Queen II es el segundo álbum de estudio de labanda de rock británica Queen . Fue lanzado el 8 de marzo de 1974 por EMI Records en el Reino Unido y Elektra Records en los Estados Unidos. Fue grabado en Trident Studios y Langham 1 Studios, Londres, en agosto de 1973 con los coproductores Roy Thomas Baker y Robin Geoffrey Cable, y con la ingeniería de Mike Stone . Es significativo por ser el primer álbum en contener elementos del sonido característico de la banda de sobregrabaciones de varias capas, armonías vocales y estilos musicales variados. [2] [3]
Descrito como "posiblemente el álbum más pesado de Queen", Queen II marcó el final de la primera fase de la carrera de la banda. [4] El álbum combina un sonido de rock pesado con elementos de rock artístico y rock progresivo , [2] [5] [6] y ha sido llamado "un pilar de hard rock grandioso y agresivo " por el Salón de la Fama del Rock and Roll . [7] Queen II no es un álbum conceptual , sino una colección de canciones con un tema suelto que se desarrolla a lo largo de todo el álbum. [8] Los dos lados del LP original fueron etiquetados como "Lado blanco" y "Lado negro" (en lugar de los lados convencionales A y B), con fotos correspondientes de la banda vestida de negro en la portada y de blanco en la portada interior. El lado blanco tiene canciones con un tema más emocional y el lado negro es casi en su totalidad sobre fantasía, a menudo con temas bastante oscuros. La fotografía de portada de Mick Rock fue reutilizada con frecuencia por la banda a lo largo de su carrera, incluidos los videos musicales de las canciones " Bohemian Rhapsody " (1975) y " One Vision " (1985).
Aunque al principio tuvo una recepción crítica mixta, Queen II sigue siendo uno de los álbumes menos conocidos de la banda. No obstante, ha conservado un seguimiento de culto desde su lanzamiento y ha cosechado elogios de los críticos, los fans [2] [9] y otros músicos por igual.
Led Zeppelin y The Who probablemente estén en Queen II , porque estaban entre nuestros grupos favoritos, pero lo que estamos tratando de hacer de manera diferente a cualquiera de esos grupos es este tipo de sonido en capas. The Who tenía el sonido de guitarra con acordes abiertos... pero nuestro sonido se basa más en el sonido de guitarra saturada... También quería crear texturas detrás de las líneas melódicas principales. Estábamos tratando de llevar las técnicas de estudio a un nuevo límite para los grupos de rock; estaba cumpliendo todos nuestros sueños, porque no tuvimos muchas oportunidades para eso en el primer álbum.
—Brian May, sobre Queen II y el sonido de la banda. [10]
Queen realizó su primer concierto el 27 de junio de 1970, pero no terminó su álbum debut homónimo, Queen , hasta noviembre de 1972. Mientras tanto, la banda había desarrollado otro material más complejo, pero decidió esperar para grabarlo hasta que tuvieran más libertad y experiencia en el estudio. "Father To Son", "Ogre Battle" y "Procession" se habían estrenado ya en 1972. "Seven Seas of Rhye" databa de los días de Freddie Mercury en Wreckage en 1969. "See What a Fool I've Been", la cara B del sencillo "Seven Seas of Rhye" y "White Queen (As It Began)" eran restos de los días de Smile . "Stone Cold Crazy", también del período de Wreckage de Mercury, había estado en la lista de canciones durante años, pero se retuvo y se reelaboró para el tercer álbum, Sheer Heart Attack . Partes de «The Prophet's Song» también fueron ensayadas durante las sesiones de Queen II , pero la canción no fue completada hasta el cuarto álbum, A Night at the Opera . [11] Queen insistió en que Trident Studios les permitiera grabar en horarios regulares en lugar de en el tiempo de inactividad del estudio, como lo habían hecho para el primer álbum. La banda se acercó a David Bowie para producir, pero él se negó porque estaba grabando Pin Ups y trabajando en canciones para Diamond Dogs . [11] Robin Geoffrey Cable, con quien Mercury había trabajado durante la sesión de « I Can Hear Music », fue invitado a producir «Nevermore» y «Funny How Love Is», y a colaborar con Roy Thomas Baker en la ambiciosa «March of the Black Queen».
Tras el fracaso comercial del sencillo «Keep Yourself Alive» del primer álbum, Queen decidió que necesitaba un sencillo que no «tardase demasiado en salir» (es decir, sin una larga introducción de guitarra). «Seven Seas of Rhye», grabado con la intención específica de ser el sencillo principal del álbum, comenzó de una forma diseñada para llamar la atención. Los ensayos para las sesiones de Queen II comenzaron el 26 de julio o alrededor de esa fecha (debido a problemas de gestión, el primer álbum finalmente se lanzó mientras la banda se preparaba para grabar Queen II ). Durante estos ensayos, la banda fue entrevistada por Melody Maker y le dijo a la revista que su nuevo álbum tendría un tema de «el bien contra el mal». La banda también terminó su colaboración con John Anthony, que había coproducido el primer álbum, debido a los enfrentamientos entre Mercury y Anthony. [12] El 3 de agosto, la banda se presentó en un concierto en Newcastle, luego regresó a Londres para un ensayo previo a la grabación el 4 de agosto. Las sesiones comenzaron el 5 de agosto con las tomas 1 a 12 de la versión final de «Seven Seas of Rhye». [13] El 6 de agosto, comenzaron a grabar «Father To Son», trabajando en las tomas 1 a 4. Continuaron trabajando en el álbum hasta el 9 de agosto, cuando hicieron videos promocionales de « Keep Yourself Alive » y « Liar » del álbum debut. [14]
Según la edición del 11 de agosto de Record Mirror , la banda tenía previsto volver al estudio el 15 de agosto. Sin embargo, David Bowie y Ken Scott estaban produciendo Pin Ups en el estudio que Queen había estado usando. La banda fue puesta en el Estudio 2, con el productor Robin Geoffrey Cable. Aunque este estudio sólo tenía una grabadora de cintas de 8 pistas en ese momento, Queen decidió trabajar en pistas de acompañamiento de todos modos. Se grabaron tomas de Nevermore ese día, y Funny How Love Is se grabó el 16 de agosto. Queen tuvo que cancelar una sesión de estudio el 17 de agosto para realizar un concierto en Peterborough. Regresaron a Londres alrededor de las 3:00 am Roy Thomas Baker también se había ido (alrededor del 12-18 de agosto) para trabajar con un cliente danés llamado Gasolin' , que estaba grabando su álbum Gasolin' 3. El 18 de agosto, Queen, Baker y Cable grabaron la compleja pista de acompañamiento de "The March Of The Black Queen". Después de tomar un descanso por un día festivo, la banda comenzó a grabar la sobregrabación principal el 28 de agosto. Algunas pistas de acompañamiento tuvieron que ser cortadas en pistas múltiples separadas debido a la sobregrabación extensa. (El título provisional del álbum pasó a ser "Over The Top" en referencia a la sobregrabación). Durante este período, John Deacon tuvo que hacer sus exámenes de verano. En septiembre, Brian grabó "Procession", que tuvo su estreno en vivo el 13 de septiembre cuando la banda tocó en el Hipódromo Golders Green en Londres. (Este también fue su primer concierto grabado.) [15]
El 24 de septiembre, la banda hizo su primera entrevista de radio con Bob Harris. A principios de octubre, Queen se reunió con el fotógrafo Mick Rock por primera vez para discutir el arte conceptual del álbum. Se tomaron un breve descanso a partir del 12 de octubre para comenzar una gira promocional por Europa. El 18 de octubre, la banda regresó a Londres para continuar trabajando en el álbum. El 3 de noviembre, Queen tuvo su primera sesión publicitaria con Mick Rock, produciendo la icónica imagen de portada del álbum. [16] Queen se tomó otro descanso de la grabación en noviembre para hacer una gira con Mott The Hoople. Los ensayos comenzaron el 5 de noviembre y la gira comenzó en Blackburn el 13 de noviembre. La banda se acercaría a Londres algunas veces a principios de diciembre y se acercaba al estudio en sus días libres. La gira terminó en el Hammersmith Odeon el 14 de diciembre, seguida de un concierto independiente en la Universidad de Leicester el 15 de diciembre. [17] La mezcla preliminar para el álbum comenzó el 17 de diciembre. Martin Hayman de Sounds visitó la banda el 22 de diciembre mientras estaban terminando las mezclas preliminares de "Loser In The End", "Ogre Battle" y "The Fairy Feller's Master-Stroke".
Queen volvió al estudio a principios de enero. En ese momento, todas las mezclas preliminares ya estaban terminadas y la banda estaba lista para pasar a las etapas finales de producción. Según la documentación del estudio, la mayoría de las canciones estaban mezcladas el 19 de enero, pero aún necesitaban ecualización. Brian también había contraído gangrena por una aguja de inoculación contaminada a mediados de diciembre y no pudo asistir a algunas sesiones. La banda voló a Australia el 25 de enero y actuó ante una multitud rebelde el 27 de enero que llevó a la banda a abandonar el escenario furiosamente a mitad de su actuación. [15] El 31 de enero, Queen regresó a Londres para completar el álbum. Las últimas impresiones se hicieron el 20 de febrero.
La música de Queen II ha sido atribuida a varios géneros, incluyendo art rock , [2] hard rock , [7] glam rock , [18] [19] heavy metal , [2] y rock progresivo . [6] El periodista musical y autor Jerry Ewing describió el álbum como una muestra de una "tendencia al art rock progresivo". [5] Daniel Ross de The Quietus lo describió como "la intersección exacta" entre los "inicios turbios y metálicos" de la banda y "la encarnación de la perfección pop absoluta de Queen, los pantalones de cuero y los pastiches de Formby". [20]
En lugar de los convencionales Lado 1 y Lado 2, el álbum se dividió en "Lado Blanco" y "Lado Negro", dominados por composiciones de May y Mercury respectivamente. [21] Aunque algunos lo han interpretado como un álbum conceptual , el biógrafo de Queen, Georg Purvis, afirmó que "no es un álbum conceptual sino una colección de canciones con un tema suelto que se desarrolla a lo largo de todo". [8] Mercury confirmó esto más tarde en una entrevista de Sounds en 1976 , citando que "simplemente evolucionó hasta donde había un lote de canciones que podrían considerarse agresivas, o un Lado Negro, y había un lado más suave". [22]
El lado "White" es muy diverso: cuatro de los cinco temas fueron compuestos por Brian May , uno de los cuales es instrumental. Freddie Mercury canta dos canciones; May canta una; y Roger Taylor canta la pista de cierre, que es su única composición en el álbum. John Deacon tocó la guitarra acústica en "Father to Son" además de sus tareas normales en el bajo. Mercury compuso y cantó las seis canciones del lado "Black".
"Procession" es una pieza instrumental corta (una marcha fúnebre) interpretada por Brian May con una guitarra multipista. La grabó tocando partes superpuestas en la Red Special a través del amplificador hecho a medida de John Deacon (el Deacy Amp ). Roger Taylor también contribuye a esta pieza instrumental, utilizando solo un pedal de bombo.
"Father to Son" fue escrita por May y cuenta con secciones de heavy metal , así como partes tranquilas de piano, en las que tocaron tanto May como Mercury. Al igual que "Procession", "Father to Son" tiene partes en las que May toca la guitarra en varias pistas a través del amplificador Deacy. Está escrita desde la perspectiva del padre cuando habla o piensa en su hijo. Queen inmediatamente agregó "Father to Son" a sus listas de canciones en vivo. En 1975, se eliminó de los shows en vivo, pero se revivió algunas veces en 1976. La canción cubre un rango de dos octavas: Mercury (G3-A4), Taylor (G4-A5).
Escrita por May en 1968, esta canción presenta secciones contrastantes de heavy metal y acústicas. May explicó que concibió la idea de esta canción mientras leía The White Goddess de Robert Graves . La canción también tuvo un significado personal para May; se inspiró en una compañera de estudios a la que veneraba y pensaba que representaba la idea de la "mujer perfecta". [8] En una entrevista posterior dijo: "Recuerdo estar totalmente enamorado de esta chica de biología, y nunca hablé con ella... Me atreví a invitar a salir a esta chica, y se convirtió en una amiga de toda la vida, es muy extraño...". [23] La canción presenta a May tocando su guitarra acústica Hairfred . La guitarra había recibido un puente de madera dura de reemplazo, cincelado plano, con un pequeño trozo de alambre de traste colocado entre él y las cuerdas, que se encontraban suavemente encima. Las cuerdas producen el efecto de zumbido de un sitar . [24]
"White Queen" se interpretó regularmente entre 1974 y 1977, y la última vez en Londres en 1978. La versión en vivo generalmente incluía un largo descanso instrumental con Mercury al piano que no formaba parte de la versión del álbum o se omitió en ella.
Esta es la primera canción de Queen en la que May es la voz principal. También aparece May tocando la guitarra acústica y la guitarra eléctrica, y el último solo de guitarra (durante el fundido final ) incluye tres guitarras solistas. Este tipo de arreglo de guitarra complejo es típico de May; sin embargo, normalmente las guitarras son armoniosas, pero en este caso, todas las guitarras tocan partes diferentes.
"The Loser in the End" fue la única contribución de Taylor en el álbum como compositor y vocalista principal. [25] La letra original escrita a mano de la canción, que casi fue destruida en 2004, es el ejemplo más antiguo de letras escritas a mano en el archivo de Queen.
Mercury escribió "Ogre Battle" en guitarra (como confirmó May en varias entrevistas) [26] en 1971 y fue una de las primeras canciones en el repertorio de Queen a pesar de no haber sido grabada hasta las sesiones de Queen II . La banda esperó hasta tener más libertad en el estudio para grabarla adecuadamente.
La canción es una de las obras más pesadas de Queen. El riff de guitarra y la batería de Taylor le dan un sonido muy "thrash". Los gritos parecidos a los de un ogro en el medio son de Mercury, y las armonías agudas al final del estribillo las canta Taylor. Como sugiere el título, cuenta la historia de una batalla entre ogros, y presenta un solo de guitarra de May y efectos de sonido para simular los sonidos de una batalla. La apertura de la canción es en realidad el final de la canción tocada al revés.
En diciembre de 1973 se grabó una versión de "Ogre Battle" para el programa Sound of the 70s de la BBC Radio 1. Se hizo un acetato de una versión editada de la grabación de la BBC sin la larga introducción ni ninguno de los efectos de sonido de la versión del álbum, posiblemente para su lanzamiento como segundo sencillo. Sin embargo, otras fuentes afirman que "The Fairy Feller's Master-Stroke" también se consideró para el segundo sencillo.
"Ogre Battle" fue un elemento básico del set en vivo de la banda hasta el A Day at the Races Tour inclusive , y solo se tocó un par de veces más en la etapa norteamericana del News of the World Tour antes de ser eliminada del set para siempre.
Mercury se inspiró en la pintura de Richard Dadd The Fairy Feller's Master-Stroke en la Tate Gallery de Londres. La letra, basada en la fantasía, hace referencia directa a personajes y viñetas detallados en la pintura y en el poema complementario de Dadd, Elimination of a Picture & its Subject, llamado The Feller's Master Stroke. Los personajes incluyen a Queen Mab , Waggoner Will, Tatterdemalion y otros. El uso de la palabra " quaere " en la línea repetida dos veces "What a quaere fellow" no tiene ninguna referencia a la sexualidad de Mercury, según Roger Taylor. [27]
En algunos mercados, el álbum incluía una portada desplegable con una reproducción de la pintura. El autor Neil Gaiman escribió sobre la pintura y el álbum en su blog:
La razón me dice que debí haber visto por primera vez el cuadro, el enigmáticamente titulado "Fairy Feller's Master Stroke", reproducido, casi en tamaño real, en la portada desplegable de un álbum de Queen, a la edad de catorce años o por ahí, y no me causó ninguna impresión. Ésa es una de las cosas extrañas que tiene. Hay que verlo en persona, pintura sobre lienzo, la obra real, que cuelga, sobre todo, cuando no está de viaje, en la sala prerrafaelita de la Tate Gallery, fuera de lugar entre las grandes bellezas prerrafaelitas con marcos dorados, todas ellas mucho más enormes y artísticas que la humilde corte de hadas caminando entre las margaritas, para que se vuelva real. Y cuando lo veas, varias cosas se harán evidentes; algunas inmediatamente, otras con el tiempo. [28]
Gaiman escribió un ensayo más extenso sobre la pintura para Intelligent Life . [29]
Para la grabación de estudio, con arreglos intrincados, Mercury tocó el clavicémbalo y el piano, y Roy Thomas Baker tocó las castañuelas . Taylor llamó a esta canción el "mayor experimento estéreo de Queen", en referencia al uso de la panoramización en la mezcla.
La canción se interpretó solo unas pocas veces durante el Queen II Tour , y se pensó que no hubo grabación en vivo de la canción hasta 2014, cuando se lanzó en Live at the Rainbow '74 .
La pista anterior termina con una armonía vocal de tres partes de Mercury, May y Taylor que fluye hacia Mercury tocando el piano. Este piano continúa para abrir esta pista, convirtiendo "Ogre Battle", "The Fairy Feller's Master-Stroke" y la pista actual en un popurrí . Todas las partes vocales fueron interpretadas por Mercury, quien también agregó algunos efectos de "anillo" de piano contemporáneo. Se sospechaba ampliamente que estos efectos eran sintetizadores; sin embargo, fueron creados por alguien que punteaba las cuerdas del piano mientras Mercury tocaba las notas. "Nevermore" es una balada corta escrita por Mercury sobre los sentimientos después de un desamor.
Mercury había estado trabajando en esta canción incluso antes de que se formara Queen. En una entrevista de 1974 con Melody Maker , dijo: "... esa canción me llevó mucho tiempo completarla. Quería darlo todo, ser autocomplaciente o lo que fuera". [30] La composición multifacética, la segunda más larga de la banda (6:34), es una de las dos canciones de Queen (la otra es "Bohemian Rhapsody") que contienen polirritmo / polimetro (dos firmas de tiempo diferentes simultáneamente 8/8 y 12/8) y un polirritmo más simple alrededor de la sección de uptempo final, lo cual es muy raro para la música popular. La voz principal cubre dos octavas y media (G2 - C5).
May lo considera un precursor de " Bohemian Rhapsody ", afirmando: "Hay que tener en cuenta que ya habíamos hecho 'My Fairy King' en el primer álbum y habíamos hecho 'The March of the Black Queen' en el segundo álbum, así que estábamos en sintonía con las excursiones de Freddie a áreas extrañas, y eso fue algo que realmente disfrutamos". [31] Taylor recordó en una entrevista de 1977: "La cinta se volvió transparente, genuinamente... Era de 16 pistas... La cinta había pasado por el cabezal (de grabación) tantas veces, sobregrabando, que el óxido se había desgastado". [30] Se cuenta una anécdota similar sobre las sesiones de "Bohemian Rhapsody".
A pesar de que nunca se lanzó como sencillo, sigue siendo una de las favoritas entre los fans de Queen. La pieza completa era demasiado complicada para ser interpretada en vivo; sin embargo, la sección de ritmo rápido que contiene las líneas "My life is in your hands, I'll foe and I'll fie..." etc. a veces se incluyó en un popurrí en vivo, con voces de Mercury y Taylor, durante la década de 1970. [32] [33] [34] Solo se sabe que la pieza de piano de apertura se tocó en vivo una vez, en el Providence Civic Center el 14 de noviembre de 1978 (probablemente en respuesta a un fan que gritó por la canción cerca del comienzo del concierto). Después de tocar la introducción, la banda rápidamente pasó a "Bohemian Rhapsody". Esta también fue la última vez que se tocaría en vivo una canción de Queen II hasta el resurgimiento de "Seven Seas of Rhye" en 1984 para The Works Tour.
Esta canción termina con una progresión de notas ascendente, que llega a su clímax en el primer segundo de la pista siguiente. La canción da paso a la siguiente pista, "Funny How Love Is".
"Funny How Love Is" fue creada en el estudio. Mercury la escribió y tocó el piano mientras Robin Cable producía. Se produjo utilizando la técnica de " muro de sonido ". La canción nunca se interpretó en vivo, en gran parte debido a la exigente voz aguda de Mercury a lo largo de la canción.
Mercury comenzó a desarrollar "Seven Seas of Rhye" en 1969 cuando estaba con la banda Wreckage. Finalmente, le dio forma a la canción con contribuciones de May. En el documental Queen: Days of Our Lives , May recordó: "Probablemente nunca haya hablado de esto antes, nunca, pero recuerdo que 'Seven Seas of Rhye' fue idea de Freddie. Él tuvo esta encantadora idea de riff en el piano, y creo que todo el octavo medio es material que hice yo. Así que definitivamente trabajamos en ello juntos. Pero cuando llegó el momento de que saliera el álbum, Freddie dijo: 'Yo escribí eso'. Y todos dijimos: 'Está bien'. (Risas) Porque no parecía gran cosa. Pero Freddie dijo: 'Sabes, yo escribí las palabras y fue mi idea, así que es mi canción'. La ley no escrita era que la persona que inventaba la canción se llevaría el crédito por escribirla y el dinero por escribirla. Mucho, mucho más tarde en la historia de Queen, reconocimos este hecho".
Junto con "Lily of the Valley" de Sheer Heart Attack , la canción hace referencia a un mundo o reino de fantasía llamado Rhye. "Es realmente ficticio", le dijo Mercury al entrevistador Tom Browne en 1977. "Es un producto de tu imaginación". Una versión instrumental corta de "Seven Seas of Rhye" se incluyó como outro en su primer álbum, con la intención de comenzar este álbum con la versión completa. Una idea similar ocurrió con la vieja canción de music hall " I Do Like To Be Beside the Seaside ", que se canta al final de "Seven Seas of Rhye" aquí y se silba durante la introducción del tercer álbum, Sheer Heart Attack . Ken Testi recordó: "Me uní a la repetición al final de 'Seven Seas of Rhye'. También lo hicimos Pat McConnell y un montón de nosotros. Recuerdo que había muchísima reverberación y Brian tocaba el estilófono, pero lo hicimos en un día y estábamos todos muy borrachos en ese momento". [35]
"Seven Seas of Rhye" presenta una distintiva introducción de piano arpegiado. En la grabación de Queen II , los arpegios se tocan con ambas manos, separados por una octava, mientras que en la grabación abreviada de Queen y en la mayoría de las presentaciones en vivo, Mercury tocó la versión más simple de estos arpegios con una sola mano. El tema también aparece al final de "It's a Beautiful Day (reprise)" en el último álbum de la banda, Made in Heaven (1995).
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El fotógrafo de rock Mick Rock fue contratado para crear la portada del álbum. [36] En palabras de Rock, la banda quería "injertar algo de la [característica] sensibilidad 'glam' decadente" de su trabajo anterior con artistas como David Bowie, Iggy Pop y Lou Reed . Según Rock, Queen buscaba captar la atención de la gente con la portada, especialmente porque su primer álbum no había logrado hacerlo. "Se dieron cuenta de que si podían captar la atención de la gente, podrían hacer que se interesaran en la música". [37]
El resumen que recibió de la banda concibió un tema en blanco y negro para el álbum. [38] La portada presenta una fotografía descrita por VH1 como "Queen de pie en formación de diamante, con las cabezas inclinadas hacia atrás como estatuas de la Isla de Pascua " contra un fondo negro. [37] La icónica imagen de claroscuro de Queen se inspiró en una fotografía similar de Marlene Dietrich de la película Shanghai Express de 1932. [37] "Y, por supuesto, nadie fue más 'glamoroso' que la divina Sra. Dietrich", bromeó Rock. [38] "Fue solo uno de esos destellos de inspiración que ocurren a veces", explicó Rock. "Había una sensación de que [hacerse eco de la pose de Dietrich] podría ser pretencioso", [11] pero Rock convenció a la banda de lo contrario. "Los hizo parecer mucho más importantes de lo que eran en ese momento, pero fue un verdadero reflejo de su música". [37] Rock afirmó que a Mercury le encantaba citar a Oscar Wilde . "A menudo, lo que hoy se considera pretencioso, mañana se considerará de vanguardia. Lo importante es ser considerado." [39] Rock agregó: "Para Freddie, esa palabra [pretencioso] no tenía sentido: '¿Pero es fabuloso?' era todo lo que importaba. Eran los días de la androginia y Freddie estaba dispuesto a llevarlo bastante lejos". Freddie agregó: "No tiene ningún significado especial, pero estábamos fascinados con este tipo de cosas, y el vestuario que usábamos en ese momento lo describía perfectamente bien". [11] La imagen cobraría vida más tarde para el video musical de "Bohemian Rhapsody". [36]
Para ampliar el tema del blanco y negro, Rock hizo una segunda imagen de la banda, vestida de blanco sobre un fondo blanco, que se usó en la portada del álbum, en la publicidad y en la funda del sencillo "Seven Seas of Rhye".
Tras la finalización del álbum a finales de agosto de 1973, Queen añadió inmediatamente «Ogre Battle», «Procession» y «Father to Son» a sus listas de canciones en directo y realizó una extensa gira. Sin embargo, una vez más, EMI retrasó el lanzamiento del álbum, ya que el primer álbum acababa de publicarse en el Reino Unido y aún no se había publicado en los Estados Unidos. Otros problemas acosaron el lanzamiento del álbum: las medidas de ahorro de energía puestas en marcha durante la crisis del petróleo de 1973 retrasaron su fabricación varios meses; luego, cuando se publicó, John Deacon fue acreditado como «Deacon John», y la banda insistió en que había que corregirlo. [40]
Queen II fue lanzado el 8 de marzo de 1974. El álbum disfrutó de un gran éxito en las listas de éxitos en el Reino Unido, alcanzando el puesto número cinco. Alcanzó el puesto número 49 en los EE. UU., mejorando su álbum debut Queen , que alcanzó el puesto número 83. En entrevistas, el grupo promocionó el álbum con un tema de "el bien contra el mal", [22] e hizo numerosas apariciones públicas para ganar exposición: además de una gira en 1973, realizaron especiales de la BBC, transmitieron un concierto en Golders Green Hippodrome en In Concert y aparecieron en Sound of the Seventies de John Peel . [8] Sin embargo, a pesar de la publicidad, el grupo recibió críticas negativas de los medios, que criticaron a la banda por ser "excesiva y autoindulgente". [8]
"Seven Seas of Rhye", junto con el lado B "See What a Fool I've Been", que no forma parte del álbum, se lanzó como sencillo antes de lo previsto debido a una circunstancia fortuita. En febrero de 1974, David Bowie no pudo aparecer en el programa " Top of the Pops " para interpretar " Rebel Rebel ", y se necesitaba urgentemente un artista sustituto. Queen fue contratado para el programa y realizó una sincronización de labios de "Seven Seas of Rhye". EMI luego apresuró el lanzamiento del sencillo el 22 de febrero, solo cinco días después de que se confirmara la aparición en televisión. Fue el primer sencillo exitoso de la banda , alcanzando el número 10 en las listas de éxitos del Reino Unido. [41]
El 8 de noviembre de 2010, la compañía discográfica Universal Music anunció una reedición remasterizada y ampliada del álbum, cuyo lanzamiento estaba previsto para mayo de 2011. Esto formaba parte de un nuevo contrato discográfico entre Queen y Universal Music, lo que significaba que la asociación de Queen con EMI Records llegaría a su fin después de casi 40 años. Todos los álbumes de estudio de Queen fueron remasterizados y reeditados en 2011.
Teniendo en cuenta el maltrato que hemos recibido últimamente, me sorprende que el nuevo álbum haya tenido tanto éxito. Supongo que se debe básicamente a que al público le gusta la banda... Nos tomamos muchas molestias con ese álbum, posiblemente demasiado, pero cuando lo terminamos nos sentimos muy orgullosos. Inmediatamente recibió muy malas críticas, así que me lo llevé a casa para escucharlo de nuevo y pensé: "Dios, ¿tienen razón?". Pero después de escucharlo unas semanas después, todavía me gusta. Creo que es genial. Nos quedaremos con él.
—Roger Taylor sobre la reacción crítica a Queen II . [42]
Disc escribió: "Los estándares de material, interpretación, grabación e incluso arte son muy altos". [18] NME opinó que el disco mostró "todo su poder y empuje, su talento para escribir y cada cualidad que los hace únicos", [18] mientras que Sounds escribió: "Simplemente titulado Queen II , este álbum los captura en sus mejores momentos". [18] Rolling Stone , que había elogiado mucho el primer álbum de la banda, le otorgó al álbum dos estrellas y media de cinco. Si bien la revista tuvo poco entusiasmo por "Side Black", aplaudió "Side White", escribiendo que presentaba la "gracia salvadora de acordes de potencia oportunos y bien elegidos y algunas melodías bastante bonitas". [43] Melody Maker escribió: "Se dice que Queen ha disfrutado de cierto éxito en los Estados Unidos, actualmente está en juego si realmente triunfarán aquí. Si lo hacen, entonces tendré que comerme el sombrero o algo así. Tal vez Queen se esfuerce demasiado, no hay profundidad de sonido o sentimiento". [18] Record Mirror escribió: "Esto es todo, la escoria del glam rock . Débil y sobreproducido, si esta banda es nuestra mayor esperanza para el futuro, entonces estamos cometiendo un suicidio de rock and roll". [18] Robert Christgau , escribiendo en la revista Creem , se refirió a ellos despectivamente como "librito, real, pesado, androide, vacío". [44]
A finales de 1974, la reacción del público ante Queen II había sido entusiasta. [18] El álbum también fue clasificado por Disc como el quinto mejor del año. [52] Si bien el álbum sigue siendo uno de los trabajos menos conocidos de la banda, desde entonces ha conservado un seguimiento de culto y en los últimos años ha sido citado por varias publicaciones musicales, artistas y fanáticos como uno de los mejores trabajos de Queen. En 1987, el Post-Tribune clasificó a Queen II en el noveno lugar en un artículo que cubría "álbumes que deberían estar en la colección de discos de todos, pero no lo están". [53] En la edición de 1994 de The Guinness All Time Top 1000 Albums , Queen II fue votado como el número 202 en los mejores álbumes de rock y pop de todos los tiempos. [54] En 2003, la revista Q incluyó a Queen II en una lista de cincuenta álbumes poco conocidos recomendados por la revista para complementar su encuesta "Los 50 mejores álbumes británicos de la historia". [55] En 2005, los lectores de Kerrang! votaron a Queen II como el 72º mejor álbum de rock británico de todos los tiempos. [56] En 2006, el álbum apareció en "Los 200 mejores álbumes de los años 70" de Classic Rock y Metal Hammer , y fue incluido junto a Sheer Heart Attack como uno de los 20 mejores álbumes de 1974. [57] En 2008, IGN nombró a Queen II como uno de sus "10 álbumes clásicos de glam rock", escribiendo: "Queen le dio al glam un sonido más grande y más himno con esta brillante obra. Combinado con el subestimado trabajo de teclado de Freddie Mercury, los solos resonantes y los riffs prístinos de Brian May crearon un telón de fondo para canciones que eran a su vez feroces y elegantes". [19] En 2010, Mojo clasificó a Queen II como el 60º mejor álbum jamás lanzado por el sello Elektra. [58] Junto con los álbumes de Queen Sheer Heart Attack y A Night at the Opera , Queen II aparece en el libro 1001 Albums You Must Hear Before You Die , donde se lo describe como "un álbum claramente oscuro" que "mostraba su diversidad" y contrastaba con sus posteriores "himnos expansivos y agradables para los estadios". [59]
AllMusic le otorgó al álbum 4/5 estrellas y dijo: "Queen es enroscado, tenso y cruel aquí, entregando su inherente sentido del drama, y eso le da a Queen II un poder real como música, así como una verdadera cohesión". La reseña observó la pesadez del álbum y afirmó que "esto nunca se siente tan fantástico como Genesis o Uriah Heep ", concluyendo que " Queen II es uno de los favoritos de sus fanáticos incondicionales". [2] Pitchfork le otorgó al álbum una calificación muy positiva de 8/10, escribiendo: "Vertiginoso, sobrecargado e inquebrantable, Queen II es un favorito de los fanáticos acérrimos y posiblemente el disco más subestimado de la banda". [9] En 2009, The Quietus publicó un artículo que destacaba la "brillantez menos conocida" de Queen coincidiendo con el lanzamiento de la compilación Absolute Greatest de ese año , describiendo a Queen II como "un álbum absolutamente abrasador" que presenta dos de los mejores temas de la banda: "Ogre Battle" y "Father to Son". [60] En 2014, Brian Moore escribió para Houston Press que "la música es más progresiva y las armonías más avanzadas que cualquier cosa del primer álbum. Queen se había agotado tanto con el estilo de rock progresivo después de grabar este álbum que abandonaron el sonido por completo para el siguiente". [6] Escribiendo para Classic Rock en 2016, Malcolm Dome clasificó a Queen II como el sexto mejor álbum de la banda. Escribió: "Estilísticamente no había nada aquí que no estuviera en el debut superior, y se puede escuchar a la banda luchando con los problemas tradicionales de 'segundo álbum difícil'... Habían llevado sus raíces de rock y metal tan lejos como pudieron, y claramente estaban buscando saltar del tren y expandir sus horizontes. Es probablemente por esta razón que el álbum carecía del brillo y la picardía de Queen y la audacia del posterior Sheer Heart Attack ". [4] Greg Kot de Chicago Tribune ofreció una calificación simplemente favorable de 2 estrellas, comentando que el álbum "fusionó el pisotón metálico de Led Zeppelin con los arreglos barrocos de Yes y lo remató con una pizca de cursilería". [61]
Otros músicos de rock han elogiado el álbum. Rob Halford de Judas Priest cita a Queen II como uno de sus álbumes favoritos, diciendo que "no tiene más que buenas canciones" y mencionando "Ogre Battle" como uno de sus favoritos en particular. [62] En una entrevista de Rolling Stone de 1989 , el cantante principal de Guns N' Roses, Axl Rose, dijo sobre el álbum: "Con Queen, tengo mi favorito: Queen II . Siempre que salía su nuevo disco y tenía todos estos otros tipos de música, al principio solo me gustaba esta canción o aquella canción. Pero después de un período de tiempo escuchándolo, abría mi mente a tantos estilos diferentes. Realmente los aprecio por eso. Eso es algo que siempre quise poder lograr". [63] El cantante de Smashing Pumpkins, Billy Corgan, habló con Melody Maker en agosto de 1993 sobre "los discos que cambiaron su vida", afirmando: "Trabajé en una tienda de discos donde teníamos muchos discos viejos, y encontré Queen II , probablemente su álbum menos popular. Es tan exagerado, tantas superposiciones de pistas vocales y de guitarra, una sobrecarga total de Queen. Me encantó. Me encantaron las canciones geniales, raras y ambiguas sobre la sexualidad de Freddie y la forma en que cambia de baladas pesadas a hermosas". [64] El bajista de Mötley Crüe, Nikki Sixx, expresó su admiración por el álbum, diciendo " Queen II te dejará en el suelo cada vez". [65]
(Sobre el concepto de Side White y Side Black) Bueno... ese fue un concepto que desarrollamos en su momento... no tiene ningún significado especial. Pero nos fascinaban este tipo de cosas... el vestuario que usábamos en ese momento lo describía perfectamente...
—Freddie Mercury [66]
Lo más importante para mí fue que el álbum Queen II entrara en las listas de éxitos, algo que me satisfizo especialmente porque al primero no le fue tan bien. Es agradable ver que se reconoce tu trabajo, aunque normalmente no me preocupo demasiado. Roger suele preocuparse más por lo que sucede en ese aspecto.
— Juan Diácono [67]
Fue entonces cuando realmente nos adentramos en la producción y nos excedimos por completo.
— Roger Taylor [68]
Odié el título del segundo álbum, Queen II , era tan poco imaginativo.
— Roger Taylor [69]
Cuando salió Queen II no conectó con todo el mundo. Mucha gente pensó que habíamos abandonado la música rock. Decían: "¿Por qué no tocáis cosas como 'Liar' y 'Keep Yourself Alive?'" Todo lo que pudimos decir fue, dale otra escucha, está ahí, pero tiene muchas capas, es un nuevo enfoque. Hoy en día la gente dice: "¿Por qué no tocáis como Queen II ?" Muchos de nuestros fans cercanos piensan eso, y todavía me gusta mucho ese álbum. No es perfecto, tiene las imperfecciones de la juventud y los excesos de la juventud, pero creo que ese fue nuestro mayor paso en solitario.
—Brian May [70]
Todas las voces principales son de Freddie Mercury, a menos que se indique lo contrario. La banda incluyó el comentario "y nadie volvió a tocar el sintetizador..." en la portada del álbum, un principio purista de May, ya que algunos oyentes habían confundido sus elaborados efectos y pistas múltiples, producidos por la guitarra y la voz, con sintetizadores. [71] Roger Taylor fue acreditado como Roger Meddows-Taylor, [72] su nombre completo, pero se discontinuó después de este álbum.
Los números de pista se refieren a lanzamientos en CD y digitales.
Su segundo álbum, Queen II (1974), con una gran cantidad de grabaciones superpuestas, explotó la tecnología de estudio de vanguardia y sigue siendo un pilar del hard rock grandioso y agresivo.