Rinaldo ( HWV 7) es una ópera de Georg Friedrich Handel , compuesta en 1711, y fue la primera ópera en lengua italiana escrita específicamente para el escenario de Londres. El libreto fue preparado por Giacomo Rossi a partir de un guión proporcionado por Aaron Hill , y la obra se representó por primera vez en el Queen's Theatre en el Haymarket de Londresel 24 de febrero de 1711. La historia de amor, guerra y redención, ambientada en la época de la Primera Cruzada , está basada libremente enel poema épico de Torquato Tasso Gerusalemme liberata ("Jerusalén liberada"), y su puesta en escena incluyó muchos efectos originales y vívidos. Fue un gran éxito entre el público, a pesar de las reacciones negativas de los críticos literarios hostiles a la tendencia contemporánea hacia el entretenimiento italiano en los teatros ingleses.
Handel compuso Rinaldo rápidamente, tomando prestada y adaptando música de óperas y otras obras que había compuesto durante una larga estancia en Italia entre los años 1706 y 1710, durante la que se ganó una considerable reputación. En los años posteriores al estreno, realizó numerosas modificaciones a la partitura. Rinaldo es considerada por los críticos como una de las grandes óperas de Handel. De sus números individuales, el aria para soprano " Lascia ch'io pianga " se ha convertido en una de las favoritas y es una pieza de concierto popular.
Handel dominó la ópera en Inglaterra durante varias décadas. Rinaldo fue reestrenada en Londres regularmente hasta 1717, y en una versión revisada en 1731; de todas las óperas de Handel, Rinaldo fue la más representada durante su vida. Sin embargo, después de 1731, la ópera no se representó durante más de 200 años. El renovado interés por la ópera barroca durante el siglo XX condujo a la primera producción profesional moderna en el lugar de nacimiento de Handel, Halle , Alemania, en 1954. La ópera se montó esporádicamente durante los siguientes treinta años; después de una exitosa presentación en la Ópera Metropolitana de Nueva York en 1984, las representaciones y grabaciones de la obra se han vuelto más frecuentes en todo el mundo. Rinaldo fue la primera ópera de Handel que llegó al Metropolitan. [1] El tricentenario de la ópera en 2011 trajo una producción modernizada en el Festival de Glyndebourne .
Handel comenzó a componer óperas en la Oper am Gänsemarkt de Hamburgo, donde pasó los años 1703 a 1706; sus principales influencias fueron Johann Mattheson y Reinhard Keiser . [2] [3] En esa época, la ópera alemana como género aún no estaba claramente definida; en Hamburgo el término singspiel ("obra musical") en lugar de ópera describía dramas musicales que combinaban elementos de la ópera francesa e italiana, a menudo con pasajes de diálogo hablado en alemán. La música estaba, en palabras del historiador Donald Jay Grout , "teñida con la formalidad seria y pesada de la Alemania luterana". [4] La primera de las primeras obras de Handel en estilo alemán fue Almira , un éxito considerable cuando se estrenó el 8 de enero de 1705. [5] Durante los siguientes tres años, Handel compuso tres óperas más en estilo alemán, pero todas ellas se han perdido. Sin embargo, se han identificado fragmentos de la música de estas obras en óperas posteriores. [6]
En otoño de 1706, Händel viajó a Italia. Permaneció durante largos períodos en Florencia, Roma, Nápoles y Venecia, visitando con frecuencia los teatros de ópera y las salas de conciertos. Obtuvo presentaciones de músicos destacados, entre ellos Arcangelo Corelli , Alessandro y Domenico Scarlatti y Agostino Steffani , [7] y conoció a numerosos cantantes e intérpretes. De estos conocidos, Händel aprendió las características esenciales de la música italiana, en particular (según Dean y Knapp ) "fluidez en el tratamiento del verso italiano, declamación precisa y ritmo armónico flexible en el recitativo, ... estableciendo la distinción necesaria entre material vocal e instrumental y, sobre todo, la liberación de [su] maravilloso don melódico". [8] La primera ópera italiana de Händel, Rodrigo , mostró una comprensión incompleta del estilo italiano, con gran parte de la influencia de Hamburgo de Keiser todavía evidente; No tuvo éxito cuando se estrenó en Florencia, a finales de noviembre o principios de diciembre de 1707. [7] A esto le siguió una larga visita a Roma, donde las representaciones de ópera estaban prohibidas por decreto papal, [9] y perfeccionó sus habilidades a través de la composición de cantatas y oratorios . En Roma, Handel conoció al cardenal Vincenzo Grimani , diplomático y libretista en su tiempo libre; [10] el resultado de este encuentro fue una colaboración que produjo la segunda ópera italiana de Handel, Agrippina . Después del estreno triunfal de esta obra en el Teatro San Giovanni Grisostomo de Venecia, el 26 de diciembre de 1709, Handel se convirtió, según el biógrafo PH Lang , en "famoso en todo el mundo y en el ídolo de un público mimado y erudito". [11]
Este repentino reconocimiento provocó una intensa competencia por los servicios de Handel. [12] Entre los más interesados en contratarlo se encontraba el príncipe Georg Ludwig , elector de Hannover y futuro rey Jorge I de Gran Bretaña. En junio de 1710 Handel aceptó el nombramiento de maestro de capilla de la corte de Georg en Hannover, bajo términos que le dieron un margen considerable para perseguir sus propios intereses. Sobre la base de esta libertad, a fines de 1710 Handel dejó Hannover para ir a Londres, posiblemente en respuesta a una invitación anterior de miembros de la nobleza inglesa. [13] En 1711, el público informado de Londres se había familiarizado con la naturaleza de la ópera italiana a través de los numerosos pastiches y adaptaciones que se habían representado. El ex director de la Royal Academy of Music , Curtis Price , escribe que la popularidad de estas piezas fue el resultado de una estrategia deliberada dirigida a la supresión de la ópera inglesa. [14] La música de Handel era relativamente desconocida en Inglaterra, aunque su reputación de Agrippina era considerable en otros lugares. Un breve "Diálogo italiano" que había escrito en honor del cumpleaños de la reina Ana fue bien recibido cuando se representó en el Palacio de St James el 6 de febrero de 1711. [15]
En Londres, por medios que no están documentados, Handel consiguió un encargo para escribir una ópera italiana para el Queen's Theatre en el Haymarket (se convirtió en el "King's Theatre" después de la ascensión al trono del rey Jorge I en 1714). [16] Este teatro, diseñado y construido por Sir John Vanbrugh , se había convertido en el principal teatro de ópera de Londres; su director, Aaron Hill, tenía la intención de montar la primera ópera italiana escrita específicamente para Londres y había contratado una compañía completamente italiana para la temporada de ópera de 1710-11. [15] Hill contrató a un poeta y profesor de lengua italiano, Giacomo Rossi, para escribir un libreto basado en un escenario que Hill preparó él mismo. [17] Como tema, Hill eligió Gerusalemme liberata , una epopeya de la Primera Cruzada del poeta italiano del siglo XVI Torquato Tasso ; la ópera se llamó Rinaldo , en honor a su protagonista principal. [15] Hill estaba decidido a explotar al máximo las oportunidades de espectáculo suntuoso que ofrecía la maquinaria del teatro; su objetivo, según Dean y Knapp, era "combinar el virtuosismo del canto italiano con la extravagancia de la mascarada del siglo XVII". [18]
El ejército cruzado, al mando de Goffredo, está sitiando Jerusalén, donde se encuentra confinado el rey sarraceno Argante con sus tropas. Con Goffredo están su hermano Eustazio, su hija Almirena y el caballero Rinaldo. Mientras Goffredo canta sobre la victoria que se avecina, Rinaldo declara su amor por Almirena y Goffredo confirma que ella será la esposa de Rinaldo cuando Jerusalén caiga. Almirena insta a Rinaldo a luchar con valentía y asegurar la victoria. Mientras ella se marcha, un heraldo anuncia la llegada de Argante desde la ciudad. Eustazio supone que el rey teme la derrota; esto parece confirmarse cuando Argante, tras una entrada grandiosa, solicita una tregua de tres días a la que Goffredo accede amablemente. Después de que Goffredo se marcha, Argante reflexiona sobre su amor por Armida, la reina de Damasco, que también es una poderosa hechicera, y considera la ayuda que sus poderes podrían brindarle. Mientras reflexiona, Armida llega del cielo en un carro de fuego. Ella ha adivinado que la única posibilidad de victoria de los sarracenos consiste en derrotar a Rinaldo y tiene el poder, afirma, para lograrlo.
La escena cambia a un jardín, con fuentes y pájaros, donde Rinaldo y Almirena celebran su amor. Son interrumpidos por la aparición de Armida, que arrebata a Almirena del abrazo de Rinaldo. Rinaldo saca su espada para defender a su amante, pero una nube negra desciende para envolver a Armida y Almirena, y se las lleva. Rinaldo lamenta la pérdida de su amada. Cuando llegan Goffredo y Eustazio, consuelan a Rinaldo y le proponen visitar a un mago cristiano que puede tener el poder de salvar a Almirena. Rinaldo, que se queda solo, reza para tener fuerzas.
Una orilla del mar. Mientras Goffredo, Eustazio y Rinaldo se acercan a la guarida del mago, una bella mujer llama desde su bote y le promete a Rinaldo que puede llevarlo a Almirena. Dos sirenas cantan sobre las delicias del amor e instan a Rinaldo a subir al bote. Él duda, sin saber qué hacer, y sus compañeros intentan contenerlo. Enfadado por el secuestro de su amada, Rinaldo sube al bote, que se aleja inmediatamente. Goffredo y Eustazio están sorprendidos por la impulsividad de Rinaldo y creen que ha abandonado su causa.
En el jardín del palacio de Armida, Almirena llora su cautiverio. Argante se une a ella y, abrumado por su belleza, confiesa que ahora la ama. Promete que, como prueba de sus sentimientos, desafiará la ira de Armida y conseguirá la libertad de Almirena. Mientras tanto, Rinaldo es llevado ante la triunfante Armida. Cuando él exige que Almirena sea liberada, Armida se siente atraída por su noble espíritu y le declara su amor. Cuando él la rechaza enojado, ella usa sus poderes para asumir la forma de Almirena, pero Rinaldo sospecha un engaño y se va. Armida, que recupera su propia apariencia, está furiosa por su rechazo, pero conserva sentimientos de tierno amor. Decide hacer otro intento por atrapar a Rinaldo y se transforma de nuevo en la forma de Almirena, pero luego se encuentra con Argante. Creyendo que ella es Almirena, Argante repite sus anteriores promesas de amor y libertad. Armida recupera rápidamente su forma original, denuncia su infidelidad y jura venganza. Argante, desafiante, confirma su amor por Almirena y declara que ya no necesita la ayuda de Armida. Ella se marcha furiosa.
En la ladera de una montaña, en la caverna del mago, Goffredo y Eustazio son informados por el mago de que Almirena está cautiva en el palacio de Armida, en la cima de la montaña. Ignorando la advertencia del mago de que necesitarán poderes especiales, la pareja se dirige al palacio, pero los monstruos de Armida los rechazan rápidamente. El mago les da varitas mágicas que trascienden el poder de Armida y se ponen en camino de nuevo. Esta vez superan a los monstruos, pero cuando llegan a las puertas del palacio, este desaparece y los deja aferrados a una roca en medio de un mar tempestuoso. Escalan la roca y descienden hasta perderse de vista.
En el jardín del palacio, Armida se prepara para matar a Almirena. Rinaldo saca su espada, pero Armida es protegida de su ira por los espíritus. De repente, llegan Goffredo y Eustazio, pero al tocar el jardín con sus varitas, este desaparece, dejándolos a todos en una llanura vacía con la ciudad de Jerusalén visible a lo lejos. Armida, después de un último intento de matar a Almirena, también desaparece cuando Rinaldo la golpea con su espada. Los cuatro restantes celebran su reencuentro, mientras Goffredo anuncia que el ataque a Jerusalén comenzará al día siguiente.
En la ciudad, Argante y Armida, en peligro por un enemigo común, se reconcilian y preparan sus tropas para la batalla. El ejército de Goffredo avanza y la batalla finalmente comienza. Después de una lucha por la supremacía, Jerusalén cae ante Goffredo; Argante es vencido y capturado por Rinaldo, mientras que Armida es capturada por Eustazio. Rinaldo y Almirena celebran su amor y su próximo matrimonio. Armida, aceptando su derrota, rompe la varita que es la fuente de su poder maligno y junto con Argante abraza el cristianismo. Goffredo expresa su perdón a sus enemigos derrotados y los libera, antes de que vencedores y vencidos se unan en un coro de reconciliación.
La ópera fue revisada con frecuencia, sobre todo en 1717 y 1731; las representaciones modernas suelen ser una fusión de las versiones disponibles. Hasta 1717 inclusive, estos cambios no tuvieron un efecto significativo en la trama. Sin embargo, en la versión de 1731, en el acto 2 Armida imita la voz de Almirena en lugar de asumir su apariencia, y Argante declara su amor al retrato de Almirena en lugar de a su rostro. En el acto 3 se eliminan las marchas y la escena de batalla; Armida y Argante permanecen impenitentes y desaparecen en un carro tirado por dragones antes de la conclusión. [23]
En una carta que dedicaba la nueva ópera a la reina Ana, Hill escribió sobre su elección de la historia: "No pude elegir un tema más bello que la célebre historia de Rinaldo y Armida". Sin embargo, había ejercido "un privilegio de poeta" para hacer que la obra de Tasso fuera adecuada para el escenario. Este "privilegio" alejó mucho la historia de la ópera del original de Tasso. Hill inventó una nueva heroína, Almirena, para proporcionar el interés amoroso principal con el héroe Rinaldo, y la relación entre Rinaldo y Armida apenas figura en la ópera. Del mismo modo, el romance entre Argante y Armida es creación de Hill, como lo son las conversiones al cristianismo, esta última posiblemente un consuelo a las susceptibilidades inglesas. [18] Se le pidió a Rossi que convirtiera el elaborado escenario en versos, una tarea relativamente ligera que, dijo, era "la entrega de unas pocas noches". [17] Sin embargo, Rossi se quejaba de que Handel apenas le daba tiempo para escribir: "Para mi gran asombro vi una ópera entera musicalizada por ese genio sorprendente, con el mayor grado de perfección, en dos semanas". [18] Price sostiene que el papel de Rossi fue más allá del de un mero versificador, citando las palabras de elogio de Hill hacia Rossi en el prefacio del libreto, que sugieren que Rossi fue el socio principal en el nacimiento del libreto. Price también señala las probables influencias en la estructura de Rinaldo de dos semióperas británicas : The British Enchanters de George Granville y King Arthur de Purcell . Las transformaciones de los personajes en formas de otros, sostiene Price, probablemente se derivan de la obra de John Dryden Amphitryon . [24]
La velocidad de composición de Handel se vio ayudada por su inclusión de arias y otros números de sus obras italianas anteriores, entre ellos "Bel piacere" y "Basta che sol" de Agrippina , "Sibillar gli angui" de la cantata dramática Aci, Galatea e Polifemo , y la canción de las sirenas "Il vostro maggio" de la cantata Arresta il passo . [18] El aria de Almirena "Lascia ch'io pianga" había aparecido en el oratorio Il trionfo del Tempo e del Disinganno . [23] La idoneidad de algunas de estas inserciones ha sido cuestionada por comentaristas posteriores; Dean y Knapp citan "Sibillar gli angui" de Argante, con sus referencias a las serpientes silbantes de Alecto y los aullidos de Escila , como "ridículamente inapropiada" para acompañar la gran entrada del rey en el acto 1. Muchos otros números (Dean y Knapp estiman que dos tercios de las arias) fueron adaptados y parcialmente recompuestos a partir de fuentes anteriores. [18]
En los años transcurridos entre el estreno de 1711 y la reposición de 1717, Händel realizó varios ajustes a la partitura y a las partes vocales, a menudo para adaptarse a los requisitos de los nuevos cantantes. Los detalles de estos cambios son difíciles de establecer, ya que los libretos y las partituras de interpretación de esos años ya no existen. Para 1717, se realizaron revisiones más significativas; el papel de Eustazio se fusionó con el de Goffredo, y la parte de Argante se reescribió para dar cabida a una voz de contralto. Así, en esta reposición, todas las partes principales se cantaron en rangos de voz altos. [21] Las revisiones de Händel para la reposición de 1731 fueron aún más radicales, ya que no solo afectaron a los números musicales individuales, sino que implicaron alteraciones en la trama. La producción se anunció "con nuevas escenas y ropas", pero muchos de los cambios implicaron la reducción o eliminación de la pirotecnia y los efectos especiales que habían caracterizado la producción original. La única música nueva significativa en la producción de 1731 es un largo recitativo acompañado para Rinaldo, aunque otros números se cambian o se eliminan. Goffredo se convierte en tenor, Armida en contralto, el Heraldo y el Mago se convierten en bajos. Dean y Knapp resumen las revisiones de 1731 como "una ilustración sorprendente del aparente vandalismo con el que Handel podía tratar sus obras en la renovación". [25]
El crítico musical del siglo XIX George Hogarth escribió sobre Rinaldo que «el interés romántico del tema, los encantos de la música y el esplendor del espectáculo lo convirtieron en un objeto de atracción general». [26] Su estreno en el Queen's Theatre el 24 de febrero de 1711, posiblemente bajo la dirección de Händel, fue un éxito triunfal. Se programaron inmediatamente otras 12 representaciones; al final de la temporada, la demanda popular fue tal que se añadieron dos más. [27] A pesar de este entusiasmo, las tensiones financieras de una producción tan grandiosa llevaron a que los artesanos impagos iniciaran acciones legales contra Hill. Nueve días después del estreno, la Oficina del Lord Chamberlain revocó la licencia del empresario. [28] Bajo los sucesores de Hill, la ópera se representó en el teatro en la mayoría de las temporadas hasta 1716-17, momento en el que había totalizado 47 representaciones, mucho más que cualquier otra ópera en el Queen's. [29]
El entusiasmo general del público por la ópera no fue compartido por los escritores Joseph Addison y Richard Steele , quienes usaron las páginas de su nueva revista, The Spectator , para verter desprecio y ridiculizar la obra. [30] Addison puede haber estado motivado por su propio fracaso, unos años antes, al establecer una escuela de ópera inglesa con Rosamund , en la que había colaborado con el compositor Thomas Clayton. [31] Era absurdo, escribió, que el público teatral debiera estar expuesto a noches enteras de entretenimiento en una lengua extranjera: "Ya no entendemos el lenguaje de nuestro propio escenario". [30] Addison, sin embargo, elogió el canto de Nicolò Grimaldi , el célebre castrato alto conocido como "Nicolini", en el papel principal. Steele comparó la producción desfavorablemente con un espectáculo de Punch y Judy , criticando particularmente ciertos cambios de escena fallidos y la mala calidad de los efectos como truenos y relámpagos. [27] Hogarth tomó a la ligera tales comentarios: "A pesar de la influencia que tuvo el Spectator sobre el gusto y las costumbres de la época, sus ataques... parecen haber tenido poco efecto en alejar a la gente del entretenimiento". [26]
Algunas fuentes han sugerido que la ópera se representó en Dublín en marzo o abril de 1711, [32] [33] aunque según Dean y Knapp no hay registro de tal ocasión. [27] En noviembre de 1715 se representó una versión principalmente en alemán en Hamburgo. Esta producción, basada en una traducción del dramaturgo Barthold Feind, resultó ser muy popular y fue reestrenada en la ciudad en numerosas ocasiones durante la década de 1720. Un pastiche de la ópera, con números adicionales de Leonardo Leo , fue presentado por Leo en la Corte Real de Nápoles en 1718, con Nicolini cantando su papel original. [25]
Después de 1716-17, Rinaldo no fue visto en los escenarios de Londres hasta 1731, cuando fue reestrenado en su forma revisada en el King's Theatre. Durante estos años, la laboriosidad de Händel era tal que producía una nueva ópera para este teatro cada nueve meses. [34] La producción de Rinaldo de 1731 tuvo seis representaciones, lo que elevó el total de la obra en Londres a 53 en vida de Händel, la mayor cantidad para cualquiera de sus óperas. [27] Después de 1731, Händel tuvo menos éxitos escénicos y las representaciones de sus óperas se volvieron más raras. Los cambios en el gusto y el estilo se combinaron, como concluye Grout, para "empujar [las óperas] a un olvido inmerecido", [3] como resultado de lo cual Rinaldo no fue representado en ninguna parte durante doscientos años. [23]
La primera producción del siglo XX de Rinaldo que se puede verificar específicamente fue una actuación en Londres, en febrero de 1933, por alumnos de la Hammersmith Day Continuation School, [23] aunque Dean y Knapp mencionan una versión abreviada, en checo, en el Conservatorio de Praga en 1923. [25] La primera actuación profesional moderna fue en la Ópera de Halle en junio de 1954, bajo la dirección de Horst-Tanu Margraf , como parte del Festival de Handel . El 17 de mayo de 1961, la Handel Opera Society, dirigida por Charles Farncombe , representó la obra en el Sadler's Wells Theatre de Londres , una producción que se reestrenó cuatro años después. [23] [35] La primera actuación estadounidense fue una versión de concierto en el Carnegie Hall el 27 de marzo de 1972, a cargo de la Handel Society de Nueva York , con Stephen Simon dirigiendo y Beverly Wolff como Rinaldo. [36] La primera puesta en escena de la ópera en Estados Unidos fue en la Houston Grand Opera bajo la dirección de Lawrence Foster , en octubre de 1975, con Marilyn Horne en el papel principal, un papel con el que se la asociaría particularmente en los escenarios estadounidenses.
En julio de 1982, Horne cantó la parte junto a Goffredo de John Alexander y Argante de Samuel Ramey , en una producción del Centro Nacional de las Artes (NAC) en Ottawa dirigida por Frank Corsaro . La actuación, con Mario Bernardi dirigiendo la Orquesta del NAC , fue aplaudida por el crítico del Montreal Gazette Eric McLean por su excelente interpretación musical y sus exhibiciones de "esplendor arquitectónico y sartorial". [37] Dieciocho meses después, el 19 de enero de 1984, Bernardi y Corsaro, con Horne, Ramey y Benita Valente del elenco de Ottawa, llevaron la producción a Nueva York para el debut de la obra en la Metropolitan Opera . La producción fue cedida al Met para su temporada del centenario por el Centro Nacional de las Artes de Canadá "en profundo agradecimiento por los muchos años durante los cuales los canadienses han disfrutado de la ópera del Met, en gira, en la radio y en Nueva York". [38] Donal Henahan elogió a todos los cantantes en The New York Times , con una mención especial para la interpretación "lastimera y conmovedora" de Valente de la popular aria "Lascia ch'io pianga". Pero, dice Henahan, "los aplausos más fuertes de la noche fueron finalmente para el coreógrafo, Eugene Collins, y un cuerpo increíblemente ágil de guerreros que daban volteretas". [39] Después de diez funciones en la Metropolitan Opera House, la producción se llevó en mayo a Washington, DC , y realizó una gira por los EE. UU. antes de regresar a Nueva York en junio para varias funciones al aire libre. [38]
Desde mediados de los años 1980 en adelante, las representaciones de Rinaldo se hicieron más frecuentes en todo el mundo. En junio de 1989 se representó en La Fenice de Venecia, bajo la dirección de John Fisher , nuevamente con Marilyn Horne. Esta producción fue criticada por el crítico y erudito musical Stanley Sadie , en su reseña de la grabación en vivo, por alejarse demasiado de las intenciones originales del compositor, particularmente en la reorganización del material y la extensión de los cortes. Según Sadie, a los cantantes se les permitió demasiada libertad para adornar sus líneas vocales; algunas de las cadencias eran "absurdas". [40] La ópera llegó a Australia en 1999, en la Ópera de Sídney bajo la dirección de Patrick Summers , [41] y se representó allí nuevamente en julio-agosto de 2005 bajo la dirección de Trevor Pinnock , con Michael Chance como Rinaldo. [42] El nuevo siglo vio una serie de actuaciones en toda Europa, incluida una aparición en el Festival Internacional de Handel de Göttingen en 2004, con Nicholas McGegan dirigiendo el Concerto Köln . Esta producción fue bien recibida por el público, pero fue criticada por Jochen Breiholz de Opera News por una puesta en escena pobre, canto indiferente y una actuación deficiente de la orquesta. [43]
La producción de 2008 de la Ópera de Zúrich , dirigida por Jens-Daniel Herzog y conducida por William Christie , dejó de lado toda convención al representar la acción en un salón de aeropuerto y centro de conferencias del siglo XXI, con Rinaldo vestido con una chaqueta azul marino cruzada y necesitando una bebida. "Los personajes suben y bajan por escaleras mecánicas en el escenario, y el decorado gira para mostrar varias áreas del salón y la terminal. Hay una disección de un pequeño animal blanco peludo, una gran serpiente, algunas alusiones a las chicas Bond y transformaciones de personajes. Los cristianos apuntan con armas a los musulmanes en una ceremonia de firma". Fue, escribió el crítico de Associated Press Ronald Blum, "escandaloso y entretenido". [44] Una versión de concierto de Rinaldo se presentó en el Festival de Edimburgo de 2009 , por el Bach Collegium Japan dirigido por Masaaki Suzuki , con la soprano japonesa Maki Mori como Almirena. [42]
Durante el año del tricentenario de la ópera en 2011, el Festival de Glyndebourne montó una nueva producción dirigida por Robert Carsen , diseñada por Gideon Davey y dirigida por Ottavio Dantone con la Orquesta de la Era de las Luces en el foso. La producción está ambientada en una escuela donde Rinaldo es un estudiante, inicialmente víctima de bullying, que ingresa al mundo de las Cruzadas. [45] El Festival de Ópera de Glyndebourne trajo una versión semi-escenificada de esta producción a los BBC Proms de 2011. [46]
La cantidad de música reciclada en Rinaldo es tal que Dean y Knapp la llaman una "antología" de las mejores obras del período italiano de Handel. [18] Sadie plantea la cuestión de si la dramaturgia de la ópera se ve afectada por la pequeña cantidad de música escrita para sus situaciones particulares. También comenta los problemas que plantearon a los académicos las extensas revisiones de la música que se realizaron durante la vida de Handel, pero sugiere que la mezcla disponible crea oportunidades interesantes en la preparación de versiones interpretativas modernas. [40] El éxito popular inicial de Rinaldo se vio ayudado por el empleo de cantantes virtuosos, en particular Nicolini en el papel principal. [12] Esta parte ha permanecido en su tono original, aunque en sus diversas revisiones Handel transpuso la música de otros papeles principales a diferentes tipos de voz. Así, Goffredo había sido originalmente una parte de alto, pero en las revisiones de 1717 se convirtió en un tenor; el Mago fue transpuesto de castrato alto a bajo, y Armida de soprano a contralto. [25]
La música, dice Lang, fluye "encantadoramente" desde la espaciosa obertura; los pasajes más tranquilos y emotivos están ilustrados de manera evocativa, mientras que en los momentos más espectaculares el uso innovador que hace Handel de los metales es emocionante e inspirador. [47] El repentino estallido de trompetas que anuncia la marcha en el acto 3 proporciona, dicen Dean y Knapp, "un efecto de esplendor y euforia que el tiempo no ha atenuado". [48] Los solos de clave que decoran "Vo' far guerra" en el acto 2 fueron originalmente improvisados en el teclado por Handel durante las representaciones, y fueron extremadamente populares. Fueron recordados y escritos por William Babell , y publicados más tarde como piezas separadas. Lang cree que a pesar de los préstamos y la manera apresurada en que se armó la obra, Rinaldo es una de las grandes óperas de Handel. [47] Según Dean y Knapp, ninguna ópera italiana que se hubiera escuchado en Londres hasta ese momento había contado con el apoyo de fuerzas orquestales tan "majestuosas". [48] El crítico Anthony Hicks describe la música, en general, como "variada y excelente". [23] El veredicto de Dean y Knapp es más equívoco. La música para las escenas de guerra y boato, dicen, es "brillantemente lograda", pero al representar las escenas relacionadas con la magia, Handel no da en el blanco; sugieren que no fue hasta más de 15 años después, con Admeto y Orlando , que fue capaz de representar lo sobrenatural de manera convincente en la música. [18]
La ópera comienza en la tonalidad de fa y cambia a sol al comienzo de la escena del bosque en el acto 1. El acto 2 comienza en mi menor y termina en sol. El acto final comienza y termina en si menor . [20] Según Hicks, el personaje dominante musicalmente, excepto en el acto 3 en el que apenas canta, es Armida. Su cavatina de entrada "Furie terribili" da, dice Hicks, "una impresión inmediata de pasión ardiente", una energía e intensidad demostrada en su acto 2 "Ah crudel", y en su posterior aria de venganza que es la ocasión de las cadencias para clave de Handel. [23] El dúo del acto 3 de Armida con Argante fue el último dúo con parte de bajo que Handel escribió durante 30 años. De las otras piezas del conjunto, Dean y Knapp destacan "Cara sposa" de Rinaldo como un ejemplo de la creciente confianza de Handel con las formas de aria. "Or la tromba" es elogiada por la brillantez de su orquestación: 4 trompetas, tambores, cuerdas y oboes, la única aria que Handel escribió para esta combinación. La melodía de "Lascia ch'io pianga" de Almirena comenzó como una danza asiática en Almira antes de aparecer como aria en el oratorio Il trionfo . A partir de esta melodía simple y un acompañamiento sencillo, Handel logra un "efecto intensamente conmovedor" en esta, la más conocida de todas las arias. [49]
Se enumeran los principales números musicales del libreto de 1711, junto con los cambios y reemplazos de las dos revisiones principales de 1717 y 1731. No se muestran los cambios menores, las transposiciones y las alteraciones de las secciones recitativas. Los nuevos números introducidos en 1717 y 1731 se enumeran por separado. Es posible que otras arias no enumeradas se hayan cantado en Rinaldo durante los años 1711-17, pero en ausencia de evidencia contemporánea de partituras o libretos, no se puede determinar con precisión el alcance de dichos cambios. [21] [25]
No existe ninguna partitura autógrafa completa; fragmentos que representan aproximadamente tres cuartas partes de la partitura de 1711 se conservan en la Royal Music Library (una subdivisión de la Biblioteca Británica en Londres) y el Fitzwilliam Museum en Cambridge. La partitura completa más antigua, que data de alrededor de 1716, es un manuscrito plagado de errores que puede ser una copia de una o más de las partituras interpretativas de ese período. El manuscrito tiene numerosas notas y correcciones de la mano de Handel, y posiblemente fue la base para las revisiones sustanciales que efectuó en 1731. También fue utilizado por el copista John Christopher Smith para producir dos partituras interpretativas para las representaciones de Hamburgo de la década de 1720. Smith y otros produjeron más copias manuscritas completas en 1725-28 (la partitura "Malmesbury"), 1740 ("Lennard") y 1745 ("Granville"). Estas proporcionan muchas variaciones de números individuales. [50]
Durante la primera edición en el Queen's Theatre, el editor John Walsh publicó Songs in the Opera of Rinaldo , principalmente en formato de partitura corta . Aparte de la obertura, se omitieron los números instrumentales, al igual que los recitativos. En junio de 1711, Walsh publicó una versión más completa, que incluía partes instrumentales; continuó publicando versiones de números individuales, con una variedad de orquestaciones, hasta la década de 1730. En 1717, William Babell publicó un arreglo para clavecín de la obertura y siete de las arias. Friedrich Chrysander publicó ediciones de la ópera completa en 1874 y en 1894, basadas en un estudio del material publicado y manuscrito existente. En 1993, David Kimbell, para la Hallische Händel-Ausgabe (HHA), produjo una partitura completa de la versión de 1711, junto con el material borrador rechazado y los números adicionales introducidos en las reposiciones hasta 1717. HHA también produjo una partitura completa de la versión de 1731. [51]
El libreto fue publicado en Londres por el Queen's Theatre en febrero de 1711, coincidiendo con el estreno, con la traducción al inglés de Hill. En 1717 y 1731 se publicaron versiones revisadas para reflejar los cambios introducidos en esos años; se cree que Rossi preparó las adiciones y revisiones en italiano, y la versión en inglés de 1731 se atribuye al "Sr. Humphreys". Las versiones alemanas del libreto de Feind se publicaron en Hamburgo en 1715, 1723 y 1727. [52]
La primera grabación completa de Rinaldo (un disco de "extractos" la había precedido dos años) fue realizada en 1977 por CBS, con Carolyn Watkinson en el papel principal, Ileana Cotrubaș como Almirena y Jean-Claude Malgoire dirigiendo La Grande Écurie et la Chambre du Roy . [53] La obra, grabada en una iglesia de París, se basó en la partitura de 1711; Alan Blyth en Gramophone elogió el nivel del canto y, a pesar de las reservas sobre la calidad del sonido, la calificó como una de las grabaciones de ópera de Handel más agradables disponibles. [54] No hubo más grabaciones de Rinaldo disponibles hasta 1990, cuando se publicó la versión muy recortada de John Fisher de La Fenice . [40] Pasó otra década antes de la aparición de la grabación de Christopher Hogwood para Decca en 1999, nuevamente basada en la partitura original, con el contratenor David Daniels como Rinaldo, Cecilia Bartoli como Almirena y Catherine Bott en el pequeño papel de First Mermaid. El crítico de Gramophone calificó esta edición como "un regalo para los amantes de Handel: una grabación poco común de una de las óperas más ricas del compositor, con un elenco fuerte y estelar". [55] Desde entonces, se han publicado varias versiones más: la grabación de Harry Bicket de 2001 para Arthaus, que luego se publicó como DVD ; [56] [57] René Jacobs con la Orquesta Barroca de Friburgo para Harmonia Mundi en 2001; [58] y una interpretación del Aradia Ensemble bajo la dirección de Kevin Mallon, grabada en 2004 y publicada bajo el sello Naxos en 2005. [59]
