, [44] y la fotografía principal comenzó en enero de 2019, en Cincinnati . [45] La película se estrenó el 22 de noviembre de 2019. [46]
El 7 de julio de 2021, Haynes estrenó su primer largometraje documental, The Velvet Underground , en el Festival de Cine de Cannes , y luego se estrenó el 15 de octubre de 2021 en cines y en Apple TV+ , con gran éxito de crítica. La película rechaza los tropos de las películas biográficas documentales, evocando un lugar y un tiempo mediante un uso extensivo del montaje. “Lo que puede hacer el montaje es siempre más sofisticado de lo que le damos crédito”, dice Haynes. “Quería que el público rellenara los huecos por sí mismo y hiciera sus propios descubrimientos y sintiera que estas ideas vuelven a estar vivas, porque vienen a través de ti y no nos las están contando simplemente como en una conferencia”. [47] Haynes fue nominado al premio Critics' Choice Documentary Award como mejor ópera prima documental . [48]
La última película de Haynes, May December , lo reúne con su colaboradora frecuente Julianne Moore y las coprotagonistas Natalie Portman y Charles Melton . La película, basada libremente en Mary Kay Letourneau , gira en torno a una pareja casada cuya relación se pone a prueba después de que una actriz llega a investigar para una película sobre su pasado. El guion fue escrito por Samy Burch , con una historia de Burch y Alex Mechanik . [49] [50] La película se rodó en Savannah, Georgia, y finalizó su rodaje en diciembre de 2022. [51] La película recibió críticas positivas [52] con Peter Debruge de Variety escribiendo: "Todd Haynes analiza la obsesión de Estados Unidos con el escándalo y la imposibilidad de saber realmente qué motiva a los demás en esta mirada en capas al proceso del actor". [53] La película recibió nominaciones a cuatro premios Globo de Oro, incluida la de Mejor Película - Musical o Comedia . [54] El propio Haynes fue nominado al premio Independent Spirit al mejor director . [55]
En 2023, Todd Haynes recibió un premio Moving Image Award del Museum of the Moving Image (MOMI) de la ciudad de Nueva York. El MOMI también organizó una retrospectiva de su obra y publicó un libro, Todd Haynes: Rapturous Process. [56]
Haynes dijo en septiembre de 2023 que había estado trabajando en una película sexualmente explícita sobre una "historia de amor entre dos hombres ambientada en la década de 1930", protagonizada por Joaquin Phoenix . [57] El proyecto se canceló poco antes de que comenzara la producción cuando Phoenix renunció abruptamente. [58]
En 2015 se informó que estaba desarrollando una serie de televisión basada en el documental de 2012 The Source Family para HBO . [38] [59]
Haynes se dispone a dirigir una película biográfica sobre Peggy Lee , titulada Fever , basada en un guion redactado originalmente por Nora Ephron antes de su muerte en 2012, protagonizada por Michelle Williams en el papel principal después de que Reese Witherspoon se echara atrás en el papel para producir en su lugar. Billie Eilish está en las primeras conversaciones para ser productora ejecutiva. El guionista principal es ahora Doug Wright . [60]
Se informa que Haynes dirigirá la serie de HBO Trust, basada en la novela homónima de Hernán Díaz , con Kate Winslet como protagonista después de trabajar juntas en Mildred Pierce. [61] [62]
AllMovie escribe que "Haynes es conocido por hacer películas provocativas que subvierten la estructura narrativa y resuenan con un erotismo transgresor y complejo ... Aunque no se caracteriza a sí mismo como un cineasta gay que hace películas gay... el nombre de Haynes se ha convertido en sinónimo del movimiento del Nuevo Cine Queer y su trabajo para explorar y redefinir los contornos de la cultura queer en Estados Unidos y más allá". [63]
La obra de Haynes se centra en las ideas posmodernas de la identidad y la sexualidad como conceptos socialmente construidos y la identidad personal como un estado fluido y cambiante. Sus protagonistas son invariablemente marginados sociales cuya identidad y sexualidad "subversivas" los ponen en desacuerdo con las normas recibidas de su sociedad. En el universo de Haynes, la sexualidad (especialmente la sexualidad "desviada" o no convencional) es una fuerza subversiva y peligrosa que altera las normas sociales y a menudo es reprimida brutalmente por las estructuras de poder dominantes. Haynes presenta a los artistas como la máxima fuerza subversiva, ya que necesariamente deben situarse fuera de las normas sociales, y la producción creativa de un artista representa la mayor oportunidad para la libertad personal y social. Muchas de sus películas son retratos no convencionales de artistas y músicos populares ( Karen Carpenter en Superstar , David Bowie en Velvet Goldmine y Bob Dylan en I'm Not There ). [ cita requerida ]
Las películas de Haynes a menudo presentan dispositivos cinematográficos o narrativos formales que desafían las nociones establecidas de identidad y sexualidad y recuerdan a la audiencia la artificialidad del cine como medio. Los ejemplos incluyen el uso de muñecas Barbie en lugar de actores en Superstar o tener múltiples actores interpretando al protagonista en I'm Not There . Estilísticamente, Haynes favorece el formalismo sobre el naturalismo, a menudo apropiándose y reinventando estilos cinematográficos, incluida la forma documental en Poison , Velvet Goldmine y I'm Not There , la reinvención del melodrama de Douglas Sirk en Far from Heaven y una extensa referencia al cine de arte de los años 60 en I'm Not There . [ cita requerida ]
Haynes es abiertamente gay, [64] [65] [66] y se identifica como irreligioso . [67] Después de vivir en la ciudad de Nueva York durante más de una década, Haynes se mudó a Portland, Oregon , en 2002. [4] [68] Ha estado en una relación con Bryan O'Keefe, un productor de archivos, desde 2002. [69]
En 2014 se publicó un libro editado de entrevistas personales, titulado Todd Haynes: Interviews . [70]
Productor ejecutivo
Dirigió actuaciones de los Premios Oscar
El cineasta Todd Haynes en 1961 (58 años)
Le pregunté a Todd por qué él, un director gay, con tanta frecuencia privilegiaba a la mujer desempoderada como personaje principal de sus películas, desde su muñeca Barbie Karen Carpenter hasta la ama de casa alérgica paranoica en Safe.
