El Museo de Arte Contemporáneo de Australia ( MCA ), anteriormente el Museo de Arte Contemporáneo de Sídney , está ubicado en George Street, en el barrio The Rocks de Sídney . El museo está ubicado en el antiguo edificio de la Junta de Servicios Marítimos (MSB), de estilo clásico despojado / art déco , en el lado oeste de Circular Quay . En 2012 se le agregó un ala moderna.
Aunque el museo como institución se creó en 1991, sus raíces se remontan a medio siglo antes. El artista australiano expatriado JW Power dispuso que se estableciera un museo de arte contemporáneo en Sídney en su testamento de 1943, legando tanto dinero como obras de su colección a la Universidad de Sídney , su alma mater . Las obras, junto con otras adquiridas con el dinero, se exhibieron principalmente como una colección itinerante en las décadas posteriores, almacenadas en dos edificios universitarios diferentes. Esta colección se conocía como la Galería Power de Arte Contemporáneo .
Cuando el edificio del MSB estuvo disponible, en 1991 se creó el Museo de Arte Contemporáneo de Sídney. Rápidamente superó su espacio y atravesó dificultades financieras que se aliviaron a principios del siglo XXI bajo la nueva directora Elizabeth Ann Macgregor , quien eliminó las tarifas de admisión regulares y diversificó las fuentes de financiación del museo. Después de que dos propuestas de expansión fracasaran, un diseño del arquitecto local Sam Marshall obtuvo la aprobación suficiente para recaudar fondos para su construcción. A partir de 2010, el edificio experimentó una importante expansión y remodelación, y reabrió sus puertas en 2012 como Museo de Arte Contemporáneo de Australia.
La intención original de Power era que el museo exhibiera arte contemporáneo de todo el mundo y que las obras de artistas australianos se exhibieran solo si eran relevantes para las otras obras, pero desde entonces su enfoque ha cambiado principalmente hacia el arte contemporáneo australiano. La colección del museo contiene más de 4000 obras de artistas australianos adquiridas desde 1989. Abarcan todas las formas de arte, con una fuerte presencia en pintura, fotografía, escultura, obras sobre papel e imágenes en movimiento, así como una importante representación de obras de artistas aborígenes e isleños del Estrecho de Torres . El museo lleva a cabo programas para despertar el interés de las comunidades de jóvenes y discapacitados en la apreciación y la creación de arte.
El edificio del museo tiene dos alas: la sección principal, ubicada en el antiguo edificio de la Junta de Servicios Marítimos (MSB), y la más nueva, el ala Mordant, en el extremo norte del museo. Está ubicado frente al mar en el barrio The Rocks de Sídney. George Street está al oeste, First Fleet Park al sur y Circular Quay al norte y al este (solo peatones en ese lado, junto al agua). Inmediatamente más allá, la autopista Cahill Expressway separa el parque y The Rocks del distrito comercial central de Sídney (CBD). [3] Dos de los puntos de referencia de la ciudad están cerca: la Ópera de Sídney es visible a poca distancia del puerto y la Cahill gira hacia el Puente del Puerto de Sídney al norte. Justo más allá de la autopista, al sur, se encuentran algunos de los rascacielos de Sídney, como 1 Macquarie Place y Salesforce Tower [4].
Una amplia zona de césped separa el museo del muelle situado al este. Al oeste y al noroeste, The Rocks es una zona urbana y densamente desarrollada hasta el acceso sur del puente, con edificios anexos de uso mixto de dos y tres pisos de los siglos XIX y principios del XX. Cerca de allí, los cruceros atracan en el muelle y los transbordadores que prestan servicio en la zona de Sídney llegan y parten de los amarres. [3]
El estilo arquitectónico del edificio es clásico despojado / Art Decó . [5]
El antiguo edificio MSB es una estructura de piedra de color marrón anaranjado claro de seis pisos y 17 bahías en el estilo del Clasicismo Despojado con ornamentación Art Decó . Una torre de reloj central ligeramente saliente se complementa con pabellones de tres bahías que proyectan dos bahías en los extremos de ambas elevaciones. Encima del techo hay un ático moderno con revestimiento de vidrio y un techo plano con aleros anchos . [6] Dos techos modernos, sostenidos por pilares metálicos circulares, protegen la cubierta de hormigón frente a las ventanas de la planta baja entre la entrada y los pabellones. El del lado sur tiene mesas y sillas que sirven al restaurante del museo. [7] En la elevación oeste (trasera), el espacio entre los pabellones se llena con un bloque de espacios comerciales modernos en un patrón irregularmente alternado en blanco y negro en los pisos superiores similar al del ala Mordant más nueva del museo. [8]
En el exterior, el nivel de la base es una hilera de granito rosa pulido y rústico de Rob Roy que también forma el marco de la entrada principal en la elevación este y la entrada auxiliar en el sur. El resto de la fachada es de piedra arenisca anaranjada de revestimiento liso , [6] que también forma el marco de la entrada terciaria en el pabellón norte de la fachada oeste. [9]
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Las ventanas toman la forma de ventanas dobles de triple panel separadas por un parteluz de piedra continuo en una franja vertical empotrada continua. En el extremo sur del edificio, las ventanas de los dos primeros pisos también son continuas. Las franjas empotradas y los parteluz terminan en un friso amplio y liso sobre el quinto piso que separa ventanas similares pero más cortas en el sexto piso del bloque principal. [7]
En la torre del reloj central, la entrada principal es un par de puertas de bronce oscuro empotradas rematadas por un friso de arenisca que representa a marineros y trabajadores del muelle. Sobre él hay un travesaño con tres pequeñas ventanas de cuatro paneles con montantes de piedra. Encima de la entrada hay una placa de bronce con la inscripción "Museo de Arte Contemporáneo". [10]
Por encima de la entrada, la torre del reloj está formada por tres ventanas más separadas pero similares que se elevan desde el tercer piso hasta el sexto y están rematadas con una fachada decorativa de granito rosa que representa una hélice, una rueda y un ancla. Encima hay un reloj colocado sobre la piedra arenisca. La torre está rematada por un escenario más estrecho, una cúpula cuadrada y tres mástiles. [10]
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El ala Mordant, en el extremo norte del edificio MSB, también tiene seis pisos y ocupa tres cuartas partes del resto del bloque que no está ocupado por una estación de policía local. Está revestida con paneles lisos, casi sin ventanas, de piedra negra, blanca y marrón, hechos de bloques de forma rectilínea y tamaño irregular. En el extremo norte hay una entrada de entrega en el sótano. [11]
La entrada principal del museo se encuentra en la esquina sureste del ala, donde linda con el edificio MSB en una escalera de vidrio. Las puertas corredizas de vidrio en una entrada de dos pisos de vidrio se abren a una amplia escalera que lleva al vestíbulo principal. Sobre él hay un pabellón saliente de tres pisos sin soportes con ventanas de franjas. Al norte de él, una gran flecha que apunta hacia abajo en la fachada a nivel del suelo dirige a los visitantes a un poema tallado en la cubierta de hormigón. [12]
En el lado oeste, el ala tiene una orientación similar, con un callejón que conduce a otra entrada de servicio entre el ala y el edificio MSB. A nivel de la calle hay otra entrada más pequeña, con puertas de vidrio, que acompaña a la tienda de regalos del museo en el lado sur. La fachada también sobresale de esta entrada, pero en menor medida que su contraparte en la otra fachada. [13] En el techo hay una cafetería, parcialmente abierta, con vistas al puente, la ópera y el puerto. [14]
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Cuando lo utilizó la Junta de Servicios Marítimos, el interior hizo un uso extensivo de escayola y terrazo para imitar pisos y paredes de mármol, una técnica común en ese momento. También se incluyó un monumento de guerra y obras de arte asociadas. [6] Estas características permanecen en lo que se conocía como Wharfage Hall, el vestíbulo de dos pisos en la entrada central del edificio. [15] Hoy, adaptado para su uso como museo, gran parte del interior ahora es un espacio de galería con paredes blancas lisas, piso de concreto y techos altos. [16] [17] [18] [19] [20] Las oficinas del cuarto piso se han conservado para la administración del museo. [21]
El Museo de Arte Contemporáneo de Australia está ubicado al sur del lugar de desembarco de la Primera Flota . El sitio originalmente albergaba dos almacenes de la comisaría , construidos con mano de obra de convictos. [22] El gobierno estatal asumió el control de los almacenes de la comisaría en 1901 y los arrendó a inquilinos comerciales. En 1937, el Comité de Planificación de Circular Quay, que originalmente había recomendado que se demolieran los edificios para proporcionar zonas verdes, cambió de opinión y pidió que se reemplazaran por una nueva oficina para la Junta de Servicios Marítimos (MSB), [6] que había sido desplazada por el ferrocarril de Circular Quay. [22]
La demolición se completó en 1939. Originalmente, el comité había considerado realizar un concurso para el diseño del nuevo edificio, pero para entonces había decidido utilizar los propios arquitectos de la MSB. [6] Uno de ellos, William Henry Withers, diseñó un edificio de estilo clásico despojado para la agencia, con una torre central destinada a hacer eco de los pilonos del puente cercano. [23] : 17 Después de la limpieza del sitio, la construcción se detuvo a fines de 1940, ya que las restricciones resultantes del inicio de la Segunda Guerra Mundial hicieron imposible continuar con el trabajo. [6] El edificio se reanudó a fines de 1944 con la erección de su estructura de acero [15] y las oficinas fueron inauguradas ocho años después [22] por el primer ministro Joseph Cahill . [6] Está incluido tanto en el Registro del Patrimonio Nacional como en el Registro del Patrimonio del Estado de Nueva Gales del Sur . [6] [24]
Las raíces del MCA se encuentran en el testamento de 1943 del artista australiano expatriado JW Power (1881-1943), el primer pintor nacido en Australia que experimentó con el cubismo . [25] Independientemente rico gracias a su carrera médica anterior, especificó que tras la muerte de su esposa, su fortuna personal, en su mayoría acciones por un valor de 2 millones de libras australianas ( 160 millones de dólares australianos actuales [26] ), iría a su alma mater , la Universidad de Sídney , con el propósito expreso de informar y educar a los australianos en las artes visuales contemporáneas. Debía ser utilizado específicamente para "museos y otros lugares con el propósito... de albergar adecuadamente las obras compradas para poner a la gente de Australia en contacto más directo con los últimos avances artísticos en otros países". [27]
Cuando la esposa de Powell murió en 1961, el legado se hizo público; ella también legó la mayoría de las obras de su marido a la universidad. En ese momento fue el legado monetario más grande jamás hecho a una universidad u organización artística australiana. Cuatro años después, el senado de la universidad votó a favor de crear el Instituto Power de Bellas Artes como un comienzo para cumplir los deseos de Power. [27]
En diciembre de 1970, la Universidad de Sydney también recibió el legado Seymour para un centro de artes escénicas y buscó combinar los dos legados en un complejo artístico que incluiría en su interior el Centro Seymour y las instalaciones del Power Institute, incluido un hogar para la Power Gallery. [28] [29] Fue inaugurado en 1975 solo como un lugar para las artes escénicas. [30]
Esta colección de obras de arte tomó la forma de la «Galería Power de Arte Contemporáneo», una colección itinerante sin una dirección permanente. Entre la muerte de John Power y la creación del museo, la colección estuvo principalmente alojada en la Biblioteca Fisher de la Universidad de Sídney durante la década de 1970. Se exhibió en el edificio Madsen del campus entre 1980 y 1989. [29]
Después de la reubicación de la Junta de Servicios Marítimos (MSB) a unas instalaciones más grandes en 1989, el edificio y el sitio fueron donados por el Gobierno de Nueva Gales del Sur al Museo de Arte Contemporáneo. [31] Financiado por la Universidad de Sydney y el Power Bequest, la restauración y remodelación del edificio comenzó en 1990 bajo la dirección de Andrew Anderson de Peddle Thorp / John Holland Interiors , y al año siguiente se inauguró oficialmente el Museo de Arte Contemporáneo de Sydney. [32]
Los primeros años en el propio museo fueron difíciles. La universidad aceptó ayudar a financiar los costos iniciales del museo, pero no asumió ningún compromiso a largo plazo, ya que se esperaba que el museo eventualmente se volviera financieramente independiente. Para ello se cobró una tarifa de entrada; no se logró compensar el déficit, ya que la universidad comenzó a retirar gradualmente su apoyo y los medios de comunicación locales y nacionales comenzaron a expresar preocupación por el futuro del museo. [33] Los artículos de los periódicos llamaron la atención sobre la escasez de visitantes y llamaron al museo "un lugar para idiotas". [34] : 00:55
Las antiguas oficinas del edificio habían sido renovadas para convertirlas en un espacio más abierto con paredes móviles para adaptarse a los requisitos de las exposiciones, y algunas salas se habían dejado intactas como espacios de archivo. La inadecuación del edificio MSB renovado como espacio de galería, incluidos los problemas de circulación y accesibilidad, impulsaron planes para futuras renovaciones. [33] En 1997, se lanzó un concurso internacional para rediseñar el sitio. [35] El estudio de arquitectura japonés SANAA ganó, pero sus planes fueron abandonados después de que las investigaciones del sitio revelaran los restos arqueológicos de un astillero colonial debajo del estacionamiento del museo. [1] Se realizó otro concurso en 2000; lo ganó Sauerbruch Hutton . Su propuesta, que exigía la demolición del edificio MSB, se encontró con la protesta pública y estos planes también fueron abandonados. [1]
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En 1999, cuando el MCA se enfrentaba a la perspectiva de la quiebra [36] y apenas tenía dinero suficiente para pagar la nómina durante unas semanas, [34] : 08:10 la junta contrató a Elizabeth Ann Macgregor , una escocesa que había trabajado con el Consejo de las Artes de Gran Bretaña , como directora. Ella casi renunció dentro de las 48 horas de haber aceptado el trabajo [34] : 08:45–09:20 cuando la junta quiso contratar a un codirector para que pudiera centrarse en la visión artística detrás del museo. [37]
Macgregor había ocupado anteriormente el mismo puesto en la Ikon Gallery , un importante museo de arte contemporáneo también ubicado en un edificio declarado patrimonio histórico reutilizado en Birmingham . Poco después de asumir el cargo, para fomentar más visitas, eliminó la tarifa de entrada de $12 [34] : 07:35 , [33] después de asegurarse un patrocinio de medio millón de dólares [34] : 12:10 de Telstra . Al principio, Macgregor estaba aprensiva y durmió mal durante una semana por temor a que nadie viniera a ver el museo incluso si no les costaba nada hacerlo. [37]
Cuando el museo abrió sus puertas para la 12ª Bienal de Sídney en 2000, un festival encabezado por Yoko Ono , "estábamos abarrotados", recordó Macgregor. [37] "En cuanto lo hicimos, cambió por completo la atmósfera. La gente entró por curiosidad", le dijo más tarde a The New York Times [33] (todavía se cobra una tarifa para la entrada a exposiciones especiales temporales). [36] En un año, las visitas se triplicaron. [34] : 15:20
Macgregor, convencida de que el arte contemporáneo debería ser para todos, especialmente para las muchas personas que creen que es sólo para la élite cultural adinerada, comenzó a acercarse a las comunidades del Gran Oeste de Sídney . Después de que el museo patrocinara un servicio de transporte en autobús gratuito desde un festival de Blacktown hasta el museo, el alcalde le dijo que había apreciado mucho el museo y había comenzado a repensar su posición sobre el arte contemporáneo. El museo también se asoció con el equipo de rugby Penrith Panthers . "Querían cambiar su imagen tanto como nosotros queríamos cambiar la nuestra", dijo Macgregor. [34] : 16:50–17:50
Macgregor también comenzó a exigir que los curadores consultaran con colegas menos inclinados al arte sobre el texto de las etiquetas de las paredes que identifican y describen las obras adyacentes. "A veces es un gerente de TI, a veces es un recepcionista", dijo más tarde. "Se trata de que los curadores se aseguren de que sus etiquetas sean legibles para sus colegas". [36]
Después de rechazar en 2000 un intento de la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur de anexar el MCA, [37] McGregor comenzó a desarrollar planes en 2002 para una ampliación del museo. [35] Dos años más tarde, los promotores intentaron que el museo aceptara mudarse del muelle para construir un hotel de lujo en el lugar. [37] En 2005, la colección permanente del museo se trasladó a un depósito fuera del lugar para crear más espacio para exposiciones. [32]
El aumento de seis veces en el número de visitas anuales que siguió hizo que los problemas con la envejecida planta física del museo fueran más evidentes. "Los ascensores habían superado su vida útil natural, la circulación por las escaleras no era apropiada y no había infraestructura para atender a personas discapacitadas", recordó Simon Mordant , un banquero de inversiones de Sydney que más tarde presidió la junta directiva del MCA. "Empezamos a estar a punto de estallar". Algunos funcionarios estatales, con la esperanza de reurbanizar el sitio de manera más comercial, instaron al museo a mudarse e intentaron dirigirlo a otras ubicaciones, pero Mordant y la administración del museo insistieron en quedarse, ya que consideraban que el sitio actual era un activo único. [33]
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En 2010, el museo cerró debido a las ansiadas ampliaciones que se realizaron según un diseño del arquitecto de Sydney Sam Marshall, que tomaron dos formas: un relleno en la fachada oeste del edificio, que permitió un espacio comercial en la planta baja frente a George Street, y el nuevo ala Mordant en el norte. Esta última recibió el nombre del presidente de la junta y su esposa, cuyo regalo inicial de $10 millones, seguido de otros $5 millones posteriores, fue la mayor contribución financiera individual, aliviando las preocupaciones de que la reciente crisis financiera haría que la adición fuera imposible de financiar. [36] Los gobiernos federal, estatal y municipal se combinaron para aportar $27 millones; [32] los benefactores privados donaron los $7,5 millones restantes [38] del costo total del edificio de $53 millones. [33] A partir de 2010, el edificio experimentó una expansión y remodelación de $58 millones australianos, [39] fue construido en un estilo arquitectónico cubista , apareciendo como una serie de cajas superpuestas blancas, negras y marrones que contrastan con el edificio principal. [21]
El edificio reabrió como el Museo de Arte Contemporáneo de Australia. [33] [40] Una parte del nuevo ala se inauguró con una exposición de obras de Rafael Lozano-Hemmer en diciembre de 2011; [33] el resto se inauguró en marzo siguiente. [1] [41] El ala añadió 4.500 m2 ( 48.000 pies cuadrados) de superficie, [35] incluyendo una cafetería, una terraza de esculturas y dos salas de funciones junto al puerto, lo que casi duplicó el espacio de exposición disponible del museo y permitió obtener ingresos adicionales para mantener la independencia financiera del museo (aproximadamente el 70 por ciento de los ingresos anuales del museo provienen de diversas fuentes, como exposiciones y eventos, patrocinio, donaciones y alquiler de locales. El resto se compone de financiación continua y apoyo del gobierno estatal a través de Create NSW y del gobierno federal a través del Australia Council . [42] ). Las renovaciones también proporcionaron al nuevo Centro Nacional para el Aprendizaje Creativo estudios multimedia y digitales, así como una sala de conferencias con 117 asientos. [1] Las entradas dobles del nuevo ala también conectaron George Street y Circular Quay por primera vez. [38]
La principal inspiración de Marshall para la nueva ala fueron las esculturas de Donald Judd . Los volúmenes de los bloques individuales varían para reflejar la función del espacio dentro de ellos. Sus colores se toman de los que aparecen en los alrededores: el puente, la autopista y varios edificios en The Rocks, todos visibles desde el museo. Marshall y los arquitectos que revisaron y asesoraron sobre sus planes fueron conscientes de las adiciones modernas a museos más antiguos que no se han considerado arquitectónicamente exitosas, como la adición de Daniel Libeskind al Museo Real de Ontario de Toronto , donde las paredes inclinadas impidieron colgar pinturas. [23] : 28–30
Antes incluso de que se inaugurara por completo, la nueva ala había dividido profundamente a arquitectos y críticos, principalmente sobre la cuestión de cómo equilibrar lo nuevo y lo antiguo. [21] La conexión directa entre George Street y el Quay fue elogiada por la mayoría de los comentaristas independientemente de su veredicto general. Elizabeth Farrelly , generalmente fría con el ala [a] en un artículo de opinión del Sydney Morning Herald de marzo de 2012 , calificó esa conexión como "innegablemente el momento espacial triunfante del nuevo edificio". [44] Artist Profile , mucho más entusiasta sobre la adición, que dijo "fusiona con éxito lo antiguo con lo nuevo al forjar formas innovadoras a través de las cuales el público puede interactuar y comprender el trabajo en oferta", utilizó un lenguaje similar. Pero tanto ellos como Farrelly pensaron que la entrada podría haber estado mejor ubicada en el centro del edificio MSB en lugar de en la unión entre las alas nueva y antigua. [41] [44]
Otro aspecto de la ampliación que unía las opiniones positivas y negativas sobre ella era la creencia de que el edificio MSB debería haber sido demolido. Farrelly, que no expresó esa opinión, escribió que lo mejor de la nueva ala era que ahora era obvio que "dentro del edificio más lúgubre del mundo, algo interesante está sucediendo". [44] En una reseña entusiasta, en la que calificó el edificio como "un éxito rotundo", Penny Craswell de ArchitectureAU dijo que era "desafortunado" que se hubiera conservado el edificio MSB. [1] El arquitecto Philip Cox , diseñador de The Star, el casino de Sydney en el cercano paseo marítimo de Pyrmont , que calificó la ampliación como "la arquitectura insulsa de lo antiguo con la arquitectura insulsa de lo nuevo", [45] le dijo a Marshall en un debate que el edificio MCA debería haber sido demolido, como había propuesto el plan SANAA, para que el museo pudiera empezar de nuevo: "Había una oportunidad única en 500 años de hacer un gran edificio en Circular Quay". Marshall admitió que si hubiera podido demoler el edificio de MCA, lo habría hecho. [43]
Anderson, el arquitecto que había supervisado la adaptación original del MSB al MCA, tampoco se mostró impresionado con la ampliación, calificándola de "insensible" al edificio original. "A medida que te acercas a un edificio, debería haber detalles más finos que capten la atención y deleiten. Con este edificio, a medida que te acercas, no hay nada más que ver", dijo al Herald . También criticó la falta de ventanas en las caras norte y este del edificio. "Esa es la vista más emblemática de Sydney que se ignora". [45]
Una vez finalizada la nueva ampliación, la asistencia al museo en 2012 alcanzó casi 850.000 personas, un aumento del 31 por ciento respecto de la última vez que había abierto por completo dos años antes. En 2015, el Herald señaló que el MCA se había vuelto tan popular entre los visitantes del museo como la Art Gallery of New South Wales , a pesar de recibir mucha menos financiación gubernamental. En los años posteriores, el MCA comenzó a superar el millón de visitantes anuales, con un nuevo récord de 1,1 millones en 2018, más de lo que atrajeron las Serpentine Galleries de Londres y el UCCA Center for Contemporary Art de Pekín ese mismo año. Los visitantes internacionales y los más jóvenes representan porcentajes significativos de las visitas al MCA, con un 40 y un 46 por ciento respectivamente. [36]
En 2019, McGregor, recordando el comienzo de su carrera conduciendo una exposición itinerante de arte contemporáneo por Escocia en un autobús, le dijo a The Art Newspaper que "creo firmemente que el arte contemporáneo debería y podría ser para todos". Con ese fin, contrató a unos 84 artistas en activo para el equipo de servicios para visitantes del museo, especialmente en la recepción y como educadores. "Probablemente seamos el mayor empleador de artistas en Australia", dice Mordant. "Creo que esa es una de las razones de nuestro éxito: colocamos a los artistas en el centro de todo lo que hacemos". [36]
Los artistas del personal que interactúan con el público también están capacitados para hacer que el trabajo en exhibición sea accesible al público. "No rehuimos presentar arte difícil, pero queremos que la gente se sienta cómoda mientras interactúa con él", dice McGregor. A fines de 2017, el museo presentó una de sus exhibiciones más exitosas de la historia, Sip My Ocean de Pipilotti Rist . "Estableció un punto de referencia que no sé si alguna vez alcanzaremos de nuevo", recordó. Las entradas se agotaron regularmente durante los casi cuatro meses que estuvo en el MCA; el museo extendió su horario y ofreció noches especiales "desenchufadas" donde se prohibieron los selfies para acomodar a las multitudes. McGregor atribuyó la coincidencia de una exhibición de un artista cuyo trabajo celebra el cuerpo femenino que se inauguró justo cuando el movimiento #MeToo comenzó a ser tendencia mundial. [36] Para 2019, las visitas al museo nuevamente superaron el millón; según The Art Newspaper, esto lo convirtió en el museo de arte contemporáneo más visitado del mundo. [34] : 24:20
El aumento de la asistencia no duró mucho. Los graves incendios forestales que comenzaron en el verano de 2019 tuvieron el efecto de deprimir el turismo en Nueva Gales del Sur [46] y, justo cuando los incendios finalmente se estaban extinguiendo, comenzó la pandemia de COVID-19 . El gobierno australiano limitó todas las reuniones no esenciales en espacios cerrados a cien personas, incluido el personal; la MCA cumplió la orden limitando severamente la asistencia [47] .
En mayo, todas las galerías y museos del país cerraron indefinidamente. En ausencia de tráfico peatonal, estimó McGregor, el 40 por ciento de la financiación del museo se perdió instantáneamente, lo que, según ella, hizo que "nuestra tan alabada combinación de financiación" fuera problemática, ya que el MCA depende del apoyo del gobierno para solo una cuarta parte de su presupuesto, a diferencia de otras instituciones para las que constituye la mayor parte de la financiación. El museo dependió al principio de su base de donantes, que, según McGregor, estaba muy dispuesta a permitirle utilizar el dinero que habían aportado con otros fines en mente para el propósito más básico de mantener el museo en funcionamiento. Debido a esa dependencia de la financiación privada, más tarde el MCA pudo recurrir al programa gubernamental JobKeeper para mantener al personal en la nómina, lo que le ayudó a evitar algunos escenarios "realmente horribles", como la administración voluntaria a la que se había visto obligado Carriageworks , en otra parte de Sydney, cuando la pandemia agotó su flujo de ingresos, [46] o el despido del 30 por ciento de su personal. [34] : 29:30 El MCA estableció programas digitales en línea para mantener al público involucrado. [48] Cuando Macgregor se enteró de que muchos de los niños de las escuelas en West Sydney a los que el museo había estado haciendo actividades de divulgación no tenían acceso a Internet en casa, se puso en contacto con The Daily Telegraph y el personal del museo terminó produciendo la sección de actividades creativas para el suplemento Hibernate del periódico durante la duración de los cierres. [34] : 30:15 En junio, el museo pudo reabrir al menos para visitas a las salas de exhibición por parte de individuos o grupos pequeños y permanecer abierto hasta octubre. [49] : 7
Durante este receso, la dirección del museo cambió. En julio de 2020, Lorraine Tarabay, otra banquera de inversiones [50] y coleccionista de arte contemporáneo, asumió la presidencia de la junta directiva de Mordant, [51] quien sigue involucrada con el museo como su embajadora internacional. [52] La artista Danie Mellor también se unió a la junta de 11 miembros, que ya incluye al director de Qantas , Alan Joyce , la directora de Carnival Australia, Ann Sherry , y otras personas destacadas del mundo del arte y los negocios. [49] : 6
A finales de 2020, el museo había estado cerrado durante 114 días. Las visitas habían disminuido casi dos tercios con respecto a 2019, a menos de 370.000. [53] En febrero de 2021, el museo inauguró una importante remodelación de su colección permanente en el segundo piso, [54] y en octubre todo el museo pudo reabrir, aunque con estrictos protocolos de salud requeridos por el estado, no solo las restricciones de capacidad anteriores, sino también requisitos de mascarilla en todo el edificio y prueba de vacunación requerida para todos los visitantes mayores de 16 años. Las exposiciones de Richard Bell y Doug Aitken dieron la bienvenida a los visitantes del museo que regresaron. [55]
Durante su primer año como presidenta, Tarabay supervisó el proceso de contratación de un nuevo director cuando McGregor renunció en marzo de 2021 después de 22 años en MCA para regresar a Escocia y pasar más tiempo con su familia. [56] Suzanne Cotter, nativa de Melbourne , fue contratada para reemplazar a McGregor en julio de 2021. Cotter había sido anteriormente directora del MUDAM en Luxemburgo y del Museo de Arte Contemporáneo de la Fundación Serralves en Portugal . McGregor permaneció en el puesto hasta octubre; Cotter asumió formalmente las responsabilidades en enero de 2022. [57]
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Macgregor compensó la pérdida de ingresos por la abolición de la tarifa de entrada regular al comienzo de su mandato con una mayor monetización de las tiendas de libros y regalos del museo. "Como dice uno de mis colegas, les cobras por salir", le dijo a The Art Newspaper en 2019. Las cajas de donaciones en las entradas también captaron fondos adicionales de los patrocinadores, y después de las renovaciones de 2010, los cafés y el alquiler de los espacios dentro del museo ($ 4 millones, según Macgregor. [34] : 28:50 ) y las tiendas y otros inquilinos en George Street, incluidas las oficinas principales de 600 metros cuadrados (6,500 pies cuadrados) [58] del Comité Olímpico Australiano , [59] complementaron aún más los ingresos autogenerados del museo. [36]
En los años previos a la pandemia, el museo había estado recibiendo entre 22 y 23 millones de dólares anuales [60] : 71 (bajó a 20 millones de dólares en 2020 [49] : 59 ). Alrededor del 22 por ciento de eso (alrededor de 5 millones de dólares) provino en forma de subvenciones gubernamentales; [36] la subvención JobSeeker de 2020 agregó 3,8 millones de dólares adicionales en dinero público. [49] : 59 Otro 24 por ciento provino de donantes privados y corporativos; el resto provino de sus otras fuentes de ingresos, [36] como el gasto en las tiendas, las tarifas de entrada a exposiciones especiales y los intereses ganados. [49] : 59
La mayor parte de los ingresos del museo se destinaron a gastos, lo que dejó un pequeño superávit en 2018, pero un déficit de medio millón de dólares en 2019. Un gasto de 4,5 millones de dólares en el programa de asistencia sin cita previa, combinado con la subvención JobSeeker, dio como resultado un superávit de 2,3 millones de dólares para 2020 (las donaciones también se multiplicaron por diez, en gran medida gracias a una persona [34] : 31:20 ). Macgregor dijo a principios de 2021 que el museo seguiría teniendo un déficit el año siguiente [61] y necesitará encontrar 800.000 dólares en nuevos fondos cada año "solo para mantenerse en pie". [37]
La dirección del museo la establece su junta directiva, que a enero de 2022 [actualizar]cuenta con 11 miembros. Lorraine Tarabay es la presidenta actual, tras haber sustituido a Simon Mordant en 2020 tras unirse a la junta cuatro años antes. [62] La directora Suzanne Cotter, que sustituyó a MacGregor en 2022, supervisa un equipo de 10 directores que son responsables de todas las áreas de la administración del museo, desde la curaduría hasta la producción digital. [63]
La colección principal del museo surgió de la Colección Power en la fundación original del museo. La política de adquisiciones inicial del museo, basada en la voluntad de John Power, buscaba adquirir principalmente arte contemporáneo internacional, mientras que solo "muy ocasionalmente" compraba arte australiano como complemento a su colección extranjera. [64] A partir de 2002, el museo cambió para aumentar su énfasis en los artistas australianos y, en 2020, [actualizar]contaba con más de 4500 obras. [65] En 2012, [actualizar]era el único museo de arte contemporáneo de Australia con una colección permanente. [33]
La Colección Ramingining, adquirida entre 1984 y 1985, comprende más de 250 obras de más de 80 artistas Yolŋu de Ramingining , Tierra de Arnhem , Territorio del Norte . [66] En 2023 , [actualizar]la colección contiene 257 artículos, [67] que consisten en pinturas de corteza , objetos tejidos , esculturas y objetos culturales como lanzas y herramientas. [68] [66] La colección fue adquirida originalmente por la Universidad de Sídney para la Colección Power después de la exposición de 1984 Objetos y representaciones de Ramingining , comisariada por Djon Mundine para la Galería Power de Arte Contemporáneo. [66] [69] Mundine había creado la colección entre 1981 y 1984, cuando era asesor de arte [67] en Bula'Bula Arts en Ramingining. [70]
En 1996, la Colección Ramingining se exhibió en el MCA. The Native Born: Objects and Representations from Ramingining, Arnhem Land , su primera exposición, fue comisariada por Djon Mundine. [66] Cuatro años más tarde, se exhibió en las galerías de entrada en la exposición Yolnu Science: Objects and Representations from Ramingining, Arnhem Land, coincidiendo con los Juegos Olímpicos , [66] comisariada por Djon Mundine y Linda Michael. [66]
Fundada por Diane Moon en 1990, [71] la Colección Maningrida contiene 560 obras de la comunidad Maningrida en Arnhem Land , Territorio del Norte. [68] La propiedad de las piezas pertenece al pueblo Maningrida, y la colección está sujeta a un acuerdo cultural único entre el museo y la comunidad. [68] La colección incluye esculturas, objetos tejidos y pinturas en corteza. [68] El museo trabaja con investigadores, curadores y artistas indígenas y con Maningrida Arts and Culture para documentar e investigar los objetos de la colección. [72] El acuerdo cultural entre ambas partes se renegocia periódicamente para garantizar una relación positiva. [73]
En 2018, el MCA, en asociación con Maningrida Arts and Culture, organizó la exposición John Mawurndjul: I am the old and new de obras de John Mawurndjul . [73] Asistieron más de 130.000 personas; [73] además, se exhibió en ocho galerías regionales australianas. [74] Dos obras de John Mawurndjul, Nawarramulmul (Shooting Star Spirit, 1988) y Ngalyod (Female Rainbow Serpent, 1988), fueron las primeras obras de arte adquiridas para la colección dedicada del MCA en 1989. [74]
La Colección Arnott se formó tras la donación de 285 pinturas en corteza por parte de la familia Arnott en 1993. [75] La colección apareció en la exposición de Djon Mundine de 2008 They are meditating: bark paintings from the MCA's Arnott's Collection . [76]
La Colección Smorgon fue donada al MCA en 1995 por los filántropos Loti y Victor Smorgon . [68] Contiene 149 obras australianas contemporáneas [68] de los años 1980 y 1990. [77] En 2012, una donación de Loti se destinó a construir una terraza de esculturas en el cuarto nivel del museo, posteriormente nombrada en su honor. [78]
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Primavera: The Belinda Jackson Exhibit , la exposición más antigua de Australia, se ha realizado anualmente desde 1992 en honor a Belinda, la hija de Edward y Cynthia Jackson, una joyera . [79] Exhibe el trabajo de artistas australianos de 35 años o menos durante varios meses de verano. [80] Primavera brinda la oportunidad a los artistas aún no establecidos de exhibir su trabajo en una gran institución. [81] La exposición a menudo utiliza curadores invitados, aunque el personal curatorial del Museo de Arte Contemporáneo también ha trabajado en Primaveras anteriores . [82] Cada exhibición anual está diseñada con un tema único. En 2011, como resultado de las renovaciones del museo, la exhibición Primavera se realizó fuera del sitio. Las obras de arte de la exposición se exhibieron en varios lugares alrededor del museo y en toda el área de The Rocks de Sydney. [82]
En 2015, se anunció un proyecto colaborativo de cinco años entre las Galerías Tate de Gran Bretaña y el MCA para la adquisición mutua de obras de arte australianas contemporáneas. [83] Su objetivo es aumentar la reputación del arte australiano a nivel internacional. Financiadas por una donación de 2,75 millones de dólares de la Fundación Qantas , las galerías han adquirido 23 piezas de 16 importantes artistas australianos, muchas de las cuales se han exhibido en ambas instituciones. [84]
The National es una serie de exposiciones bienales de investigación que presentan artistas contemporáneos, organizadas como una asociación entre la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur , Carriageworks y el MCA y que se llevan a cabo en las tres sedes. [85] [86] La exposición The National: New Australian Art se lanzó en 2017, diseñada para "reflejar la diversidad de perspectivas culturales, políticas y sociales que preocupan a los artistas [australianos]". The National fue diseñada en tres iteraciones, con las últimas en 2019 y 2021, exhibiendo el trabajo de 150 artistas australianos. [87]
El Museo de Arte Contemporáneo organiza una serie de programas públicos a lo largo de su calendario, incluido un programa de aprendizaje indígena y un programa de investigación "Arte + Demencia". [88]
El programa Bella fue establecido en 1993 [89] por los patrocinadores Edward y Cynthia Jackson y la familia Jackson. [90] La temporada del programa coincidía anteriormente con la exposición Primavera, sin embargo, la incorporación del Centro Nacional para el Aprendizaje Creativo y la financiación de benefactores privados en 2012 permitieron que el programa Bella se llevara a cabo durante todo el año. Diseñado para jóvenes [91], el programa se centra en cuestiones de acceso al arte contemporáneo para personas con discapacidades e individuos social y económicamente desfavorecidos. El programa ofrece sesiones en las galerías y talleres prácticos. [90]
En 2011, el programa Bella colaboró con Good Vibrations, un proyecto itinerante de arte interactivo para jóvenes y adultos con discapacidades. [90] La caravana, diseñada por los artistas Bruce Odland y Michael Luck Schneider, [91] está equipada con dispositivos técnicos que crean respuestas sensoriales a imágenes, sonidos y vibraciones. [90]
En 2012 se instaló en el Centro Nacional de Aprendizaje Creativo la Sala Bella, dedicada a este tema. Cada año, se encarga a un nuevo artista que produzca una obra en la Sala Bella relacionada con un tipo diferente de discapacidad. [91] La sala ofrece un entorno sensorial en el que los estudiantes, dirigidos por artistas-educadores, pueden interactuar con el arte. [89]
El programa GENEXT se lleva a cabo desde 2005 como un programa de participación pública dirigido a jóvenes de 12 a 18 años, a cargo del Comité de Jóvenes de la MCA. GENEXT es un programa extracurricular que incluye actividades como música en vivo, debates y talleres de arte. [92] Se lleva a cabo cuatro veces al año y contó con más de 16.000 participantes a lo largo de sus primeros diez años de funcionamiento. [93]
En colaboración con la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur , el Museo de Arte Contemporáneo participa en el Festival de Sídney y la Bienal de Sídney , un evento celebrado parcialmente en línea en 2020 debido a la pandemia. [94]
La Feria anual de fanzines del MCA , que se celebró por primera vez en 2008, se organiza en conjunto con el Festival de Escritores de Sídney . Se lleva a cabo en el jardín delantero del MCA y cuenta con más de 50 puestos de artistas de fanzines nuevos y consagrados. [95]
En 2016, se lanzó el programa The Artful: Art and Dementia como una colaboración de investigación de tres años entre el MCA, el Brain and Mind Centre, la Universidad de Sydney y Dementia Australia con el objetivo de establecer un vínculo entre el arte y una mayor neuroplasticidad. [96] El programa continúa anualmente. [97]
El programa de seis semanas incluye un recorrido por obras seleccionadas en todo el museo, sesiones semanales de creación artística de dos horas con artistas-educadores capacitados y un paquete "Artful at home" que contiene materiales para crear arte en casa. La última semana del programa es una sesión de exposición, en la que se invita a los amigos y familiares de los participantes a ver su arte. [96] En 2020, el programa lanzó un kit de herramientas digitales en línea para permitir la participación fuera del sitio. [98]
