Lost in Translation es unapelícula de comedia dramática romántica de 2003 escrita y dirigida por Sofia Coppola . Bill Murray interpreta a Bob Harris, una estrella de cine estadounidense en decadencia que atraviesa una crisis de mediana edad cuando viaja a Tokio para promocionar el whisky Suntory . Allí, se hace amigo de otra estadounidense separada llamada Charlotte ( Scarlett Johansson ), una mujer joven y recién graduada de la universidad.También aparecen Giovanni Ribisi , Anna Faris y Fumihiro Hayashi. La película explora temas de alienación y desconexión en un contexto de desplazamiento cultural en Japón. Desafía las convenciones narrativas convencionales y es atípico en su descripción del romance. [4]
Coppola comenzó a escribir la película después de pasar un tiempo en Tokio y encariñarse con la ciudad. Comenzó a formar una historia sobre dos personajes que experimentaban una "melancolía romántica" [5] en el Park Hyatt Tokyo , donde se hospedó mientras promocionaba su primer largometraje, el drama de 1999 The Virgin Suicides . Coppola imaginó a Murray interpretando el papel de Bob Harris desde el principio e intentó reclutarlo durante hasta un año, enviándole incansablemente mensajes telefónicos y cartas. Si bien Murray finalmente aceptó interpretar el papel, no firmó ningún contrato; Coppola gastó una cuarta parte del presupuesto de 4 millones de dólares de la película sin saber si realmente aparecería en el rodaje. Cuando finalmente llegó Murray, Coppola describió sentimientos de gran alivio.
La fotografía principal comenzó el 29 de septiembre de 2002 y duró 27 días. Coppola mantuvo un horario flexible durante el rodaje con un equipo pequeño y equipo mínimo. El guión era breve y Coppola a menudo permitió una gran cantidad de improvisación durante el rodaje. El director de fotografía de la película , Lance Acord , utilizó la luz disponible con la mayor frecuencia posible, y muchos lugares de negocios y áreas públicas japonesas se utilizaron como lugares para filmar. Después de 10 semanas de edición, Coppola vendió los derechos de distribución para Estados Unidos y Canadá a Focus Features , y la compañía promocionó la película generando un boca a boca positivo antes de su estreno en cines.
Lost in Translation se estrenó el 29 de agosto de 2003 en el Festival de Cine de Telluride y se distribuyó en los cines estadounidenses el 12 de septiembre de 2003, con gran éxito comercial y de crítica. Los críticos elogiaron las actuaciones de Murray y Johansson, así como la escritura y dirección de Coppola; Se dieron críticas menores a la descripción que hace la película de Japón y los japoneses. [6] En la 76ª edición de los Premios de la Academia , Lost in Translation ganó el premio Coppola al Mejor Guión Original , y la película también fue nominada a Mejor Película , Mejor Director (Coppola) y Mejor Actor (Murray). Otros elogios ganados incluyen tres premios Globo de Oro y tres premios de cine de la Academia Británica .
Bob Harris es una estrella de cine estadounidense en decadencia que llega a Tokio para aparecer en lucrativos anuncios del whisky Suntory . Se queda en el exclusivo Park Hyatt Tokyo y se siente miserable debido a problemas dentro de su matrimonio de 25 años y una crisis de mediana edad . Charlotte, otra estadounidense alojada en el hotel, es una joven licenciada en Filosofía por Yale que acompaña a su marido John mientras éste trabaja como fotógrafo de famosos. Charlotte se siente igualmente decepcionada mientras cuestiona su matrimonio y está ansiosa por su futuro. Ambos luchan además contra el desfase horario y el choque cultural en Tokio y pasan el tiempo holgazaneando por el hotel.
Charlotte siente repulsión por una vacía actriz de Hollywood llamada Kelly, que también se encuentra en el hotel promocionando una película. Se topa con Charlotte y John, hablando efusivamente de las sesiones de fotografía que ha realizado anteriormente con él. Bob y Charlotte se cruzan con frecuencia en el hotel y finalmente se presentan en el bar del hotel.
Después de varios encuentros, cuando John está de misión fuera de Tokio, Charlotte invita a Bob a la ciudad para encontrarse con algunos amigos locales. Se unen durante una noche en Tokio, donde experimentan juntos la vida nocturna de la ciudad. En los días siguientes, Bob y Charlotte pasan más tiempo juntos y su amistad se fortalece. Una noche, mientras ninguno puede dormir, los dos comparten una conversación íntima sobre las incertidumbres personales de Charlotte y su vida matrimonial.
Bob tiene una fría conversación con su esposa, luego pasa la noche con un cantante de jazz del bar del hotel en la penúltima noche de su estadía y Charlotte escucha a la mujer cantar en la habitación de Bob a la mañana siguiente, lo que genera tensión entre Bob y Charlotte durante el almuerzo. juntos más tarde ese día. La pareja se reencuentra por la noche y Bob revela que dejará Tokio al día siguiente.
Bob y Charlotte se reconcilian y expresan cuánto se extrañarán, haciendo una última visita al bar del hotel. A la mañana siguiente, cuando Bob sale del hotel, él y Charlotte se despiden sinceramente pero de manera insatisfactoria. En el viaje en taxi de Bob al aeropuerto, ve a Charlotte en una calle concurrida, detiene el auto y camina hacia ella. Luego la abraza y le susurra algo al oído. Los dos comparten un beso y se despiden antes de que Bob se vaya.
Estaba atrapado. ... Cuando vas a un país extranjero, verdaderamente extranjero, te sobreviene un gran shock de conciencia cuando ves que: "Oh Dios, solo estoy yo aquí". No hay nadie, ni vecinos, ni amigos, ni llamadas telefónicas... sólo servicio de habitaciones.
—Bill Murray, hablando sobre Bob Harris [8]
La guionista y directora de la película, Sofia Coppola , ha descrito Lost in Translation como una historia sobre "cosas que se desconectan y buscan momentos de conexión", [9] una perspectiva que ha sido compartida por críticos y académicos. En un sentido cultural, Bob y Charlotte están desorientados por sentimientos de desfase horario y choque cultural como resultado de un viaje al extranjero a Japón. Bob está desconcertado por sus interacciones con un director comercial japonés a quien no puede entender, y se da cuenta de que el significado de su comunicación se "pierde en la traducción" por parte de un intérprete. [10] [nota 3] Además, ambos están insomnes debido al cambio de zona horaria y eligen hacer frente a su vigilia haciendo visitas nocturnas al bar del hotel. Estos sentimientos provocan una sensación de alejamiento de su entorno, pero también exacerban experiencias más profundas de alienación y desconexión en sus vidas. [4] Bob y Charlotte tienen matrimonios problemáticos y enfrentan crisis de identidad similares; Charlotte no está segura de qué hacer con su vida y se pregunta qué papel debería asumir en el mundo, mientras que Bob invariablemente recuerda su decadente estatura como estrella de cine y se siente disociado de la identidad por la que ya está definido. [12]
Estas experiencias se ven realzadas por el contacto de los personajes con el entorno urbano de Tokio. Bob se siente alienado al ver su imagen utilizada en un anuncio mientras lo conducen desde el aeropuerto a su hotel, y el colorido paisaje urbano se presenta como un entorno frenético que lo abruma. [13] [nota 4] Charlotte se siente a la deriva mientras intenta encontrar significado mientras deambula por Tokio, [14] y se siente aislada mientras contempla la ciudad desde la ventana de su habitación de hotel. [15] El Park Hyatt Tokyo ofrece cualidades herméticas que aíslan a los personajes de la ciudad y es el sitio que Bob elige para buscar refugio de sus dolencias. [16] Estas impresiones compartidas de alienación crean un terreno común para que Bob y Charlotte cultiven una conexión personal. [4] Cuando Charlotte invita a Bob a experimentar la vida nocturna de Tokio, ella reduce su sensación de distancia de la ciudad [4] y los dos desarrollan una conexión basada en pequeños momentos juntos. En el poco tiempo que pasan juntos, cada uno se da cuenta de que no está solo en la búsqueda de algo más profundo en sus vidas. [17] Coppola, hablando sobre la breve naturaleza de su encuentro, comentó: "Para todos, existen esos momentos en los que tienes grandes días con alguien que no esperarías tener. Luego tienes que volver a tu vida real, pero Te impresiona. Es lo que lo hace tan grandioso y divertido". [18]
Geoff King, un académico que escribió un libro sobre la película, comenta que las experiencias de los personajes centrales son un factor que presta Lost in Translation a variadas interpretaciones por parte de los académicos. [19] Todd McGowan lee la película desde una perspectiva psicoanalítica lacaniana , argumentando que la película fomenta la aceptación de la "ausencia" en la vida y las relaciones de uno. [20] Describe la descripción que hace Coppola de Tokio "como una ciudad rebosante de excesos", que ofrece una promesa vacía de gratificación. [21] En su opinión, tanto Bob como Charlotte reconocen que no pueden encontrar significado en las atracciones de Tokio, por lo que se unen por su sensación compartida de vacío en ellas. [21] Lucy Bolton ofrece una lectura feminista, argumentando que Lost in Translation evoca el pensamiento de la filósofa feminista Luce Irigaray al resaltar cuestiones relacionadas con la feminidad joven. Sostiene que la película ofrece un retrato complejo de la subjetividad femenina de Charlotte y una interpretación optimista de la búsqueda del personaje de expresión individual. [22]
Lost in Translation ha sido examinada ampliamente en términos de su estructura narrativa, y los comentaristas señalaron que contiene pocos eventos argumentales en comparación con las películas de la corriente principal de Hollywood. Los eventos narrativos se centran principalmente en el desarrollo de la relación de Bob y Charlotte, [23] con pocos obstáculos "externos" que impacten a los personajes centrales. [24] King señala: "Se necesita más tiempo para evocar las impresiones, sentimientos y experiencias de los personajes centrales", [25] lo que representa "un cambio en la disposición jerárquica de [los elementos de la película]" que prioriza las experiencias de los personajes sobre la trama. . [26] El crítico literario Steve Vineberg sostiene que "los vínculos de la historia están ahí, sólo que no son conexiones típicas de causa y efecto. Están formadas por las emociones que se acumulan al final de un episodio y se derraman". al siguiente". [27] King sostiene que si bien la trama avanza según una causalidad lineal básica, [23] "Si la calidad episódica a menudo parece estar en primer plano, esto es en parte una cuestión del ritmo de las secuencias individuales que muy a menudo son pausadas y dedicadas". al establecimiento o desarrollo del estado de ánimo y la atmósfera". [25] Coppola dijo que quería que la historia enfatizara las cualidades de un momento íntimo, y que no quería imponer recursos narrativos grandiosos a los personajes como "una guerra que los mantiene separados". [28] [nota 5]
El primer plano de la película ha sido otro punto de discusión entre críticos y académicos. La toma de 36 segundos, que muestra el trasero de Charlotte mientras está acostada en una cama con bragas rosas transparentes, está basada en las pinturas fotorrealistas de John Kacere [33] y a menudo se ha comparado con la aparición inicial de Brigitte Bardot en la película El desprecio de 1963. . [nota 7] Mientras que algunos lo han descrito como un presagio de un romance entre Bob y Charlotte, [nota 8] la historiadora de cine Wendy Haslem sostiene que "la intención de Coppola con este plano inicial parece ser desafiar los tabúes y socavar las expectativas en torno a lo que podría ser considerado el 'money shot' en el cine más tradicionalmente explotador". [4] En consecuencia, la académica Maria San Filippo sostiene que "[Coppola] no parece estar haciendo ninguna declaración más allá de una especie de respaldo a la belleza por la belleza misma". [34] King señala que la imagen contiene un atractivo tanto "sutil" como "obvio" en su combinación de cualidades estéticas y eróticas, lo que significa la posición de Lost in Translation entre el cine convencional y el independiente . [35] El estudioso del cine Todd Kennedy lo interpreta en términos de la concepción de la mirada masculina de la teórica del cine feminista Laura Mulvey , argumentando que la toma "dura tanto que se vuelve incómoda, lo que obliga al público a tomar conciencia (y potencialmente incluso cuestión) su participación en la mirada." [36]
Lost in Translation también se ha destacado por desafiar las convenciones de las películas románticas convencionales. Haslem escribe que la comedia romántica clásica asegura al público que la pareja tiene futuro, pero Coppola desafía las expectativas negándose a unir a los personajes centrales. [4] Ella señala elementos como la falta de consumación sexual de Bob y Charlotte como un factor que oscurece si su pareja es más romántica o platónica. Al escribir sobre la secuencia final en la que los personajes se despiden definitivamente, Haslem sostiene: "Convencionalmente en el cine convencional, el beso ... significa resolución al reforzar el mito del amor romántico. Pero en esta nueva ola de romance antirromántico contemporáneo, el beso significa ambigüedad." [4] El académico Nicholas YB Wong sostiene que la falta de la película de "conexiones desgarradoras y (re)uniones melodramáticas entre personajes" representa un retrato posmoderno del amor, escribiendo que Lost in Translation trata "sobre el no amor, el predominio de "Los asuntos y las complejidades de la intimidad. Los personajes vacilan entre enamorarse y desenamorarse. No están comprometidos con nadie ni emocionalmente desapegados". [13] Coppola dijo que la relación de Bob y Charlotte "se supone que es romántica pero al límite... [Un] poco más que amigos, pero no un romance real ... Para mí, es bastante poco sexual entre ellos". —inocente y romántico, y una amistad". [37]
Después de abandonar la universidad cuando tenía poco más de veinte años, [38] Coppola viajaba a menudo a Tokio, probando una variedad de trabajos en moda y fotografía. [39] Sin saber qué hacer en su carrera, describió este período como una "especie de crisis" [38] en la que deambulaba por la ciudad contemplando su futuro. [30] Llegó a sentir cariño por Tokio y notó una cualidad de otro mundo provocada por un extranjero que luchaba con sentimientos de desfase horario en un entorno desconocido. [40] Después de muchos años, se decidió por una carrera cinematográfica y regresó a la ciudad, alojándose en el Park Hyatt Tokyo para promocionar su primer largometraje, el drama de 1999 The Virgin Suicides . [18] [nota 9]
Coppola comenzó a escribir Lost in Translation después de regresar a casa de esta gira de prensa. [9] Habiendo sido influenciada por su pasado en Tokio, decidió escribir un guión ambientado allí [18] [nota 10] y comenzó a formar una historia sobre dos personajes que experimentan una "melancolía romántica" en el Park Hyatt Tokyo. [5] Coppola se sintió atraído durante mucho tiempo por los letreros de neón de la ciudad e imaginó que Tokio adquiriría una "sensación de ensueño" en la película. [39] Reclutó a su amigo Brian Reitzell , quien finalmente sirvió como productor musical de la película, para crear mezclas recopilatorias de dream pop que escuchaba mientras escribía para ayudar a establecer este estado de ánimo. [42]
Coppola inicialmente no escribió el guión en la forma tradicional, citando la dificultad de trazar una trama completa. [5] En cambio, optó por escribir "pequeños párrafos" basados en gran medida en impresiones y experiencias dispares de su vida en Tokio, que luego adaptó a un guión. [5] Entre las primeras imágenes que incluyó estaba la de su amigo Fumihiro Hayashi interpretando en karaoke " God Save the Queen " de los Sex Pistols , que Coppola le vio interpretar durante el tiempo que ella trabajó en Tokio. [30] Después de escribir las primeras 20 páginas con la ayuda de su hermano, Roman Coppola , regresó a Tokio en busca de más inspiración. [9] Allí, grabó en vídeo todo lo que pudiera utilizar como ayuda adicional para la escritura. [37]
Coppola imaginó a Murray interpretando el papel de Bob desde el principio, queriendo mostrar "su lado más sensible" [37] y sintiéndose divertido por la imagen de él vestido con un kimono . [18] Ella describió sus imágenes mentales de Murray como una importante fuente de inspiración para la historia. [7] Para el personaje de Charlotte, Coppola se basó en sus propios sentimientos de desorientación a principios de los años veinte, citando la tensión en su relación con su entonces esposo Spike Jonze como una influencia para la relación entre Charlotte y John. [43] También se inspiró en el personaje de JD Salinger , Franny, en Franny and Zooey , y encontró atractivo en "la idea de una chica de muy buen gusto que sufre una crisis nerviosa". [38]
Mientras desarrollaba la relación entre Bob y Charlotte, Coppola se vio obligada por la yuxtaposición de personajes que tenían crisis internas similares en diferentes etapas de sus vidas. [44] Citó la dinámica entre Humphrey Bogart y Lauren Bacall en The Big Sleep como fuente de inspiración para su relación. [9] Coppola informó haber reescrito poco el guión, [17] que tardó seis meses en completarse [9] y culminó en 75 páginas, mucho más corto que el guión de un largometraje promedio. [45] [nota 11] A pesar de preocuparse de que el guión fuera demasiado corto e "indulgente" para incluir una variedad de sus experiencias personales, decidió comenzar la producción de la película. [38]
Coppola sostuvo que no habría hecho Lost in Translation sin Murray. [33] El actor tenía un número 800 para posibles clientes interesados en elegirlo, pero tenía reputación de ser un recluso con el que era difícil contactar. [47] Coppola lo persiguió implacablemente y le envió mensajes telefónicos y cartas durante meses. [44] También buscó personas en su red profesional que pudieran ayudarla a establecer contacto. [32] Reclutó al guionista Mitch Glazer , que era amigo de Murray desde hacía mucho tiempo, para que aceptara una primera versión del guión y tratara de persuadirlo. [43] Glazer quedó impresionado con la historia y dijo que llamó al actor con frecuencia y le dijo: "Necesitas leer esto", [47] pero no dio una respuesta. [43] Después de hasta un año de engatusamiento, Murray finalmente accedió a reunirse con Coppola en un restaurante para hablar sobre la película. [43] Luego aceptó el papel y dijo que "ella pasó mucho tiempo consiguiendo que yo fuera el chico. Al final, sentí que no podía decepcionarla". [32]
A pesar del acuerdo de Murray, Coppola tuvo que tomarle la palabra, ya que no firmó un contrato formal. [9] Ella describió esto como "estresante", preguntándose si él se presentaría a filmar en Tokio. [9] Ella discutió el tema con el director Wes Anderson , quien había trabajado previamente con el actor y la animó, diciendo: "Si él dice que lo va a hacer, aparecerá". [9] Para la coprotagonista de Murray, a Coppola le gustó la actuación de Johansson en Manny & Lo , recordándola "como una linda niña con esa voz ronca". [18] Luego invitó a Johansson a un restaurante para discutir el papel. [31] Inicialmente preocupado de que Johansson, de 17 años, pudiera ser demasiado joven para interpretar un personaje de veintitantos, el director concluyó que parecía mayor y podía interpretar el papel de manera convincente. [48] Coppola le ofreció a Johansson el papel sin una audición, lo cual ella aceptó. [31]
Sintiendo una sensación de inversión personal en el proyecto, Coppola quería mantener el privilegio del montaje final y temía que un acuerdo de distribución con un estudio norteamericano amenazara su influencia. [9] También era poco probable que un estudio proporcionara tal respaldo, dada la corta duración del guión y la falta de participación formal de Murray. [49] En cambio, ella y su agente optaron por vender los derechos de distribución en el extranjero a una variedad de empresas para financiar costos de producción de 4 millones de dólares. [9] Llegó a un acuerdo primero con la japonesa Tohokushinsha Film , luego con distribuidores en Francia e Italia, y finalmente con el brazo internacional de Focus Features para el mercado extranjero restante. [9] Al reunir la financiación de múltiples distribuidores, Coppola redujo la influencia de un solo financista. [49] Aún sin saber si Murray aparecería en Tokio, Coppola gastó 1 millón de dólares del presupuesto, [9] sabiendo que su ausencia condenaría la producción. Cuando finalmente llegó, días antes del rodaje, ella expresó un gran alivio. [50]
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La fotografía principal comenzó el 29 de septiembre de 2002, [51] y duró 27 días. [18] Con un calendario apretado y un presupuesto limitado de 4 millones de dólares, el rodaje se realizó seis días a la semana y estuvo marcado por un enfoque de "correr y disparar": Coppola estaba dispuesto a mantenerse en movimiento con un equipo pequeño y un equipo mínimo. [37] Realizó pocos ensayos y mantuvo un horario flexible, a veces descartando planes de filmación para filmar algo que notó en el lugar si pensaba que era mejor para la historia. [11] [nota 12] Dado que el guión era escaso, los detalles faltantes a menudo se abordaban durante el rodaje, y Coppola permitió una cantidad significativa de improvisación en el diálogo, especialmente por parte de Murray. [17] Un ejemplo incluye la escena en la que Bob es fotografiado para tomar whisky Suntory; Coppola animó a Murray a reaccionar espontáneamente ante el fotógrafo mientras ella susurraba nombres para que el hombre se los repitiera a Murray como diálogos no ensayados, como " Roger Moore ". [17] [7] [nota 13]
Si bien los miembros clave del equipo eran estadounidenses a quienes Coppola invitó a Tokio, la mayor parte del equipo fue contratado localmente. [11] Esto resultó ser un desafío para la producción, ya que la mayoría del equipo japonés no podía comunicarse con Coppola en inglés, por lo que ambas partes confiaron en las traducciones de un asistente de dirección bilingüe y un jefe . [37] La producción sufrió frecuentes retrasos mientras se realizaban las traducciones y sufrió malentendidos culturales ocasionales; En un ejemplo, Coppola describió un rodaje en un restaurante que se retrasó entre 10 y 15 minutos, algo que, según ella, era normal en un rodaje estadounidense, [18] pero que hizo que el dueño del restaurante se sintiera irrespetado; Posteriormente desconectó las luces del equipo y el director de locaciones japonés de la película renunció. [9] A pesar de esto, Coppola dijo que trabajó para adaptarse al estilo cinematográfico japonés, sin querer imponer un enfoque al que su equipo no estaba acostumbrado. [37]
Coppola trabajó estrechamente para visualizar la película con su director de fotografía , Lance Acord. Ella le mostró a él y a otros miembros clave del equipo un libro de fotografías que ella creó y que representaban el estilo visual que quería transmitir en la película. [17] Para evocar una sensación de aislamiento en Bob, Coppola y Acord utilizaron tomas estacionarias en el hotel y evitaron movimientos llamativos de la cámara. [52] También tuvieron numerosas discusiones sobre la filmación en video , pero finalmente decidieron que la película se adaptaba mejor al trasfondo romántico de la historia. [37] Coppola comentó: "La película da un poco de distancia, lo que me parece más un recuerdo. El vídeo es más tiempo presente". [37] Acord creía que los nuevos tipos de películas reducirían la necesidad de iluminación excesiva y, en última instancia, utilizó material Kodak Vision 500T 5263 de 35 mm para exteriores nocturnos y material Kodak Vision 320T 5277 a la luz del día. [53] La mayor parte de la película se rodó con una cámara Aaton 35-III . Para algunos lugares reducidos donde el Aaton habría sido demasiado ruidoso, se utilizó una Moviecam Compact . [53]
Con películas de alta velocidad, Acord optó por utilizar la luz disponible con la mayor frecuencia posible, [54] solo complementándola con luces artificiales cuando era necesario. [53] Informó que "nunca realmente" había instalado luces para exteriores nocturnos, confiando en la luz natural de las calles de la ciudad de Tokio. [53] Para las secuencias interiores en el Park Hyatt Tokyo, confió principalmente en las prácticas fuentes de iluminación del hotel, filmando con un diafragma completamente abierto y cortando fuertemente la luz para eliminar los reflejos en la ventana del hotel. [55] Acord dijo que escuchó objeciones sobre la iluminación de algunos de los electricistas japoneses, que no estaban acostumbrados a depender tanto de la luz disponible y estaban preocupados de que la exposición no fuera suficiente. [56] Acord, seguro de que las películas resistirían una iluminación más baja, finalmente filmó gran parte de la película dos pasos subexpuestos. [54]
Muchos de los lugares de rodaje eran lugares de negocios y áreas públicas japonesas en el momento del rodaje, incluido el New York Bar en el Park Hyatt Tokyo y el Shibuya Crossing en Tokio. En la vía pública y en el metro, la producción no consiguió permisos de rodaje [33] y recurrió a transeúntes de la ciudad como extras ; [37] Coppola describió el tiroteo como "estilo documental" [18] y en ocasiones le preocupaba que la policía la detuviera, por lo que mantuvo un equipo mínimo. [37] En el hotel, a la producción no se le permitió filmar en áreas públicas hasta la 1 o 2 am para evitar molestar a los huéspedes. [57] En la secuencia final de la película en la que Bob y Charlotte se despiden definitivamente, Coppola informó que no estaba contenta con el diálogo que había escrito, por lo que Murray improvisó el susurro al oído de Johansson. [17] Demasiado silencioso para ser comprensible, Coppola consideró doblar el audio en la escena, pero finalmente decidió que era mejor que "quedara entre ellos dos". [17] Una vez concluida la producción, Coppola supervisó 10 semanas de edición por parte de Sarah Flack en la ciudad de Nueva York. [29]
La banda sonora de la película fue lanzada por Emperor Norton Records el 9 de septiembre de 2003. [58] Contiene 15 pistas, en gran parte de los géneros shoegaze y dream pop del rock indie y alternativo . La banda sonora fue supervisada por Brian Reitzell y contiene canciones de artistas y grupos como Death in Vegas , Phoenix , Squarepusher , Sébastien Tellier y Happy End . Se incluyeron la canción de Jesus and Mary Chain " Just Like Honey " y " A veces " de My Bloody Valentine , y el líder de esta última banda, Kevin Shields , escribió cuatro pistas originales para Lost in Translation . [59] Otras pistas producidas para la película incluyen dos coescritas por Reitzell y Roger Joseph Manning Jr. , y una por Air . [59] Las canciones que aparecen en la película que no están en la banda sonora incluyen presentaciones de karaoke de la versión de Elvis Costello de " (What's So Funny 'Bout) Peace, Love, and Understanding " y " Brass in Pocket " de The Pretenders . Se incluye como pista extra una interpretación adicional de Murray de " More Than This " de Roxy Music . [nota 14]
Durante la etapa de escritura del guión, Coppola habló con Reitzell sobre las cualidades "de mal humor" y "melancólicas" que quería que la música transmitiera en la película, así como lo que Reitzell entendió como la "rareza extraña, flotante y con desfase horario" que Definir los personajes centrales. [42] Coppola dijo que quería que la banda sonora "se pareciera menos a una partitura" y más a las mezclas de dream-pop que Reitzell hizo para ayudarla a escribir la película. [18] Si bien Shields había lanzado poca música desde el lanzamiento de Loveless en 1991, [60] por sugerencia de Reitzell, él y Coppola lo reclutaron para ayudar a escribir música original para la película; [61] Reitzell creía que Shields "podía capturar ese tipo de sensación hermosa, ondulante y zumbante que queríamos". [42] Luego se unió a Shields en Londres durante unos dos meses [62] de sesiones de grabación nocturnas, y utilizaron el guión y los diarios de producción como inspiración mientras trabajaban en las canciones para la película. [42] Shields comentó sobre el desafío que sintió al escribir canciones para una película, diciendo: "Apenas era consciente del lenguaje de la música que no es esencialmente solo para tus oídos... Al final, solo el movimiento físico de la película, eso era un manjar. Y supongo que por eso terminé haciendo cosas que eran tan delicadas". [59]
King sostiene que la música a menudo juega el papel más importante a la hora de establecer el estado de ánimo y el tono de la película, y escribe que es sustancial "al evocar las impresiones oníricas, narcotizadas y distantes del desfase horario", así como sentimientos más amplios de alienación y desconexión. , "haciendo lo que probablemente sea la mayor contribución a la comprensión generalizada de la película como una 'pieza anímica'". [63] Señala el uso de "Girls" en Death in Vegas, que aparece en la secuencia inicial en la que Bob es conducido desde el aeropuerto al hotel, argumentando que "desempeña un papel igual, si no dominante, al de las imágenes". ..., creando una cualidad a la deriva, etérea y algo onírica que captura con precisión las impresiones de disyunción temporal y espacial". [64] También señala el uso de temas "frescos y distantes" como "Tommib", utilizados en la secuencia extendida en la que Charlotte observa Tokio mientras está sentada en la ventana de su habitación de hotel, como un papel importante en el establecimiento de sentimientos de aislamiento y desorientación. en el personaje. [65] En opinión de King, algunas secuencias presentan combinaciones de música y elementos visuales para funcionar como " piezas audiovisuales ", que ofrecen distintos puntos de atractivo en la película para su público objetivo. [66]
Coppola no vendió los derechos de distribución para Estados Unidos y Canadá hasta que ella y Flack terminaron de editar la película. [45] En febrero de 2003, el director mostró la película a los altos ejecutivos de la filial nacional de Focus Features, [45] la empresa a la que ya había vendido la mayor parte de la distribución extranjera. El contrato anterior resultó significativo para Focus, ya que obtuvo un acceso privilegiado a la película, mientras que los compradores competidores se quejaban de que se les limitaba a ver un tráiler de tres minutos en las oficinas de Focus en el American Film Market . [67] Coppola inicialmente ofreció los derechos de distribución nacional por 5 millones de dólares, pero decidió venderlos a Focus por 4 millones de dólares, citando su agradecimiento por los acuerdos internacionales que la compañía había conseguido para la película. [45]
Una vez que Focus se involucró, comenzó a promocionar la película empleando una campaña de marketing convencional de "estilo independiente ". [68] La estrategia implicó generar un boca a boca positivo para la película mucho antes de su estreno en septiembre de 2003. [69] El distribuidor organizó proyecciones de prensa anticipadas durante todo el verano de 2003 y las combinó con una campaña publicitaria en la revista. [69] [nota 15] Los carteles y avances enfatizaron la reconocible presencia estelar de Murray, destacando su actuación en las secuencias cómicas de la película, lo que favoreció el atractivo de una audiencia más amplia. [70] Inmediatamente antes de su lanzamiento, Focus colocó Lost in Translation en festivales de cine y organizó "proyecciones íntimas de los medios" que incluían paneles de preguntas y respuestas con Coppola y Murray. [45] Muchas de estas tácticas de marketing fueron diseñadas para promocionar la película a un costo mínimo, un alejamiento de estrategias más costosas a menudo empleadas en la corriente principal de Hollywood, como la publicidad televisiva importante. [68]
Lost in Translation tuvo su estreno el 29 de agosto de 2003 en el Festival de Cine de Telluride en Estados Unidos. [3] Durante la semana siguiente, apareció en festivales de cine de Venecia y Toronto . [3] Se abrió al público en estreno limitado el 12 de septiembre de 2003, en 23 salas de las principales ciudades de los Estados Unidos. [71] La película ya había generado especulaciones sobre la contienda por el Oscar a partir de proyecciones anticipadas y se destacó por estrenarse varias semanas antes de lo esperado para una película independiente que compite por premios; el riesgo es que su estreno demasiado temprano pueda hacer que la película quede olvidada al momento de las nominaciones. Se hicieron para premios importantes como los Premios de la Academia. [69] [72] Los copresidentes de Focus Features, James Schamus y David Linde, comentaron que la compañía eligió una fecha de estreno anticipada basándose en factores como la calidad de la película y la campaña de marketing temprana, así como la falta de competencia de otras películas. [69] La estrategia tenía como objetivo darle a Lost in Translation más tiempo para dominar el mercado. [73]
La película recaudó 925.000 dólares en su primer fin de semana y se amplió la semana siguiente de 23 salas a 183 [69] en los 25 principales mercados del país. [71] Allí, recaudó más de 2,62 millones de dólares durante el fin de semana [75] y casi pagó el presupuesto total de la película. Se estrenó ampliamente el 3 de octubre, [nota 16] su cuarto fin de semana, alcanzando el puesto séptimo en la lista de taquilla; [74] una semana después, se expandió a aproximadamente 882 salas, el recuento de salas más alto de la película durante su ejecución. [74] Lost in Translation recaudó un total estimado hasta la fecha de 18,5 millones de dólares hasta el 13 de octubre [74] y The Hollywood Reporter señaló que había tenido un buen desempeño incluso "en mercados pequeños y medianos donde el público no siempre responde a este tipo de material de lujo". [69] Después de esta actuación, Lost in Translation experimentó una disminución gradual en la presencia en el teatro a medida que avanzaba el nuevo año, [74] aunque se amplió nuevamente después de que la película recibió nominaciones para los 76º Premios de la Academia . [76] La película se amplió desde un mínimo de finales de diciembre de 117 salas a un estimado de 632 a finales de enero, finalizando su exhibición en los Estados Unidos y Canadá el 25 de marzo y ganando 44,6 millones de dólares. [74] Su lanzamiento internacional recaudó 74,1 millones de dólares, para un total mundial de 118,7 millones de dólares. [74]
El DVD de Lost in Translation fue lanzado el 3 de febrero de 2004, [77] e incluye escenas eliminadas, un largometraje detrás de escena, una conversación sobre la película con Murray y Coppola y un video musical de " City Girl ". [78] una de las canciones originales compuestas para la película por Kevin Shields. Queriendo capitalizar la publicidad que rodeó la presencia de Lost in Translation en los Premios de la Academia, Focus Features tomó la inusual decisión de estrenar la película en medios domésticos mientras aún se proyectaba en los cines, inmediatamente después de que se anunciaran sus nominaciones al Oscar. [76] La estrategia se consideró arriesgada, ya que a la industria en general le preocupaba que los ingresos teatrales pudieran verse perjudicados por el lanzamiento anticipado de vídeos domésticos. [76] Lost in Translation finalmente ganó casi $ 5 millones en sus primeros cinco días de alquiler de videos y vendió un millón de copias minoristas durante su primera semana de lanzamiento. [79] Los primeros resultados mostraron que fue el segundo DVD más vendido durante este período [79] mientras que la película se proyectó en 600 salas y los ingresos de taquilla cayeron un 19% con respecto a la semana anterior, lo que Variety describió como "relativamente modesto". [80] Focus atribuyó el desempeño al boca a boca positivo y citó el marketing de la película en ambos medios como útil para cualquier plataforma que los consumidores eligieran. [80]
Lost in Translation se lanzó más tarde en el ahora obsoleto formato HD DVD el 29 de mayo de 2007, [81] y en Blu-ray el 7 de diciembre de 2010. [82] En junio de 2023, Kino Lorber anunció que lanzaría la película en Blu-ray Ultra HD a finales de 2023, con un nuevo escaneo 4K de la película. [83]
Lost in Translation recibió elogios generalizados de la crítica, particularmente por la actuación de Murray y por la dirección y el guión de Coppola. [84] En Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 95% basado en 232 reseñas, con una calificación promedio de 8,4/10. El consenso crítico del sitio dice: "Equilibrando eficazmente el humor y el patetismo sutil, Sofia Coppola elabora una historia conmovedora y melancólica que sirve como escaparate tanto para Bill Murray como para Scarlett Johansson". [85] En Metacritic , que asigna una calificación normalizada a las reseñas, la película tiene una puntuación promedio de 91 sobre 100 basada en 44 reseñas, lo que indica "aclamación universal". [86]
Los críticos elogiaron ampliamente la interpretación de Murray como Bob, elogiando su manejo de un papel más serio que se combinaba con la personalidad cómica por la que ya era ampliamente conocido. Escribiendo para Slate , David Edelstein argumentó que era "la actuación de Bill Murray que estábamos esperando", y agregó que "sus dos mitades nunca se han unido como lo hacen aquí, de una manera que conecta ese hilarante desapego con el profundo y sensación permanente de aislamiento que debe haberlo generado". [87] Lisa Schwarzbaum de Entertainment Weekly consideró la actuación de Murray como digna de un Oscar y la elogió como la "más vulnerable y maleducada" hasta la fecha; elogió su tratamiento de un papel más delicado, así como sus improvisaciones en las secuencias cómicas de la película. [88] El crítico del New York Times , Elvis Mitchell, recibió elogios similares, llamando a Lost in Translation "la película del Sr. Murray" y comentando que el actor "ofrece el tipo de actuación que parece tan plenamente realizada y sin esfuerzo que fácilmente puede confundirse con no actuar en absoluto". [89] [nota 17]
Coppola recibió un nivel similar de elogios por su guión y dirección. Kenneth Turan de Los Angeles Times comentó que Lost in Translation era "agrio y dulce, inequívocamente divertido y excepcionalmente bien observado, [lo que] marca ... a Coppola como un talento maduro con una sensibilidad distintiva y los medios para expresarla". [90] Gran parte de los elogios se dirigieron específicamente a su atención a las cualidades de sutileza y atmósfera; David Rooney de Variety elogió la película como "una pieza de humor", y agregó que su "hábil equilibrio entre humor y intensidad la convierte en una experiencia placentera y melancólica". [91] Asimismo, la crítica de Salon Stephanie Zacharek elogió a Coppola como un "dramaturgo sigiloso" cuyo estilo narrativo sobrio permitía una representación ingeniosa de las emociones; elogió Lost in Translation como una historia íntima que caracteriza a Coppola como un cineasta excepcional. [92]
También se elogió la actuación de Johansson como Charlotte; Rooney comentó que "ofrece una interpretación inteligente y sobria como una mujer observadora e inquisitiva con una rica vida interior", [91] y Turan agregó que Johansson "hace que lo que podría haber sido una caracterización demasiado familiar cobre completamente vida". [90]
Lost in Translation fue catalogada como mejor película del año por más de 235 críticos [93] y ha aparecido en otras listas de "lo mejor de" en los años posteriores a su estreno. Paste la clasificó en el puesto número siete en su lista de "Las 50 mejores películas de la década de 2000", [94] Entertainment Weekly la clasificó en el puesto nueve en su lista de las diez mejores películas de la década, [95] y la película ocupó el puesto 22 en un ranking de 2016. Lista de las 100 mejores películas del siglo XXI de la BBC , basada en una encuesta de 177 críticos. [96]
Lost in Translation recibió algunas acusaciones de estereotipos raciales orientalistas . [6] El cineasta E. Koohan Paik argumentó que su comedia está "enraizada en la "otredad del pueblo japonés" y que la historia no ofrece caracterizaciones equilibradas de los japoneses. Paik escribió que es "eludir la responsabilidad de representarlos como seres humanos plenos, ya sea negativo o positivo, lo que constituye discriminación o racismo". [97] El artista Kiku Day escribió en The Guardian : "No hay ninguna escena en la que a los japoneses se les conceda una pizca de dignidad. El espectador se ve obligado a reírse de estas personas pequeñas y amarillas y de sus maneras divertidas." [98]
Los distribuidores japoneses estaban preocupados por cómo sería recibido. [99] El crítico Yoshiro Tsuchiya de Yomiuri Shimbun escribió que la representación de Coppola de Japón era "escandalosamente sesgada y banal". [100] Las percepciones de estereotipos también llevaron a una campaña de una organización asiático-estadounidense que instó a los miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas a votar en contra en la 76ª edición de los Premios de la Academia. [101]
El estudioso del cine Homay King sostiene que si bien la película hace poco para contrarrestar los estereotipos orientalistas, no logra establecer la perspectiva desde la cual se hacen las representaciones japonesas, y escribe que "la película [no] aclara suficientemente que su tema real no es el propio Tokio, pero las percepciones occidentales de Tokio ... Cuando Japón parece superficial, inapropiadamente erótico o ininteligible, nunca estamos completamente seguros de si esta visión pertenece a Coppola, a sus personajes o simplemente a un imaginario cinematográfico de Hollywood." [102] King escribió que si bien representaciones como la alienación de Charlotte de experiencias como el ikebana son evidencia de que la película se abstiene de la "mitología orientalista de la tradición japonesa como fuente de consuelo", la película a menudo sitúa a Japón como una fuente de "diferencia" para los personajes basándose en chistes crudos y estereotipos de los japoneses como "locos" o "extremos". [103]
Coppola se sorprendió por las críticas y dijo: "Creo que si todo se basa en la verdad, puedes divertirte, reírte un poco, pero también ser respetuoso con una cultura. Me encanta Tokio y no soy mezquino... Creo que la gente podría ofenderse por todo lo que haces, a menos que simplemente intentes ser amable con todos". Dijo que la película "surgió de la experiencia" y puso el ejemplo de la confusión entre los sonidos L y R , que aparecía en las hojas de llamadas diarias . [40]
Lost in Translation recibió premios y nominaciones en una variedad de categorías, particularmente por la dirección y guión de Coppola, así como por las actuaciones de Murray y Johansson. En la 76ª edición de los Premios de la Academia, ganó el premio al Mejor Guión Original (Coppola) y la película recibió tres nominaciones más: Mejor Película , Mejor Director (Coppola) y Mejor Actor (Murray). [104] La película obtuvo tres premios Globo de Oro de cinco nominaciones: Mejor Película - Musical o Comedia , Mejor Actor - Película Musical o Comedia y Mejor Guión . [105] En la 57ª edición de los Premios de Cine de la Academia Británica , Lost in Translation ganó tres premios: Mejor actor en un papel principal , Mejor actriz en un papel principal (Johansson) y Mejor montaje . [106]
Lost in Translation también recibió premios de varias ceremonias de premios, festivales de cine y organizaciones de críticos extranjeros. Estos incluyen Mejor Película Estadounidense en los Premios Bodil , [107] Mejor Película Extranjera en los Premios César , [108] y Mejor Película Extranjera en el Círculo de Críticos de Cine de Australia , [109] Sindicato Francés de Críticos de Cine , [110] y Deutscher Filmpreis , [111] así como el Nastro d'Argento al Mejor Director Extranjero. [112] La película también ganó el Premio Independent Spirit a la Mejor Película , [113] Mejor Película - Comedia o Musical en los Satellite Awards , [114] y dos premios en el Festival Internacional de Cine de Venecia . [115] [3] De organizaciones de críticos, Lost in Translation recibió premios en la categoría de Mejor Película del Círculo de Críticos de Cine de San Francisco , [116] la Asociación de Críticos de Cine de Toronto , [117] y el Círculo de Críticos de Cine de Vancouver . [118]
Con las últimas novedades cinematográficas de Coppola se revisan las convenciones cinematográficas y, en consecuencia, se desafían las expectativas del público.
