Malcolm A. Morley (7 de junio de 1931 – 1 de junio de 2018) fue un artista visual y pintor británico-estadounidense. Fue conocido como un artista pionero en varios estilos, trabajando como fotorrealista y expresionista, entre muchos otros géneros. En 1984, ganó el Premio Turner inaugural .
Morley nació en el norte de Londres. Tuvo una infancia problemática: después de que su casa fuera parcialmente destruida por una bomba durante la Segunda Guerra Mundial , su familia se quedó sin hogar durante un tiempo. [1] Recordó que había construido una maqueta de madera de balsa del HMS Nelson y la había colocado en el alféizar de su ventana cuando la bomba alemana destruyó la casa junto con la maqueta. "El impacto fue tan violento", escribe un experto en Morley, "que Morley reprimió este recuerdo hasta que resurgió 30 años después durante una sesión psicoanalítica". [2]
Cuando era adolescente, Morley fue sentenciado a tres años en la prisión de Wormwood Scrubs por allanamiento de morada y hurto menor. Mientras estaba allí, leyó la novela de Irving Stone de 1934 Lust for Life , basada en la vida de Vincent van Gogh , y se inscribió en un curso de arte por correspondencia. [2] Más tarde recordaría estos duros comienzos con algo de humor: "Me siento muy mal por los artistas que no han tenido mucho que pasar en sus primeros años de vida", dijo una vez. [3] Liberado después de dos años por buena conducta, se unió a una colonia de artistas en St. Ives, Cornwall , luego estudió arte primero en la Camberwell School of Arts , descrita por un historiador de arte como, en ese momento, "una de las escuelas de arte más progresistas y emocionantes de Londres", [4] y luego en el Royal College of Art (1955-1957), donde sus compañeros de estudios incluyeron a Peter Blake y Frank Auerbach . [5] En 1956, vio la exposición «Arte moderno en los Estados Unidos: una selección de las colecciones del Museo de Arte Moderno» [2] en la Tate Gallery , y comenzó a producir pinturas en un estilo expresionista abstracto . De todos modos, diría más tarde que «me hubiera gustado ser Pollock , pero no querría ser después de Pollock. Mi ambición era demasiado grande». [4]
Morley visitó la ciudad de Nueva York, que en ese momento era un importante centro del mundo del arte occidental, en 1957. Se mudó allí al año siguiente, después de lo cual conoció a artistas como Barnett Newman , Cy Twombly , Roy Lichtenstein y Andy Warhol . [6] Su primera exposición individual fue en la Kornblee Gallery en 1964, [7] en parte a instancias del comerciante de arte Ivan Karp , que tenía reputación de ser un buscador de talentos y había trabajado con el legendario comerciante Leo Castelli . [8]
A mediados de la década de 1960, Morley enseñó brevemente en la Universidad Estatal de Ohio y luego regresó a la ciudad de Nueva York, donde enseñó en la Escuela de Artes Visuales (1967-1969) y en la Universidad de Stony Brook (1970-1974). [9]
Morley realizó exposiciones individuales en galerías como la Clocktower Gallery, Institute for Art and Urban Resources, Nueva York (1976); Nancy Hoffman Gallery, Nueva York (1979); y Stefanotty Gallery, Nueva York (1979). Participó en la importante exposición internacional Documenta , en Kassel, en 1972 [ cita requerida ] y 1977 [ cita requerida ] , y en el Carnegie International , en 1985.
La Whitechapel Gallery de Londres organizó una gran exposición retrospectiva en 1983, que le valió la primera edición del Premio Turner , otorgado por la Tate , en 1984. [6] El artista recordó el momento en que se enteró de que había ganado el premio: "Cuando lo llamaron para comunicarle que había ganado, estaba sentado en su estudio tipo loft en el Bowery, 'viendo a un vagabundo cagando en la calle. Parecía irreal: allí estaba yo, viendo este acto; al minuto siguiente me dijeron que había ganado el Turner. Me quedé anonadado'". [10]
Al año siguiente, compró una iglesia metodista en Bellport , Long Island , estado de Nueva York , donde residiría el resto de su vida. A principios de la década de 1980 se casó con la artista brasileña Marcia Grostein . Morley obtuvo la ciudadanía estadounidense en 1990. Fue objeto de exposiciones en museos como la Tate Liverpool (1991); el Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou , París (1993); Fundación La Caixa, Madrid (1995); la Hayward Gallery , Londres (2001); y el Ashmolean Museum , Oxford (2013-14).
En el momento de su muerte, Morley residía en Bellport, Nueva York , donde compartía una casa con Lida Morley, su amada y cariñosa esposa desde 1986. Murió en Bellport el 1 de junio de 2018, seis días antes de su 87.º cumpleaños. [11]
Los primeros trabajos de Morley al salir de la escuela de arte, mientras permanecía en Inglaterra, adoptaron estilos de pintura naturalistas tradicionales. Su obra era "un compromiso entre el naturalismo de la vieja escuela basado en la observación y el arte que era moderno principalmente porque sus temas eran reconociblemente actuales". [8]
Tras su llegada a Nueva York, a principios de los años 1960 comenzó a trabajar de forma abstracta, creando varias pinturas formadas únicamente por franjas horizontales con vagas sugerencias de temas náuticos, ya sea en las imágenes o en los títulos de las obras.
También conoció a Andy Warhol y Roy Lichtenstein y, influenciado en parte por ellos, hizo el cambio drástico hacia un estilo fotorrealista (Morley prefería la frase Superrealista ). Inspirado al ver a Richard Artschwager usando esta técnica, comenzó a usar una cuadrícula para transferir imágenes fotográficas (a menudo de barcos) al lienzo , y se convirtió en uno de los primeros y más destacados fotorrealistas, junto con Gerhard Richter , Richard Artschwager y Vija Celmins .
Después de ver una de las pinturas de Morley de un transatlántico, Artschwager le sugirió que visitara el Muelle 57 y pintara algunos barcos de la vida real. "Fui al Muelle 57, tomé un lienzo e intenté hacer una pintura al aire libre", dijo Morley. "Pero era imposible comprenderlo de una sola mirada, un extremo está allí, el otro extremo está allí, una imposibilidad de 360 grados. Estaba asqueado; tomé una postal de este crucero llamado Queen of Bermuda". [2] Adoptaría este como su estilo durante algunos años, transponiendo imágenes de una variedad de fuentes (folletos de viajes, calendarios , pinturas antiguas) al lienzo. Un factor que distinguía a Morley de sus colegas fotorrealistas era que, en lugar de pintar a partir de la fotografía en sí, pintaba a partir de reproducciones impresas como postales, a veces incluso incluyendo el borde blanco alrededor de una imagen de postal o el logotipo corporativo de una página de calendario. [8] Su elección de estos materiales sosos fue en parte motivada por el deseo de encontrar imágenes de la cultura pop que otros artistas, como Warhol y Lichtenstein, no estaban usando ya: “Lo que quería era encontrar una iconografía que no estuviera manchada por el arte”. [2] Morley logró un “éxito instantáneo” con ese trabajo. [4]
En la década de 1970, la obra de Morley comenzó a ser más expresionista , con pinceladas más sueltas, y comenzó a incorporar collage y performance en su trabajo, por ejemplo en 1972, cuando fue invitado a pintar una versión de La Escuela de Atenas de Rafael en la Universidad Estatal de Nueva York en Potsdam , frente a una audiencia. [6] Pintó disfrazado como Pitágoras , que aparece en la pintura. Cuando Morley se dio cuenta de que no logró alinear una de las filas, dejó que el error permaneciera en la obra terminada. Su actuación sirve como ejemplo para un curador de que la técnica de reproducción en cuadrícula está menos preocupada por las reproducciones fieles de los viejos maestros y más por las "posibilidades no probadas de la pintura contemporánea y la construcción pictórica". [8]
Su obra se nutre a menudo de diversas fuentes en un proceso de fertilización cruzada. Por ejemplo, su cuadro El día de la langosta (1977) toma su título de la novela de 1939 El día de la langosta , de Nathanael West . Una escena del cuadro está extraída de la escena inicial de la novela, y otras escenas están extraídas de la película De repente , de 1954, y de la película de Sergei Eisenstein El acorazado Potemkin , de 1925. [1] En el cuadro, la portada de una guía telefónica de Los Ángeles está superpuesta con una maraña de imágenes, algunas de ellas basadas en su obra anterior (cruceros, aviones) y otras en modelos pintados, que se convirtieron en un pilar de su temática durante el resto de su carrera. "No me gusta llamarlos juguetes", dijo el artista, "me gusta llamarlos modelos. Lo que pasa con los llamados 'juguetes' es que hay una inconsciencia en la sociedad que se manifiesta en sus juguetes. Los juguetes representan un arquetipo de la figura humana". [2]
El artista recurrió a nuevos temas, incluida la mitología y el mundo clásico, en su obra de la década de 1980, dando a sus pinturas títulos como Crimen del Egeo (1987), Cuna de la civilización con mujer americana (1982), [12] [13] Adiós a Creta , [14] y Arco iris negro sobre Edipo en Tebas (1988) y representando figuras minoicas ; el viaje a los Estados Unidos también resultó en el uso destacado de muñecas kachina nativas americanas y otros motivos de esas culturas. Su éxito comercial le ofreció la oportunidad de viajar a estos lugares y muchos más, lo que resultó en diversas nuevas influencias e inspiraciones. [2] Con frecuencia adoptó un manejo de pintura muy suelto, con goteos y salpicaduras. Pinceladas y temas expresionistas similares de artistas como Julian Schnabel , Eric Fischl , Georg Baselitz y Anselm Kiefer dieron como resultado que los curadores identificaran un movimiento " neoexpresionista ", en el que lo incluyeron, aunque no le gustaba la etiqueta.
En la década de 1990, el artista volvió a su temática inicial de grandes buques de alta mar, a menudo con la adición de aviones de combate que construía con papel, pintaba con acuarela y luego pegaba a la superficie del lienzo (lo que dio como resultado, como le dijo a un entrevistador, el juego de palabras de un "plano tridimensional" [2] ). En un ejemplo, El vuelo de Ícaro (1997), el avión tiene unas cincuenta y dos pulgadas de profundidad. [2] El artista también se diversificó en esculturas completamente independientes, con una pieza, Port Clyde (1990), que muestra un barco en el marco de una ventana, como si hiciera referencia al modelo perdido de la infancia del artista del HMS Nelson . [2]
El fotoperiodismo contemporáneo fue el tema de las pinturas del artista de la década siguiente, con carreras de motos y autos, fútbol, esquí, natación y carreras de caballos recibiendo atención. [15] El artista también regresó a las "catástrofes" que estaban entre sus primeros temas, representando accidentes automovilísticos (incluido uno que mostraba el accidente que resultó en la muerte de la estrella de las carreras de autos Dale Earnhardt ), las secuelas de la Guerra de Afganistán y el colapso de un edificio en Brooklyn, entre otros temas. En la última década de su vida, Morley continuó representando aviones de combate de principios y mediados del siglo XX, así como a los pilotos que los volaron durante la Primera y Segunda Guerra Mundial, incluido el legendario as de la aviación Manfred von Richthofen , el "Barón Rojo". También se centró en la historia inglesa del siglo XVIII, creando obras que incorporaron figuras militares como Arthur Wellesley, primer duque de Wellington y Horatio Nelson, primer vizconde Nelson . "Me enamoré de ese período", dijo una vez, "que fue grandioso para los británicos". [16]
Honores/Premios Seleccionados:
Las obras más caras del artista vendidas en subasta:
La obra de Morley está incluida en colecciones públicas que incluyen: