Paul Klee ( en alemán: [paʊ̯l ˈkleː] ; 18 de diciembre de 1879 - 29 de junio de 1940) fue un artista alemán nacido en Suiza. Su estilo altamente individual estuvo influenciado por movimientos en el arte que incluyeron el expresionismo , el cubismo y el surrealismo . Klee fue un dibujante natural que experimentó y eventualmente exploró profundamente la teoría del color , escribiendo extensamente sobre ella; sus conferencias Escritos sobre la teoría de la forma y el diseño ( Schriften zur Form und Gestaltungslehre ), publicadas en inglés como los Cuadernos de Paul Klee , se consideran tan importantes para el arte moderno como lo fue el Tratado de pintura de Leonardo da Vinci para el Renacimiento . [1] [2] [3] Él y su colega, el pintor ruso Vasili Kandinsky , enseñaron en la escuela de arte, diseño y arquitectura Bauhaus en Alemania . Sus obras reflejan su humor seco y su perspectiva a veces infantil, sus estados de ánimo y creencias personales y su musicalidad.
En primer lugar, el arte de vivir; luego, como profesión ideal, la poesía y la filosofía, y como profesión real, las artes plásticas ; en último caso, a falta de ingresos, la ilustración.
— Paul Klee [4]
Paul Klee nació en Münchenbuchsee , Suiza, como el segundo hijo del profesor de música alemán Hans Wilhelm Klee (1849-1940) y la cantante suiza Ida Marie Klee, nacida Frick (1855-1921). [a] Su hermana Mathilde (fallecida el 6 de diciembre de 1953) nació el 28 de enero de 1876 en Walzenhausen . Su padre era oriundo de Tann y estudió canto, piano, órgano y violín en el Conservatorio de Stuttgart , donde conoció a su futura esposa Ida Frick. Hans Wilhelm Klee fue profesor de música en el Seminario Estatal de Berna en Hofwil, cerca de Berna, hasta 1931. Klee pudo desarrollar sus habilidades musicales mientras sus padres lo alentaban e inspiraban a lo largo de su vida. [5] En 1880, su familia se mudó a Berna, donde finalmente, en 1897, después de varios cambios de residencia, se mudaron a su propia casa en el distrito de Kirchenfeld . [6] De 1886 a 1890, Klee asistió a la escuela primaria y, a los 7 años, recibió clases de violín en la Escuela Municipal de Música. Tenía tanto talento para el violín que, a los 11 años, recibió una invitación para tocar como miembro extraordinario de la Asociación de Música de Berna. [7] Sus otras aficiones, dibujar y escribir poemas, no fueron fomentadas del mismo modo que la música. [8]
En sus primeros años, siguiendo los deseos de sus padres, Klee se centró en convertirse en músico; pero se decidió por las artes visuales durante su adolescencia, en parte por rebeldía y en parte porque la música moderna carecía de significado para él. Afirmó: "No encontré la idea de dedicarme a la música de manera creativa particularmente atractiva en vista del declive en la historia de los logros musicales". [9] Como músico, tocaba y se sentía emocionalmente vinculado a las obras tradicionales de los siglos XVIII y XIX , pero como artista ansiaba la libertad de explorar ideas y estilos radicales. [9] A los dieciséis años, los dibujos de paisajes de Klee ya muestran una habilidad considerable. [10]
En 1897, Klee comenzó a escribir su diario, que mantuvo hasta 1918 y que ha proporcionado a los estudiosos una valiosa perspectiva sobre su vida y su pensamiento. [11] Durante sus años escolares, dibujaba con avidez en sus libros escolares, en particular dibujando caricaturas , y ya demostraba habilidad con la línea y el volumen. [12] Apenas aprobó sus exámenes finales en el "Gymnasium" de Berna, donde se licenció en Humanidades . Con su característico humor seco, escribió: "Después de todo, es bastante difícil alcanzar el mínimo exacto y conlleva riesgos". [13] En su tiempo libre, además de sus profundos intereses en la música y el arte, Klee fue un gran lector de literatura y, más tarde, un escritor sobre teoría del arte y estética . [14]
En 1898, con el permiso reticente de sus padres, Klee comenzó a estudiar arte en la Academia de Bellas Artes de Múnich con Heinrich Knirr y Franz von Stuck . Se destacó en el dibujo, pero parecía carecer de un sentido natural del color. Más tarde recordaría: "Durante el tercer invierno, incluso me di cuenta de que probablemente nunca aprendería a pintar". [13] Durante estos tiempos de aventuras juveniles, Klee pasó mucho tiempo en pubs y tuvo aventuras con mujeres de clase baja y modelos de artistas. Tuvo un hijo ilegítimo en 1900 que murió varias semanas después del nacimiento. [15]
Tras recibir su título de Bellas Artes, Klee viajó por Italia desde octubre de 1901 hasta mayo de 1902 [16] con su amigo Hermann Haller . Visitaron Roma, Florencia, Nápoles y la costa de Amalfi, estudiando a los maestros pintores de siglos pasados. [15] Exclamó: "El Foro y el Vaticano me han hablado. El humanismo quiere asfixiarme". [17] Respondió a los colores de Italia, pero señaló con tristeza: "Me espera una larga lucha en este campo del color". [18] Para Klee, el color representaba el optimismo y la nobleza en el arte, y una esperanza de alivio de la naturaleza pesimista que expresaba en sus grotescos y sátiras en blanco y negro. [18] Al regresar a Berna, vivió con sus padres durante varios años y tomó clases de arte ocasionales. En 1905, ya estaba desarrollando algunas técnicas experimentales, incluido el dibujo con una aguja sobre un panel de vidrio ennegrecido, lo que dio como resultado cincuenta y siete obras, incluido su Retrato de mi padre (1906). [12] En los años 1903-05 también completó un ciclo de once grabados en placa de zinc llamado Invenciones , sus primeras obras expuestas, en las que ilustró varios personajes grotescos. [15] [19] Comentó: "aunque estoy bastante satisfecho con mis grabados, no puedo seguir así. No soy un especialista". [20] Klee todavía dividía su tiempo con la música, tocando el violín en una orquesta y escribiendo reseñas de conciertos y teatro. [21]
En 1906 , Klee se casó con la pianista bávara Lily Stumpf y al año siguiente tuvieron un hijo llamado Felix Paul. Vivían en un suburbio de Múnich y, mientras ella daba clases de piano y actuaba ocasionalmente, él se ocupaba de la casa y de su obra de arte. Su intento de ser ilustrador de revistas fracasó. [21] La obra de arte de Klee progresó lentamente durante los siguientes cinco años, en parte por tener que dividir su tiempo entre asuntos domésticos y en parte porque intentaba encontrar un nuevo enfoque para su arte. En 1910, realizó su primera exposición individual en Berna, que luego viajó a tres ciudades suizas.
En enero de 1911, Alfred Kubin conoció a Klee en Múnich y lo animó a ilustrar el Cándido de Voltaire . Los dibujos resultantes se publicaron más tarde en una versión de 1920 del libro editado por Kurt Wolff. En esa época, la obra gráfica de Klee aumentó. Su temprana inclinación hacia lo absurdo y lo sarcástico fue bien recibida por Kubin, quien se hizo amigo de Klee y se convirtió en uno de sus primeros coleccionistas importantes. [22] Klee conoció, a través de Kubin, al crítico de arte Wilhelm Hausenstein en 1911. Klee fue miembro fundador y gerente del sindicato de artistas de Múnich Sema ese verano. [23] En otoño conoció a August Macke y Wassily Kandinsky , y en invierno se unió al equipo editorial del almanaque Der Blaue Reiter , fundado por Franz Marc y Kandinsky. Al conocer a Kandinsky, Klee escribió: "Llegué a sentir una profunda confianza en él. Es alguien y tiene una mente excepcionalmente bella y lúcida". [24] Otros miembros fueron Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin . Klee se convirtió en pocos meses en uno de los miembros más importantes e independientes del Blaue Reiter , pero aún no estaba plenamente integrado. [25]
La publicación del almanaque se retrasó en beneficio de una exposición. La primera exposición de Blaue Reiter tuvo lugar del 18 de diciembre de 1911 al 1 de enero de 1912 en la Moderne Galerie Heinrich Thannhauser de Múnich. Klee no asistió a ella, pero en la segunda exposición, que tuvo lugar del 12 de febrero al 18 de marzo de 1912 en la Galerie Goltz , se mostraron 17 de sus obras gráficas. El nombre de esta exposición de arte fue Schwarz-Weiß , ya que solo se refería a la pintura gráfica. [26] Inicialmente planeado para ser lanzado en 1911, la fecha de lanzamiento del almanaque Der Blau Reiter de Kandinsky y Marc se retrasó hasta mayo de 1912, incluyendo el dibujo a tinta reproducido Steinhauer de Klee. Al mismo tiempo, Kandinsky publicó su escrito de historia del arte Über das Geistige in der Kunst . [27]
La asociación abrió la mente de Klee a las teorías modernas del color. Sus viajes a París en 1912 también lo expusieron al fermento del cubismo y a los ejemplos pioneros de la "pintura pura", un término temprano para el arte abstracto . El uso de colores llamativos por parte de Robert Delaunay y Maurice de Vlaminck también lo inspiró. [28] En lugar de copiar a estos artistas, Klee comenzó a realizar sus propios experimentos de color en acuarelas pálidas e hizo algunos paisajes primitivos, incluidos En la cantera (1913) y Casas cerca de la gravera (1913), utilizando bloques de color con una superposición limitada. [29] Klee reconoció que "me espera una larga lucha en este campo del color" para alcanzar su "noble objetivo distante". Pronto descubrió "el estilo que conecta el dibujo y el reino del color". [18]
El gran avance artístico de Klee llegó en 1914, cuando visitó brevemente Túnez con August Macke y Louis Moilliet y quedó impresionado por la calidad de la luz allí. Escribió: "El color se ha apoderado de mí; ya no tengo que perseguirlo, sé que me ha dominado para siempre... El color y yo somos uno. Soy un pintor". [30] Con esa constatación, la fidelidad a la naturaleza perdió importancia. En cambio, Klee comenzó a ahondar en el "romanticismo frío de la abstracción". [30] Al adquirir un segundo vocabulario artístico, Klee añadió el color a sus habilidades en el dibujo, y en muchas obras los combinó con éxito, como lo hizo en una serie que llamó "pinturas operísticas". [31] [32] Uno de los ejemplos más literales de esta nueva síntesis es El Don Giovanni bávaro (1919). [33]
Tras regresar a casa, Klee pintó su primer abstracto puro, Al estilo de Kairuán (1914), compuesto por rectángulos de colores y algunos círculos. [34] El rectángulo de colores se convirtió en su elemento básico, lo que algunos estudiosos asocian con una nota musical, que Klee combinó con otros bloques de colores para crear una armonía de colores análoga a una composición musical. Su selección de una paleta de colores particular emula una tonalidad musical. A veces utiliza pares de colores complementarios y otras veces colores "disonantes", lo que refleja nuevamente su conexión con la musicalidad. [35]
Unas semanas después, comenzó la Primera Guerra Mundial . Al principio, Klee se mostró algo distanciado de ella, como escribió irónicamente: "Hace mucho que tengo esta guerra dentro de mí. Es por eso que, interiormente, no es de mi incumbencia". [36] Klee fue reclutado como Landsturmsoldat (soldado de las fuerzas de reserva en Prusia o Alemania Imperial) el 5 de marzo de 1916. Las muertes de sus amigos August Macke y Franz Marc en batalla comenzaron a afectarlo. Para desahogar su angustia, creó varias litografías a pluma y tinta sobre temas de guerra, incluida Muerte por la idea (1915). [37] Después de terminar el curso de entrenamiento militar, que comenzó el 11 de marzo de 1916, fue comprometido como soldado detrás del frente. Klee se trasladó el 20 de agosto a la compañía de mantenimiento de aeronaves [b] en Oberschleissheim , ejecutando trabajos manuales especializados, como restaurar el camuflaje de los aviones y acompañar a los transportes de aeronaves. El 17 de enero de 1917 fue trasladado a la Real Escuela de Vuelo de Baviera en Gersthofen (que 54 años después se convirtió en la Estación de Campo de la USASA en Augsburgo ) para trabajar como empleado del tesorero hasta el final de la guerra. Esto le permitió quedarse en una pequeña habitación fuera del bloque de barracones y seguir pintando. [38] [39]
Continuó pintando durante toda la guerra y logró exponer en varias muestras. En 1917, la obra de Klee se vendía bien y los críticos de arte lo aclamaban como el mejor de los nuevos artistas alemanes. [40] Su Ab ovo (1917) es particularmente notable por su técnica sofisticada. Emplea acuarela sobre gasa y papel con una base de tiza, lo que produce una rica textura de patrones triangulares, circulares y en forma de media luna. [30] Demostrando su gama de exploración, mezclando color y línea, su Advertencia de los barcos (1918) es un dibujo coloreado lleno de imágenes simbólicas en un campo de color suprimido. [41]
En 1919, Klee solicitó un puesto de profesor en la Academia de Arte de Stuttgart. [42] Este intento fracasó, pero tuvo un gran éxito al conseguir un contrato de tres años (con un ingreso anual mínimo) con el marchante Hans Goltz , cuya influyente galería le dio a Klee una gran exposición y cierto éxito comercial. También fue notable una retrospectiva de más de 300 obras en 1920. [43]
Klee enseñó en la Bauhaus desde enero de 1921 hasta abril de 1931. [44] Fue maestro de "Forma" en los talleres de encuadernación, vidrieras y pintura mural y se le proporcionaron dos estudios. [45] En 1922, Kandinsky se unió al personal y reanudó su amistad con Klee. Más tarde ese año se celebró la primera exposición y festival de la Bauhaus, para el que Klee creó varios de los materiales publicitarios. [46] Klee dio la bienvenida a las muchas teorías y opiniones conflictivas dentro de la Bauhaus: "También apruebo que estas fuerzas compitan entre sí si el resultado es el logro". [47]
Klee también fue miembro de Die Blaue Vier (Los cuatro azules), junto a Kandinsky, Lyonel Feininger y Alexej von Jawlensky , que se formó en 1923, por iniciativa de Galka Scheyer, quien posteriormente organizó exposiciones de su obra en los Estados Unidos. En 1924, Klee realizó sus primeras exposiciones en París y se convirtió en un éxito entre los surrealistas franceses. [48] Klee visitó Egipto en 1928, lo que le impresionó menos que Túnez. En 1929, se publicó la primera monografía importante sobre la obra de Klee, escrita por Will Grohmann. [49]
Klee también enseñó en la Academia de Düsseldorf de 1931 a 1933, y fue señalado por un periódico nazi: "Entonces ese gran tipo Klee entra en escena, ya famoso como profesor de la Bauhaus en Dessau. Le dice a todo el mundo que es un árabe de pura sangre, pero es un típico judío gallego". [50] Su casa fue registrada por la Gestapo y fue despedido de su trabajo. [3] [51] Su autorretrato Borrado de la lista (1933) conmemora la triste ocasión. [50] En 1933-34, Klee realizó exposiciones en Londres y París, y finalmente conoció a Pablo Picasso , a quien admiraba mucho. [52] La familia Klee emigró a Suiza a fines de 1933. [52]
Klee se encontraba en la cima de su producción creativa. Su Ad Parnassum (1932) se considera su obra maestra y el mejor ejemplo de su estilo puntillista ; también es una de sus pinturas más grandes y mejor trabajadas. [53] [54] Produjo casi 500 obras en 1933 durante su último año en Alemania. [55] Sin embargo, en 1933, Klee comenzó a experimentar los síntomas de lo que se diagnosticó como esclerodermia después de su muerte. La progresión de su enfermedad fatal, que hacía que tragar fuera muy difícil, se puede seguir a través del arte que creó en sus últimos años. Su producción en 1936 fue de solo 25 cuadros. A finales de la década de 1930, su salud se recuperó un poco y se sintió alentado por una visita de Kandinsky y Picasso. [56] Los diseños más simples y grandes de Klee le permitieron mantener su producción en sus últimos años, y en 1939 creó más de 1.200 obras, un máximo de su carrera para un año. [57] Utilizó líneas más gruesas y formas principalmente geométricas con menos bloques de color pero de mayor tamaño. Sus variadas paletas de colores, algunas con colores brillantes y otras sombrías, tal vez reflejaban sus estados de ánimo alternados de optimismo y pesimismo. [58] De regreso a Alemania en 1937, diecisiete de los cuadros de Klee fueron incluidos en una exposición de " Arte degenerado " y 102 de sus obras en colecciones públicas fueron confiscadas por los nazis. [59]
En 1935, dos años después de mudarse a Suiza y trabajar en una situación muy confinada, Klee desarrolló esclerodermia , una enfermedad autoinmune que resulta en el endurecimiento del tejido conectivo. [60]
Sufrió un dolor que parece reflejarse en sus últimas obras de arte. [61] En sus últimos meses creó 50 dibujos de ángeles. [60] Una de sus últimas pinturas, Muerte y fuego , presenta una calavera en el centro con la palabra alemana para muerte, "Tod", apareciendo en la cara. Murió en Muralto , Locarno, Suiza, el 29 de junio de 1940 sin haber obtenido la ciudadanía suiza, a pesar de haber nacido en ese país. [61] [62] Su obra de arte fue considerada demasiado revolucionaria, incluso degenerada, por las autoridades suizas, pero finalmente aceptaron su solicitud seis días después de su muerte. [63] Su legado comprendió alrededor de 9.000 obras de arte. [18] Las palabras en su lápida, el credo de Klee, colocadas allí por su hijo Félix, dicen: "No puedo ser comprendido en el aquí y ahora, porque mi morada está tanto entre los muertos como entre los aún no nacidos. Un poco más cerca del corazón de la creación de lo habitual, pero todavía no lo suficientemente cerca". [64] Fue enterrado en Schosshaldenfriedhof , Berna, Suiza.
Klee ha sido asociado de diversas maneras con el expresionismo , el cubismo , el futurismo , el surrealismo y la abstracción , pero sus cuadros son difíciles de clasificar. Generalmente trabajaba aislado de sus compañeros e interpretaba las nuevas tendencias artísticas a su manera. Era inventivo en sus métodos y técnicas. Klee trabajó en muchos medios diferentes: pintura al óleo , acuarela , tinta , pastel , aguafuerte y otros. A menudo los combinaba en una sola obra. Utilizó lienzo, arpillera, muselina, lino, gasa, cartón, láminas de metal, tela, papel tapiz y papel de periódico. [65] Klee empleó pintura en aerosol, aplicación con espátula, estampado, veladura y empaste, y técnicas mixtas como óleo con acuarela, acuarela con pluma y tinta china, y óleo con témpera. [66]
Era un dibujante natural y, a través de una larga experimentación, desarrolló un dominio del color y la tonalidad. Muchas de sus obras combinan estas habilidades. Utiliza una gran variedad de paletas de colores, desde casi monocromáticas hasta altamente policromáticas . Sus obras a menudo tienen una frágil calidad infantil y suelen ser de pequeña escala. A menudo usaba formas geométricas y composiciones en formato de cuadrícula , así como letras y números, a menudo combinados con figuras lúdicas de animales y personas. Algunas obras eran completamente abstractas. Muchas de sus obras y sus títulos reflejan su humor seco y sus estados de ánimo variables; algunas expresan convicciones políticas. Con frecuencia aluden a la poesía, la música y los sueños y, a veces, incluyen palabras o notación musical . Las obras posteriores se distinguen por símbolos jeroglíficos en forma de araña. Rainer Maria Rilke escribió sobre Klee en 1921: "Incluso si no me hubieras dicho que toca el violín, habría adivinado que en muchas ocasiones sus dibujos eran transcripciones de música". [14]
Pamela Kort observó: “Los dibujos de Klee de 1933 ofrecen a quien los observa una oportunidad sin igual de vislumbrar un aspecto central de su estética que ha permanecido en gran medida desapercibido: su preocupación de toda la vida por las posibilidades de la parodia y el ingenio . En esto radica su verdadero significado, en particular para un público que no es consciente de que el arte de Klee tiene dimensiones políticas ”. [67]
Entre las pocas obras plásticas que conserva se encuentran marionetas de mano realizadas entre 1916 y 1925 para su hijo Félix. El artista no las contabilizó como parte de su obra ni las incluyó en su catálogo razonado . Treinta de las marionetas conservadas se encuentran en el Zentrum Paul Klee de Berna. [68]
Algunos de los primeros dibujos infantiles conservados de Klee, que su abuela alentó a realizar, fueron incluidos en su catálogo razonado . Durante los años de Berna se produjeron un total de 19 aguafuertes; diez de ellos fueron realizados entre 1903 y 1905 en el ciclo "Inventionen" (Invenciones), [69] que se presentaron en junio de 1906 en la "Internationale Kunstausstellung des Vereins bildender Künstler Münchens 'Secession'" (Exposición Internacional de Arte de la Asociación de Artes Gráficas, Múnich, Secession), su primera aparición como pintor en público. [70] Klee había retirado la tercera Invención, Pessimistische Allegorie des Gebirges (Alegoría pesimista de la montaña), en febrero de 1906 de su ciclo. [71] Los grabados satíricos , por ejemplo Jungfrau im Baum/Jungfrau (träumend) (Virgen en el árbol/Virgen (soñando)) de 1903 y Greiser Phoenix (Fénix envejecido) de 1905, fueron clasificados por Klee como "puestos de avanzada surrealistas". Jungfrau im Baum se basa en el motivo Le cattive madri (1894) de Giovanni Segantini . La pintura estuvo influenciada por las poesías líricas grotescas de Alfred Jarry , Max Jacob y Christian Morgenstern . [72] Presenta un pesimismo cultural, que se puede encontrar a principios del siglo XX en obras de simbolistas . La invención n.º 6, el grabado de 1903 Zwei Männer, einander in höherer Stellung vermutend (Dos hombres, suponiendo que el otro está en una posición superior), representa a dos hombres desnudos, presumiblemente el emperador Guillermo II y Francisco José I de Austria , reconocibles por su peinado y barbas. Como sus ropas e insignias estaban desprovistas, "ambos no tienen idea de si su saludo convencional [...] está en orden o no. Como suponen que su contraparte podría haber sido de mayor rango", se inclinan y se rascan . [73]
Klee comenzó a introducir una nueva técnica en 1905: rayar con una aguja un panel de vidrio ennegrecido. De esa manera creó alrededor de 57 cuadros de Verre églomisé, entre ellos Gartenszene (Escena en un jardín) de 1905 y Porträt des Vaters (Retrato de un padre) de 1906, con los que intentó combinar pintura y rayado. [74] El trabajo solitario de Klee en sus primeros años terminó en 1911, año en el que conoció al artista gráfico Alfred Kubin y se inspiró en él, y se asoció con los artistas del Blaue Reiter . [75]
Durante su viaje educativo de doce días a Túnez en abril de 1914, Klee produjo con Macke y Moilliet pinturas de acuarela , que implementan el fuerte estímulo de luz y color de la campiña del norte de África al estilo de los conceptos de forma cubista de Paul Cézanne y Robert Delaunay . El objetivo no era imitar la naturaleza, sino crear composiciones análogas al principio formativo de la naturaleza, como en las obras In den Häusern von Saint-Germain (En las casas de Saint-Germain) y Straßencafé (Café callejero). Klee transmitió el paisaje en una cuadrícula, de modo que se disuelve en una armonía coloreada. También creó obras abstractas en ese período como Abstract y Farbige Kreise durch Farbbänder verbunden (Círculos de colores atados con cintas entintadas). [76] Nunca abandonó el objeto; nunca se produjo una segregación permanente. Klee dedicó más de diez años a la experimentación y el análisis del color, dando como resultado una obra artificial independiente, en la que sus ideas de diseño se basaban en el colorido del mundo oriental.
Föhn im Marc'schen Garten (Foehn en el jardín de Marc) fue realizada después del viaje a Turín. En ella se evidencian las relaciones entre el color y el estímulo de Macke y Delaunay. Aunque se ven claramente elementos del jardín, se percibe una tendencia hacia la abstracción. En su diario, Klee escribió la siguiente nota en esa época:
En el gran foso de moldeo yacen ruinas, sobre las que se cuelga parcialmente una figura. Ellas proporcionan el material para la abstracción. […] El mundo terrible, lo abstracto, el arte, mientras que un mundo feliz produce arte secular. [77]
En 1917, bajo la influencia de su servicio militar, pintó el cuadro Trauerblumen (Campanillas de terciopelo), que, con sus signos gráficos y formas vegetales y fantásticas, es un precursor de sus obras futuras, combinando armoniosamente gráfico, color y objeto. Por primera vez aparecen pájaros en los cuadros, como en Blumenmythos (Mito de las flores) de 1918, que reflejan los aviones que vuelan y caen que vio en Gersthofen y los accidentes aéreos fotografiados.
En la acuarela de 1918 Un gris en la noche , un poema compositivo ejecutado, posiblemente escrito por Klee, incorporó letras en pequeños cuadrados separados por colores, separando el primer verso del segundo con papel plateado. En la parte superior del cartón, que lleva el cuadro, los versos están inscritos en forma manuscrita. Aquí, Klee no se basó en los colores de Delaunay, sino en los de Marc, aunque el contenido pictórico de ambos pintores no se corresponde entre sí. Herwarth Walden , el comerciante de arte de Klee, vio en ellos un "cambio de guardia" de su arte. [78] Desde 1919 utilizó con frecuencia colores al óleo, con los que combinó acuarelas y lápices de colores. La Villa R (Museo de Arte de Basilea) de 1919 une realidades visibles como el sol, la luna, las montañas, los árboles y las arquitecturas, así como promesas surrealistas y lecturas sentimentales. [79]
Entre sus obras de esta época se encuentran Camel (en un paisaje rítmico con árboles), así como otras pinturas con elementos gráficos abstractos como Betroffener Ort (Lugar afectado) (1922). De ese período creó Die Zwitscher-Maschine (La máquina gorjeadora), que más tarde fue retirada de la National Gallery . Después de ser calificada de difamatoria en la exposición de Múnich " Entartete Kunst ", la pintura fue adquirida más tarde por la Buchholz Gallery de Nueva York y luego transferida en 1939 al Museo de Arte Moderno . El "gorjeo" en el título se refiere a los pájaros con el pico abierto, mientras que la "máquina" está ilustrada por la manivela. [80]
La acuarela parece a primera vista infantil, pero permite más interpretaciones. El cuadro puede interpretarse como una crítica de Klee, que muestra a través de la desnaturalización de los pájaros que la tecnificación del mundo arrebata la autodeterminación de las criaturas. [81]
Otros ejemplos de este período son Der Goldfisch (El pez dorado), de 1925, Katze und Vogel (Gato y pájaro), de 1928, y Hauptweg und Nebenwege (Carretera principal y caminos secundarios), de 1929. Mediante variaciones del fondo del lienzo y sus técnicas de pintura combinadas, Klee creó nuevos efectos de color e impresiones pictóricas.
Entre 1916 y 1925, Klee creó 50 marionetas de mano para su hijo Felix. Las marionetas no se mencionan en el catálogo de obras de la Bauhaus, ya que desde el principio estaban pensadas como juguetes privados. [82] Sin embargo, son un ejemplo impresionante de la imaginería de Klee. No solo se ocupó de espectáculos de marionetas en privado, sino también en su trabajo artístico en la Bauhaus. [83]
En 1931, Klee se trasladó a Düsseldorf para enseñar en la Akademie; los nazis cerraron la Bauhaus poco después. [84] Durante esta época, Klee ilustró una serie de ángeles guardianes. Entre estas figuraciones se encuentra "In Engelshut" (Al cuidado del ángel). Su técnica de superposición evidencia el carácter polifónico de su método de dibujo entre 1920 y 1932. [85]
El cuadro Ad Parnassum (Ad Parnassum) , de 1932 , también pertenece al período de Düsseldorf. 100 cm × 126 cm (39 in × 50 in) Se trata de uno de sus cuadros de mayor tamaño, ya que solía trabajar con formatos pequeños. En esta obra de aspecto mosaico, al estilo del puntillismo, combinó diferentes técnicas y principios compositivos. Influenciado por su viaje a Egipto de 1928 a 1929, Klee construyó un campo de color a partir de puntos estampados individualmente, rodeados de líneas estampadas de forma similar, lo que da como resultado una pirámide. Sobre el techo del " Parnaso " hay un sol. El título identifica el cuadro como la casa de Apolo y las Musas . [86] Durante sus viajes por Egipto en 1929, Klee desarrolló un sentido de conexión con la tierra, descrito por el historiador de arte Olivier Berggruen como un sentimiento místico: "En el desierto, los intensos rayos del sol parecían envolver todos los seres vivos, y por la noche, el movimiento de las estrellas se sentía aún más palpable. En la arquitectura de los antiguos momentos funerarios, Klee descubrió un sentido de proporción y medida en el que los seres humanos parecían establecer una relación convincente con la inmensidad del paisaje; además, se sintió atraído por la numerología esotérica que regía la forma en que se habían construido estos monumentos". [87] En 1933, su último año en Alemania, creó una serie de pinturas y dibujos; el catálogo razonado comprendía 482 obras. El autorretrato del mismo año, con el título programático von der Liste gestrichen (eliminado de la lista), proporciona información sobre su sentimiento después de perder su cátedra. El retrato abstracto fue pintado en colores oscuros y muestra los ojos cerrados y los labios comprimidos, mientras que en la parte posterior de su cabeza hay una gran "X", que simboliza que su arte ya no era valorado en Alemania. [88]
En este período, Klee trabajó principalmente en cuadros de gran formato. Tras el inicio de su enfermedad, en el catálogo de 1936 había unas 25 obras, pero su productividad aumentó en 1937 a 264 cuadros, en 1938 a 489 y en 1939, su año más productivo, a 1254. Trataban temas ambivalentes , expresando su destino personal, la situación política y su ingenio. Ejemplos de ello son la acuarela Musiker (Músico), un rostro de monigote con una boca parcialmente seria y parcialmente sonriente; y la Revolution des Viadukts (Revolución del viaducto), un arte antifascista . En Viadukt (1937) los arcos del puente se separan de la orilla porque se niegan a estar unidos a una cadena y, por lo tanto, son un motín. [89] A partir de 1938, Klee trabajó más intensamente con elementos de tipo jeroglífico. El cuadro Insula dulcamara, del mismo año, uno de sus mayores cuadros (88 cm × 176 cm), muestra un rostro blanco en medio de los elementos, que simboliza la muerte con sus cuencas oculares rodeadas de círculos negros. La amargura y el dolor no son raros en muchas de sus obras de esta época.
En 1940 , Klee creó un cuadro que se diferenciaba mucho de sus obras anteriores, ya que no llevaba firma en el andamio. El bodegón relativamente realista Ohne Titel (Sin título ), que más tarde se denominó Der Todesengel (El ángel de la muerte), muestra flores, una maceta verde, una escultura y un ángel. La luna sobre fondo negro está separada de estos grupos. Con motivo de su 60 cumpleaños, Klee fue fotografiado frente a este cuadro. [90]
El arte no reproduce lo visible sino que lo hace visible.
"El acto de Klee es muy prestigioso. En una sola línea puede revelar su sabiduría. Es todo: profundo, gentil y muchas más cosas buenas, y esto porque: es innovador", escribió Oskar Schlemmer , futuro colega artista de Klee en la Bauhaus, en su diario de septiembre de 1916. [91]
El novelista y amigo de Klee, Wilhelm Hausenstein, escribió en su obra Über Expressionismus in der Malerei (Sobre el expresionismo en la pintura): "Tal vez la actitud de Klee sea en general comprensible para la gente que se dedica a la música: Klee es uno de los violinistas más encantadores que jamás haya caminado sobre la tierra, tocando a Bach y a Händel. […] Para Klee, el pintor clásico alemán del cubismo, la música del mundo se convirtió en su compañera, posiblemente incluso en una parte de su arte; la composición, escrita en notas, parece no ser muy diferente". [92]
Cuando Klee visitó la exposición surrealista de París en 1925, Max Ernst quedó impresionado por su obra. Sus motivos parcialmente morbosos atrajeron a los surrealistas. André Breton contribuyó al desarrollo del surrealismo y rebautizó el cuadro de Klee de 1912 Zimmerperspektive mit Einwohnern (Perspectiva de habitación con gente) como chambre spirit en un catálogo. El crítico René Crevel calificó al artista de "soñador" que "libera un enjambre de pequeños piojos líricos de misteriosos abismos". El confidente de Paul Klee, Will Grohmann, afirmó en los Cahiers d'art que "definitivamente se mantiene firme. No es en absoluto un soñador; es una persona moderna, que enseña como profesor en la Bauhaus". Ante lo cual Breton, como recuerda Joan Miró , criticó a Klee: "Masson y yo hemos descubierto a Paul Klee. Paul Éluard y Crevel también se interesan por Klee, e incluso lo han visitado. Pero Breton lo desprecia". [93]
El arte de los enfermos mentales inspiró a Klee, así como a Kandinsky y Max Ernst, después de que el libro de Hans Prinzhorn Bildnerei der Geisteskranken (El arte de los enfermos mentales) se publicara en 1922. En 1937, algunos artículos de la antología de Prinzhorn se presentaron en la exposición de propaganda nacionalsocialista " Entartete Kunst " en Múnich, con el propósito de difamar las obras de Kirchner , Klee, Nolde y otros artistas comparándolas con las obras de los locos. [94]
En 1949 Marcel Duchamp comentó sobre Paul Klee: "La primera reacción ante un cuadro de Klee es el descubrimiento muy agradable de lo que cada uno de nosotros podría o podría haber hecho, de intentar dibujar como en nuestra infancia. La mayoría de sus composiciones muestran a primera vista una expresión simple e ingenua, propia de los dibujos infantiles. […] En un segundo análisis se puede descubrir una técnica que tiene como base una gran madurez de pensamiento. Un profundo conocimiento del manejo de la acuarela para pintar un método personal al óleo, estructurado en formas decorativas, permitió a Klee destacarse en el arte contemporáneo y lo hizo incomparable. Por otro lado, su experimentación fue adoptada en los últimos 30 años por muchos otros artistas como base para nuevas creaciones en los más diversos campos de la pintura. Su extrema productividad nunca muestra evidencias de repetición, como suele ser el caso. Tenía tanto que decir, que un Klee nunca se convirtió en otro Klee". [95]
Uno de los cuadros de Klee, Angelus Novus , fue objeto de un texto interpretativo del filósofo y crítico literario alemán Walter Benjamin , quien compró la pintura en 1921. En sus "Tesis sobre la filosofía de la historia", Benjamin sugiere que el ángel representado en el cuadro podría ser visto como representante del ángel de la historia.
Otro aspecto de su legado, que demuestra su presencia multifacética en la imaginación artística moderna, es su atractivo para aquellos interesados en la historia del algoritmo, ejemplificada por el Homenaje a Paul Klee del pionero del arte informático Frieder Nake. [96]
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A diferencia de su gusto por la experimentación moderna y aventurera en la pintura, Klee, aunque tenía talento musical, se sentía atraído por las tradiciones musicales más antiguas; no apreciaba ni a los compositores de finales del siglo XIX, como Wagner , Bruckner y Mahler , ni a la música contemporánea. Bach y Mozart eran para él los grandes compositores; disfrutaba más tocando las obras de este último. [97]
La obra de Klee ha influido en compositores como el argentino Roberto García Morillo en 1943, con Tres pinturas de Paul Klee . Otros incluyen al compositor estadounidense David Diamond en 1958, con el Opus Welt von Paul Klee (El mundo de Paul Klee) en cuatro partes . Gunther Schuller compuso Siete estudios sobre temas de Paul Klee en los años 1959/60, que consisten en Armonías antiguas , Trío abstracto , Pequeño diablo azul , Twittering Machine , Arab Village , Un momento inquietante y Pastorale . El compositor español Benet Casablancas escribió Alter Klang , Impromptu para orquesta según Klee (2006); [98] [99] Casablancas es autor también del Retablo sobre textos de Paul Klee , Cantata da Camera para soprano, mezzo y piano (2007). [100] [101] En 1950, Giselher Klebe interpretó su obra orquestal Die Zwitschermaschine con el subtítulo Metamorphosen über das Bild von Paul Klee en el Donaueschinger Musiktage . [102] 8 Piezas sobre Paul Klee es el título del álbum debut del Ensemble Sortisatio , grabado en febrero y marzo de 2002 en Leipzig y en agosto de 2002 en Lucerna, Suiza. La composición "Wie der Klee vierblättrig wurde" (Cómo el trébol se volvió de cuatro hojas) se inspiró en la acuarela Hat Kopf, Hand, Fuss und Herz (1930), Angelus Novus y Hauptweg und Nebenwege .
En 1968, un grupo de jazz llamado The National Gallery, en el que aparecía el compositor Chuck Mangione, lanzó el álbum Performing Musical Interpretations of the Paintings of Paul Klee . [103] En 1995, el cineasta experimental griego Kostas Sfikas creó una película basada íntegramente en las pinturas de Paul Klee. La película se titula " Paul Klee's Prophetic Bird of Sorrows " y toma su título de Paisaje con pájaros amarillos de Klee. Se realizó utilizando partes y recortes de las pinturas de Paul Klee.
Desde 1995, el archivo Paul Klee de la Universidad de Jena alberga una amplia colección de obras de Klee. Está ubicado en el departamento de historia del arte fundado por Franz-Joachim Verspohl. Incluye la biblioteca privada del coleccionista de libros Rolf Sauerwein, que contiene casi 700 obras de 30 años de antigüedad, entre las que se incluyen monografías sobre Klee, catálogos de exposiciones, abundante literatura secundaria, así como ejemplares ilustrados originalmente, una postal y un retrato fotográfico firmado por Klee. [106] [107]
El arquitecto Renzo Piano construyó el Zentrum Paul Klee en junio de 2005. Situado en Berna, el museo exhibe alrededor de 150 (de 4000 obras de Klee en total) en una rotación de seis meses, ya que es imposible mostrar todas sus obras a la vez. Además, sus cuadros requieren periodos de descanso; contienen colores, tintas y papeles relativamente fotosensibles, que pueden decolorarse, cambiar, volverse marrones y quebradizos si se exponen a la luz durante demasiado tiempo. [108] El Museo de Arte Moderno de San Francisco tiene una colección completa de Klee, donada por Carl Djerassi . Otras exposiciones incluyen el Sammlung Rosengart en Lucerna, el Albertina en Viena y el Museo Berggruen en Berlín. Las escuelas de Gersthofen, Lübeck ; Klein-Winternheim , Overath ; su lugar de nacimiento Münchenbuchsee y Düsseldorf llevan su nombre.
Además de las obras de Klee que los nazis confiscaron de los museos, los nazis saquearon varias de sus obras de arte a coleccionistas judíos y sus familias. Algunas de ellas han sido restituidas [109] , mientras que otras han sido objeto de demandas judiciales y reclamaciones de restitución. [110] Una de las reclamaciones más famosas fue la de La leyenda del pantano de Klee . [111]
La Zwitscher-Maschine. Revista sobre Paul Klee (ISSN 2297-6809) es una publicación dedicada a los estudios internacionales sobre Paul Klee. Abarca estudios de historia del arte y tecnología del arte, así como textos literarios o filosóficos sobre la vida y la obra de Paul Klee. La revista es de libre acceso para los autores de la comunidad internacional de investigación sobre Klee, siguiendo un enfoque de acceso abierto conocido como la estrategia de publicación primaria " camino dorado ".
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